Designers 20e siècle
Louise Abbéma était une artiste peintre française, sculpteure et designer de l'époque de la Belle Époque, née le 30 octobre 1853 à Étampes et décédée le 29 juillet 1927 à Paris. Elle s'est fait connaître grâce à ses portraits hauts en couleur de la société parisienne et des célébrités de son temps, y compris de la célèbre actrice Sarah Bernhardt. Abbéma a étudié l'art avec des maîtres renommés et a souvent peint des portraits et des scènes de genre influencés par l'impressionnisme.
Son talent lui a valu de nombreuses distinctions, dont la Palme Académique en 1887 et la Légion d'honneur en 1906, faisant d'elle une des premières femmes à recevoir cette honneur. Elle a également été nommée Peintre officielle de la Troisième République. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux salons et elle a reçu une médaille de bronze lors de l'Exposition Universelle de 1900.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "Le Matin d’avril, Place de la Concorde, Paris" (1894), "Portrait de Jeanne Samary" et divers portraits de Sarah Bernhardt. Ses peintures sont reconnues pour leur style vif et leur technique impressionniste, reflétant la vie sociale et culturelle de son époque.
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Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Peter Ackermann était un peintre et graphiste allemand. Il est devenu connu pour son aliénation des sujets architecturaux. Ackermann était un représentant du réalisme fantastique. Le sujet de prédilection de son travail était l'architecture italienne classique, qu'il dessinait sur place. Il a assemblé des colonnes, des portails et des murs avec des pièces de machines, des ruines et des parties désolées de la ville, qui ont été entassées de manière menaçante et donc aliénées. Dans ses gravures, il a montré des références aux techniques des maîtres anciens, sa conception picturale est comparée à celle de Giovanni Battista Piranesi et de Canaletto.
Yaacov Agam est un artiste israélien né le 11 mai 1928 à Rishon LeZion, en Palestine (aujourd'hui Israël). Il est considéré comme un pionnier de l'art optique et cinétique, se distinguant par ses œuvres tridimensionnelles qui invitent à la réflexion sur le temps, le progrès et le rôle du spectateur. Agam a acquis une renommée internationale depuis sa première exposition solo en 1953, et ses œuvres sont collectionnées dans le monde entier.
L'approche révolutionnaire d'Agam repose sur la participation du spectateur, transformant l'acte de visionner en une expérience dynamique et changeante. Ses réalisations incluent des peintures mobiles, des sculptures et des installations spatiales qui démontrent son intérêt pour la transformation et la perception visuelle. Par ses innovations, Agam a contribué de manière significative à l'art moderne, en particulier dans les domaines de l'art optique et cinétique.
Agam a également été reconnu pour son utilisation de couleurs vives et de formes géométriques, créant des œuvres qui changent d'aspect selon l'angle de vue du spectateur. Cette interaction unique avec le public souligne la nature éphémère et subjective de la perception. En outre, l'Agamographie, une technique qu'il a développée, utilise un objectif lenticulaire pour créer des images qui semblent changer lorsqu'on les regarde sous différents angles.
Le Musée d'Art Yaacov Agam, ouvert en 2017 à Rishon LeZion, son lieu de naissance, est dédié à son œuvre et à l'art en mouvement, soulignant son importance dans l'histoire de l'art israélien et international. Les œuvres d'Agam sont présentes dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Musée Hirshhorn et le Jardin de Sculptures à Washington, D.C., témoignant de son impact durable sur l'art contemporain.
Pour rester informé des dernières ventes d'œuvres et des événements d'enchères liés à Yaacov Agam, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous garantira de ne pas manquer les nouvelles importantes concernant les créations et les contributions de cet artiste majeur à la culture et à la peinture moderne.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Anni Albers, née Annelise Fleischmann, est une artiste textile américaine d'origine allemande, designer, lithographe et théoricienne de l'art, qui a participé au mouvement du Bauhaus et a enseigné au Black Mountain College. Anni Albers est une des rares femmes du Bauhaus à avoir rencontré de son vivant le succès professionnel et la reconnaissance.
Josef Albers est un peintre et enseignant de l'art.
Josef Albers enseigna au Bauhaus d'octobre 1923 à avril 1933. Il est considéré comme un des initiateurs de l'art optique, ou «op art», et son Interaction des couleurs, comme un classique de l'enseignement des arts visuels.
Wobbe Alkema est un artiste, graphiste, architecte, designer et sculpteur néerlandais. Il est connu pour ses œuvres abstraites et géométriques, qui combinent souvent des éléments du constructivisme et de De Stijl.
Alkema a suivi une formation d'architecte et s'est ensuite tourné vers l'art, étudiant à l'Académie des beaux-arts de Groningue. Dans les années 1920, il a participé au collectif d'artistes De Ploeg, qui était actif dans le nord des Pays-Bas et promouvait l'art et la culture modernistes.
Tout au long de sa carrière, Alkema a continué à explorer les principes de l'abstraction et de la géométrie dans son travail. Ses peintures présentent souvent des formes géométriques simples, telles que des carrés, des cercles et des triangles, disposées dans des compositions complexes qui suggèrent le mouvement et la profondeur. Il s'intéresse également à l'interaction des couleurs, utilisant des teintes vives et audacieuses pour créer des contrastes dynamiques et de l'harmonie.
Outre la peinture, Alkema a créé un certain nombre d'œuvres sculpturales, notamment des reliefs abstraits et des sculptures autoportantes. Il a également conçu des meubles et d'autres objets fonctionnels, appliquant ses principes d'abstraction et de forme géométrique à des objets de la vie quotidienne.
Les œuvres d'Alkema font partie des collections de plusieurs musées aux Pays-Bas, dont le Groninger Museum et le Stedelijk Museum d'Amsterdam. Il est considéré comme une figure importante dans le développement de l'art abstrait aux Pays-Bas, et son œuvre continue d'être admirée pour son utilisation innovante de la forme et de la couleur.
Valeriï Vladimirovitch Androsov (еn russe: Валерий Владимирович Андросов) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme sculpteur, architecte, designer, peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Androsov crée des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que des œuvres fantastiques. Il est également connu comme l'auteur d'une vaste collection d'ex-libris qui reflètent fidèlement le caractère et les intérêts des propriétaires de livres. À différentes périodes, il a été artiste en chef du Mosstroiplastmass Combine et directeur de la Mytishchi Picture Gallery. Il a également créé des monuments à la mémoire des victimes de la Grande Guerre patriotique et des pilotes de l'aéroclub de Mytishchi, démontrant ainsi ses compétences dans diverses directions artistiques.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Ron Arad (hébreu : רון ארד) est un artiste, architecte et designer contemporain d'origine israélienne connu pour ses créations innovantes qui repoussent les limites.
Tout au long de sa carrière, Arad a exploré divers matériaux et techniques, embrassant à la fois les processus artisanaux et technologiques. Ses créations brouillent souvent les frontières entre l'art et le design, remettant en question les notions conventionnelles de forme et de fonction. Les meubles d'Arad se caractérisent par leurs qualités sculpturales, leurs formes organiques et leur fluidité.
Gerd Arntz était un dessinateur et graphiste allemand. Ses premiers travaux célèbres furent produits dans les années 1920, lorsque Arntz, qui était politiquement orienté à gauche et visait une amélioration de la structure sociale, intégra le Groupe des artistes progressistes. Son ambition était de produire une représentation graphique des rapports sociaux, et plus particulièrement de ceux qui concernent la guerre et le capitalisme. Son art était destiné à agir directement sur la société, au moyen d'un style directement constructiviste. Cette volonté de représentation critique des rapports sociaux conduisit Arntz à travailler à un symbolisme censé être universellement compréhensible. En particulier, il réfléchit à la mise en place d'un langage d'images aisément interprétable, qu'il élabora en collaboration avec le philosophe et économiste viennois Otto Neurath.
Daniel Arsham est un artiste et sculpteur américain, co-fondateur et associé de la firme de design Snarkitecture. Vit et travaille à New York. Ses projets incluent des collaborations avec James Franco, Hajime Sorayama, Merce Cunningham, Heidi Slimane et Pharrell Williams. Il a également réalisé des commandes pour des marques telles que Calvin Klein et Louis Vuitton.
Helen Ashbee est une artiste, sculptrice et joaillière britannique. Fille du célèbre architecte, designer et réformateur social Charles Robert Ashbee.
Helen Ashbee était designer textile et après la mort de son mari, le peintre italien Francesco Cristofanetti, elle trouve sa véritable activité à Paris - la "sculpture abstraite" et les bijoux qui s'y rapportent, pour lesquels elle a toujours fait de nombreux dessins préparatoires.
Erik Gunnar Asplund est un architecte suédois de renommée internationale, représentant du courant de l'architecture néoclassique des années 1920. Il a étudié à l'Institut royal de technologie de Stockholm où il obtint son diplôme d'architecte en 1909. Il a également étudié à la Klara Skolan, un institut privé dirigé par des architectes, où il a commencé à participer à des concours. Il fut à la fin de sa vie un pionnier du fonctionnalisme.
Christian Ludwig Attersee, né Christian Ludwig, est un artiste médiatique autrichien vivant à Vienne et à Semmering, en Basse-Autriche.
L'artiste a pris son deuxième prénom, Attersee, de la région où il a passé sa jeunesse. Il a étudié à l'Académie des arts appliqués de Vienne et son travail s'est caractérisé très tôt par une sexualisation flamboyante. Il est connu non seulement comme artiste visuel, mais aussi comme musicien, écrivain, artiste de l'objet, designer, scénographe et réalisateur. Dans les années 1960 et 1970, il a également créé des séries sur les thèmes de la nourriture, des objets quotidiens, de la beauté et des cosmétiques.
Attersee est surtout connu comme l'un des principaux représentants de la peinture objective en Europe au cours des 50 dernières années. Dans la seconde moitié des années 70, il est devenu le fondateur de la "nouvelle peinture autrichienne". De 1990 à 2009, Atterse a occupé une chaire à l'université des arts appliqués de Vienne.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
Hermann Bachmann est un artiste, graphiste et enseignant allemand.
Hermann a étudié à l'école des arts appliqués d'Offenbach am Main et a servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale. En 1945, Bachmann retourne dans sa ville natale et rejoint les artistes de l'école de Halle. En 1953, il se réfugie à Berlin-Ouest, dont l'atmosphère créative lui est plus proche.
En 1957, Hermann Bachmann devient enseignant, puis professeur à l'université des beaux-arts de Berlin, et compte parmi ses étudiants de nombreux artistes de renom. Il était membre de l'Association des artistes allemands.
Léon Bakst (en russe: Лев Самойлович Бакс), un artiste russe de renom, a marqué l'histoire de l'art et de la culture par ses contributions significatives en tant que peintre, scénographe, et créateur de costumes. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est illustré par son travail novateur pour les Ballets Russes, apportant une dimension visuelle révolutionnaire à la danse et au théâtre du début du XXe siècle.
L'œuvre de Bakst se distingue par son utilisation audacieuse de la couleur et son style exotique, qui ont captivé l'imaginaire du public et influencé la mode et l'art décoratif de son époque. Ses décors et costumes pour des productions telles que "L'Après-midi d'un faune" et "Le Spectre de la rose" demeurent des exemples emblématiques de son génie créatif, témoignant de son rôle prépondérant dans l'avant-garde artistique.
Les réalisations de Bakst sont conservées dans des musées et collections à travers le monde, attestant de son héritage durable. Le Musée d'Orsay à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York, entre autres, abritent certaines de ses œuvres les plus célèbres, permettant au public de se familiariser avec son art innovant.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Léon Bakst offre une fenêtre unique sur une période clé de l'innovation artistique et culturelle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Léon Bakst, garantissant ainsi un accès privilégié à des pièces exceptionnelles de cet artiste légendaire.
Margit Balla est une artiste hongroise, graphiste, illustratrice, réalisatrice de films, scénographe et costumière.
Elle a étudié la typographie à l'Académie des arts appliqués de Budapest, réalisant principalement des affiches et des illustrations de livres, puis travaillant de plus en plus avec des graphiques picturaux. Dans ses affiches, Margit Balla combine des impressions d'anciennes gravures avec des tendances contemporaines telles que le pop art. Ses compositions figuratives sont facilement reconnaissables à son style de dessin surréaliste particulier.
Depuis 2000, Margit Balla travaille comme conceptrice de production pour le théâtre de marionnettes de Budapest.
Vladimir Davidovitch Baranov-Rossine (en russe: Владимир Давидович Баранов-Россине) était un artiste ukrainien, russe et français d'origine juive, connu pour son rôle important dans le mouvement avant-gardiste du Cubo-Futurisme et en tant qu'inventeur. Né à Kherson dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), il a étudié à l'École de la Société pour l'encouragement des arts à Saint-Pétersbourg et à l'Académie impériale des beaux-arts de la même ville. Dès 1908, il exposait avec le groupe Zveno (Le Lien) à Kiev, et en 1910, il s'installa à Paris, devenant résident de la colonie d'artistes La Ruche, aux côtés de figures comme Alexander Archipenko et Sonia Delaunay-Terk.
Baranov-Rossine est reconnu pour son exploration des liens entre l'art et la technologie, notamment à travers l'invention du piano optophonique, un instrument capable de produire des sons et des lumières colorées simultanément. Cette invention illustre son intérêt pour la synthèse des arts et son engagement dans l'avant-garde artistique. En plus de son travail dans le domaine de l'art, Baranov-Rossine a également appliqué ses compétences à des innovations pratiques, telles que la caméléon, une technique de camouflage militaire, et le "photochromomètre", un appareil permettant de déterminer les qualités des pierres précieuses. Il a même perfectionné une machine à préparer, stériliser et distribuer des boissons gazeuses, le "Multiperco", qui a reçu plusieurs prix techniques.
L'art de Baranov-Rossine est représenté dans des collections et des expositions à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Malheureusement, sa vie a pris fin tragiquement lorsqu'il a été déporté et assassiné à Auschwitz en 1944 par les nazis.
Pour ceux qui sont fascinés par la contribution de Baranov-Rossine à l'art moderne et son exploration pionnière de l'intersection entre l'art et la technologie, l'inscription aux mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre peut offrir des occasions uniques d'appréciation et de collection.
George Barbier était un artiste et illustrateur français, créateur de mode, qui a influencé le développement du mouvement Art déco.
George Barbier a étudié la peinture à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Il a d'abord travaillé comme illustrateur pour plusieurs célèbres magazines de mode parisiens et, peu à peu, ses dessins ont commencé à définir le style des vêtements féminins. L'émergence du style Art nouveau incite Barbier à créer une mode luxueuse pour le cabaret, le théâtre et le cinéma. Il représente des costumes de théâtre extravagants avec des strass étincelants, de hautes coiffes et d'immenses panaches. Barbier a conçu des costumes de scène pour les célèbres Ballets russes de Diaghilev.
Il a également illustré des catalogues et de nombreuses œuvres littéraires, dont celles de Charles Baudelaire et de P. Verlaine, et a été auteur et créateur de bijoux.
Ercole Barovier était un artiste verrier et un designer italien.
En 1936, il fonde Ferro Toso Barovier avec ses frères Dezio et Artemio Toso, qui devient Barovier — Toso & Co. en 1939 et Barovier & Toso en 1942.
Il a également été directeur artistique de la verrerie jusqu'en 1972.
Carlo Bartoli est un architecte et designer italien. Auteur de nombreux projets, tels que la chaise Gaia, incluse dans la collection permanente de design du MoMA de New York et du Milan Triennale Design Museum, et la chaise 4875 pour Kartell, la première au monde en polypropylène, ainsi qu'une partie de la collection design du Centre Pompidou à Paris.
Mary Hilde Ruth Bauermeister est une artiste allemande. Elle est une des rares femmes de l'avant-garde artistique d'après-guerre, une des précurseures du mouvement Fluxus et a influencé toute une génération d'artistes. Son œuvre multiforme comporte des textes, dessins floraux, compositions musicales, tableaux mystiques, boîtes à lentilles, boîtes de verre.
Marcel-Louis Baugniet était un peintre, théoricien, designer de meubles, créateur d'affiches, de costumes et de décors de théâtre belge, et l'un des principaux défenseurs du concept de plasticité pure.
Il a étudié la peinture à l'Académie royale des Beaux-Arts de Bruxelles, où il a communiqué avec Paul Delvaux, René Magritte, Victor Servranck et Pierre-Louis Flouquet.
Marcus Behmer, de son nom complet Marcus Michael Douglas Behmer, connu sous les pseudonymes de Marcotino et Maurice Besnaux, est un artiste, graphiste et illustrateur allemand.
Fils du peintre Hermann Behmer, Marcus a participé à la Première Guerre mondiale et a peint des portraits miniatures de ses compagnons d'armes. À partir de 1900, il commence à collaborer avec des périodiques et des éditeurs de livres de Munich. Bemer a réalisé des centaines de dessins et d'illustrations et a publié une série de gravures qui ont été reconnues et ont eu du succès. Il conçoit également des caractères typographiques.
En 1936, Behmer est condamné pour homosexualité et passe un an et demi en prison, où l'artiste trouve également la force de dessiner. Pendant la Seconde Guerre mondiale, presque toutes les créations de Bemer ont été perdues ou détruites.
Peter Behrens, né le 14 avril 1868 à Hambourg et décédé le 27 février 1940 à Berlin, était un architecte, graphiste et designer industriel allemand, considéré comme un pionnier dans le développement de l'architecture moderne en Allemagne. Sa collaboration avec AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) en tant que consultant artistique dès 1907 lui a valu d'être reconnu comme le premier designer industriel de l'histoire, concevant l'identité corporative complète de l'entreprise, y compris le design des produits et des bâtiments emblématiques comme la fameuse Usine de Turbines AEG à Berlin.
Au début de sa carrière, Behrens a travaillé comme peintre et designer dans le style Jugendstil, ou Art nouveau allemand, avant de se tourner vers l'architecture sous l'influence de J. M. Olbrich. Il est devenu un membre influent de la colonie d'artistes à Darmstadt, où il a réalisé sa propre maison, un exemple caractéristique du travail Art nouveau.
Tout au long de sa carrière, Behrens a influencé significativement l'architecture européenne. Ses bâtiments, du monumental classicisme industriel de l'Usine de Turbines AEG au style expressionniste en brique de l'édifice administratif de Hoechst AG à Francfort, reflètent une diversité de styles et d'intérêts architecturaux. Son travail a non seulement marqué l'avènement de l'architecture moderne mais a également servi de mentor à des architectes modernistes majeurs tels que Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier et Walter Gropius.
Behrens a également joué un rôle important dans l'éducation en architecture, enseignant à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne de 1922 jusqu'à 1936, période durant laquelle il a continué à influencer le développement de l'architecture moderne en Europe.
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Veniamine Pavlovitch Belkin (en russe: Вениамин Павлович Белкин) était un artiste et peintre russe, né le 26 janvier 1884 à Verkhoturye, dans le gouvernorat de Perm, et décédé le 8 novembre 1951 à Léningrad (actuellement Saint-Pétersbourg). Sa carrière a été marquée par une contribution significative à l'art du livre, avec des œuvres présentées dans diverses expositions dès 1906, tant en Union Soviétique (à Moscou et à Léningrad) qu'à l'étranger (à Paris, New York et Boston). Parmi ses œuvres notables, on compte des illustrations pour "Le Décaméron", "Les Trois Mousquetaires", "Un héros de notre temps" et "Le Chevalier à la peau de panthère". Belkin a également travaillé pour la célèbre maison d'édition "Academia" et était proche d'Alexeï Tolstoï et d'Anna Akhmatova.
Il a étudié à Moscou dans les ateliers de M. I. Shesterkin et A. P. Bolshakov (1904-1905), puis à Paris dans le studio "La Palette" sous la direction de S. Guerin, parmi d'autres, et a utilisé les conseils de E. S. Kruglikova (1907 - 1909). Il a participé à des expositions du "Union de la jeunesse" (1911), "Monde de l'art" (1912-1916, 1924), et des peintures d'artistes pétersbourgeois de toutes directions (1923). Belkin a également enseigné à l'Académie des beaux-arts de Petrograd, à l'Institut des arts graphiques, et, dans ses dernières années, à l'école d'art industriel (6. Stieglitz).
Ses styles artistiques incluent l'expressionnisme et l'Art Nouveau, utilisant principalement la technique de l'huile. Ses œuvres ont été appréciées et collectionnées, témoignant de son impact durable dans le monde de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par Veniamine Pavlovitch Belkin, il est possible de suivre les ventes aux enchères et les événements liés à ses œuvres via des services d'alertes aux enchères, assurant une connexion directe avec son héritage artistique.
Inscrivez-vous pour des mises à jour liées à Veniamine Pavlovitch Belkin afin de ne manquer aucune nouvelle vente de produit ou événement d'enchères associé à cet artiste remarquable.
Mario Bellini est un architecte et designer italien.
Il a participé comme enseignant à de nombreux séminaires et conférences à travers le monde. Passionné d'art, collectionneur, il a réalisé de nombreuses expositions d'art. Il a également fait l'objet de plusieurs rétrospectives personnelles.
Gerald Adrian Sallis Benney était un orfèvre britannique qui, avec David Mellor et Robert Welch, a popularisé les modèles en acier inoxydable dans les foyers britanniques de l'après-guerre. Comme Mellor et Welch, il a été influencé par le design moderne scandinave et en particulier par Georg Jensen.
Christian Jacques Bérard, couramment surnommé «Bébé», est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français.
Dès le début de sa carrière, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940.
Il formait avec l'écrivain Boris Kochno, rencontré aux Ballets russes de Monte-Carlo, un couple très en vue dans le monde théâtral et les milieux mondains. Tous deux, ils assurent la direction artistique du Théâtre de la Mode en 1945.
Igor Borisovitch Berezovski était un artiste, graphiste et designer soviétique et russe.
Igor Berezovski s'intéressait à la texture des images télévisées ; il reproduisait des photographies de magazines et les amenait au bord de l'extinction à l'aide d'impressions sur grand écran ; il introduisait des textures inattendues dans les images en utilisant toutes sortes de "déchets" ; il paraphrasait Folon et Dibbets, Warhol et Dürer.
Harry Bertoia est un artiste, sculpteur et designer de meubles américain d'origine italienne. Il est surtout connu pour ses sculptures métalliques innovantes et ses meubles emblématiques.
Dans les années 1940 et 1950, Bertoia a travaillé avec Charles et Ray Eames dans la division de contreplaqué moulé d'Evans Products Company. C'est à cette époque qu'il a commencé à expérimenter le fil métallique comme moyen de sculpture et de conception de meubles. La chaise en treillis métallique Diamond de Bertoia, présentée en 1952, est l'une de ses créations les plus emblématiques et les plus influentes. Fabriquée en pliant et en soudant du fil de fer, la chaise allie l'esthétique au confort et à la fonctionnalité.
Dans son travail de sculpture, Bertoia a souvent créé des formes complexes et abstraites à l'aide de tiges et de fils métalliques. Il a exploré les propriétés sonores de ses sculptures, ce qui a conduit à la création de sa célèbre série de "Sounding Sculptures". Ces sculptures métalliques de grande taille produisent des sons éthérés lorsqu'on les touche ou qu'on les expose au vent.
Roger Bezombes était un peintre, sculpteur, médailliste et designer français du 20e siècle. Il a étudié à Paris à l'École des Beaux-Arts et a été grandement influencé par son amitié avec Maurice Denis. Bezomb a principalement travaillé comme peintre, adoptant les couleurs riches d'Henri Matisse dans les paysages et les personnages, souvent basés sur des observations de cultures "exotiques", en particulier celles de la Méditerranée et de l'Afrique du Nord.
Boris Bilinsky (еn russe: Борис Константинович Билински) était un artiste russo-français, né en 1900 et décédé en 1948, reconnu pour son travail innovant en tant que maître costumier, scénographe, et artiste d'affiches de cinéma. Sa capacité à intégrer le texte dans les images des affiches de cinéma modernes lui a valu d'être considéré comme un pionnier dans ce domaine. Entre 1920 et 1940, Bilinsky a créé environ cinquante affiches de films, notamment pour la version française de "Metropolis" de Fritz Lang, commandée par L'Alliance Cinématographique Européenne (ACE). Cette commission, culminant avec la création de quatre affiches impressionnantes pour "Metropolis", marque un point culminant de sa carrière.
Bilinsky a quitté la Russie en 1920 pour l'Allemagne puis s'est installé à Paris en 1923 où il a étudié la peinture avant de s'orienter vers le cinéma après avoir rencontré l'acteur Ivan Mosjoukine. En 1924, son travail sur les costumes pour "Le Lion des Mogols" l'a propulsé à la renommée, son affiche pour ce film remportant la médaille d'or à l'Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925 à Paris. Il fonde Alboris, sa propre société de publicité cinématographique, en 1928. Durant les années 1930, il se concentre davantage sur la conception de décors et de costumes pour l'opéra et le ballet russe, avant de déménager à Rome avec sa femme italienne au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, où il continue de travailler pour le cinéma italien jusqu'à sa mort prématurée à 47 ans.
Ses œuvres, dont les affiches pour des films français, allemands et russes, ainsi que ses designs pour le cinéma, le théâtre et le ballet, sont conservées dans des collections importantes comme celle de la Cinémathèque Française et la collection de la Houghton Library à Harvard. Ces collections mettent en lumière l'étendue et la diversité de son talent, allant des designs de costumes pour "Casanova" (1927), "Sheherazade" (1928), à des œuvres pour des productions cinématographiques et théâtrales européennes et américaines.
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Max Bill était un artiste suisse polyvalent, connu pour ses contributions significatives dans des domaines aussi divers que l'architecture, la peinture, le design de typographies, le design industriel et graphique. Sa formation à la célèbre école du Bauhaus entre 1927 et 1929 a posé les bases de son approche artistique, qui privilégie l'utilisation des mathématiques et de la géométrie pour créer des œuvres d'art concret. Son œuvre est caractérisée par une abstraction basée sur des systèmes de grille et des problèmes géométriques, comme la bande de Möbius, illustrant son adhésion aux théories de l'art concret.
Bill a exercé une influence majeure sur le design graphique suisse dès les années 1950, grâce à ses écrits théoriques et son travail progressiste. Il est crédité d'avoir apporté une influence décisive sur la scène artistique brésilienne, notamment en favorisant le mouvement vers l'art concret lors de sa rétrospective au Musée d'Art Moderne de São Paulo en 1951. En tant que designer industriel, ses créations sont marquées par une clarté de design et des proportions précises, par exemple, ses élégantes horloges et montres pour Junghans, ainsi que le célèbre "Ulmer Hocker" de 1954, un tabouret multifonctionnel.
Bill a également laissé une empreinte durable en tant qu'éducateur, notamment en co-fondant l'École de design d'Ulm en 1953, qui a intégré l'art et la science dans son approche pédagogique et a inclus la sémiotique comme champ d'étude. Ses réalisations ont été reconnues internationalement, lui valant des prix prestigieux, dont le Praemium Imperiale en 1993.
Pour en apprendre plus sur l'héritage durable de Max Bill et découvrir ses œuvres, les amateurs d'art et les collectionneurs peuvent visiter des expositions qui lui sont consacrées dans des musées du monde entier, ainsi que consulter les collections de la Fondation Max Bill Georges Vantongerloo basée dans sa maison et son studio à Zumikon.
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Joseph Binder, de son nom complet Joseph Friedrich Gustav Binder, était un peintre, designer et graphiste allemand d'avant-garde.
Au début des années 1930, Joseph Binder a travaillé sur des commandes de marques importantes pour Knorr, Reemtsma, Tekrum, Elida, Minera, Dujardin, Stella et Mercedes-Benz et s'est fait connaître en tant que designer industriel définissant un style. Au total, au début des années 1960, Binder avait créé plus de 2 000 timbres et affiches.
En peinture, Binder privilégie le cubisme : la forme géométrique stylisée revêt une grande importance pour le peintre. Il a également été influencé par l'école d'art du Bauhaus et le groupe Blue Rider.
Alexandra Bircken est une artiste, designer et installatrice allemande diplômée du Central Saint Martin's College of Art and Design.
Le thème principal du travail d'Alexandra Bircken est la coquille. Elle explore et combine une variété de matériaux - laine, béton, bois, os, objets quotidiens et vêtements - et crée des objets sculpturaux à partir de ceux-ci. L'artiste utilise également des objets qu'elle rencontre dans la vie quotidienne : voitures, motos, chemises chirurgicales, chevaux à bascule, skis. Cependant, elle les dépouille de leurs contextes habituels et nous surprend par des combinaisons inhabituelles.
Ksenia Leonidovna Bogouslavskaïa (en russe: Ксения Леонидовна Богуславская) était une artiste russe du XXe siècle qui a vécu et travaillé en Allemagne et en France pendant la majeure partie de sa carrière. Elle est connue comme peintre, graphiste, décoratrice de théâtre et poétesse.
Ksenia Bogouslavskaïa était une représentante de l'école d'avant-garde. Elle a créé des compositions cubo-futuristes semi-abstraites, notamment des paysages, des natures mortes, des scènes de genre et des images d'intérieurs. Dans le même style, l'artiste a également dessiné des esquisses pour des œuvres d'art appliqué. Elle a également illustré les couvertures de publications et travaillé comme scénographe.
Andreas Böhm est un peintre, graphiste et professeur d'art allemand à l'école secondaire supérieure de Brunsbüttel depuis 1980. Il vit et travaille à Dingen, dans le Schleswig-Holstein.
Pendant longtemps, Andreas Bem a été connu pour ses dessins au pochoir, qui ressemblent à des silhouettes avec seulement deux ou trois couches épaisses de peinture. En tant qu'artiste, il a continué à jouer avec les formes, mais en adaptant désormais les lignes libres de la faune.
