Compositeurs 19e siècle
Hector Berlioz, de son nom complet Louis-Hector Berlioz, était un compositeur, chef d'orchestre et critique musical français de l'ère romantique.
Berlioz reçoit son éducation primaire de son père, un médecin éclairé, qui lui donne ses premières leçons de musique et de latin. À l'âge de 12 ans, il composait déjà de la musique pour des ensembles de chambre locaux et avait appris à jouer de la guitare et de la flûte avec virtuosité. En 1821, son père l'envoie à Paris pour étudier la médecine et il obtient son premier diplôme scientifique. Mais parallèlement, il se rend souvent à l'Opéra de Paris, où il apprend tout le répertoire à partir de la partition.
Contre la volonté de ses parents, Berlioz suit les cours obligatoires du Conservatoire de Paris et obtient en 1830 le prix de Rome. En Italie, il rencontre le compositeur russe Mikhaïl Glinka et se lie d'amitié avec Mendelssohn. À partir de 1832, Berlioz travaille pendant 30 ans comme critique musical pour des périodiques. Il connaît de nombreux écrivains et musiciens de premier plan de son époque, dont Victor Hugo, Alexandre Dumas, Niccolò Paganini et George Sand.
Berlioz adorait les œuvres de Weber et de Beethoven, ainsi que celles de Gluck, et les faisait inlassablement découvrir au public. Ses nombreux voyages en tant que chef d'orchestre en Allemagne, en Belgique, en Angleterre, en Russie et en Autriche-Hongrie lui ont permis d'enseigner un nouveau style aux principaux orchestres d'Europe.
Au cours de ces années, Berlioz écrit notamment la "Symphonie fantastique" (1830) qui le rendra célèbre et la symphonie "Harold en Italie" (1834). Après un concert en 1838, où il dirigeait leur interprétation, le célèbre violoniste virtuose Paganini déclara qu'Hector Berlioz était le continuateur des traditions musicales de Beethoven et lui offrit 20 000 francs. Reconnaissant, Berlioz écrit une symphonie chorale, Roméo et Juliette, dédiée à Paganini.
En 1844, Berlioz compose son Traité d'instrumentation et d'orchestration modernes, qui n'est pas seulement un manuel technique, mais qui a servi d'introduction à l'esthétique de l'expression musicale pour les générations à venir. Parmi les œuvres dramatiques de Berlioz, La Damnation de Faust (1846) et La Nativité (1854) sont mondialement connues.
Johannes Brahms est un grand compositeur, chef d'orchestre et pianiste allemand de l'ère romantique.
En 1850, il rencontre le violoniste hongrois d'origine juive Eduard Remenyi, qui lui enseigne la musique tzigane, souvent présente dans ses œuvres ultérieures.
En 1853, Brahms fait une rencontre décisive avec le compositeur Robert Schumann. Schumann écrit un article enthousiaste sur Brahms dans un périodique et, à partir de ce moment, le grand public prend conscience du jeune talent. En 1859, Brahms est nommé chef du chœur de femmes de Hambourg, ce qui lui laisse beaucoup de temps pour son travail personnel. Au cours de cette période, il compose deux sérénades pour orchestre et un sextuor à cordes en si bémol majeur, et achève le concerto pour piano n° 1 en ré mineur. Un peu plus tard, il s'installe à Vienne et dirige le chœur de la Singakademie.
En 1868, Brahms achève son œuvre chorale la plus célèbre, le Requiem allemand, qui est toujours considéré comme l'une des œuvres les plus importantes de la musique chorale du XIXe siècle. L'année suivante, il compose deux volumes de Danses hongroises pour piano à quatre mains - il s'agit de brillants arrangements de mélodies tziganes, qui connaissent un succès phénoménal et sont joués dans le monde entier.
Jusqu'à la fin de sa vie, Brahms n'a cessé de composer des œuvres dans des genres très variés : symphonies, concertos, musique de chambre, œuvres pour piano, œuvres chorales, valses et chansons. Brahms est un grand maître du style symphonique et sonate de la seconde moitié du XIXe siècle, ce qui le place au premier rang des compositeurs allemands. Il donna son dernier concert en mars 1897 et mourut d'un cancer à Vienne en avril.
Max Bruch, de son nom complet Max Christian Friedrich Bruch, était un compositeur et chef d'orchestre allemand, violoniste et professeur de la fin de la période romantique.
Bruch a étudié avec le compositeur et pianiste Ferdinand Hiller (1853-1857), a écrit une symphonie à l'âge de 14 ans et a obtenu une bourse qui lui a permis d'étudier à Cologne. Son premier opéra, Joke, Deceit and Revenge, est joué en 1858. Il dirigea des orchestres et des chorales en Allemagne, en Angleterre et en Pologne et, de 1890 à 1911, il fut professeur à l'Académie des arts de Berlin.
Bruch était un compositeur ambitieux et prolifique. Son plus grand succès de son vivant fut ses immenses œuvres pour chœur et orchestre, Beautiful Ellen (1867) et Odysseus (1872). Il a également composé des concertos pour cordes et des pièces pour violon et orchestre. Son Concerto pour violon n° 1 en sol mineur (1866) est l'un des concertos pour violon romantiques les plus populaires.
Anton Bruckner, de son nom complet Joseph Anton Bruckner, était un compositeur, organiste et pédagogue autrichien.
Bruckner est né dans une famille pauvre, ce qui l'a empêché de recevoir une éducation adaptée à son talent musical. Son père lui apprend à jouer du violon et de l'orgue, et il travaille comme professeur et organiste pendant de nombreuses années. Dès l'âge de 30 ans, il commence à composer des œuvres pour orgue et pour chœur, dont la Messe solennelle (1854). En 1855, il devient organiste à la cathédrale de Linz et suit un cours d'harmonie et de contrepoint de cinq ans avec le pédagogue viennois Simon Sechter. Un peu plus tard, Bruckner étudie l'orchestration avec Otto Kitzler qui, en 1863, lui fait découvrir la musique de Wagner, ce qui l'incite à commencer à composer des œuvres importantes.
Après s'être installé à Vienne en 1686, Bruckner enseigne au Conservatoire et à l'Université de Vienne tout en composant. Au cours des 28 années qui suivirent, il écrivit la plupart de ses œuvres célèbres : les symphonies nos 2 à 9, le quintette à cordes et le Te Deum. Mais ce n'est qu'avec la création de sa Septième Symphonie à Leipzig en 1884 qu'il reçoit la reconnaissance qu'il mérite. Jusqu'à sa mort, il a continué à composer de nouvelles œuvres et à retravailler ses œuvres antérieures.
Anton Bruckner était un organiste virtuose exceptionnel et un excellent pédagogue. Ses symphonies sont souvent considérées comme symboliques de la phase finale du romantisme austro-allemand, et il a également composé beaucoup de musique chorale sacrée et profane, ainsi que des œuvres de chambre.
Claude Debussy, de son nom complet Achille-Claude Debussy, est un compositeur, chef d'orchestre, pianiste et critique français, l'un des principaux représentants de l'impressionnisme en musique.
Debussy fait preuve très tôt de talents musicaux et entre au Conservatoire de Paris. Il vit dans la pauvreté, mais apprend en même temps une vie luxueuse : la mécène russe et femme la plus riche, Nadezhda Filaretovna von Meck, le prend sous sa tutelle, il joue de la musique avec ses enfants et voyage avec elle à travers l'Europe. Sa nature sensible ne pouvait que réagir à tous ces contrastes. C'est à cette époque que Debussy crée l'un de ses chefs-d'œuvre, le Clair de lune de la Suite de Bergame.
Debussy passe les étés 1881 et 1882 près de Moscou, au domaine von Meck. C'est dans cette maison qu'il se familiarise avec la nouvelle musique russe de Tchaïkovski, Borodine, Balakirev et Modeste Moussorgski. Son séjour en Russie a un effet favorable sur le développement du jeune musicien. Debussy est également influencé par l'œuvre de Richard Wagner. Il développe un système d'harmonie et de structure musicale très original qui exprime à bien des égards les idéaux auxquels aspirent les artistes et écrivains impressionnistes et symbolistes de son époque.
Debussy a effectué des tournées de concerts et dirigé ses œuvres en Angleterre, en Italie, en Russie et dans d'autres pays. Parmi les œuvres célèbres de Claude Debussy figurent le Prélude à l'après-midi d'un faune (1894), les opéras Pelléas et Mélisande et La Mer (1905), la suite Children's Corner (1906-1908) et le cycle orchestral Images (1912). En 1913, il a composé la musique du ballet Games, qui a été présenté par la compagnie Russian Seasons de Sergei Diaghilev à Paris et à Londres.
Antonín Leopold Dvořák était un compositeur tchèque de l'ère romantique et l'un des fondateurs de l'école nationale de musique tchèque.
Dvořák fait preuve très tôt de talents musicaux et devient un violoniste accompli. Après avoir obtenu son diplôme à l'Institut de musique religieuse de Prague, il travaille comme musicien dans divers ensembles et enseigne, mais vit très pauvrement. Cependant, dès les années 1860, il compose deux symphonies, un opéra, de la musique de chambre et de nombreuses chansons.
En 1875, Dvořák reçoit une bourse d'État du gouvernement autrichien et rencontre Johannes Brahms, avec qui il noue une amitié fructueuse. Les Duos moraves (1876) pour soprano et contralto et les Danses slaves (1878) pour piano à quatre mains de Dvořák ont permis au compositeur et à la musique de son pays d'attirer l'attention du monde entier. En 1884, il effectue une visite fructueuse en Angleterre et, en 1890, le grand compositeur Piotr Ilitch Tchaïkovski organise deux concerts pour lui à Moscou. L'année suivante, Dvořák devient docteur honoris causa en musique à l'université de Cambridge.
En 1892, Dvořák accepte le poste de directeur du tout nouveau Conservatoire national de New York et, en dehors de ce travail, voyage beaucoup aux États-Unis, mais en 1895, il retourne dans son pays natal.
Par son travail, Dvořák a élargi la voie de l'école nationale de musique tchèque initiée par Bedřich Smetana. Il a composé dans presque tous les genres de musique classique, et ses symphonies et concertos, chœurs et compositions de chambre continuent d'être joués dans le monde entier. Parmi les œuvres les plus connues de Dvořák figurent la Symphonie n° 9 du Nouveau Monde (écrite aux États-Unis), l'opéra Rusalka, le Concerto pour violoncelle, le Quatuor à cordes américain, le Requiem, le Stabat Mater et les Danses slaves.
Edward William Elgar (Sir Edward William Elgar, 1st Baronet) est un compositeur britannique de la période romantique.
Fils d'un organiste, Elgar était un excellent violoniste, jouait du basson et travaillait comme maître de chapelle et organiste d'église. C'est à Malvern, dans le Worcestershire, qu'il a commencé à composer lui-même. Il a composé plusieurs œuvres chorales majeures, notamment l'oratorio The Light of Life (Lux Christi) (1896), et en 1898-99, il a écrit les populaires Variations Enigma pour orchestre. Une autre œuvre majeure suivit en 1900, l'oratorio The Dream of Gerontius, qui est considéré comme son chef-d'œuvre.
De 1905 à 1908, Elgar est le premier professeur de musique à l'université de Birmingham. Pendant la Première Guerre mondiale, il écrit parfois des œuvres patriotiques. Ses marches, introductions, symphonies et concertos pour cordes sont bien connus. Les œuvres colorées d'Elgar ont contribué au renouveau de la musique anglaise au XXe siècle, pendant la transition du romantisme tardif.
Aleksandr Konstantinovitch Glazounov (en russe : Александр Константинович Глазунов) était un compositeur, chef d'orchestre et professeur russe du romantisme tardif.
Glazounov appartenait à une célèbre dynastie d'éditeurs de livres de Saint-Pétersbourg et montra très tôt des aptitudes musicales. Il étudie la musique avec Balakirev et Rimski-Korsakov, écrit sa première symphonie à l'âge de seize ans et est remarqué par le mécène Mitrofan Belyaev, qui devient son admirateur et son bienfaiteur. Grâce à lui, le jeune Glazounov voyage dans toute l'Europe et est présenté à Weimar à Franz Liszt, qui encourage l'exécution de sa première symphonie lors du congrès de l'Union musicale générale allemande.
Après la mort du compositeur Borodine, Glazounov aide Rimski-Korsakov à achever son opéra Prince Igor et, à la fin des années 1890, il collabore déjà avec les théâtres impériaux et écrit trois ballets. En 1899, Glazounov est nommé professeur au Conservatoire de Saint-Pétersbourg et, à partir de la fin de l'année 1905, il en devient le directeur, poste qu'il conservera même après la révolution d'octobre 1917. Ce qui caractérise Glazounov en tant que personne, c'est qu'il consacre son salaire de directeur à aider les étudiants pauvres. Et en général, pendant les années de famine de la dévastation post-révolutionnaire, il a soutenu les étudiants, même s'il ne partageait pas leurs convictions musicales - parmi eux, les grands Sergei Prokofiev et Dmitri Shostakovich.
En 1922, Aleksandr Glazounov reçoit le titre d'artiste du peuple de la jeune république soviétique. En 1928, il se rend à Vienne pour faire partie du jury du concours de composition du centenaire de Schubert et ne revient jamais en URSS. Cependant, même lorsqu'il vivait en Europe, il a conservé sa citoyenneté soviétique. Officiellement, le séjour de Glazounov à Paris s'explique par son grave état de santé et la nécessité d'un traitement médical. Dès 1972, les cendres de Glazounov ont été transportées en URSS et réinhumées à la Laure Alexandre Nevski.
Outre les ballets, Aleksandr Glazounov a écrit huit symphonies (la neuvième est restée inachevée), sept quatuors à cordes et une grande quantité de musique orchestrale. Il a surtout écrit pour le piano et l'orgue et, à la fin de sa vie, il a composé des œuvres pour saxophone - un concerto solo et un quatuor pour saxophones. Les œuvres les plus populaires de Glazounov sont aujourd'hui ses ballets Les Saisons (1898) et Raymonda (1897), ses quatrième, cinquième et sixième symphonies, la Polonaise des Sylphides et ses deux valses de concert.
Franz Joseph Haydn était un compositeur autrichien de l'école classique, qui a créé les formes du quatuor à cordes et de la symphonie.
Haydn se découvre très tôt des aptitudes musicales hors du commun, mais la pauvreté de sa famille ne favorise pas le développement de ses talents. Il était chanteur, interrompait ses revenus et s'adonnait à l'autodidaxie musicale. Le destin a conduit le jeune Haydn vers le prince Pal Antal Esterhazy, dont la famille riche et influente de l'Empire autrichien entretenait son propre orchestre. En 1766, Haydn est devenu directeur musical à la cour d'Esterhazy et est resté à ce service jusqu'à la fin de sa vie. Outre ses opéras pour la cour, Haydn a composé des symphonies, des quatuors à cordes et d'autres œuvres de musique de chambre.
Lors d'une de ses visites à Vienne, Haydn a rencontré Wolfgang Mozart, et leurs échanges ont été très bénéfiques pour les deux grands compositeurs et musiciens. Dans les années 1760, la renommée de Haydn commence à s'étendre à toute l'Europe. En 1792, il rencontre le jeune Ludwig van Beethoven et préfigure sa plus grande renommée en tant que compositeur.
Haydn était un compositeur extrêmement prolifique. Il a composé 108 symphonies, de nombreux quatuors, des oratorios, des sonates, des concertos, etc. Véritable représentant du siècle des Lumières, Haydn est le compositeur le plus célèbre d'Europe au XVIIIe siècle.
Frederick William Herschel (en allemand : Friedrich Wilhelm Herschel) était un astronome et compositeur britannique d'origine allemande. Il a fréquemment collaboré avec sa jeune sœur et collègue astronome Caroline Herschel (1750-1848). Né dans l'Electorat de Hanovre, William Herschel suit son père dans la bande militaire de Hanovre, avant d'émigrer en Grande-Bretagne en 1757 à l'âge de dix-neuf ans.
Gustav Holst, de son nom de naissance Gustavus Theodore Von Holst, était un compositeur et professeur anglais.
Holst a étudié au Royal College of Music de Londres, notamment le trombone, et pendant plusieurs années après avoir quitté l'université, il a gagné sa vie en tant que tromboniste dans divers orchestres. En 1905, il devient professeur de musique à la St Paul's Girls' School, puis directeur musical du Morley College, postes qu'il conservera toute sa vie. Brillant pédagogue, Holst a été un pionnier de l'éducation musicale pour les femmes.
La musique de Holst s'inspire souvent du folklore national anglais et a beaucoup en commun avec l'œuvre du compositeur et contemporain Vaughan Williams. Cependant, il y associe une saveur internationale basée sur les styles de Maurice Ravel, d'Igor' Stravinsky et d'autres innovateurs, avec une continuation du romantisme anglais. Cette influence se reflète dans l'œuvre la plus célèbre de Holst, la suite orchestrale The Planets. On la retrouve également dans l'opéra hindou Savitri et d'autres œuvres cosmopolites.
Les œuvres de Holst comprennent également l'opéra Sita, Hymn to Jesus pour chœur et orchestre (1917) ; Ode to Death pour chœur et orchestre (1919), l'opéra The Perfect Fool (1923), la Choral Symphony (1923-24), le Double Concerto pour deux violons et orchestre (1929) et Hammersmith pour orchestre (1930).
Leoš Janáček, de son nom de naissance Leo Eugen Janáček, était un compositeur et musicologue, folkloriste, publiciste et enseignant tchèque.
Chanteur à Brno, Janáček étudie aux conservatoires de Prague, de Leipzig et de Vienne. En 1881, il fonde le Collegium des organistes de Brno, qu'il dirige jusqu'en 1920. De 1881 à 1888, il dirige l'Orchestre philharmonique tchèque et, en 1919, il devient professeur de composition au Conservatoire de Prague.
Janáček était profondément amoureux de la musique nationale, collectionnant le folklore et publiant le magazine Musical Pages. Il s'est inspiré de la musique morave et d'autres musiques slaves, notamment la musique folklorique d'Europe de l'Est, pour créer un style musical moderne original.
Dans sa première période de créativité, Janáček a été fortement influencé par le style musical et l'esthétique de son ami Dvořák. Son premier opéra, Šarka (1887-88), est une œuvre romantique dans l'esprit de Wagner et de Smetana. Dans ses opéras ultérieurs, il développa son propre style distinctement tchèque, construit sur les intonations de son parler natal et les mélodies folkloriques. Les opéras les plus importants de Janáček sont Jenůfa (1904) et Her Foster Daughter, qui ont établi la réputation internationale du compositeur ; The Case of Macro Pulos (1926), From the Dead House (1930), et d'autres. La plupart des opéras de Janáček ont été mis en scène en tchèque.
Janáček s'est rendu trois fois en Russie, et son intérêt pour la langue et la littérature russes a donné naissance à l'opéra Katya Kabanova (1921) et à la rhapsodie orchestrale Taras Bulba (1918). Janáček a également écrit un certain nombre d'œuvres instrumentales de chambre.
Le compositeur mondialement connu a passé la majeure partie de sa vie à Brno, où la grande majorité de ses œuvres ont été jouées pour la première fois. Aujourd'hui, Janáček est le compositeur d'opéra tchèque le plus joué au monde.
Mikhaïl Vassilievitch Matiouchine (en russe : Михаил Васильевич Матюшин), né en 1861 à Nijni Novgorod et mort en 1934 à Saint-Pétersbourg, était un artiste russe aux multiples talents : compositeur, musicien, peintre, théoricien de l'art, dessinateur, et éditeur. Sa formation de musicien au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou l'a conduit à devenir premier violon de l'Orchestre Impérial de Saint-Pétersbourg de 1882 à 1913, période durant laquelle il s'est également initié aux arts plastiques.
Matiouchine est surtout connu pour avoir fondé, avec sa femme la poète Elena Gouro, l'Union de la Jeunesse à Saint-Pétersbourg en 1910, une association de peintres qui a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe. Il a rencontré des figures clés telles que Kasimir Malevitch, Vladimir Maïakovski, et Alexeï Kroutchenykh, et a composé la musique de l'œuvre avant-gardiste "Victoire sur le soleil".
Il a élaboré une théorie de la "vision élargie", influencée par les écrits du mathématicien ésotérique Piotr Ouspenski, qui visait à explorer les interactions entre la couleur, la forme, et le son, et à étudier l'impact de l'environnement sur la perception visuelle. Ses recherches dans ce domaine l'ont amené à créer le groupe de travail Zorved (voir-savoir) et à expérimenter au sein d'ateliers d'enseignement d'art plastique.
Les œuvres de Matiouchine sont exposées dans plusieurs musées, notamment au Musée d'État de l'Histoire de Saint-Pétersbourg, où se trouve aujourd'hui le Musée de l'Avant-Garde, dans la maison qu'il partageait avec Guro. Cette maison, devenue un lieu de rencontre pour de nombreux artistes de l'avant-garde russe, symbolise l'importance de Matiouchine dans le mouvement artistique de son époque.
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Felix Mendelssohn (de son nom complet Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy) était un compositeur, pianiste, chef d'orchestre et professeur allemand, l'un des plus grands représentants du romantisme en musique.
Felix est né dans une famille de musiciens juifs qui s'est ensuite convertie au christianisme. Il a reçu une éducation polyvalente et a écrit de nombreuses œuvres musicales pendant son enfance, dont 5 opéras, 11 symphonies pour orchestre à cordes, des concertos, des sonates et des fugues. La première représentation publique de Mendelssohn a eu lieu à Berlin en 1818, alors qu'il avait neuf ans. En 1821, Mendelssohn est présenté à J.W. von Goethe, pour qui il interprète des œuvres de J.S. Bach et de Mozart et à qui il dédie son Quatuor pour piano n° 3 en si mineur. Une amitié se noue entre le célèbre poète sage et le musicien de 12 ans.
Quelques années plus tard, le talentueux musicien commence à diriger des orchestres en Europe et fait la connaissance de Carl Weber. En Angleterre, où Mendelssohn se rendait très souvent, sa musique était devenue très populaire au milieu du XIXe siècle, et la reine Victoria en faisait même son compositeur préféré. Il a dédié sa Symphonie n° 3 en la mineur majeur (Symphonie écossaise) à la reine.
Parmi les œuvres les plus célèbres de Mendelssohn figurent Le Songe d'une nuit d'été (1826), la Symphonie italienne (1833), un concerto pour violon (1844), deux concertos pour piano (1831, 1837), l'oratorio Elijah (1846) et plusieurs pièces de musique de chambre. La tradition de jouer la "Marche nuptiale" du Songe d'une nuit d'été dans les cortèges nuptiaux remonte à son exécution lors du mariage d'une princesse royale en 1858, après la mort de Mendelssohn.
En 1843, Mendelssohn a fondé un conservatoire à Leipzig, où il a enseigné la composition avec Schumann. Mendelssohn est l'un des premiers grands compositeurs romantiques du XIXe siècle.
Thomas Moore était un poète, auteur-compositeur britannique, représentant du romantisme irlandais.
Diplômé de l'université de Dublin, Thomas collabore dès l'âge de 14 ans à diverses revues dublinoises. En 1800, il publie ses "Odes d'Anacréon" et, un an plus tard, un recueil de poèmes de feu Thomas Little ("Poems by the late Thomas Little"), ce qui lui vaut une grande notoriété. En visite aux États-Unis, Moore publie un recueil de poèmes dans lequel il parle très durement de ce pays.
En 1812, Thomas Moore rencontre Byron, devient son ami intime et écrit l'une des meilleures biographies de celui-ci, publiée en 1835. Les œuvres les plus célèbres de Moore sont The Last Rose of Summer et le recueil Irish Melodies (1807-1834), qui lui ont apporté un revenu stable pendant de nombreuses années. En Russie, cependant, il est surtout connu pour le poème Those evening bells (Les cloches du soir), tiré du recueil publié en 1818. Ce poème a été traduit par Ivan Kozlov et transformé en une chanson très connue et appréciée, "Those evening bells".
Modest Petrovitch Mousorgskiï (en russe : Модест Петрович Мусоргский) était un compositeur et pianiste russe.
Né dans une famille de la vieille noblesse russe, Modest apprend le piano dès son plus jeune âge, puis sert comme officier dans les Life Guards du régiment Preobrazhensky. En 1856-1857, Mousorgskiï fait la connaissance du compositeur Alexandre Borodine, puis d'Alexandre Dargomyzhsky, de César Cui, de Mili Balakirev et du critique musical Vladimir Stasov. Ensemble, ils forment une communauté amicale qui sera connue sous le nom de "Mighty Handful".
En 1858, Mousorgskiï quitte le service militaire et se consacre uniquement à la musique. Plus tard, cependant, pour gagner de l'argent, il est contraint d'entrer dans la fonction publique et d'occuper divers postes officiels. En musique, il s'efforce pendant longtemps de trouver son propre style, expérimente beaucoup, adopte différents genres. Il compose des œuvres pour piano et orchestre, de nombreuses romances satiriques, des tableaux vocaux et des chansons aux caractères bien trempés. L'œuvre symphonique Intermezzo (1861) et la fantaisie Nuit sur le mont Chauve, le cycle de pièces Tableaux d'une exposition, écrit pour piano en 1874 pour illustrer musicalement les aquarelles de Victor Hartmann, et le cycle vocal Children's, qui comprend sept pièces, sont largement connus et souvent joués.
Mousorgskiï devient progressivement populaire en Russie et à l'étranger. L'apogée de l'œuvre de Mousorgskiï dans les années 1860 est son opéra Boris Godounov, basé sur le drame d'Alexandre Pouchkine, mis en scène au théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg en 1874. En 1872, il achève presque son dernier opéra, Khovanshchina ; Sorochinskaya Yarmarka et plusieurs autres opéras restent inachevés.
Après la mort de Mousorgskiï, son ami le compositeur Rimski-Korsakov décide de mettre de l'ordre dans ses œuvres et de les publier. Il apporte de nombreuses modifications à l'ordre mélodique et harmonique des compositions achevées par l'auteur, dont Boris Godounov.
Giacomo Puccini, de son nom complet Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, était un compositeur d'opéra, organiste et chef de chœur italien.
Puccini est né dans la famille qui, pendant deux siècles, a dirigé l'organisation musicale de la cathédrale de San Martino à Lucques, et le jeune musicien a hérité du poste d'organiste de la cathédrale jusqu'à l'âge adulte. Il joue également de l'orgue dans de petites églises locales. L'opéra Aïda de Giuseppe Verdi, qu'il a vu à Pise en 1876, l'a stimulé et, en 1880, il est entré au conservatoire de Milan.
Puccini étudie attentivement les compositions lyriques contemporaines, en particulier les œuvres de Claude Debussy, Richard Strauss, Arnold Schoenberg et Igor Stravinsky. Il écrit bientôt Triptyque (1918), trois opéras en un acte - le mélodramatique Le Cap, le sentimental Suor Angelica et le comique Gianni Schicchi. Les autres opéras de maturité de Puccini sont La bohème (1896), Tosca (1900) et Madama Butterfly (1904).
Le compositeur n'a pas réussi à terminer son dernier opéra, Turandot, et il est mort d'un cancer avec la partition entre les mains. Cette œuvre est le seul opéra italien de style impressionniste. Puccini est également considéré comme le plus grand représentant de l'opéra réaliste, ainsi que du mouvement Verismo en musique, tentant de dépeindre fidèlement les conflits sociaux et psychologiques de la nouvelle réalité historico-nationale après l'unification de l'Italie.
Maurice Ravel, de son nom complet Joseph Maurice Ravel, était un compositeur, pianiste et chef d'orchestre français, représentant de l'impressionnisme en musique.
À l'âge de 14 ans, Maurice entre au Conservatoire de Paris et compose plusieurs œuvres pendant ses études. Dès ses premières sonates et compositions, il adapte habilement les structures traditionnelles de la musique à ses propres structures, créant ainsi son propre style musical.
Parmi les œuvres pour piano de Ravel, les virtuoses "Miroir" et "Gaspard de la Nuit" sont populaires, tandis que parmi ses œuvres orchestrales, les plus célèbres sont la "Rhapsodie espagnole" et le Boléro. Après 1905, le nom de Ravel est placé presque sur un pied d'égalité avec le compositeur impressionniste reconnu Claude Debussy. Ravel fait la connaissance du célèbre entrepreneur russe et organisateur des Saisons russes, Sergei Diaghilev, ce qui constitue un moment fort de sa carrière. Il lui commande spécialement la musique du ballet Daphnis et Chloé (1912) de Mikhaïl Fokine, avec le grand danseur russe Václav Nijinsky.
Ravel effectue de nombreuses tournées en tant que pianiste et chef d'orchestre, jouant ses propres œuvres en Italie, aux Pays-Bas et en Angleterre. En 1928, il effectue une tournée de quatre mois au Canada et aux États-Unis, où il impressionne par ses compositions de jazz et de blues.
Maurice Ravel est entré dans l'histoire comme l'un des principaux représentants de l'impressionnisme musical.
Nikolaï Andreevitch Rimskiï-Korsakov (en russe : Николай Андреевич Римский-Корсаков) était un compositeur, professeur et chef d'orchestre russe, critique musical et membre de la "Petite poignée".
Issu d'une vieille famille noble, Rimskiï-Korsakov étudie le piano dès l'âge de six ans et, à l'âge de neuf ans, s'essaie déjà à la composition musicale. Diplômé de l'école navale de Saint-Pétersbourg, il effectue en 1862-1865 un tour du monde au cours duquel il est promu officier. Il participe à une expédition sur les côtes de l'Amérique du Nord, visite la Grande-Bretagne, l'Espagne et la Norvège. En 1873-1884, il travaille comme inspecteur des fanfares militaires de la flotte.
Pendant ses études à l'école et pendant l'expédition, Nikolaï Rimskiï-Korsakov continue d'étudier la musique. Sa rencontre en 1861 avec le compositeur Miliy Balakirev et son cercle "The Mighty Handful", qui comprenait les compositeurs Caesar Cui, Modest Mussorgsky et Alexander Borodin, est à l'origine de son travail. Les opinions esthétiques et la vision du monde de Rimskiï-Korsakov se sont formées sous l'influence de la "Mighty Handful" et de son idéologue V. Stasov.
Nikolaï Rimskiï-Korsakov a été très prolifique, et presque toutes ses œuvres sont basées sur la littérature et les mélodies russes folkloriques et classiques. Il a composé 15 opéras, dont La jeune fille pskovite (1872), La nuit de mai (1879), La jeune fille des neiges (1881), Sadko (1896), La fiancée du tsar (1898), Le conte du tsar Saltan (1900), Kashchey l'immortel (1902), Le conte de la ville invisible de Kitezh.... (1904), Le coq d'or (1907). Des fragments de certains de ses opéras sont devenus les plus joués au monde, notamment "Le chant de l'invité indien" de Sadko et "Le vol du bourdon" de Saltan.
L'œuvre du compositeur comprend également trois symphonies (dont la première a été achevée alors qu'il naviguait autour du monde), des œuvres symphoniques, des concertos instrumentaux, des cantates, de la musique instrumentale de chambre, de la musique vocale et de la musique sacrée. De 1886 à 1890, Rimskiï-Korsakov dirige les concertos symphoniques russes à Saint-Pétersbourg et, en 1898, à Moscou. En 1871, il devient professeur au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, où il donne des cours de composition pratique, d'instrumentation et d'orchestration.
En tant que professeur, Rimskiï-Korsakov a formé plus de 200 compositeurs et musiciens, dont Alexander Glazounov, Mikhail Gnesin, Alexander Grechaninov, Anatoly Lyadov, Sergei Prokofiev et Igor Stravinsky. Il a également publié plusieurs manuels d'harmonie et d'orchestration. L'œuvre de Rimskiï-Korsakov a eu une grande influence sur le développement de la musique classique russe et de la musique étrangère.
Arnold Schoenberg, de son vrai nom Arnold Franz Walter Schönberg, était un compositeur autrichien et américain, représentant de l'expressionnisme musical, professeur, musicologue et chef d'orchestre.
Issu d'une famille juive, Schoenberg commence à étudier le violon à l'âge de huit ans, puis le violoncelle. Tout en travaillant comme employé de banque, il étudie la composition avec Alexander Zemlyansky (1871-1942) et écrit bientôt son premier quatuor à cordes (1897), qui est acclamé. Avec l'aide de Richard Strauss, il obtient un poste d'enseignant à Berlin et vit pendant un certain temps dans deux villes. En 1904, Alban Berg et Anton Webern commencent à étudier avec Schoenberg, ce qui déterminera en grande partie leur future carrière artistique.
Vers 1906, après de nombreuses expérimentations, Schoenberg arrive à la conclusion qu'il faut abandonner la tonalité. Il crée de nouvelles méthodes de création musicale et de composition impliquant l'atonalité. Au cours de la période d'"atonalité libre" qui s'ensuivit, de 1907 à 1916, il composa le monodrame Reason, Five Orchestral Pieces, Pierrot Lunaire et d'autres œuvres.
En 1933, en raison de la montée du national-socialisme en Allemagne, Schoenberg est expulsé du pays et émigre aux États-Unis. En 1941, il prend la nationalité américaine et enseigne à l'université de Californie à Los Angeles jusqu'en 1944. Les œuvres de cette période témoignent de la maîtrise et de la liberté croissantes du compositeur dans l'utilisation de la méthode des douze sons.
Bien que Schoenberg n'ait jamais été accepté par le grand public, il a néanmoins exercé une influence considérable sur la musique du XXe siècle, étant le fondateur de la Nouvelle école viennoise de composition.
Franz Peter Schubert est un compositeur autrichien qui a combiné la musique classique et la musique romantique.
Franz est né dans une famille de musiciens, où un quatuor jouait à la maison et où son père avait fondé une école de musique. Le futur compositeur joue du violon, du piano et de l'orgue. À l'âge de 10 ans, le jeune Schubert gagne une place dans le chœur de la chapelle de la cour impériale de Vienne et acquiert rapidement une réputation de compositeur en herbe, écrivant plusieurs quatuors à cordes légers. En 1814, Schubert commence à enseigner, tout en continuant à composer une grande variété d'œuvres. Parmi celles-ci figurent 145 chansons, les deuxième et troisième symphonies, deux sonates et un certain nombre de miniatures pour piano solo, deux messes et d'autres courtes œuvres chorales, quatre œuvres scéniques, un quatuor à cordes et bien d'autres choses encore.
La musique de danse et les chansons de Schubert sont rapidement devenues si populaires que les soirées musicales connues sous le nom de "Schubertiades" sont devenues à la mode à Vienne, où Schubert interprétait ses propres compositions en s'accompagnant lui-même au piano. Le talentueux compositeur a composé sans peine de nombreux chefs-d'œuvre, dont les cycles de chansons Lonely Müllerin et Winterreise, ainsi que les Huitième ("Inachevée") et Neuvième ("Grande") Symphonies, l'Octuor pour vents, trois quatuors à cordes, deux trios avec piano, le Quintette à cordes, la Fantaisie vagabonde et six sonates pour piano seul.
Malgré son talent illimité, Franz Schubert a toujours été peu sûr de lui, indécis et réservé, ce qui lui a valu d'être tourmenté par le manque d'argent tout au long de sa vie. Le compositeur a pu acheter son propre piano presque à la fin de sa courte vie - avec les royalties de son premier et unique concert public en mars 1828. Huit mois plus tard, le brillant musicien meurt de maladie à l'âge de 31 ans.
Ean Sibelius, de son nom de naissance Johan Julius Christian Sibelius, est un compositeur symphonique finlandais et un éminent représentant de l'art national finlandais.
Sibelius est né dans une ville de l'Empire russe au sein d'une famille de Suédois finlandais. À l'âge d'une vingtaine d'années, il quitte la Finlande pour poursuivre des études musicales à Berlin et à Vienne, avant de retourner dans son pays natal. La première grande œuvre orchestrale de Sibelius, la Symphonie Kullervo ((Kullervo, 1892), a fait fureur dans son pays. Ses œuvres suivantes - En Saga (1892), Karelian Music et Four Legends - l'ont établi comme le principal compositeur national finlandais travaillant dans la tradition romantique. En reconnaissance de ses services et de son génie, le Sénat finlandais a accordé à Sibelius une pension à vie.
Les principales réalisations créatives du compositeur concernent la musique orchestrale, notamment 7 symphonies, des poèmes symphoniques et des suites. Le concerto pour violon, la "Valse triste" orchestrale et l'"Hymne de la Finlande" choral sont également très connus. De nombreuses compositions de Sibelius sont directement ou indirectement liées à des thèmes nationaux finlandais. Il est un représentant éminent de "l'âge d'or" de l'art finlandais de la période 1880-1910.
Bedřich Smetana, baptisé Friedrich, était un éminent compositeur, pianiste et chef d'orchestre tchèque, et le fondateur de l'école nationale tchèque de composition.
Smetana a appris la musique avec son père, violoniste amateur, et a commencé à prendre des leçons de piano très tôt, se produisant dès l'âge de six ans. Il devient ensuite professeur de musique et ouvre une école de piano à Prague en 1848. Smetana était un virtuose reconnu du piano.
En 1856, Smetana écrit ses premières symphonies et, la même année, il est nommé chef d'orchestre de la Philharmonie de Göteborg, en Suède, où il reste jusqu'en 1861, puis, de retour dans son pays, il devient l'un des fondateurs du théâtre national d'opéra. Le premier opéra de Smetana, Les Brandebourgeois en Bohême, est monté à Prague en 1866. La même année, le public découvre son deuxième opéra, La Fiancée vendue, et Smetana acquiert la réputation de compositeur national tchèque.
À la fin de l'année 1874, Smetana est devenu complètement sourd, mais il a continué à créer pendant plusieurs années : il a écrit un cycle de six œuvres symphoniques, des concertos, de nombreuses pièces pour piano et d'autres œuvres. Les œuvres de Smetana, en particulier La fiancée vendue, Mon pays et le Trio pour piano, sont toujours jouées dans le monde entier.
Bedřich Smetana est considéré à juste titre comme le fondateur de l'école nationale de composition : il a été le premier compositeur à utiliser des thèmes et des motifs folkloriques tchèques dans ses œuvres, et l'opéra Brandebourgeois de Bohême a été entièrement écrit en tchèque pour la première fois. L'œuvre de Smetana a eu une grande influence sur les compositeurs tchèques des générations suivantes, tels qu'Antonín Dvořák et Zdeněk Fibich, tandis que le poème symphonique Vltava du cycle Ma patrie est devenu l'hymne national tchèque non officiel.
Richard Strauss, de son nom complet Richard Georg Strauss, était un compositeur allemand de la fin de l'ère romantique, un représentant éminent de l'expressionnisme allemand et un chef d'orchestre.
Richard a reçu sa première éducation musicale de son père, corniste virtuose à l'opéra de Munich. Le garçon était très doué pour la musique et, dès l'âge de six ans, il a commencé à composer des pièces. En grandissant, Strauss a mené une carrière fructueuse en tant que chef d'orchestre des plus grands orchestres d'Allemagne et d'Autriche. En 1889, à Weimar, il dirige la première représentation de son poème symphonique Don Juan, qui reçoit un accueil triomphal. Les critiques qualifient Strauss d'héritier de Wagner et c'est à partir de ce moment que débute sa carrière de compositeur.
En 1904, avec son épouse chanteuse Paulina Maria de Ana, qui interprète remarquablement ses chansons, Strauss effectue une tournée de concerts aux États-Unis.
Richard Strauss idolâtrait également Wolfgang Mozart et Richard Wagner, et une grande partie de son œuvre est née de cette vénération. Il excellait dans l'écriture d'œuvres pour grand orchestre, mais il réussissait tout aussi bien dans la subtile musique de chambre. Le compositeur possédait une puissance descriptive inégalée et la capacité de transmettre des détails psychologiques. Cela est particulièrement évident dans ses opéras Guntram, Salomé, Elektra et d'autres.
Avec Gustav Mahler, Richard Strauss représente l'épanouissement tardif du romantisme allemand, qui associe des subtilités orchestrales novatrices à un style harmonique innovant.
Rabindranath Tagore est un compositeur, écrivain, dramaturge, peintre et philosophe indien dont l'œuvre a eu une profonde influence sur la littérature et la musique du Bengale à l'orée du xxe siècle. Il est couronné par le Prix Nobel de littérature en 1913. Nombre de ses romans et nouvelles ont été adaptés au cinéma, notamment par le cinéaste Satyajit Ray.
Petr Il'itch Tchaïkovskiï (en russe : Пётр Ильич Чайковский) était un grand compositeur, professeur, chef d'orchestre et critique musical russe.
Petr est né dans la famille d'un ingénieur des mines ; plus tard, son père est devenu directeur des usines d'Alapaev et de Nizhnekamsk et directeur de l'Institut technologique de Saint-Pétersbourg. Dès l'âge de cinq ans, Petr commence à apprendre à jouer du piano et à composer. Avocat de formation, il est nommé au ministère de la justice et prend sa retraite en 1867.
En 1865, Tchaïkovskiï obtient son diplôme avec mention au Conservatoire de Saint-Pétersbourg et compose plusieurs œuvres importantes au cours de ses années d'études. De 1866 à 1878, Tchaïkovskiï est professeur au Conservatoire de Moscou, traduit plusieurs ouvrages de théorie musicale et rédige un Guide de l'étude pratique de l'harmonie. En 1868, il fait sa première apparition dans la presse en tant que critique musical, puis travaille comme critique musical pour les journaux moscovites Sovremennaya Annals et Russkiye Vedomosti.
Petr Il'itch détruit ses premiers opéras - Voevoda et Undina - apparemment mécontent du résultat, mais ses concertos et symphonies suivants, les opéras Oprichnik (1874) et Le Forgeron Vakula (1876) connaissent déjà un certain succès. En 1877, la mécène et admiratrice Nadezhda von Meck fait en sorte que Tchaïkovskiï reçoive une subvention annuelle de six mille roubles, grâce à laquelle il se consacre à la composition. À partir de 1888, le compositeur reçoit également une pension annuelle de trois mille roubles de l'empereur russe Alexandre III.
À partir des années 1880, Tchaïkovskiï est connu non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger : il donne de nombreux concerts dans des villes européennes et sa musique est reconnue et appréciée aux États-Unis.
Homme d'une extraordinaire sensibilité à l'âme, Petr Tchaïkovskiï a révélé en musique le monde intérieur de l'homme, de l'intimité lyrique à la tragédie la plus profonde, créant les plus grands exemples d'opéras, de ballets, de symphonies et d'œuvres de chambre. Au cours de cette période, il a écrit les opéras Eugène Onéguine (1878), La Pucelle d'Orléans (1879), Mazepa (1883), Cherevichki (1885), La Dame de pique (1890), Iolanta (1891) et d'autres encore. Et aussi les ballets "Le Lac des cygnes" (1876), "La Belle au bois dormant" (1889), "Casse-Noisette" (1892). Toutes ces œuvres sont encore jouées dans tous les théâtres du monde avec un succès qui ne se dément pas.
Son cycle des Saisons et sa sixième symphonie (Pathétique) sont également très connus. Les six symphonies de Tchaïkovskiï, la symphonie Manfred (1885), le Capriccio italien (1880), trois concertos pour piano et orchestre (1875-93), un concerto pour violon et orchestre, Variations sur un thème rococo pour violoncelle et orchestre (1876), le trio pour piano À la mémoire du grand artiste (1882) et des romances font partie des chefs-d'œuvre du monde.
Tchaïkovskiï est mort de manière inattendue, après avoir contracté le choléra lors d'une épidémie à Saint-Pétersbourg. En l'honneur du compositeur, l'un des plus prestigieux concours d'interprétation a été organisé en 1958 : le Concours international Tchaïkovskiï, qui se tient à Moscou tous les quatre ans. La ville de Tchaïkovskiï dans la région de Perm, des rues dans de nombreuses villes de l'ex-Union soviétique et un cratère sur Mercure ont été nommés en l'honneur du compositeur. Le Conservatoire d'État de Moscou porte le nom de i Tchaïkovskiï. Petr Tchaïkovskiï est l'un des compositeurs les plus joués dans le monde.
Ludwig van Beethoven était un compositeur, pianiste et chef d'orchestre allemand, l'un des compositeurs les plus célèbres de l'histoire mondiale.
Beethoven a développé un talent pour la musique très tôt, dès l'âge de quatre ans, grâce à l'enseignement de son père. Ses premières œuvres - sonates pour piano et symphonies - ont été écrites sous la forte influence de la musique des grands compositeurs classiques Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart. Cependant, en mûrissant, Beethoven a commencé à expérimenter de nouvelles formes et séquences harmoniques, et sa musique est devenue plus complexe et plus chargée d'émotions.
Malheureusement, au sommet de son talent, Beethoven a commencé à perdre progressivement l'ouïe, jusqu'à devenir complètement sourd à la fin de sa vie. Malgré cela, il a continué à composer et à diriger, en utilisant des instruments spéciaux pour ressentir les vibrations de la musique.
L'œuvre de Beethoven est considérée comme un pivot de la musique classique et un pont entre l'ère classique et l'ère romantique. Ses œuvres expriment avec force une large palette d'émotions, allant du triomphe et de la joie à la tristesse et au désespoir. Beethoven a également été l'un des premiers compositeurs à inclure des solistes et des chœurs dans ses symphonies. Les œuvres les plus connues de Beethoven comprennent 9 symphonies, 32 sonates pour piano, 16 quatuors à cordes et l'opéra héroïque Fidelio. Ces œuvres et bien d'autres ont permis à Beethoven de s'imposer dans l'histoire de la musique comme l'un des plus grands compositeurs de tous les temps. Sa musique continue d'être jouée et étudiée par les musiciens et les mélomanes du monde entier.
Giuseppe Verdi, de son nom complet Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, était un compositeur d'opéra italien.
Fils d'un aubergiste de village, Giuseppe montre très tôt des talents musicaux, jouant de l'orgue à l'église dès l'âge de neuf ans. Il étudie la musique à Milan, enseigne et, en mars 1839, met en scène son premier opéra, "Oberto, conte di San Bonifacio", à la Scala. En 1842, l'opéra de Verdi, Nabucco, a connu un grand succès et a été joué dans tous les grands théâtres d'Europe. Verdi a écrit au total 26 opéras au cours de sa carrière, dont les plus célèbres sont Rigoletto (1851), Trovatore (1853), La Traviata (1853), Don Carlos (1867), Aida (1871), Otello (1887) et Falstaff (1893).
En 1873, Giuseppe Verdi décide de se retirer du monde de l'opéra. Il s'installe à Sant'Agata où, grâce à son travail inlassable dans l'agriculture, il devient un grand propriétaire terrien et un homme très riche ; il finance également de grandes œuvres de charité.
Verdi a fait une pause dans ces activités pour son opéra Otello, mais après une tournée européenne réussie, il s'est retiré à Sant'Agata. L'œuvre de Giuseppe Verdi est l'une des plus grandes réussites de l'art lyrique mondial. De nombreuses générations d'amateurs d'opéra apprécient toujours les œuvres brillantes du compositeur.
Carl Maria von Weber, de son nom complet Carl Maria Friedrich Ernst von Weber, était un compositeur d'opéra et chef d'orchestre allemand de la période de transition entre la musique classique et la musique romantique, ainsi qu'un pianiste et un critique musical.
Weber est né dans une famille de musiciens et de théâtres, et son père rêvait de faire de lui un second Mozart. Le jeune Weber est d'abord nommé directeur musical du duc Eugène de Wurtemberg, pour l'orchestre privé duquel il écrit deux symphonies, puis secrétaire à la cour du roi Frédéric Ier de Wurtemberg. Parallèlement, il compose des œuvres musicales, acquérant ainsi expérience et connaissances.
En 1813, Weber est nommé chef d'orchestre de l'opéra de Prague et, quatre ans plus tard, directeur de l'opéra allemand de Dresde. Il y déploie ses talents en prenant en charge l'intégralité de la préparation d'une production d'opéra : il choisit le répertoire, le personnel et les acteurs ; il s'occupe des décors, de l'éclairage et de la mise en scène, ainsi que de l'orchestre et des chanteurs, en veillant tout particulièrement à ce que chaque interprète comprenne parfaitement les paroles et l'intrigue de chaque opéra. Le compositeur trouve également le temps de composer ses propres œuvres.
Au cours de cette période, il a créé l'opéra The Free Rifleman (1821), dans lequel il a pu libérer l'opéra allemand des influences françaises et italiennes. L'opéra a d'abord été joué avec succès à Berlin, puis dans toute l'Europe. "Le Franc-Tireur est l'opéra allemand le plus populaire écrit à ce jour et il a marqué le début de l'opéra romantique allemand. Weber a également écrit les opéras Euryanthe (1823), Oberon (1826) et d'autres.
Carl Weber a composé de nombreuses fugues, sonates, concertos et musique sacrée, et a été l'un des plus grands virtuoses du piano et critiques musicaux. De 1809 à 1818, il a écrit un nombre considérable de comptes rendus et de critiques musicales très incisives. Toutes ses activités, sa musique et ses écrits critiques ont promu les idéaux du romantisme en tant qu'art dans lequel le sentiment l'emporte sur la forme et le cœur sur la tête.
Wilhelm Richard Wagner était un pionnier allemand de la composition, de la direction d'orchestre et de la réforme de l'opéra.
Sa première véritable symphonie en do majeur a été jouée lors des concerts du Gewandhaus de Leipzig en 1833. Wagner vivait dans une colonie d'artistes allemands pauvres et gagnait sa vie dans le journalisme musical. Néanmoins, en 1841, il écrit son premier opéra représentatif, Le Hollandais volant, basé sur la légende d'un capitaine de navire condamné à naviguer éternellement. En 1842, Rienzi est joué triomphalement à Dresde, après quoi Wagner est nommé chef d'orchestre de l'opéra de la cour, poste qu'il occupe jusqu'en 1849.
En 1848-49, Wagner s'engagea dans la révolution allemande, écrivit un certain nombre d'articles en sa faveur et prit une part active au soulèvement de Dresde en 1849. L'échec du soulèvement l'oblige à fuir l'Allemagne. Les années qui suivirent furent principalement consacrées à la rédaction de traités théoriques sur la philosophie et la musique. Wagner avait des opinions antisémites et nazies. Réfléchissant à l'avenir de la musique, il prévoit la disparition de l'opéra en tant que divertissement artificiel pour l'élite et l'émergence d'un nouveau type d'œuvre musicale scénique pour le peuple, exprimant l'autoréalisation de l'humanité libre. Cette nouvelle œuvre sera plus tard qualifiée de "drame musical".
En 1857, son style s'est enrichi de nouvelles interprétations et Wagner a composé Rheingold, Die Walküre et deux actes de Siegfried. En 1864, cependant, des habitudes financières peu judicieuses l'ont conduit à l'endettement et à la ruine, et il a été contraint de fuir la prison pour se réfugier à Stuttgart. Il est sauvé par le roi Louis II, fervent admirateur de l'œuvre de Wagner. Sous son patronage, les opéras du compositeur sont montés avec succès à Munich pendant six ans. Le roi lui assure pratiquement une vie sans problèmes et, grâce à son soutien, Wagner construit son propre opéra (Bayreuther Festspielhaus), dans lequel de nombreuses idées constructives nouvelles sont mises en œuvre. C'est là qu'eurent lieu les premières du Ring et de Parsifal.
Toutes les innovations et méthodes créatives de Wagner ont donné naissance à une nouvelle forme d'art, caractérisée par un symbolisme profond et complexe, opérant sur trois plans indissociables : dramatique, verbal et musical. Il a exercé une influence considérable sur la culture musicale européenne, en particulier sur le développement de l'opéra et des genres symphoniques.
Les œuvres majeures de Richard Wagner comprennent Le Hollandais volant (1843), Tannhäuser (1845), Lohengrin (1850), Tristan und Isolde (1865), Parsifal (1882) et sa grande tétralogie L'Anneau du Nibelung (1869-76).
Ralph Vaughan Williams était un compositeur, organiste, chef d'orchestre et professeur britannique.
Vaughan Williams a étudié au Royal College of Music et au Trinity College de Cambridge, a poursuivi ses études à Berlin et à Paris, et a travaillé comme éditeur de musique pour un magazine. Après avoir servi dans l'artillerie pendant la Première Guerre mondiale, il est devenu professeur de composition au Royal College of Music. Pendant ce temps, il se consacre à la folkloristique, collectant des airs et des chansons populaires anglaises, ce qui se reflétera dans son œuvre ultérieure.
Outre l'enseignement et la composition, Vaughan Williams était actif en tant que chef d'orchestre, notamment pour les chœurs de la Bach and Handel Society.
L'héritage de Vaughan Williams est considérable : il a composé six opéras, trois ballets, neuf symphonies, dont la London Symphony, des cantates et des oratorios, des œuvres pour piano, orgue et ensembles de chambre, des arrangements de chansons folkloriques et bien d'autres œuvres. Vaughan Williams a réussi à se détacher des traditions allemandes et à créer une véritable tradition nationale anglaise dans la création de musique classique. Il est l'un des fondateurs de la nouvelle école de composition anglaise - la "renaissance musicale anglaise".