Bildhauer 21. Jahrhundert
Jan Leth Aagensen war ein dänischer Künstler. Er machte sich einen Namen als Lithograf und wurde später durch seine Skulpturen bekannt.
Jan Leth Aagensen wurde von 1965 bis 1969 an der Königlichen Dänischen Akademie der Schönen Künste bei Professor Søren Hjort Nielsen ausgebildet. Seine erste Ausstellung fand 1961 auf der Kunstnernes Forårudstilling (Frühjahrsausstellung der Künstler) statt. Er ist Mitglied in verschiedenen Kunstgruppen: Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, dem Verband der Königlich Dänischen Akademie der Schönen Künste und dem Verband der dänischen Kunstgraveure.
Jan Leth hat an verschiedenen Einzel- und Gruppenausstellungen teilgenommen und Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und Installationen in Dänemark und im Ausland präsentiert. Im Laufe seines Lebens hat er zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien erhalten. Der dänische Staat gewährte ihm 1998 ein Wirtschaftsstipendium auf Lebenszeit. Sein Werk ist in den Sammlungen von Galerien in Dänemark und im Ausland vertreten.
Magdalena Abakanowicz war eine polnische Bildhauerin und Textilkünstlerin, bekannt für ihre innovativen großformatigen Kunstwerke. Geboren 1930 in Falenty, Polen, entwickelte sie eine besondere Faszination für die organische Beschaffenheit und die vielfältigen Ausdrucksmöglichkeiten von Textilmaterialien.
In den 1960er Jahren revolutionierte Abakanowicz die bildende Kunst mit ihren „Abakans“, raumfüllenden Textilskulpturen, die traditionelle Grenzen der Textilkunst sprengten. Diese Werke zeichnen sich durch ihre unkonventionellen, oft biomorphen Formen aus und sind inspiriert von Themen der Freiheit und der menschlichen Existenz. Ihre Skulpturen sind in bedeutenden Sammlungen und Museen weltweit vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York und das Centre Pompidou in Paris.
Abakanowicz' Beitrag zur modernen Kunst geht über reine Ästhetik hinaus. Sie hinterfragte konventionelle Kunstformen und brachte Textilien als Medium in den Vordergrund, wodurch sie die Sichtweise auf Material und Form in der Kunst nachhaltig veränderte.
Für Sammler und Kunstexperten bietet die Auseinandersetzung mit den Werken von Abakanowicz eine tiefgreifende Einsicht in die Rolle von Textilien in der modernen Skulptur. Ihre Arbeiten bieten nicht nur visuelle, sondern auch konzeptuelle Tiefe.
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Angelo Accardi ist ein zeitgenössischer italienischer Künstler. Er wuchs umgeben von moderner und traditioneller Kunst auf. Obwohl er Bildende Kunst an der Kunstakademie von Neapel studierte, schloss er seine Ausbildung nie ab. Angelo Accardi illustriert surreale Visionen des Alltags vor realistischen Kulissen von Stadt- und Naturlandschaften. Hinter jedem Bild steckt nie eine einzige Bedeutung, sondern eine ganze Geschichte. Ironisch, markant und verspielt – Accardis einzigartige Perspektive und sein avantgardistischer Stil sind das Ergebnis seiner vielfältigen Inspirationen.
Gilberto Horacio Aceves Navarro war ein mexikanischer Maler.
Aceves Nahm an zahlreichen nationalen und auch internationalen Ausstellung und Biennalen teil. Bei der Biennale in Cannes erhielt er eine Ehrenerwähnung und wurde auch von der UNAM mit einem Preis ausgezeichnet.
Terry Roger Adkins war ein amerikanischer Künstler. Er war Professor für Bildende Kunst an der School of Design der University of Pennsylvania.
Adkins war ein interdisziplinärer Künstler, dessen Praxis Skulptur, Performance, Video und Fotografie umfasste. Seine Kunstwerke waren oft von Musikern oder Musikinstrumenten inspiriert, ihnen gewidmet oder bezogen sich auf sie; bestimmte Installationen und Ausstellungen wurden manchmal als "Recitals" bezeichnet. Manchmal wurden diese Arrangements von Skulpturen in Aufführungen von Adkins' gemeinschaftlicher Performance-Gruppe, dem Lone Wolf Recital Corps, "aktiviert".
Urs Aeschbach ist ein Schweizer Medienkünstler, der in verschiedenen Techniken arbeitet. Die Natur ist stets ein Bildthema in Urs Aeschbachs Gemälden. Ihre Hauptprotagonisten sind Pilze, Gehölze, Tiere, Quallen sowie Hunde und Pferde. Die Künstlerin lässt sich von Fotografien und Illustrationen inspirieren. Neben der Malerei schafft Eschbach Kunst- und Bauprojekte, Videoarbeiten sowie Konstruktionen und Installationen.
Yaakov Agam, geboren am 11. Mai 1928 in Rishon LeẔiyyon, Israel, ist ein israelischer Bildhauer und experimenteller Künstler, der für seine Beiträge zur optischen und kinetischen Kunst bekannt ist. Agam, dessen ursprünglicher Name Jacob Gipstein lautet, revolutionierte die Kunstwelt durch die Einführung von Werken, die sich durch die Betrachtungsperspektive verändern. Er gilt als Pionier der kinetischen Kunst, einer Richtung, die Bewegung und Veränderung in den Mittelpunkt stellt.
Ein Höhepunkt seiner Karriere war die Ausstellung seiner Werke im Musée National d'Art Moderne in Paris 1972 und im Guggenheim Museum in New York 1980. Agams Kunst ist in zahlreichen Museumssammlungen vertreten, darunter das Museum of Modern Art und das Mildred Lane Kemper Art Museum. Für seine innovative „Agam-Methode“ zur visuellen Bildung von Kindern erhielt er 1996 die Jan Amos Comenius Medaille von der UNESCO.
Das Yaacov Agam Museum of Art (YAMA), das 2018 in seinem Geburtsort Rishon LeZion eröffnet wurde, ist das weltweit einzige Museum, das der Kunst in Bewegung gewidmet ist. Agams Werke erzielen die höchsten Preise aller israelischen Künstler auf Auktionen, was seine bedeutende Stellung in der Kunstwelt unterstreicht.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet das Studium von Agams Werk eine einzigartige Perspektive auf die Fusion von Kunst, Bewegung und optischer Illusion. Um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Yaakov Agam informiert zu werden, empfehlen wir, sich für Aktualisierungen anzumelden.
Wolfram Aïchele war ein Künstler aus Baden-Württemberg in Süddeutschland, Sohn des bekannten Tierkünstlers Erwin Aichele. Nach seiner Ausbildung zum Bildhauer studierte er religiöse und byzantinische Kunst und ließ sich dabei von seiner Pilgerreise nach Serbien, Kosovo, Mazedonien und zum Berg Athos inspirieren. Aïchele konzentrierte sich auf das Malen von Ikonen mit Eitempera und wollte den im 19. Jahrhundert verdorbenen reinen ikonografischen Stil wiederbeleben. Später zog er nach Paris, wo er verschiedene Einflüsse wie osteuropäische Volkskunst, persische Miniaturen und moderne Künstler wie Chagall und Klee erforschte. Aïcheles Werk entwickelte sich zu einer einzigartigen Mischung aus figurativer und abstrakter Kunst, die vor allem durch Aquarelle und gemalte Collagen zum Ausdruck kam.
Yō Akiyama (秋山 陽) ist ein japanischer Keramiker aus Kyoto. Er war eine späte Führungspersönlichkeit der Sōdeisha, einer Avantgarde-Künstlergruppe des 20. Jahrhunderts, die versuchte, das Verständnis von Ästhetik und Zweck in der modernen und zeitgenössischen Keramik neu zu definieren und sich auf skulpturale Attribute statt auf strikte Funktionalität konzentrierte. Akiyama studierte sechs Jahre lang direkt bei Kazuo Yagi, einem der Gründer von Sōdeisha. Später wurde Akiyama Professor an der Kyoto Municipal University of Arts and Music, wo er seit seiner Emeritierung im Jahr 2018 als Professor tätig ist. Als Künstler arbeitet er hauptsächlich mit schwarzer Keramik, einer Technik, bei der Ton bei niedriger Temperatur und unter rauchigen Bedingungen gebrannt wird, um einen dunklen Effekt zu erzielen. Seine überwiegend großformatigen Arbeiten sind reich an Texturen und abstrakt und betonen die erdige Materialität des Werks sowie seine Form.
Fanizani Akuda ist ein autodidaktischer Bildhauer aus Simbabwe, der in Sambia geboren wurde.
Er arbeitete als Steinmetz in einem Steinbruch, als er ein Werkzeug in die Hand bekam und seine erste Steinskulptur schuf. Mit seinem eigenen, einzigartigen Stil gelang es Fanizani, menschliche Emotionen in Stein zu übertragen. Seine Werke erkennt man an den geschlitzten Augen, den abgerundeten Formen, den fröhlichen und lächelnden Gesichtern, auch seine Themen sind glückliche Familien und die Interaktion zwischen Menschen und Tieren, oft in Paaren oder Gruppen.
Fanizani schnitzte auch gerne Pfeifenskulpturen. Fanizani und seinen einzigartigen Steinskulpturen ist es zu verdanken, dass Simbabwe heute international anerkannt ist.
Frederico Aguilar Alcuaz ist ein philippinischer Abstrakteur, Bildhauer und Keramiker sowie ein Meister der Tapisserie.
Er studierte Malerei an der School of Fine Arts der Universität der Philippinen, lebte und arbeitete dann sowohl auf den Philippinen als auch in Spanien, und in Brünn in der Tschechischen Republik widmete er sich der Herstellung von Wandteppichen.
Alcuaz hat mit seinen beeindruckenden abstrakten Werken in verschiedenen Genres und Techniken internationales Ansehen erlangt, und er hat international zahlreiche Ausstellungen bestritten.
Peter Alexander war ein US-amerikanischer Maler, Grafiker und Architekt. Peter Alexander wurde als Maler beeinflusst vom Light and Space Movement in Kalifornien. Das Hauptthema seiner Malerei waren das Lichtspiel und die Lichteffekte auf und über dem Wasser und den Wolken. In seinen Bildern verarbeitete er Unterwasser-Fantasien, schimmernde Seelandschaften und dunkle Wolken mit Sonnenlicht oder Blitzen. Seine erste Einzelausstellung hatte er im Jahr 1968 in der Robert Elkon Gallery in New York City.
Darren James Almond ist ein in London wohnhafter Konzeptkünstler in den Bereichen Fotografie, Film und Bildhauerei. Er arbeitete zunächst in verschiedenen Medien, vor allem mit Fotografie und Film, um die Auswirkungen der Zeit auf das menschliche Individuum zu erkunden.
Julio Uruguay Alpuy war ein uruguayischer Maler, Bildhauer und Wandmaler. Während seiner frühen Karriere gehörte Alpuy der Taller Torres-García (Schule des Südens) und der konstruktiven Kunstbewegung an. Während seine frühen Werke stark von Torres-Garcías Theorien über das, was er als konstruktiven Universalismus bezeichnete, beeinflusst waren, schöpfte Alpuy aus einer Vielzahl von Kulturen und Mythen, um Werke zu schaffen, die die Grenzen des konstruktiven Rasters sprengten. Darüber hinaus trug sein Studium in Europa und Lateinamerika dazu bei, ein Interesse am Kubismus und an Mythen zu entwickeln, das spätere Werke beeinflusste. Alpuy hatte eine steile Karriere und seine Werke werden weltweit ausgestellt.
Harold Ambellan ist ein amerikanischer Maler und Bildhauer.
Er studierte Bildhauerei und bildende Kunst in Buffalo, bevor er nach New York City zog. Die menschliche Figur steht im Mittelpunkt des Werks von Harold Ambellan. Er schuf monumentale Figuren, malte ausgiebig und hinterließ Tausende von Zeichnungen. Ambellan war einer der Teilnehmer an Roosevelts Federal Art Project, das während der Großen Depression Hunderte von Künstlern anstellte, die zusammen mehr als 100 000 Gemälde und über 18 000 Skulpturen schufen.
Ambellan blieb sowohl in seiner Bildhauerei als auch in seiner Malerei der Figuration verpflichtet. Im Jahr 1941 wurde er zum Präsidenten der Sculptors Guild of America gewählt, und im selben Jahr wurden seine Werke in Gruppenausstellungen im Metropolitan Museum of Art in New York und in der Academy of Fine Arts in Philadelphia gezeigt.
Im Jahr 1944 nahm Ambellan als Mitglied der US-Marine an der Befreiung der Normandie teil und unterrichtete anschließend dreidimensionale Kunst an der Workshop School in New York City. Aus politischen Gründen zog Ambellan 1954 nach Frankreich und blieb dort für den Rest seines Lebens, wo er in ganz Europa arbeitete und ausstellte.
Ghada Amer (arabisch غادة عامر) ist eine ägyptische Künstlerin. Sie arbeitet mit verschiedenen Kunstgattungen, die Bandbreite reicht von u. a. Malerei, Skulpturen bis zu Performances. Ihr zentrales Thema ist das Naturell der Frau, ihre Gleichstellung und die weibliche Sexualität, auch unter dem Gesichtspunkt von Ost und West. Internationale Bekanntheit erlangte Ghada Amer Mitte der 1990er-Jahre mit erotischen Frauenmotiven, die sie auf ihre Gemälde stickte.
Andreas Amrhein est un artiste contemporain allemand. Sa première exposition vérifiée était Arbeiten auf Papier "Blau" à la Galerie Michael Schultz à Berlin en 1994. Andreas Amrhein est le plus souvent exposé en Allemagne, mais a également eu des expositions en Autriche, en Chine et ailleurs.
El Anatsui, ein am 4. Februar 1944 geborener ghanaischer Bildhauer, hat sich mit seinen ikonischen Flaschendeckel-Installationen eine Nische geschaffen. Sein künstlerisches Schaffen schlägt eine Brücke zwischen seinen ghanaischen Wurzeln und seiner Karriere in Nigeria und findet aufgrund seiner innovativen Verwendung alltäglicher Materialien internationale Anerkennung. Anatsuis großformatige Wandteppiche aus Metall, die er akribisch aus weggeworfenen Flaschendeckeln und Kupferdraht zusammensetzt, spiegeln seine lebenslange Beschäftigung mit lokalen Materialien und Handwerkskunst wider.
Als Angehöriger der Ewe-Nation ist El Anatsuis Abstammung eng mit der Kunst verbunden; er ist der Sohn eines Meisterwebers von Kente-Stoff. Dieses Erbe spiegelt sich in seinem Werk wider, ebenso wie seine formale Kunstausbildung an der Kwame Nkrumah University of Science and Technology in Kumasi, Ghana. Anatsuis Skulpturen sind nicht einfach nur Kunstwerke, sondern Erzählungen, die aus Holz, Metall und Ton gewebt sind, wobei jedes Stück mit einer Geschichte schimmert.
Anatsuis Installationen zeugen von seiner transformativen Vision, einfache Materialien in wandelbare Skulpturen umzuwandeln, die ein weltweites Publikum ansprechen. Seine Werke, die oft in renommierten Museen und Galerien zu sehen sind, sind mehr als nur Skulpturen; sie sind Dialoge über Nachhaltigkeit und Kultur und laden den Betrachter ein, die Bedeutungsschichten in ihnen zu entschlüsseln.
Für Sammler, Auktionatoren und Kunstkenner sind El Anatsuis Werke eine Mischung aus Geschichte, Innovation und Kunstfertigkeit, die sie zu bedeutenden Ergänzungen jeder Sammlung machen. Wenn Sie über die neuesten Werke von El Anatsui und seine faszinierenden Kreationen auf dem Laufenden bleiben möchten, melden Sie sich für unseren Newsletter an.
Carl Andre ist ein amerikanischer minimalistischer Künstler, der für seine skulpturalen Werke aus industriellen Materialien wie Metallplatten, Ziegeln und Betonblöcken bekannt ist. Er war eine Schlüsselfigur der minimalistischen Kunstbewegung der 1960er und 1970er Jahre, die den Schwerpunkt auf die Verwendung vereinfachter Formen und Materialien legte.
In den 1960er Jahren begann Andre, seine charakteristischen Bodenskulpturen zu schaffen, die aus standardisierten Einheiten aus Metall, Holz oder anderen Materialien bestehen, die in einfachen geometrischen Mustern direkt auf dem Boden angeordnet sind. Sein Werk war oft umstritten, da viele Kritiker es als zu simpel oder gar nihilistisch ansahen. Allerdings wurden Andres Skulpturen auch für ihre schlichte Schönheit und ihre Fähigkeit, traditionelle Vorstellungen von Kunst und Skulptur zu hinterfragen, gefeiert.
Im Laufe seiner Karriere hat Andre seine Werke in den wichtigsten Museen und Galerien der Welt ausgestellt. Andre lebt und arbeitet weiterhin in New York City, wo er nach wie vor eine einflussreiche Figur in der Kunstwelt ist.
Konstantin Andreou (griechisch: Κωνσταντίνος Ανδρέου; portugiesisch: Constantine Andreou) ist ein griechischer Künstler und Bildhauer brasilianischer Herkunft, der sechs Jahrzehnte lang eine sehr erfolgreiche Karriere hatte. Andreou wird von vielen als eine herausragende Persönlichkeit der internationalen Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts gepriesen.
Constantin Andreou kämpfte während des Zweiten Weltkriegs in der griechischen Armee und schloss sich nach der Besetzung Griechenlands dem bewaffneten Widerstand an. Nach dem Ende des Krieges erhielt Andreou 1945 ein Stipendium der französischen Regierung und zog nach Paris. Dort entwickelte er 1947 eine innovative künstlerische Technik, bei der er zum ersten Mal Messingplatten zusammenschweißte. Diese Technik ermöglichte es ihm, neue Ausdrucksformen in der Bildhauerei zu finden und machte ihn zu einem Innovator seiner Zeit.
Während seiner Zeit in Paris arbeitete der Künstler eine Zeit lang mit Le Corbusier zusammen. Andreous Werke wurden neben denen berühmter Künstler wie Pablo Picasso, Henri Matisse und Max Ernst ausgestellt, was von seinen herausragenden künstlerischen Leistungen zeugt.
Walerij Wladimirowitsch Androsow (russisch: Валерий Владимирович Андросов) ist ein sowjetischer und zeitgenössischer russischer Künstler. Er ist als Bildhauer, Architekt, Designer, Maler, Grafiker und Lehrer bekannt.
Walerij Androsow schafft Landschaften, Stillleben und Porträts sowie Fantasiewerke. Er ist auch als Autor einer großen Sammlung von Exlibris bekannt, die den Charakter und die Interessen der Buchbesitzer genau wiedergeben. Zu verschiedenen Zeiten war er Chefkünstler des Mosstroiplastmass-Kombinats und Direktor der Gemäldegalerie von Mytischtschi. Er schuf auch Denkmäler für die Gefallenen des Großen Vaterländischen Krieges und für die Piloten des Mytischtschi Aero Clubs, wobei er sein Können in verschiedenen künstlerischen Richtungen unter Beweis stellte.
Horst Antes war ein deutscher Maler, Grafiker und Bildhauer, der zu den Pionieren der neuen figurativen Malerei in Deutschland gehört.
Er studierte von 1957 bis 1959 an der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe und war dort Professor.
Berühmt wurde Antes durch seine Darstellung des Kopffüßlers, die seit den frühen 1960er Jahren ein wiederkehrendes Thema in seinen Gemälden, Skulpturen und Grafiken ist. Antes' Werk ist in mehreren bedeutenden Sammlungen in Berlin, Hamburg, Köln und anderen deutschen Städten vertreten.
Richard Anuszkiewicz war ein amerikanischer Maler, Druckgrafiker und Bildhauer, bekannt für seine Beiträge zur Op-Art-Bewegung. Sein Werk zeichnet sich durch eine präzise, mathematische Herangehensweise an Farbe und Komposition aus, wodurch er einer der führenden Köpfe dieser Kunstrichtung wurde. Anuszkiewicz studierte an der Cleveland Institute of Art und anschließend an der Yale University School of Art and Architecture, wo er von Josef Albers geprägt wurde. Diese Einflüsse führten ihn weg von realistischen Darstellungen hin zu abstrakten, farbzentrierten Arbeiten.
Eines seiner frühen Werke, "Fluorescent Complement", verkauft in seiner ersten Solo-Ausstellung in der Contemporaries Gallery in New York, markierte den Beginn seiner Anerkennung. Der Erfolg dieser Ausstellung, teilweise durch den Kauf von Alfred H. Barr Jr., dem damaligen Direktor des Museum of Modern Art, katalysiert, festigte Anuszkiewicz' Stellung in der Kunstwelt.
Anuszkiewicz' Arbeiten sind in vielen bedeutenden Sammlungen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Guggenheim Museum, die Whitney Museum of American Art und das Metropolitan Museum of Art. Seine Ausstellungen und Werke illustrieren das Bestreben, durch kontrastierende Farben und geometrische Formen visuelle Effekte und Illusionen zu erzeugen, die den Betrachter faszinieren und herausfordern.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet das Werk von Richard Anuszkiewicz einen faszinierenden Einblick in die Op-Art-Bewegung und ihre Wirkung auf die moderne Kunst. Seine methodische Untersuchung von Farbe und Form und deren Zusammenspiel demonstrieren eine einzigartige Verschmelzung von Wissenschaft und Kunst.
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Arcangelo ist ein italienischer zeitgenössischer Künstler, der in Mailand lebt und arbeitet.
Arcangelos Werke zeigen den stilistischen Einfluss von Arte Povera und der italienischen Transavantgarde. Seine "emotionalen Landschaften" sind von assoziativen Bildern geprägt.
Kurt Emil Hugo Arentz war ein deutscher Künstler und Bildhauer, der für seine zahlreichen Werke in den verschiedenen Stadtteilen von Leverkusen bekannt ist. Ein Teil seiner Werke befindet sich auch im Schloss Nörvenich im Museum für Europäische Kunst.
Armando, geboren als Herman Dirk van Dodeweerd, war ein niederländischer Maler, Bildhauer, Dichter, Schriftsteller, Geiger, Schauspieler, Journalist, Film-, Fernseh- und Theatermacher. Armando war sein offizieller Name; sein Geburtsname, das Pseudonym, wie er es nannte, existierte für ihn nicht mehr. Er selbst sah seine Arbeit aufgrund seiner Erfahrungen aus dem Zweiten Weltkrieg in der Nähe von Kamp Amersfoort als «Gesamtkunstwerk».
Alexandre Arrechea ist ein kubanischer bildender Künstler. Seine Arbeit befasst sich mit Konzepten der Macht und ihrem Netzwerk aus Hierarchien, Überwachung, Kontrolle, Verboten und Unterwerfung.
Zwölf Jahre lang war er Mitglied des Kunstkollektivs Los Carpinteros, bis er die Gruppe im Juli 2003 verließ, um seine Karriere als Solokünstler fortzusetzen. Seine Kunst im öffentlichen Raum Die Beteiligung des Betrachters am Werk trägt zu seiner Kontemplation bei. Das Werk entsteht aus den menschlichen Aktionen und Reaktionen angesichts der zeitgenössischen Versionen der Weltanschauung, die Jeremy Bentham bereits im 18. Das Auge der Macht beobachtet alles und jeden, und jeder beobachtet alle anderen und sich selbst.
Daniel Arsham ist ein amerikanischer Künstler und Bildhauer, Mitbegründer und Partner des Designbüros Snarkitecture. Lebt und arbeitet in New York. Zu seinen Projekten gehören Kollaborationen mit James Franco, Merce Cunningham, Hajimre Sorayama, Heidi Slimane und Pharrell Williams. Er hat auch Aufträge für Marken wie Calvin Klein und Louis Vuitton ausgeführt.
Aslan, eigentlicher Name Alain Gourdon, französischer Künstler, Illustrator und Bildhauer. In Frankreich ist er vor allem für seine Pin-up-Fotos bekannt. Er studierte an der Ecole Nationale des Beaux-Arts in Paris.
Aslan war auch der Autor von Büsten und Statuen zahlreicher berühmter Persönlichkeiten (Schauspieler, Politiker, Sänger). Seine Werke sind oft von Anmut, Mut und Leidenschaft geprägt. Aslan versteht es meisterhaft, die Schönheit und emotionale Tiefe des weiblichen Körpers zu vermitteln, indem er mit Linien, Formen und Licht spielt. Seine Kompositionen rufen oft gemischte Gefühle hervor: Sie sind sowohl elegant als auch provokativ und evozieren einen Dialog zwischen Erotik und Kunst.
Aslans Arbeiten haben ein surreales Element, das seinem Werk einen Hauch von Geheimnis und Einzigartigkeit verleiht. Mit Leichtigkeit verbindet er Realität und Fantasie und schafft eine Welt voller unberechenbarer und mystischer Bilder.
Pablo Atchugarry ist ein uruguayischer Künstler, der vor allem für seine abstrakte Bildhauerkunst bekannt ist. Seine Werke sind in vielen bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, und er hat weltweit mehr als hundert Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen veranstaltet.
Für jede Skulptur wählt Atchugarry persönlich einen geeigneten Block aus und ist mit minimaler Hilfe von Assistenten aktiv an dessen Bearbeitung beteiligt. Er arbeitet mit weißem Carrara-Marmor aus der Toskana, grauem Stein aus Bardiglio, schwarzem aus Belgien und rosa aus Portugal. Neben Stein verwendet er auch Bronze mit verschiedenen Patinas, Keramik und, seltener, verschiedene Holzarten.
Ugo Attardi war ein italienischer Maler, Bildhauer und Schriftsteller. Ugo Attardi galt als einer der bekanntesten Künstler in Italien. Nach dem Zweiten Weltkrieg war er Mitbegründer der Gruppe Forma 1, die 1945 als Zusammenschluss von Künstlern auf dem Gebiet der abstrakten Kunst entstand. In den Folgejahren waren seine Werke vermehrt vom Expressionismus beeinflusst. Seit den 1950er Jahren war er regelmäßig auf der Kunstbiennale in Venedig vertreten. Italienische Museen widmeten ihm zahlreiche Einzelausstellungen und einige seiner Skulpturen sind weltweit zu finden.
Tauba Auerbach ist eine bildende Künstlerin, die in vielen Disziplinen arbeitet, darunter Malerei, Künstlerbücher, Skulptur und Weberei. Sie lebt und arbeitet in New York.
Auerbach, die ihr Leben lang Mathematik und Physik studiert hat, beschäftigt sich in ihren Werken mit Strukturen und Zusammenhängen auf mikroskopischer bis hin zu universeller Ebene.
Janis Avotins ist ein lettischer Künstler, der 1981 in Riga geboren wurde. Er wurde an der lettischen Kunstakademie und am Royal College of Art in London ausgebildet. Avotins arbeitet in verschiedenen Medien, darunter Malerei, Zeichnung und Bildhauerei, und sein Werk zeichnet sich durch einen experimentellen Umgang mit Form und Technik aus. Er wurde für seine Ausstellungen in internationalen Galerien wie den Serpentin Galleries in London und der Biennale von Venedig ausgezeichnet.
Robert Pjetrosowitsch Awakjan (russisch: Роберт Петросович Авакян) war ein sowjetischer und usbekischer Künstler armenischer Herkunft in der zweiten Hälfte des zwanzigsten und Anfang des einundzwanzigsten Jahrhunderts. Er ist als Maler, Grafiker, Bildhauer und Lehrer bekannt.
Robert Awakjan wurde in Malerei ausgebildet, ist aber vor allem als Schöpfer von Monumentalskulpturen bekannt. Er arbeitete aktiv in Taschkent und nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, darunter auch an internationalen Bildhauerwettbewerben. Der Meister hinterließ seine Spuren auch in usbekischen Städten wie Buchara, Nukus und Yangibazar, wo er bedeutende Monumentalwerke schuf.
Kenjiro Adzuma (japanisch: 吾妻 兼治郎) ist ein japanischer abstrakter Bildhauer, der für seinen avantgardistischen und innovativen Ansatz in der Bildhauerei und Installationskunst bekannt ist und zu den wichtigsten japanischen Künstlern nach dem Zweiten Weltkrieg zählt. Er lebte und arbeitete auch viele Jahre lang in Italien. Er studierte Bildhauerei an der Graduate School of Art der Universität Tokio und an der Brera Academy of Fine Arts in Mailand, wo er die Klasse von Marino Marini besuchte.
Kenjiro Adzuma war eine Schlüsselfigur der japanischen Kunstbewegung, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren als Mono-ha (Schule der Dinge) bekannt wurde. Mono-ha-Künstler untersuchten die Beziehung zwischen natürlichen und industriellen Materialien und stellten sie oft nebeneinander, um nachdenklich stimmende Installationen zu schaffen.
Hans Matthäus Bachmayer war ein deutscher expressionistischer Maler und Bildhauer.
Bachmayer schuf großformatige, expressive Gemälde. Seine Skulpturen bestehen aus einzelnen Holzstücken, die zu bizarr geformten Gebilden zusammengeklebt werden. Die ausdrucksstarke Färbung der rauen Materialien erzeugt eine interessante Spannung zwischen Farbe und Form.
Donald Baechler war ein US-amerikanischer Künstler.
Seine Skulpturen und Malereien sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, beispielsweise im Museum of Modern Art (New York), im Whitney Museum of American Art (New York), im Guggenheim-Museum (New York), im Museum of Contemporary Art (Los Angeles), im Stedelijk Museum (Amsterdam), im Centre Georges Pompidou, Musée National d’Art Moderne (Paris).
Trisha Baga ist eine amerikanische Künstlerin, die in verschiedenen Medien arbeitet, darunter Videoinstallationen, Skulpturen, Malerei und Audioinstallationen. Sie ist bekannt für ihre Experimente mit Technologie und setzt in ihren Arbeiten häufig Stimme und Körper ein.
Ihre Arbeiten sind oft interaktiv und eine Kombination aus verschiedenen Elementen wie Projektionen, Klängen, Objekten und Bewegung. Sie ist auch dafür bekannt, dass sie private Elemente wie Mobiltelefone verwendet, um einzigartige und persönliche Kunstwerke zu schaffen.
Trisha Baga schöpft in ihrer Praxis aus dem Erbe der Bildhauerei, Malerei, Musik, Fotografie und Literatur. Zu den Themen, die sie erforscht, gehören zeitgenössische Ereignisse, die Verehrung von Helden und Berühmtheiten sowie die kollektive Geschichte. Baghis Installationen enthalten oft Filme, die aus Montagen und Collagen von gefundenem Filmmaterial und Fotografien bestehen, die so übereinander gelegt sind, dass einige Bilder andere verdecken. Die Filme werden direkt auf die Wand projiziert, über persönliche Gegenstände und Müll aus ihrem Atelier, so dass sie Schatten auf die Projektion werfen.
Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, unter anderem im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Museum of Modern Art in New York und auf der Biennale von Venedig.
Stephan Balkenhol ist ein deutscher Künstler, der für seine Skulpturen bekannt ist, die die menschliche Form einfangen. Er lebt in Frankreich und Deutschland und hat sich auf Holzskulpturen, Reliefs, Zeichnungen und grafische Techniken wie Lithografie, Holzschnitte und Schablonen spezialisiert. Sein unverwechselbarer Stil besteht aus grob geschnitzten und lebhaft bemalten Holzskulpturen, die oft Menschen, Tiere und Architekturen darstellen.
Balkenhols Sujets sind emotionslos, oft blicken sie ins Leere, was ihnen eine distanzierte und rätselhafte Aura verleiht. Sein Hauptmedium ist Holz, wobei weichere Hölzer präzise Gesichtsdetails ermöglichen und gleichzeitig Unvollkommenheiten wie Späne, Äste und Werkzeugspuren erhalten. Der Künstler fügt Farbe als letzten Schliff hinzu, um Anatomie und Vitalität zu betonen. Die strukturierten Oberflächen unter der Farbschicht verstärken den Sinn für das Leben in Balkenhols Werken.
Roger Ballen ist ein amerikanischer und südafrikanischer Fotograf, der in Johannesburg lebt und arbeitet.
Roger Ballen studierte Psychologie an der Universität von Kalifornien, Berkeley, und dieses Fachgebiet hilft ihm, die Welt um ihn herum besser zu verstehen und zu erforschen. Seine Reisen um die Welt führten ihn nach Südafrika, das zu seiner neuen Heimat geworden ist.
Ballen ist einer der jüngsten Fotografen, die ausschließlich in Schwarz-Weiß fotografieren und sich dabei an Formen des Minimalismus annähern.
Frank Balve ist ein deutscher Konzeptkünstler.
Er schafft Gemälde, Fotografien, Skulpturen, Performances und Filme. Seine Arbeiten sind oft von literarischen Werken inspiriert, von Dante bis zum Marquis de Sade. Balve malt seine Bilder, baut sie in Stein oder Papier, inszeniert sie vor der Kamera und setzt sie in Sprache um. In speziellen Installationen verbindet er seine Arbeiten zu Erfahrungsräumen, die der Betrachter durchlaufen kann.
Banksy ist das Pseudonym eines britischen Streetart-Künstlers. Seine Schablonengraffiti wurden anfangs in Bristol und London bekannt. Durch internationale Aktivitäten erlangte Banksy weltweite Bekanntheit. Banksy bemüht sich, seinen bürgerlichen Namen sowie seine wahre Identität geheimzuhalten.
Jennifer Bartlett war eine US-amerikanische Malerin und Bildhauerin.
Beeinflusst von Sol LeWitt, der als Künstler des Minimalismus mit der kunsttheoretischen Schrift Paragraphs on Conceptual Art (1967) wichtige Anregungen für die Konzeptkunst gab, arbeitete Bartlett anfangs akribisch genau an geometrischen Malereien mit abstrakten Themen und sehr unterschiedlicher Farbpalette. Sie verwendete verschiedene Malgründe, z. B. Stahlblech, Mahagoni und Sperrholz.
Franco Batacchi war ein italienischer Maler und Bildhauer.
Franco Batacchi präsentierte sich als Künstler der Renaissance, der neugierig auf moderne Experimente war und Materialien wie Tinte und Blattgold auf selbst hergestelltem Papier verwendete. Vom Papier konnte er mit gleichem Talent zu Skulpturen aus Stahl, anderen Metallen und Glas übergehen.
Mary Hilde Ruth Bauermeister war eine deutsche Künstlerin und Gartengestalterin.
Von der zweidimensionalen Zeichnung entwickelte sich das Werk Bauermeisters zunehmend in den Raum hinein – über Relief- und Materialbilder gelangte sie schließlich zu den „Linsenkästen“, der wohl geheimnisvollsten Werkgruppe der Künstlerin, mit der ihr 1964 der Durchbruch auf dem New Yorker Kunstmarkt gelang. In zum Betrachter hin offenen, weißen Holzkisten schuf Bauermeister kleine Welten aus glänzendem Glas, Lupen, Linsen und Prismen, hinterlegt von feinen Tuschezeichnungen und aufgetragenen Texten. Diese Kästen bieten mit ihren zwei oder drei gläsernen Bildebenen Raum für die Gedanken und Ideen der Künstlerin und sollen den Betrachter zur genauen Beobachtung anregen.