Éducateurs 21e siècle
Soultan Chamsoutdinovitch Abaev (еn russe : Султан Шамсутдинович Абаев), un artiste russe, est célèbre pour ses peintures qui reflètent profondément la culture et l'histoire de la Tchétchénie. Né en 1957, Abaev a vécu une jeunesse marquée par des événements historiques significatifs qui ont influencé son œuvre artistique. Après avoir servi dans l'armée soviétique et travaillé à l'usine Baltique, il a poursuivi ses rêves artistiques en étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Repin à partir de 1981, où il s'est spécialisé en peinture et enseignement.
Son travail a été reconnu et apprécié non seulement pour son aspect artistique mais aussi pour son engagement envers les questions sociales et culturelles de la Tchétchénie. Abaev a participé activement à la vie sociale et culturelle de Grozny après avoir obtenu son diplôme en 1987, organisant et participant à de nombreuses expositions.
Abaev est également honoré en tant qu'Artiste émérite de la Fédération de Russie pour ses contributions significatives aux arts visuels, spécialement dans le genre de l'art paysager. Ses œuvres se retrouvent dans des collections privées et ont été exposées dans diverses galeries, témoignant de leur valeur tant sur le plan artistique que culturel.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire de la Tchétchénie à travers le pinceau d'un de ses artistes emblématiques, les œuvres de Soultan Chamsoutdinovitch Abaev offrent une fenêtre unique sur les paysages et les narratives de cette région.
Mikhail Georgievitch Abakoumov (еn russe : Михаил Георгиевич Абакумов) était un artiste peintre russe post-soviétique né en 1948 à Kolomna. Il est reconnu pour ses œuvres dans lesquelles il capture l'essence de la Russie à travers des paysages et des scènes de genre profondément enracinées dans sa ville natale et ses environs. Abakoumov a fréquenté l'école d'art de Moscou Kalinina avant d'entrer à l'Académie des arts de l'URSS où il a été influencé par les académiciens A. P. et S. P. Tkachev et A. M. Gritsai.
Son travail est apprécié pour son approche réaliste et son attachement émotionnel à la Russie, ce qui lui a valu d'être nommé Artiste du peuple de Russie. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes, y compris la galerie Tretiakov et dans divers musées et galeries à travers la Russie et à l'étranger, comme en Allemagne, aux États-Unis, et en Corée du Sud.
Abakoumov a également été honoré en tant que citoyen d'honneur de Kolomna en 2003, ce qui témoigne de son impact profond sur sa communauté locale. Ses œuvres continuent d'être célébrées et exposées, attirant l'intérêt des collectionneurs et des experts en art du monde entier.
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Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Tamam Al-Akhal est un artiste et éducateur palestinien vivant en Jordanie. Elle a étudié au Collège des Beaux-Arts du Caire. De 1957 à 1960, elle enseigne l'art au Makassed Girls College de Beyrouth. En 1959, elle épouse Ismail Shammout. Al-Akhal a exposé en Égypte, au Liban, à Jérusalem, en Jordanie, aux États-Unis, au Koweït, en Angleterre, en Chine, au Maroc, à Berlin, à Paris, à Rome et à Vienne. Elle a donné une série de conférences à la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie en 2009. Son art est apparu sur plus d'une douzaine de couvertures de Palestinian Affairs, un magazine publié par l'Organisation de libération de la Palestine. Elle a également dirigé la section Arts et patrimoine de l'OLP. Avec son mari, elle a peint une série de grandes peintures murales intitulées "Palestine : l'Exode et l'Odyssée".
Yuri Albert est un artiste, théoricien de l'art et éducateur russe contemporain, membre du cercle conceptuel de Moscou. Il vit et travaille actuellement à Moscou et à Cologne.
Les œuvres de Yuri Albert font partie des collections de grandes institutions russes et internationales.
Harold Ambellan est un peintre et sculpteur américain.
Il a étudié la sculpture et les beaux-arts à Buffalo avant de s'installer à New York. La figure humaine est au cœur de l'œuvre d'Harold Ambellan. Il a créé des figures monumentales et a beaucoup peint, laissant des milliers de dessins. Ambellan a été l'un des participants au Federal Art Project de Roosevelt, qui a engagé des centaines d'artistes pendant la Grande Dépression, lesquels ont créé collectivement plus de 100 000 peintures et plus de 18 000 sculptures.
Ambellan est resté attaché à la figuration, tant dans ses sculptures que dans ses peintures. Il est élu président de la Sculptors Guild of America en 1941 et, la même année, ses œuvres sont exposées dans le cadre d'expositions collectives au Metropolitan Museum of Art de New York et à l'Academy of Fine Arts de Philadelphie.
En 1944, Ambellan participe à la libération de la Normandie au sein de la marine américaine, puis enseigne l'art tridimensionnel à la Workshop School de New York. En 1954, pour des raisons politiques, Ambellan s'installe en France et y reste jusqu'à la fin de sa vie, travaillant et exposant dans toute l'Europe.
Horst Antes est un peintre, graphiste et sculpteur allemand, pionnier de la nouvelle peinture figurative en Allemagne.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Karlsruhe de 1957 à 1959 et y a été professeur.
Antes est devenu célèbre pour sa représentation du Kopffüßler (pied-tête), qui est un thème récurrent dans ses peintures, sculptures et œuvres graphiques depuis le début des années 1960. L'œuvre d'Antes est représentée dans plusieurs grandes collections à Berlin, Hambourg, Cologne et ailleurs en Allemagne.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Boris Vladimirovitch Araktcheïev (en russe: Борис Владимирович Аракчеев) était un artiste soviétique et biélorusse de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre et enseignant.
Boris Araktcheïev a travaillé la peinture de chevalet dans les genres du paysage, de la nature morte, des peintures thématiques et des scènes de bataille. Une série de portraits de contemporains et de personnes célèbres occupe une place particulière dans son patrimoine artistique. Il a également travaillé dans le domaine de la peinture monumentale - il a été l'un des créateurs du diorama "Minsk Cauldron" au musée de l'histoire de la Grande Guerre patriotique de Biélorussie.
Moritz Baumgartl est un peintre, graphiste et professeur d'université allemand vivant à Stuttgart.
Moritz a étudié à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et a longtemps travaillé comme professeur d'art au lycée Friedrich Eugens de Stuttgart. Baumgartl a fondé le groupe artistique "École de Stuttgart" avec les artistes Axel Arndt et Adam Lüde Döring.
Saul Bellow, de son vrai nom Solomon Bellows, est un écrivain juif américain, lauréat du prix Pulitzer et du prix Nobel.
Sol Bellow est né au Canada de parents juifs immigrés de Saint-Pétersbourg, en Russie, et a grandi à Chicago. Il a fréquenté l'université de Chicago et l'université Northwestern, où il s'est spécialisé dans l'anthropologie et la sociologie. Chicago a servi de cadre à un grand nombre de ses romans des années 1970 et 1980. En 1993, il a accepté un poste au département d'anglais de l'université de Boston.
Bellow a écrit son premier livre, The Dangling Man (1944), alors qu'il servait dans la marine marchande pendant la Seconde Guerre mondiale, et en 1947, il a publié le roman The Victim. Saul Bellow est considéré comme l'un des plus importants écrivains juifs américains de l'après-guerre. Comme ses prédécesseurs, il offre une perspective juive sur les thèmes de l'aliénation et de l'altérité dans la difficile période de fragmentation de l'après-guerre, traduisant en anglais l'expérience américaine yiddish.
Bellow a reçu les plus hautes distinctions mondiales pour ses œuvres. En 1954, son roman The Adventures of Augie March a remporté le National Book Award for fiction. En 1975, il a reçu le prix Pulitzer pour son roman The Humboldt Gift, le prix littéraire international Herzog et la Croix de Chevalier des Arts et Lettres, la plus haute distinction littéraire française pour les non-citoyens. En 1976, Bellow a reçu le prix Nobel de littérature.
Hélène Bertaux, née Joséphine Charlotte Hélène Pilate, est une peintre et sculptrice française qui a obtenu l'égalité des droits avec les hommes.
Adolescente, Hélène Pilate se forme dans l'atelier de son beau-père Pierre Hébert, où elle modèle des modèles de montres, puis reçoit régulièrement des commandes de petites pièces décoratives en bronze. Aspirant à devenir sculpteur professionnel, elle complète ses études avec Augustin Dumont (1801-1884) dans la tradition académique. Le soutien du couple impérial lui permet de devenir l'une des rares femmes à s'imposer dans le domaine de la sculpture monumentale : en 1864, elle réalise la Fontaine Herbet pour la place Longueville à Amiens et reçoit au cours de sa carrière plusieurs commandes prestigieuses pour des édifices religieux et publics.
Forte de son succès et de sa reconnaissance officielle, Hélène Bertaux prône l'égalité entre les hommes et les femmes dans les arts. En 1873, Hélène Bertaux ouvre son premier atelier de sculpture, puis en 1879 un autre avec une école de sculpture pour les femmes. Ses élèves, dont Clémence-Jeanne Eymard de Lanchâtre (1854-1894) et Jenny Weil (1851-1933), remportent par la suite des prix au Salon. La création en 1881 de l'Union des femmes peintres et sculpteurs, dont elle est présidente de 1881 à 1894, marque une nouvelle étape dans son combat pour l'égalité des sexes dans l'enseignement académique. Hélène Bertaux devient la première femme membre du jury du Salon et reçoit une médaille d'or à l'Exposition universelle de 1889.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Andreas Böhm est un peintre, graphiste et professeur d'art allemand à l'école secondaire supérieure de Brunsbüttel depuis 1980. Il vit et travaille à Dingen, dans le Schleswig-Holstein.
Pendant longtemps, Andreas Bem a été connu pour ses dessins au pochoir, qui ressemblent à des silhouettes avec seulement deux ou trois couches épaisses de peinture. En tant qu'artiste, il a continué à jouer avec les formes, mais en adaptant désormais les lignes libres de la faune.
Vasiliï Pavlovitch Borisenkov (еn russe: Василий Павлович Борисенков) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vasiliï Borisenkov a participé activement aux expositions d'art de Leningrad depuis 1954. Il est l'auteur de peintures de genre et de bataille, de paysages et de portraits. Parmi ses œuvres célèbres figurent les tableaux "Conversation difficile", "Printemps", "Strelna. Le début de l'été" et bien d'autres. Les œuvres du maître se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et à l'étranger.
Mario Botta, architecte suisse né à Mendrisio, Ticino le 1er avril 1943, est renommé pour ses créations marquantes dans le monde de l'architecture. Ayant commencé sa carrière professionnelle à Lugano après des études à Milan et à Venise, Botta a développé un style distinctif caractérisé par l'utilisation de formes géométriques simples et de matériaux traditionnels comme la brique.
Ses œuvres comprennent des musées, des églises et des bâtiments publics qui ne sont pas seulement des espaces fonctionnels mais aussi des expressions profondes du lieu et de la mémoire. Le Musée d'art moderne de San Francisco, la Cathédrale d'Évry et la Chiesa di San Giovanni Battista à Mogno sont quelques exemples illustres de son talent pour intégrer des styles vernaculaires tout en conservant une esthétique moderne et reconnaissable.
En plus de ses projets architecturaux, Botta a également contribué au domaine du design et de la scénographie, travaillant sur des projets pour des maisons d'opéra et des expositions. Il a été reconnu par de nombreuses institutions architecturales et a reçu des prix prestigieux pour son approche qui privilégie la qualité de vie et l'éthique dans la construction.
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Erdmut Bramke est un artiste allemand contemporain. Elle a été professeur invité à l'Académie nationale des beaux-arts de Stuttgart. Elle a documenté 600 peintures, 1 500 œuvres sur papier, 80 expositions individuelles, 200 expositions collectives et la décoration artistique de nombreux bâtiments publics. Erdmut Bramke représente systématiquement l'art concret. Sa préoccupation est la purification de l'art vers un retour pur à la couleur et à la forme, à la structure et au rythme. Dans son travail, elle recherche la loi, l'harmonie et l'ordre, le contenu réel n'est pas son sujet.
Daniele Buetti est un artiste visuel suisse qui travaille selon plusieurs modes, dont l'installation et l'intervention. Les médias avec lesquels il travaille comprennent la photographie, la sculpture, le dessin, le son, la vidéo et les formes numériques. Il est professeur à l'Université des Beaux-Arts de Munster où il enseigne depuis 2004. Il vit et travaille à Zurich, en Suisse, et à Münster, en Allemagne.
Son travail a été décrit comme "une expression de la lassitude du monde et de l'orientation existentielle précaire de l'individu". Dans les années 1990, le travail de Buetti a servi de critique visuelle de la consommation de la beauté. Ce travail s'appropriait souvent des images de mannequins et de produits de consommation de haute couture provenant de magazines et percées au stylo à bille.
Sylvano Bussotti était un compositeur, peintre, metteur en scène d'opéra, décorateur et costumier italien.
Silvano a appris à jouer du violon dès son plus jeune âge, a étudié l'harmonie et le contrepoint au conservatoire Cherubini de Florence et a suivi les cours de plusieurs professeurs. Outre la musique, il aimait dessiner et peindre. Ses premières œuvres, influencées par Luigi Dallapiccola et Roberto Lupi, sont écrites selon la technique dodécaphonique d'avant-garde, et il utilise aussi largement la méthode aléatoire. Bussotti a participé à des concerts "anti-musique", pour lesquels il a créé des œuvres sans aucun son.
L'œuvre de Bussotti comprend de nombreuses pièces pour divers ensembles vocaux, instrumentaux et mixtes. En 1963, il a cofondé le Groupe des 70 (Florence). Entre 1968 et 2001, il a travaillé comme metteur en scène, costumier et scénographe dans les principaux opéras d'Italie : La Scala, La Fenice, Massimo (Palerme), Reggio (Turin), etc. Au total, il a créé une quarantaine de productions d'opéra.
Les expositions artistiques de Bussotti sont organisées dans plusieurs pays du monde. Bussotti est également connu pour ses partitions graphiques extravagantes, dans lesquelles il s'exprime en tant qu'artiste, mais qui masquent la nature significative de ses réalisations musicales.
Michel Butor était un écrivain et poète français, associé au mouvement littéraire du Nouveau Roman des années 1950 et 1960. Il était connu pour son style d'écriture expérimental, qui remettait souvent en question les structures narratives traditionnelles et explorait la relation entre le langage, l'identité et la mémoire.
Butor a étudié la philosophie et la littérature à la Sorbonne à Paris. En 1954, il publie son premier roman, "Passage de Milan", qui établit sa réputation de figure de proue du Nouveau Roman.
Tout au long de sa carrière, Butor a écrit plus de vingt romans, ainsi que des essais, de la poésie et d'autres œuvres. Ses écrits intègrent souvent des éléments de récit de voyage et d'autobiographie, et il collabore fréquemment avec des artistes visuels sur des projets qui combinent texte et image.
Outre son œuvre littéraire, Butor était un enseignant et un critique respecté, et il a donné des conférences dans des universités du monde entier. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à la littérature française, notamment le prix Renaudot en 1957.
Son héritage d'écrivain novateur et influent continue d'être célébré par les spécialistes de la littérature et les lecteurs du monde entier.
Vija Celmins est une artiste américaine d'origine lettone. Elle est surtout connue pour ses peintures et dessins photoréalistes d'objets naturels et artificiels.
Vija Celmins et sa famille ont fui la Lettonie pendant la Seconde Guerre mondiale et se sont finalement installés aux États-Unis. Elle a étudié l'art à la John Herron School of Art d'Indianapolis, puis à l'université de Californie à Los Angeles.
Celmins a commencé sa carrière de peintre dans les années 1960 et, dans les années 1970, elle a développé son style caractéristique de photoréalisme. Elle est connue pour son souci du détail et ses peintures et dessins prennent souvent des mois, voire des années, à être réalisés. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent des images du ciel nocturne, des océans et des rochers.
Celmins a fait l'objet de nombreuses expositions individuelles dans des musées et galeries du monde entier, dont une rétrospective au Centre Pompidou à Paris en 2006. Ses œuvres font partie des collections de nombreux grands musées, dont le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Modern Art de New York et la National Gallery of Art de Washington.
Jonas Čeponis était un peintre lituanien et un représentant du mouvement fauviste.
Diplômé de l'Institut d'art de Lituanie et de l'Institut de construction mécanique de Vilnius, Jonas Čeponis a enseigné à l'Institut d'art de Lituanie. Influencé par le fauvisme, l'artiste a principalement peint des paysages expressifs de villages lituaniens et de Vilnius. Ses peintures se caractérisent par des combinaisons de couleurs décoratives et contrastées. Čeponis a également peint des portraits, des natures mortes, des compositions figuratives et des nus.
Boris Ivanovitch Chamanov (еn russe: Борис Иванович Шаманов) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Boris Chamanov s'est révélé être un maître du portrait, du paysage et des compositions de genre. Son travail se distingue par une variété de techniques, notamment l'aquarelle, la gouache, l'huile et la détrempe. Ses œuvres ont pour thème principal les images poétiques de la campagne russe. L'artiste combine habilement des natures mortes avec des paysages, ainsi que des portraits avec des éléments de paysage. Dans les années 1960, son style est passé du semi-cubisme à une approche plus plein air avec des éléments associatifs.
Chamanov était membre du groupe de gauche Eleven. Ses œuvres figurent dans de nombreux grands musées et collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Evgueni Nikolaïevitch Chirokov (en russe : Евгений Николаевич Широков), né le 28 mars 1931 et décédé le 31 décembre 2017, était un peintre soviétique et russe, portraitiste et enseignant. Sa vie et son œuvre sont étroitement liées à la ville de Perm, où il a vécu et travaillé après avoir obtenu son diplôme de l'École supérieure d'art industriel de Leningrad nommée d'après V. I. Mukhina en 1958. Chirokov est reconnu comme un représentant du "style sévère" en peinture, une tendance du réalisme socialiste qui s'est distinguée au tournant des années 50 et 60, cherchant à transmettre le sort des contemporains à travers l'expressivité des couleurs et des contours linéaires.
Ses œuvres sont exposées dans des lieux prestigieux tels que la galerie nationale Tretiakov, la galerie d'art nationale de Perm, et divers musées dans les territoires de Perm, de l'Oural et de la Sibérie. Parmi ses œuvres remarquables figurent des portraits de figures culturelles et historiques russes, reflétant la richesse et la diversité de la société soviétique et russe.
Evgueni Chirokov a également été honoré par de nombreux prix et titres, témoignant de sa contribution significative à l'art soviétique et russe. Il a reçu les titres d'Artiste émérite de la RSFSR en 1968, d'Artiste du peuple de la RSFSR en 1976, et d'Artiste du peuple de l'URSS en 1986, ainsi que de nombreuses autres récompenses et distinctions.
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Francis Harry Compton Crick était un biologiste moléculaire, biophysicien et neuroscientifique britannique. Il a reçu le prix Nobel de physiologie et de médecine en 1962.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a dû travailler sur des développements pour l'armée et, en 1947, il s'est tourné vers la biologie au Strangeways Research Laboratory, à l'université de Cambridge. En 1949, il est entré au Conseil de recherche médicale universitaire, aux laboratoires Cavendish. À partir des études de diffraction des rayons X de l'ADN réalisées par le biophysicien Maurice Wilkins (1916-2004) et des images de diffraction des rayons X prises par Rosalind Franklin, le biophysicien James Watson et Crick ont pu construire un modèle moléculaire cohérent avec les propriétés physiques et chimiques connues de l'ADN.
Cette réalisation est devenue la pierre angulaire de la génétique et a été considérée comme l'une des découvertes les plus importantes de la biologie du 20e siècle. En 1962, Francis Crick, ainsi que James Watson et Maurice Wilkins, ont reçu le prix Nobel de physiologie ou de médecine pour avoir déterminé la structure moléculaire de l'acide désoxyribonucléique (ADN), la substance chimique responsable du contrôle héréditaire des fonctions vitales.
De 1977 à la fin de sa vie, Crick a été professeur émérite à l'Institut Salk d'études biologiques de San Diego, en Californie, où il a mené des recherches sur les bases neurologiques de la conscience. Il a également écrit plusieurs livres. En 1991, Francis Crick a reçu l'Ordre du mérite.
plasticien péruvien connu principalement par son travail en peinture et sculpture. C'est l'un des artistes d'avant-garde les plus en vue du Pérou et une figure clé du développement de l'art abstrait en Amérique Latine.
Ludwig Dinnendahl est un sculpteur et enseignant allemand.
Il a étudié aux écoles des beaux-arts de Francfort et de Pforzheim. Dans ses sculptures, Ludwig Dinnendahl se concentre sur des formes géométriques claires. Il utilise comme matériaux le bronze ou la fonte, la pierre et le plâtre, ainsi que le bois. Ses œuvres sont exposées dans les espaces publics de nombreuses villes du pays.
Thomas Duttenhoefer était un sculpteur, dessinateur, graphiste et illustrateur allemand, professeur à l'université de Mannheim.
Outre ses figures humaines, l'œuvre figurative de Thomas Duttenhoefer comprend de nombreuses représentations d'animaux d'une manière délibérément grossière.
Il est membre de la Nouvelle Sécession de Darmstadt, de la Sécession du Palatinat et du groupe Argo de Spire.
Anton (Tone) Fink est un cinéaste et un artiste d'objets autrichien.
Depuis 1973, il travaille dans différents domaines artistiques et a eu de nombreuses expositions. En 1985, il a été l'un des membres fondateurs de la société autrichienne de films d'animation ASIFA Austria.
Valeriï Aroutiounovitch Gegamian (еn russe: Валерий Арутюнович Гегамян) était un artiste soviétique et ukrainien d'origine arménienne du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Gegamian est devenu célèbre pour ses toiles monumentales, ses grands cycles thématiques et ses séries graphiques. Il a également réalisé des portraits, des paysages et des natures mortes. Depuis le début des années 1960, il vit et travaille à Odessa et fonde la faculté d'art et d'arts graphiques de l'Institut pédagogique d'Odessa, où il enseigne pendant plus de 20 ans. Le maître a formé de nombreux artistes célèbres, dont certains sont également enseignants et transmettent l'expérience de leur professeur.
Ilya Sergueïevitch Glazounov (en russe : Илья́ Серге́евич Глазуно́в) était un artiste soviétique et russe originaire de Saint-Pétersbourg, connu pour sa peinture. Il a fondé l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture à Moscou, où il a également servi en tant que recteur jusqu'à sa mort. Glazounov est célèbre pour ses œuvres à thèmes historiques ou religieux, notamment "La Russie éternelle", "Le Mystère du XXe siècle", "La Ruine du Temple la nuit de Pâques", et ses illustrations pour les œuvres de Fiodor Dostoïevski.
Durant les années 1970, Glazounov a joué un rôle clé dans la protestation contre le plan général de restauration de Moscou, qui menaçait de détruire une partie du centre historique de la ville. Cette action a mené à l'annulation du projet et à la création d'un comité civil pour surveiller d'autres plans de reconstruction. Il a également été l'un des principaux défenseurs de la restauration de la Cathédrale du Christ-Sauveur et l'un des cofondateurs de la Société panrusse pour la protection des monuments historiques et culturels (VOOPIiK). Glazounov est décédé d'une insuffisance cardiaque le 9 juillet 2017, à l'âge de 87 ans.
Parmi ses honneurs, Glazounov a reçu le titre de cavalier complet de l'Ordre "Pour le mérite de la Patrie" et a été nommé Artiste du peuple de l'URSS. En 1984, un astéroïde mineur, 3616 Glazunov, a été nommé en son honneur par l'astronome soviétique Lyudmila Zhuravleva. Glazounov reste une figure marquante de l'art russe, révéré pour son immense contribution à l'art national et à l'éducation.
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Ablade Glover est un artiste contemporain ghanéen.
Il a exposé à de nombreuses reprises et s'est forgé une réputation internationale, tout en étant considéré comme une figure marquante de la scène artistique ouest-africaine. Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques prestigieuses, dont le Palais impérial de Tokyo, le siège de l'UNESCO à Paris et l'aéroport international O'Hare de Chicago.
Il a reçu plusieurs reconnaissances nationales et internationales, dont l'Ordre de la Volta au Ghana, est membre à vie de la Royal Society of Arts de Londres et est membre de l'Académie ghanéenne des arts et des sciences. Il a été professeur associé, chef du département de l'enseignement artistique et doyen du College of Art de l'université des sciences et technologies Kwame Nkrumah jusqu'en 1994.
Friederike Groß est une peintre, caricaturiste et professeur d'université allemande. Elle vit et travaille en tant qu'artiste indépendante à Stuttgart.
Friederike Groß a étudié le graphisme libre et l'éducation artistique auprès de Dieter Groß à l'Académie nationale des beaux-arts de Stuttgart de 1984 à 1989. Depuis 1985, Friederike Groß travaille comme caricaturiste pour le Stuttgarter Zeitung.
De 2008 à 2014, Friederike Groß a enseigné le dessin à l'École polytechnique fédérale (EPF) de Zurich. Depuis 2013, elle est professeur d'illustration à la Berliner Technische Kunsthochschule (BTK) sur le campus de Hambourg.
Dieter Haack est un peintre abstractionniste allemand.
Dieter Haack a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Son œuvre se caractérise par des couleurs vives et des compositions énergiques.
Parallèlement à sa pratique artistique, Haack a également enseigné la peinture et le dessin à son alma mater.
Ulrich Hachulla est un peintre et graphiste allemand, représentant du mouvement de la Nouvelle Objectivité, qui vit et travaille à Leipzig.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Leipzig et a maîtrisé de nombreuses techniques graphiques en plus de la peinture.
Les portraits et autoportraits de Hahulla représentent des personnes solitaires, peu sociables, froidement distantes - autant de types de l'époque. L'artiste crée également des tableaux avec des références mythologiques et allégoriques.
Peter Halley est un peintre américain. Il fait partie du mouvement Néo-géo. Sa première exposition personnelle a lieu en 1978. De 1984 à 1987 il fonde et gère avec Ashley Bickerton, Jeff Koons et Meyer Vaisman la galerie International With Monument.
On peut retrouver ses travaux au Dallas Museum of Art, au musée Guggenheim à New York, au musée d'art moderne de San Francisco et au musée d’art contemporain de Lausanne.
Erwin Heerich était un artiste allemand.
Erwin Heerich est l'un des plus importants sculpteurs allemands de la seconde moitié du 20e siècle. C'est ce que reflète l'écho de sa mort en novembre 2004 dans la presse nationale et internationale. Ses œuvres se trouvent dans d'importants musées et collections de sculpture moderne.
Élève d'Ewald Mataré à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, il a développé dans les années 1950 une œuvre plastique autonome, tout en restant toujours fidèle à sa ligne artistique individuelle et sans jamais se laisser absorber par "l'esprit du temps". En tant que double participant à la documenta, il a bénéficié d'une attention internationale. Outre l'Europe, il a participé à des expositions à New York et Tokyo, au Caire et à la Biennale de São Paulo. De 1968 à 1982, il a enseigné en tant que professeur à l'Académie des arts de Düsseldorf. Il y a été pendant de longues années l'une des personnalités les plus influentes en tant que professeur académique et collègue ouvert à la discussion.
Christian Heuchel est un artiste, architecte, urbaniste et professeur allemand.
Il a étudié l'architecture à Karlsruhe et l'architecture à l'Académie des arts de Düsseldorf, où il enseigne depuis 2000. Il travaille dans le bureau d'O&O Baukunst depuis 2000, a pris la direction du bureau de Cologne en 2006 et est associé d'O&O Baukunst Berlin/Cologne/Vienne depuis 2011.
Todd Hido est un photographe et artiste américain. Il est surtout connu pour ses photographies sombres et atmosphériques de paysages et de maisons de banlieue, qui traduisent souvent un sentiment de solitude et d'isolement.
Le style photographique de Hido se caractérise par l'utilisation de couleurs sourdes, d'un éclairage doux et d'images floues. Il photographie souvent l'intérieur et l'extérieur des maisons la nuit, créant ainsi une atmosphère onirique et inquiétante. Son travail est également connu pour sa qualité cinématographique, et nombre de ses images évoquent l'ambiance d'un film noir.
Le travail de Hido a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, et ses photographies ont été publiées dans de nombreux livres et magazines. Il a reçu de nombreuses récompenses pour son travail, notamment une bourse de la National Endowment for the Arts.
L'héritage de Hido en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations de photographes et d'artistes. Son style mélancolique et évocateur a eu un impact significatif sur le domaine de la photographie contemporaine et a contribué à redéfinir la façon dont nous envisageons les paysages suburbains et le concept de maison.
Herbert Hirche était un architecte, un designer d'intérieur et de mobilier et un enseignant allemand.
Hirche a étudié à la célèbre école du Bauhaus à Dessau et à Berlin, où enseignaient Ludwig Mies van der Rohe et Wassily Kandinsky. Menuisier de formation, il a d'abord travaillé pour Mies, Egon Eiermann et Hans Scharun avant d'être nommé professeur d'arts appliqués à l'université des arts appliqués de Berlin-Weißensee en 1948. Quatre ans plus tard, il devient professeur d'architecture d'intérieur et de mobilier à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart. Au cours de ses années d'enseignement, Hirche a formé des générations de designers.
Parallèlement à son activité d'enseignant, Hirche a conçu de nombreuses maisons et intérieurs. Il a conçu des meubles pour Walter Knoll, Wilkhahn, Holzäpfel et Wilde+Spieth, ainsi que plusieurs projets pour Braun, notamment le meuble à musique HM5-7 et le téléviseur HF1. Les modèles simples et élégants de Hirche ont été exposés lors de plusieurs Triennales de Milan et de l'Exposition universelle de 1958 à Bruxelles. Son travail a eu une grande influence sur le développement des produits et du design d'intérieur en Allemagne et dans le monde.
Hirche a été l'un des fondateurs du Deutscher Werkbund (Association allemande des artisans) à Berlin, a été président du Verband Deutscher Industrie-Designer (Société des designers industriels) pendant dix ans et membre du Rat für Formgebung (Conseil allemand du design).
