21e siècle
Gigi Porceddu est un sculpteur italien autodidacte qui travaille presque exclusivement avec la pierre de rivière de Sardaigne dans un style naïf qui lui est propre. Enfant, il a commencé à créer des figures à partir de la campagne environnante, en utilisant seulement un couteau et un tournevis, et il utilise toujours des outils simples pour travailler sur ses sculptures.
Porceddu reproduit les visages du sud de la Sardaigne sous forme de caricatures, mais le but de ce projet est en fait de décrire et de préserver la génétique des Sardes.
L'un des sujets préférés de Porceddu est celui des fonctionnaires, dont les images caricaturales ont plus d'une fois conduit à des conflits entre l'artiste et eux.
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Jan Leth Aagensen est un artiste danois. Il s'est fait un nom en tant que lithographe et s'est ensuite fait connaître pour ses sculptures.
Jan Leth a été formé à l'Académie royale danoise des beaux-arts sous la direction du professeur Søren Hjort Nielsen de 1965 à 1969. Sa première exposition a eu lieu en 1961 à Kunstnernes Forårudstilling (Exposition de printemps des artistes). Il est membre de plusieurs groupes artistiques : Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, l'Association de l'Académie royale danoise des beaux-arts et l'Association des artistes graveurs danois.
Jan Leth a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, présentant des peintures, des sculptures, des dessins et des installations au Danemark et à l'étranger. Au cours de sa vie, il a reçu de nombreux prix et bourses. L'État danois lui a accordé une bourse économique à vie en 1998. Son travail est représenté dans les collections de galeries au Danemark et à l'étranger.
Pacita Abad, une artiste philippine-américaine, était célèbre pour ses peintures vibrantes et colorées et sa technique de "trapunto", qui impliquait la couture et le rembourrage de ses toiles pour leur donner un effet tridimensionnel. Née en 1946 à Basco, Batanes, aux Philippines, Abad a eu une carrière artistique dynamique et variée, exposant dans plus de 60 expositions personnelles et 70 expositions collectives à travers le monde. Ses œuvres ont été reconnues pour leur utilisation audacieuse de la couleur et des matériaux mixtes, y compris des textiles traditionnels, des miroirs, des perles et des coquillages.
Abad a voyagé à travers plus de 80 pays, ce qui a eu un impact significatif sur son art, lui permettant de s'inspirer de différentes cultures et traditions visuelles. Elle a souvent intégré des éléments de ces cultures dans ses œuvres, reflétant son engagement envers la diversité culturelle et la compréhension interculturelle. Ses voyages et son art étaient également motivés par un désir profond de plaider en faveur des personnes marginalisées et des problématiques sociales, comme l'expérience des immigrants et les injustices sociales.
Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le San Francisco Museum of Modern Art et le Brooklyn Museum. Abad est décédée en 2004 à Singapour après une lutte contre le cancer du poumon, mais son héritage perdure à travers ses œuvres vibrantes et son impact sur l'art contemporain.
Pour en savoir plus sur Pacita Abad et rester informé des prochaines ventes aux enchères et événements qui présentent ses œuvres, inscrivez-vous à notre newsletter. Cela vous permettra de recevoir des mises à jour exclusives et des invitations à des expositions mettant en vedette l'héritage et l'art vibrant de Pacita Abad.
Soultan Chamsoutdinovitch Abaev (еn russe : Султан Шамсутдинович Абаев), un artiste russe, est célèbre pour ses peintures qui reflètent profondément la culture et l'histoire de la Tchétchénie. Né en 1957, Abaev a vécu une jeunesse marquée par des événements historiques significatifs qui ont influencé son œuvre artistique. Après avoir servi dans l'armée soviétique et travaillé à l'usine Baltique, il a poursuivi ses rêves artistiques en étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Repin à partir de 1981, où il s'est spécialisé en peinture et enseignement.
Son travail a été reconnu et apprécié non seulement pour son aspect artistique mais aussi pour son engagement envers les questions sociales et culturelles de la Tchétchénie. Abaev a participé activement à la vie sociale et culturelle de Grozny après avoir obtenu son diplôme en 1987, organisant et participant à de nombreuses expositions.
Abaev est également honoré en tant qu'Artiste émérite de la Fédération de Russie pour ses contributions significatives aux arts visuels, spécialement dans le genre de l'art paysager. Ses œuvres se retrouvent dans des collections privées et ont été exposées dans diverses galeries, témoignant de leur valeur tant sur le plan artistique que culturel.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire de la Tchétchénie à travers le pinceau d'un de ses artistes emblématiques, les œuvres de Soultan Chamsoutdinovitch Abaev offrent une fenêtre unique sur les paysages et les narratives de cette région.
Magdalena Abakanowicz était une artiste polonaise, reconnue principalement pour ses sculptures en fibres et ses installations extérieures massives. Née en 1930 à Falenty près de Varsovie, elle a survécu à l'occupation nazie et a vécu sous le régime communiste, périodes pendant lesquelles elle a développé une approche unique de l'art, influencée par les restrictions politiques et sociales de son temps. Abakanowicz a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie où elle a été contrainte de suivre les principes du réalisme socialiste, avant de se tourner vers la sculpture textile dans les années 1960.
Elle est célèbre pour ses œuvres comme "War Games", une série de sculptures monumentales évoquant des thèmes de destruction et de survie, et "4 Seated Figures", des sculptures qui explorent la condition humaine à travers des figures anonymes et incomplètes, reflétant son expérience personnelle et collective du trauma et de la résilience. Ses œuvres sont exposées dans des musées et des espaces publics partout dans le monde, notamment au Parc Grant à Chicago et au Jardin des sculptures de la National Gallery of Art à Washington, DC.
Abakanowicz a également été honorée de nombreux prix tout au long de sa carrière, affirmant son influence dans le monde de l'art contemporain jusqu'à son décès en 2017. Ses sculptures restent des témoignages puissants des impacts de l'histoire sur l'expression individuelle et collective.
Pour recevoir des mises à jour sur les ventes et les événements liés aux œuvres de Magdalena Abakanowicz, inscrivez-vous à notre newsletter. Ne manquez aucune occasion d'acquérir des pièces uniques et de participer à des enchères exclusives. Restez connecté au monde fascinant de l'art et enrichissez votre collection. Inscrivez-vous dès maintenant !
Mikhail Georgievitch Abakoumov (еn russe : Михаил Георгиевич Абакумов) était un artiste peintre russe post-soviétique né en 1948 à Kolomna. Il est reconnu pour ses œuvres dans lesquelles il capture l'essence de la Russie à travers des paysages et des scènes de genre profondément enracinées dans sa ville natale et ses environs. Abakoumov a fréquenté l'école d'art de Moscou Kalinina avant d'entrer à l'Académie des arts de l'URSS où il a été influencé par les académiciens A. P. et S. P. Tkachev et A. M. Gritsai.
Son travail est apprécié pour son approche réaliste et son attachement émotionnel à la Russie, ce qui lui a valu d'être nommé Artiste du peuple de Russie. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes, y compris la galerie Tretiakov et dans divers musées et galeries à travers la Russie et à l'étranger, comme en Allemagne, aux États-Unis, et en Corée du Sud.
Abakoumov a également été honoré en tant que citoyen d'honneur de Kolomna en 2003, ce qui témoigne de son impact profond sur sa communauté locale. Ses œuvres continuent d'être célébrées et exposées, attirant l'intérêt des collectionneurs et des experts en art du monde entier.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Mikhail Georgievitch Abakoumov, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous permettra de recevoir des notifications exclusives sur les nouvelles acquisitions et les opportunités uniques d'acquérir des œuvres de cet artiste éminent.
Shafic Abboud, également connu sous le nom de Chafic Abboud, était un peintre libanais de renom dont le parcours artistique l'a conduit de Beyrouth à la scène artistique dynamique de Paris en 1947. Adoptant les mouvements modernistes et abstraits du milieu du XXe siècle, Abboud a perfectionné ses compétences dans les ateliers d'artistes éminents tels que Jean Metzinger et Fernand Léger. Cette exposition a influencé son passage de la peinture figurative et paysagère à ses abstractions personnelles colorées caractéristiques. Malgré ses années passées en France, Abboud est resté profondément lié à ses racines orientales, s'inspirant des contes oraux et des icônes byzantines.
La créativité d'Abboud s'étend à la céramique, à la terre cuite, aux tapis et à la lithographie. Son talent exceptionnel lui a valu une reconnaissance mondiale, avec des expositions dans des lieux prestigieux tels que le Mathaf de Doha et l'Institut du Monde Arabe de Paris. En mai 2012, le Beirut Exhibition Center a célébré son héritage artistique dans le cadre d'une exposition complète.
Trey Abdella est un artiste américain qui vit et travaille à New York. Les défis de la vie dans une ville cosmopolite complexe ont servi d'inspiration à ses œuvres d'art, bien que les peintures elles-mêmes ne soient pas spécifiquement liées à New York.
L'art de Trey Abdella s'efforce d'entrer en résonance avec les expériences et les sentiments humains. Abdella utilise une iconographie universelle simple, inspirée des mèmes Internet, des films et des dessins animés de la culture contemporaine. Il mélange ces icônes avec divers aspects de l'anxiété que lui ou ses amis ont ressentie dans différents scénarios de la vie quotidienne, dépeignant ainsi les dessous de la société. Les peintures d'Abdella expriment l'insécurité, l'embarras, la peur, la terreur, le dégoût, les désirs et les émotions indicibles que nous devons dissimuler chaque jour afin de respecter les conventions et les attentes sociales.
Nuria Farre Abejon est une artiste hyperréaliste espagnole qui vit et travaille à Barcelone, en Espagne.
Ses œuvres, souvent hyperréalistes, tournent autour de sujets qui la préoccupent en tant que jeune femme : l'anxiété, la mélancolie, la famille, les souvenirs et l'identité. Au début, Nuria créait des peintures translucides à travers lesquelles elle représentait la dualité entre la vie et la mort. Plus tard, elle a exploré l'autoportrait et aujourd'hui, Nuria tente d'explorer son présent à travers des photographies tirées d'un album de famille, grâce auxquelles elle crée d'intéressants collages visuels à l'huile.
Margitta Abels est une artiste allemande connue pour ses peintures abstraites et ses œuvres mixtes.
Margitta Abels a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail.
L'œuvre de Margitta Abels se caractérise par l'utilisation de la couleur et de la texture pour créer des compositions complexes et stratifiées. Elle travaille souvent avec une variété de matériaux, dont la peinture acrylique, le fusain et des éléments de collage, et ses œuvres intègrent souvent des éléments texturaux tels que le sable et le tissu.
Abdoulaye Diarrassouba, plus connu sous le nom d'Aboudia, est un artiste contemporain américano-ivoirien.
Aboudia a commencé sa carrière artistique très tôt et a attiré l'attention pour son style expressif et émotionnel. Son travail reflète les réalités complexes de la ville et les expériences des résidents locaux pendant les crises politiques et sociales. Le peintre utilise souvent des couleurs vives, des traits grossiers et des formes abstraites pour exprimer la violence, le chaos et l'espoir présents dans la vie de ses sujets.
Le style artistique d'Aboudia mélange des éléments de graffiti, d'art de la rue, de peinture folklorique africaine et d'art contemporain.
Viktor Achotovitch Abramian (еn russe: Виктор Ашотович Абрамян) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Viktor Abramian a réalisé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à des expositions dès le début des années 1970 à Leningrad. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Blockade Weekdays", "Still Life with a Centennial", "Leningrad. 1942. Femmes de garde dans la ville assiégée", "Jeunes invités" et autres.
Les œuvres d'Abramian se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et dans de nombreux autres pays.
Carla Accardi était une peintre abstractionniste italienne associée aux mouvements Arte Informel et Arte Povera et membre fondateur des groupes artistiques Forma (1947) et Continuità (1961). Elle a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Palerme et de Florence.
Carla Accardi était connue pour son utilisation innovante des matériaux et son exploration des formes géométriques et des couleurs vives. Elle a notamment introduit la technique de la "tela intrecciata" (toile entrelacée), dans laquelle elle utilise des bandes de toile colorée pour créer des compositions texturées et stratifiées.
L'œuvre d'Accardi présente souvent un sens du rythme et du mouvement, un arrangement dynamique de formes et de lignes. Ses compositions se caractérisent par un sens de l'équilibre et de l'harmonie et intègrent souvent des éléments de répétition et de symétrie.
Angelo Accardi est un artiste italien contemporain. Il a grandi entouré d'art moderne et traditionnel. Bien qu'il ait étudié les beaux-arts à l'Académie des beaux-arts de Naples, il n'a jamais terminé sa formation. Angelo Accardi illustre des visions surréalistes de la vie quotidienne sous des décors réalistes de paysages urbains et naturels. Il n'y a jamais un seul sens, mais toute une histoire derrière chaque tableau. Ironique, saisissant et ludique, la perspective unique et le style avant-gardiste d'Accardi sont le résultat de ses diverses inspirations.
Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Valerio Adami est un peintre italien. Valerio Adami, le plus français des peintres italiens, est surtout connu pour ses célèbres aplats aux couleurs acidulées et ses formes cernées par un contour noir qui font penser à la ligne claire de la bande dessinée mais aussi aux vitraux des églises. Les principaux thèmes de ses peintures sont la littérature, les voyages, ainsi que les relations entre poésie, musique et peinture. Il a aussi entretenu dès ses débuts des rapports étroits avec les écrivains et les artistes de l'avant-garde internationale parisienne.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Adams, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ses œuvres. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'évolution du marché et les nouvelles découvertes associées à cet artiste emblématique.
Richard Adams est un artiste et illustrateur britannique qui vit et travaille dans le Sussex.
Adams a obtenu un diplôme de graphisme à l'école polytechnique de Leicester et a d'abord travaillé comme illustrateur à Londres. Richard Adams crée toutes ses peintures à l'aide de pastels à la craie, puis les fixe et les imprègne d'un vernis spécial qui laisse une surface impénétrable. Il dépeint une variété de paysages anglais et de bords de mer, souvent peuplés de personnages et d'animaux excentriques, ainsi que des scènes domestiques amusantes. L'artiste réussit à transmettre l'humour et l'absurdité de la vie quotidienne dans un style anglais à la fois ancien et contemporain.
Les œuvres d'Adams sont régulièrement exposées à Londres et dans d'autres villes du Royaume-Uni, où elles sont très appréciées, et à l'étranger, à Sydney, Washington DC, Brême et Madrid.
Hans Peter Adamski est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Berlin et à Dresde.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a été professeur et doyen de l'Université des beaux-arts de Dresde. Adamski est l'un des principaux représentants du mouvement Neue Wilden ("Nouveaux sauvages") des années 1980. Outre la peinture, il travaille le dessin, la sculpture, le papier, le tissu et le plâtre.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Marc Adrian est un artiste conceptuel et réalisateur autrichien.
Adrian a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Vienne. À partir de 1953, il s'est intéressé au cinéma, à la cinétique, aux interférences rythmiques, aux problèmes de structures optiques, etc. Adrian est considéré comme l'un des pionniers de l'art médiatique orienté vers le cinéma. Il s'est spécialisé dans les objets cinétiques, l'anti-cinéma et l'art informatique.
Marc Adrian a enseigné dans plusieurs universités européennes et a donné des conférences à des étudiants américains.
Jack W. Aeby est un physicien de l'environnement et un photographe américain.
Aeby a étudié à l'université du Nebraska et a été l'un des premiers employés civils du projet Manhattan à partir de 1942. Il a travaillé sur le projet dans de nombreux domaines, en commençant par le transport de personnes, puis il a été affecté à la supervision d'un entrepôt de produits chimiques.
Le 16 juillet 1945, alors qu'il se trouvait au camp de base avec tout l'équipement photographique officiel, Aeby a pris la seule photographie couleur bien exposée de la première détonation d'une arme nucléaire sur le site d'essais nucléaires de Trinity, au Nouveau-Mexique, et est devenu célèbre grâce à elle. Le reste de la pellicule a été détruit par l'explosion. À l'époque de la photographie, Aeby était un civil travaillant dans le groupe de physique de la santé avec Emilio Segre.
Jack Aeby a continué à travailler à Los Alamos pendant les essais de Crossroads et a été témoin de près de 100 explosions nucléaires. Il est ensuite retourné travailler au laboratoire national de Los Alamos, dans le département de physique sanitaire.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Yaacov Agam est un artiste israélien né le 11 mai 1928 à Rishon LeZion, en Palestine (aujourd'hui Israël). Il est considéré comme un pionnier de l'art optique et cinétique, se distinguant par ses œuvres tridimensionnelles qui invitent à la réflexion sur le temps, le progrès et le rôle du spectateur. Agam a acquis une renommée internationale depuis sa première exposition solo en 1953, et ses œuvres sont collectionnées dans le monde entier.
L'approche révolutionnaire d'Agam repose sur la participation du spectateur, transformant l'acte de visionner en une expérience dynamique et changeante. Ses réalisations incluent des peintures mobiles, des sculptures et des installations spatiales qui démontrent son intérêt pour la transformation et la perception visuelle. Par ses innovations, Agam a contribué de manière significative à l'art moderne, en particulier dans les domaines de l'art optique et cinétique.
Agam a également été reconnu pour son utilisation de couleurs vives et de formes géométriques, créant des œuvres qui changent d'aspect selon l'angle de vue du spectateur. Cette interaction unique avec le public souligne la nature éphémère et subjective de la perception. En outre, l'Agamographie, une technique qu'il a développée, utilise un objectif lenticulaire pour créer des images qui semblent changer lorsqu'on les regarde sous différents angles.
Le Musée d'Art Yaacov Agam, ouvert en 2017 à Rishon LeZion, son lieu de naissance, est dédié à son œuvre et à l'art en mouvement, soulignant son importance dans l'histoire de l'art israélien et international. Les œuvres d'Agam sont présentes dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Musée Hirshhorn et le Jardin de Sculptures à Washington, D.C., témoignant de son impact durable sur l'art contemporain.
Pour rester informé des dernières ventes d'œuvres et des événements d'enchères liés à Yaacov Agam, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous garantira de ne pas manquer les nouvelles importantes concernant les créations et les contributions de cet artiste majeur à la culture et à la peinture moderne.
Abdul Ghani Ahmad est un artiste malaisien contemporain. Il est connu comme aquarelliste travaillant dans les styles du réalisme et de l'abstraction.
Abdul Ghani Ahmad crée des paysages et des paysages ruraux ainsi que des abstractions. Son travail se caractérise par une précision et un détail photographiques. Parmi les œuvres les plus connues de l'artiste figurent les séries Pristine Nature, Journey et Flora of Malaysia. Il a également produit une série de cartes postales représentant des vues de la Malaisie.
Ahmad est membre de plusieurs organisations artistiques, dont la Confédération des aquarellistes asiatiques et l'Union des artistes malaisiens.
Wolfram Aïchele était un artiste du Bade-Wurtemberg, dans le sud de l'Allemagne, fils du célèbre artiste animalier Erwin Aichele. Après une formation de sculpteur, il étudie l'art religieux et byzantin, s'inspirant de ses pèlerinages en Serbie, au Kosovo, en Macédoine et au Mont Athos. Aïchele s'est concentrée sur la peinture d'icônes à la détrempe à l'œuf, dans le but de faire revivre le style iconographique pur corrompu au XIXe siècle. Il s'installe ensuite à Paris, où il explore diverses influences telles que l'art populaire d'Europe de l'Est, les miniatures persanes et les artistes modernes comme Chagall et Klee. Le travail d'Aïchele est passé à un mélange unique d'art figuratif et abstrait, principalement exprimé à travers des aquarelles et des collages peints.
John Ronald Craigie Aitchison était un peintre écossais. Il est surtout connu pour ses nombreuses peintures de la Crucifixion, dont l'une est accrochée derrière l'autel de la salle capitulaire de la cathédrale de Liverpool, ses paysages italiens et ses portraits (principalement d'hommes noirs ou de chiens). Son style simple aux couleurs vives et enfantines défie toute description, et il a été comparé aux coloristes écossais, aux primitivistes ou aux artistes naïfs, bien que Brian Sewell l'ait rejeté comme "un peintre de bagatelles trop considérées".
La fascination qu'il a exercée tout au long de sa carrière pour la crucifixion a été déclenchée par une visite au Christ de Saint-Jean de la Croix de Salvador Dalí en 1951, après son acquisition par la Kelvingrove Gallery.
Giuseppe Ajmone est un peintre et graveur italien.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Brera, à Milan, et a été l'un des signataires, en 1946, du Manifeste réaliste, également connu sous le nom de "Oltre Guernica".
Ajmone a peint des paysages et des natures mortes, ainsi que des figures semi-abstraites.
Yō Akiyama (秋山 陽) est un céramiste japonais basé à Kyoto. Il était une figure de proue tardive de Sōdeisha, un groupe d'artistes d'avant-garde du XXe siècle qui cherchait à redéfinir les conceptions de l'esthétique et de la finalité de la céramique moderne et contemporaine, en se concentrant sur les attributs sculpturaux plutôt que sur la stricte fonctionnalité. Akiyama a étudié directement auprès de Kazuo Yagi, l'un des fondateurs de Sōdeisha, pendant six ans. Akiyama est ensuite devenu professeur à l'Université municipale des arts et de la musique de Kyoto, où il est actuellement professeur émérite, ayant pris sa retraite en 2018. En tant qu'artiste, il travaille principalement avec la poterie noire, une technique qui consiste à cuire l'argile dans des conditions de basse température et de fumée pour créer un effet sombre. Ses œuvres, principalement à grande échelle, sont richement texturées et abstraites, mettant l'accent sur la matérialité terrestre de l'œuvre ainsi que sur sa forme.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Fanizani Akuda est un sculpteur autodidacte du Zimbabwe, né en Zambie.
Il travaillait comme tailleur de pierre dans une carrière lorsqu'il a mis la main sur un outil et créé sa première sculpture en pierre. Avec son style unique, Fanizani a su transmettre avec talent les émotions humaines dans la pierre. Ses œuvres sont reconnaissables aux yeux bridés, aux formes arrondies, aux visages joyeux et souriants. Ses thèmes de prédilection sont les familles heureuses et l'interaction entre les hommes et les animaux, souvent par paires ou en groupes. Fanizani aimait également sculpter des sifflets.
Grâce à Fanizani et à ses sculptures en pierre uniques, le Zimbabwe est aujourd'hui internationalement reconnu.
Tamam Al-Akhal est un artiste et éducateur palestinien vivant en Jordanie. Elle a étudié au Collège des Beaux-Arts du Caire. De 1957 à 1960, elle enseigne l'art au Makassed Girls College de Beyrouth. En 1959, elle épouse Ismail Shammout. Al-Akhal a exposé en Égypte, au Liban, à Jérusalem, en Jordanie, aux États-Unis, au Koweït, en Angleterre, en Chine, au Maroc, à Berlin, à Paris, à Rome et à Vienne. Elle a donné une série de conférences à la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie en 2009. Son art est apparu sur plus d'une douzaine de couvertures de Palestinian Affairs, un magazine publié par l'Organisation de libération de la Palestine. Elle a également dirigé la section Arts et patrimoine de l'OLP. Avec son mari, elle a peint une série de grandes peintures murales intitulées "Palestine : l'Exode et l'Odyssée".
Saleh al-Jumai'e est un artiste irakien connu pour ses œuvres qui explorent la notion de traces laissées par l'héritage ancien. Ses œuvres intègrent souvent la calligraphie arabe dans une œuvre abstraite. Al-Jumaie et sa cohorte sont devenus le groupe d'artistes qui a défini l'art irakien des années 1960. Bien qu'on se souvienne surtout d'al-Jumaie en tant que peintre, il a également conçu des affiches et produit un certain nombre de couvertures de livres. Ses premiers travaux comportent des lettres arabes, mais au fil du temps, la calligraphie s'est estompée. Son intérêt pour l'exploration de nouveaux médias et matériaux s'est maintenu tout au long de sa carrière. L'idée des traces laissées par la tradition est un thème que Jumaie reprend dans une grande partie de son œuvre. Par exemple, Pages from Old Books est une série d'œuvres d'art mixtes qui crée une illusion de surfaces sur lesquelles des fragments de script ont été écrits.
Saadi Al-Kaabi est un artiste contemporain né à Najaf/Irak qui a organisé de nombreuses expositions personnelles et participé à plusieurs expositions à Bagdad, Paris, Rome, New York, Moscou, Stockholm, Berlin, Prague, Pékin, Ankara et tous les pays arabes.
Ismail Al-Sheikhly est un artiste irakien contemporain. Il appartenait à l'un des premiers groupes artistiques à apparaître en Irak, "La Société primitive", fondé en 1950. Le groupe a ensuite changé son nom en "Les Pionniers" et l'a conservé jusque dans les années 1970. Certaines de ses œuvres sont influencées par le cubisme, un mouvement qui a gagné en popularité tout au long des années 1950 et qui était le style artistique préféré de l'un des contemporains importants d'Al-Sheikhly, Hafiz Drubi. Les premières œuvres d'Al Sheikhly sont inspirées de la vie des villages irakiens, bien que ses œuvres ultérieures soient davantage axées sur des combinaisons de couleurs abstraites et des arrière-plans obscurcis. La femme est un thème central de son travail. Peintes en groupe assez souvent, les femmes d'Al Sheikhly sont profilées avec des visages ovales et des corps génériques et semblent toujours être dans des états d'aller et venir, que ce soit à la mosquée, aux souks ou pour effectuer une tâche domestique.
Saad Al-Tai est un artiste irakien contemporain. Il a participé à plusieurs expositions à Bagdad et à l'étranger. Al-Tai était membre du groupe des impressionnistes irakiens. Malgré le nom du groupe, Al-Tai n'était pas catégoriquement un impressionniste, mais son style penchait plutôt vers le réalisme cubiste. Pour lui, la couleur du tableau était déterminée par son sujet. Al-Tai est un artiste primé qui, entre autres, a reçu le titre de chevalier italien en 2005 en reconnaissance de ses efforts pour favoriser le dialogue culturel irako-italien, notamment en fondant et en dirigeant le département de langue italienne en 2002 au Collège des langues de l'Université de Bagdad.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Yuri Albert est un artiste, théoricien de l'art et éducateur russe contemporain, membre du cercle conceptuel de Moscou. Il vit et travaille actuellement à Moscou et à Cologne.
Les œuvres de Yuri Albert font partie des collections de grandes institutions russes et internationales.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Peter Alexander était un peintre, graveur et architecte américain. En tant que peintre, Peter Alexander a été influencé par le Light and Space Movement en Californie. Le thème principal de sa peinture était le jeu de la lumière et les effets de lumière sur et au-dessus de l'eau et des nuages. Dans ses peintures, il a traité des fantasmes sous-marins, des paysages marins chatoyants et des nuages sombres avec la lumière du soleil ou des éclairs. Il a eu sa première exposition personnelle en 1968 à la Robert Elkon Gallery de New York.
Luis M. Alonzo-Barkigia est un artiste mexicain contemporain. Il a étudié à l'Académie d'art de Malmö (Suède) et à l'université de l'Illinois à Chicago. Il a reçu la bourse présidentielle de l'UIC, la bourse Larsen pour les arts plastiques.
Julio Uruguay Alpuy était un peintre, sculpteur et muraliste uruguayen. Au début de sa carrière, Alpuy a fait partie du Taller Torres-García (École du Sud) et du mouvement de l'art constructif. Si ses premières œuvres ont été largement influencées par les théories de Torres-García sur ce qu'il appelle l'universalisme constructif, Alpuy s'est inspiré d'une grande variété de cultures et de mythes pour créer des œuvres qui brisent les frontières de la grille constructive. En outre, ses études en Europe et en Amérique latine ont contribué à développer un intérêt pour le cubisme et les mythes qui ont influencé ses œuvres ultérieures. Alpuy a eu une carrière prolifique et ses œuvres sont exposées dans le monde entier.
