Restaurateurs 20e siècle
Paul Barthel était un peintre de genre et un portraitiste allemand. Il étudie la peinture à partir de 1877 à l'École des arts appliqués de Dresde, puis à l'Académie royale prussienne des arts de Berlin avec Julius Ehrentraut et Eugen Bracht.
Paul Barthel travaille à Dresde, où il se consacre principalement à l'aquarelle. En 1922, il s'installe à Bamberg, où il travaille comme restaurateur.
Renata Boero est une artiste et restauratrice italienne.
Après avoir terminé ses études d'arts libéraux en Suisse, elle a travaillé au musée Palazzo Rosso de Gênes. C'est au cours de la restauration d'anciennes tapisseries que Boero a commencé à expérimenter l'utilisation de substances naturelles dans la peinture. Elle utilise des éléments végétaux dans ses œuvres d'art et ses installations.
Lorenzo Cassio était un peintre-restaurateur italien et un maître de la micromosaïque. Pendant deux siècles, les mosaïques ont été l'affaire familiale de Lorenzo Cassio et de ses descendants. Au début du XXe siècle, Lorenzo était directeur de l'atelier de mosaïque du Vatican.
Henri Creuzevault était un éditeur, relieur et restaurateur français.
Dans sa jeunesse, il travaille aux côtés de son père, le relieur Louis Creuzevault. Avec lui, Henri participe à une exposition au Musée Gallière en 1928 et reçoit son premier prix. En 1930, il devient propriétaire de l'atelier. Parallèlement à la reliure, il se lance dans l'édition de livres de luxe en commandant des illustrations à des artistes contemporains. Dès lors, il mène de front l'édition et la reliure.
Lors de l'exposition internationale de 1937, Henri Creuzevault obtient le premier prix de reliure. En 1946, il participe à la création de la Société des Reliures Originales et prend part à ses expositions et à diverses manifestations autour du livre en France et à l'étranger. Il reçoit également une médaille d'or à la Triennale de Milan en 1954. En 1937, les autorités de la ville de Paris lui commandent des reliures pour les cadeaux offerts aux princesses anglaises Elizabeth et Marguerite, ainsi que pour le Livre d'or du monument Albert Ier.
Avec son œuvre, Henri Creuzevault a créé un nouveau concept esthétique orienté vers les expressions les plus libres de l'art moderne de la reliure.
Michel Favre est un peintre et sculpteur suisse qui vit et travaille à Martigny.
Michel a suivi une formation de sculpteur sur marbre dès son plus jeune âge : il a appris à travailler les matériaux, a perfectionné son métier et ses compétences techniques et a travaillé dans le domaine de la restauration. En 1972, il ouvre son atelier à Martigny et jusqu'en 1980, il crée presque exclusivement des sculptures en pierre, mais depuis les années 1990, il intègre le bronze, le verre et d'autres matériaux dans son travail. Depuis 1996, il crée également des installations vidéo, combinant les arts plastiques, le cinéma, la photographie et les nouveaux médias. Michel Favre voyage beaucoup et se passionne pour l'archéologie.
Le motif principal des œuvres du sculpteur est la fragilité de l'être humain dans un monde de machines et de technologies. Dans ses images tridimensionnelles, les personnes sont le plus souvent minuscules et ressemblent à des fourmis, essayant de changer quelque chose dans le monde gigantesque qui les entoure.
Depuis 1983, Michel Favre est membre de VISARTE (Société des peintres, sculpteurs et architectes suisses) et a participé activement à de nombreuses expositions dans le monde entier.
Igor Emmanouïlovitch Grabar (en russe : Игорь Эммануилович Грабарь) était un artiste, peintre, et conservateur russe de renom, dont l'œuvre a marqué profondément le paysage artistique de la Russie au début du XXe siècle. Né en 1871 et décédé en 1960, Grabar a été une figure centrale dans le développement de l'art et de la culture russes, se spécialisant dans la peinture mais aussi dans l'enseignement et la conservation d'art.
Son travail se distingue par une utilisation vibrante de la couleur et une capacité à capturer la lumière, ce qui a fait de lui un pionnier dans l'évolution du style pictural en Russie. Grabar était également un historien d'art éminent et a contribué à la préservation de l'héritage artistique russe, notamment à travers son rôle de directeur de la Galerie Tretiakov, l'un des musées les plus importants de Russie.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des paysages qui capturent la beauté et la variété de la campagne russe, ainsi que des portraits qui révèlent la profondeur et la complexité de ses sujets. Ses peintures sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'art mondial.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Grabar offre une fenêtre unique sur l'évolution de l'art russe et sa contribution à la culture mondiale. Son approche innovante de la peinture et son engagement envers la préservation de l'art font de lui une figure incontournable pour toute personne s'intéressant à l'histoire de l'art.
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Nicolas Mikhaïlovitch Gushchin (еn russe: Николай Михайлович Гущин) était un artiste russe, né le 4 décembre 1888 et décédé le 4 septembre 1965, connu pour son style unique, alliant symbolisme et émotion dans ses peintures. Fils d'enseignants ruraux de la province de Viatka, il a passé son enfance et sa jeunesse à Perm, sur la rivière Kama, où il a montré dès son plus jeune âge des capacités artistiques et littéraires. Après des études à l'Institut psychoneurologique de Saint-Pétersbourg, il se consacre à la peinture et au dessin dans un atelier privé, explorant les secrets du monde extérieur, de l'histoire, de la psychologie et de la logique. Cette période est devenue fondamentale dans la formation de sa vision philosophique du monde et de son désir de s'exprimer dans l'art à travers des symboles.
La carrière artistique de Gushchin reçut un nouvel élan à Moscou en 1910, où il étudia à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture sous l'influence de maîtres tels que S. V. Malyutin et K. A. Korovin. Il est fasciné par l'impact émotionnel de la couleur et de la texture, s'inspirant des impressionnistes et des modernistes qu'il découvre lors de ses voyages à l'étranger, notamment en Amérique et au Japon, et lors de ses rencontres avec des figures marquantes de l'avant-garde russe.
La révolution de 1917 et la guerre civile qui a suivi l'ont contraint à quitter la Russie, ce qui l'a conduit à de longues périodes d'exil à Harbin, Paris et Monte-Carlo. Durant cette période, Gushchin se fait connaître en tant que portraitiste, dessinateur et auteur de paysages et de natures mortes, tout en restant fidèle à son style symbolique. Son travail a été exposé dans des musées et des collections privées à travers l'Europe.
De retour en URSS en 1947, il s'installe à Saratov, où il travaille comme restaurateur au Musée d'Art et continue à peindre, continuant à étudier le symbolisme et à explorer la musique et la poésie à travers ses œuvres. La plus grande collection de ses œuvres se trouve aujourd'hui au Musée Radichtchev de Saratov, comprenant des œuvres de la période « Saratov » de l'artiste, ainsi que certaines œuvres apportées de l'étranger.
Ceux qui sont passionnés par l'art et l'histoire de Nikolai Mikhailovich Gushchin sont encouragés à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de nouveaux produits et les enchères liées à son travail. Cette inscription vous assure de ne pas manquer l'occasion de découvrir ou d'acheter les œuvres de cet artiste remarquable.
Tom Hartwig est un artiste et restaurateur autrichien.
Il a suivi une formation de restaurateur d'œuvres d'art à Salzbourg, où il a également rencontré des artistes célèbres. Depuis 1974, il travaille en Allemagne, également comme restaurateur d'œuvres d'art, mais il s'intéresse de plus en plus à la peinture.
Le monde de Tom Hartwig est coloré et étrange ; il crée des œuvres puissantes et de grand format, qu'il encadre souvent en diptyque ou en triptyque. Il est fasciné par les processus de la nature et son pouvoir, en particulier la "destruction créatrice". Une éruption volcanique préparant la terre à une nouvelle vie, une explosion planétaire entraînant la formation de milliers d'étoiles sont les principaux sujets de l'artiste.
Konrad Honold était peintre, restaurateur, graphiste et héraldiste. Il a commencé sa carrière artistique à un jeune âge, en apprentissage dans un atelier de peinture à Ravensburg. Il poursuit sa formation à l'école d'art de Toni Kirchmayr à Innsbruck et à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin. Honold s'est installé à Schruns, en Autriche, où il a travaillé comme peintre et restaurateur. Ses œuvres comprenaient des peintures sur panneaux et des dessins pour diverses techniques murales, se concentrant principalement sur l'art sacré. Il a également contribué à la préservation et à la restauration des espaces de l'église, perpétuant la tradition de la peinture d'église. Honold a été impliqué dans l'héraldique, créant des armoiries pour le gouvernement de l'État du Vorarlberg et diverses municipalités de la région. Il était un membre actif de la Montafon Heritage Association et a joué un rôle crucial dans la création du Montafon Heritage Museum à son emplacement actuel.
Stepan Petrovitch Iaremitch (en russe: Степан Петрович Яремич) était un peintre, critique d'art et écrivain russe, né en 1869 et décédé en 1939. Il est notamment connu pour avoir été l'un des fondateurs et membres de l'union artistique "Mir Iskusstva", aux côtés de figures emblématiques comme L. Bakst, A. Benua, et I. Bilibin. Iaremitch a marqué le monde de l'art par ses œuvres et sa contribution à la critique d'art, révélant une profonde compréhension de la culture artistique de son époque.
Au cours de sa carrière, il a participé à la VIIe Exposition des Peintures de l'Union des Artistes Russes, où il a présenté des œuvres telles que "Rider", "View from the Outskirts of St. Petersburg", et "Twilight (Venice)". Ces œuvres témoignent de sa capacité à capturer tant l'esprit de son temps que l'essence des paysages et des scènes urbaines.
Son travail en tant qu'artiste est encore reconnu aujourd'hui, avec des œuvres présentes sur le marché de l'art et faisant l'objet d'évaluations et de ventes aux enchères. Cela souligne l'impact durable de son art et l'intérêt qu'il suscite auprès des collectionneurs et des connaisseurs.
Pour ceux qui souhaitent en apprendre davantage sur Stepan Petrovitch Iaremitch et peut-être découvrir ses œuvres en vente, il est recommandé de consulter des plateformes spécialisées dans l'art comme Artprice et askART, qui offrent des informations détaillées sur les œuvres disponibles et leurs estimations.
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Andrzej Irzykowski est un peintre, sculpteur et restaurateur polonais qui vit et travaille en Allemagne.
Andrzej a étudié à l'Académie des beaux-arts de Gdansk après un apprentissage de maçon dans des ateliers de conservation. En tant qu'artiste indépendant, Andrzej Irzykowski vit et travaille en Allemagne depuis plus de 30 ans.
La fusion des formes figuratives et abstraites est devenue la marque de fabrique du travail d'Andrzej Irzykowski. L'une de ses dernières expositions s'intitulait "Heads" - des sculptures anthropomorphes d'expression réaliste, surréaliste et abstraite. Andrzej Irzykowski a présenté ses œuvres dans de nombreuses expositions individuelles et collectives dans le pays et à l'étranger et a reçu de nombreux prix et récompenses.
Icilio Federico Joni était un artiste italien célèbre pour sa double carrière en tant que peintre et faussaire d'art. Originaire de Sienne, Joni a acquis une réputation pour ses reproductions habiles d'œuvres d'art médiévales, particulièrement des peintures de l'école siennoise. Il a produit des répliques et des imitations d'œuvres d'artistes tels que Duccio di Buoninsegna, Pietro Lorenzetti, et le Beato Angelico, trompant ainsi collectionneurs et experts avec ses créations convaincantes.
Sa production artistique variée incluait des trittici, des couvertures de livres imitant les anciennes Biccherne de Sienne, et des tableaux qui reproduisaient le style de peintres du XIVe et XVe siècle. Malgré son activité de faussaire, les œuvres de Joni sont aujourd'hui valorisées pour leur qualité artistique et leur intérêt historique.
L'un des aspects fascinants de sa carrière était sa capacité à créer des couvertures de livres imitant celles des Biccherne, des registres de comptabilité peints de Sienne. Il n'avait jamais vu de vraies Biccherne mais a réussi à établir une entreprise lucrative en créant de fausses couvertures. Ses méthodes et techniques de vieillissement pour donner un aspect ancien à ses créations étaient innovantes et sont détaillées dans son autobiographie.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'histoire d'Icilio Federico Joni offre un aperçu unique dans le monde de la contrefaçon d'art et souligne l'importance de l'authentification et de la provenance en matière de collection. Si vous souhaitez rester informé des mises à jour et des événements d'enchères liés à des œuvres comme celles d'Icilio Federico Joni, n'hésitez pas à vous inscrire pour des mises à jour spécifiques.
Nida Kadhim est une sculptrice irakienne, connue pour avoir produit un certain nombre d'œuvres monumentales pour le centre-ville de Bagdad, dont certaines sont toujours debout, tandis que d'autres ont été démolies ou pillées après l'invasion irakienne de 2003. Kadhim a reçu son éducation artistique formelle à l'Académie des beaux-arts de Bagdad dans les années 1950. Activement impliqué dans la communauté artistique irakienne, il est devenu membre fondateur du groupe artistique connu sous le nom d'Al-Mujadidin (Les innovateurs). Ses sculptures se concentrent sur des bustes grandioses et des statues de personnages importants tirés de l'histoire de l'Irak, ou sont basées sur d'autres thèmes que l'artiste juge dignes. Sa sculpture la plus connue, toujours debout, est la femme arabe du parc Zawra à Bagdad. Il représente une femme arabe tenant un bouquet de fleurs à la nouvelle génération d'Irakiens en quête d'un avenir meilleur.
Toni Kirchmayr était un peintre et restaurateur autrichien. Il a reçu sa première formation artistique auprès de l'artiste peintre et poète originaire de la région, Alfons Siber. Il a ensuite suivi des cours de peinture ornementale et de fresque chez le peintre de fresques Rafael Thaler à Innsbruck jusqu'en 1903 et a passé une année supplémentaire à l'école de peinture privée Moritz Weinhold à Munich. En 1905, il commença ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Munich. Il fut directeur de l'école de peinture Heymann, réalisa des peintures décoratives et artisanales pour des maisons d'édition et travailla l'été comme assistant chez des peintres d'église et des restaurateurs, ce qui lui permit d'acquérir des connaissances en matière de fresque. Il dut interrompre ses études en 1908/1909 pour effectuer son service militaire. Après avoir terminé ses études en 1910, il s'installa à Innsbruck en tant qu'artiste indépendant. Peu après la fin de la Première Guerre mondiale, en janvier 1919, il a fondé l'école de peinture et de dessin Toni Kirchmayr à Innsbruck, qui a perduré jusqu'à sa mort et est devenue le principal centre de formation artistique du Tyrol. Toni Kirchmayr a créé une œuvre très variée, allant des paysages, des intérieurs et des natures mortes à l'huile aux fresques murales et de plafond de grand format, en passant par l'ornementation et l'art décoratif. La peinture de paysage présente des traits modernes et expressifs en termes de couleurs. Kirchmayr s'est montré particulièrement doué en tant que portraitiste.
Serge Kislakoff est un artiste décorateur français d'origine russe. Il est l'auteur de nombreuses affiches de films.
Serge Kislakoff a peint des vues et scènes de ville (Montmartre, boulevards parisiens, carnavals de Nice et de Cannes), des paysages, des vues portuaires (sud de la France, Suède), des sujets religieux inspirés de la peinture russe ancienne. Il a également participé à la restauration de peintures d'églises.
Pavel Dmitrievitch Korine (en russe : Павел Дмитриевич Корин), né le 25 juin 1892 à Palekh et mort le 22 novembre 1967 à Moscou, était un peintre russe et soviétique renommé pour ses compositions majestueuses et son réalisme saisissant. Formé à l'école de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, il a eu comme professeur Alexeï Stepanov. Korine s'est distingué non seulement comme peintre mais aussi comme restaurateur et professeur d'art, ayant travaillé dans des lieux tels que Moscou et l'Italie.
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure "Adieu à la Russie", initialement intitulée "Requiem pour la Russie", qui illustre une procession de dignitaires religieux orthodoxes. Cette toile, ainsi que d'autres comme le triptyque d'Alexandre Nevski et les mosaïques des stations de métro moscovites Komsomolskaïa et Smolenskaïa, témoignent de sa contribution à l'art soviétique. Korine a également joué un rôle dans la décoration de l'église du couvent des Saintes-Marthe-et-Marie à Moscou et était un fervent collectionneur d'icônes.
Il a été récompensé par plusieurs distinctions prestigieuses, telles que le Prix Staline, le Prix Lénine, et l'Ordre de Lénine, affirmant son statut d'artiste majeur de l'URSS. Korine repose au cimetière de Novodevitchi à Moscou, et sa mémoire perdure à travers la Maison-musée Pavel Korine à Moscou et à Palekh, où ses œuvres, y compris de précieuses icônes russes, sont exposées.
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Lodovico Pogliaghi était un peintre, sculpteur et décorateur italien. Il a étudié à l'Académie de Brera sous la direction de Giuseppe Bertini.
Représentant majeur de l'académisme éclectique, axé sur la restauration des styles classiques antérieurs, Lodovico Pogliaghi s'est consacré intensivement à ses activités de consultant auprès du Département des antiquités et de restaurateur.
Paolo Salvati était un peintre expressionniste et restaurateur italien.
Ingénieur géomètre de formation, Salvati s'est intéressé à la peinture, en particulier à l'expressionnisme. Il a travaillé avec des pastels et de la détrempe, a fait de la peinture à l'huile et a peint à l'acrylique. Ses œuvres comprennent des miniatures de paysages, des paysages marins, des natures mortes et des portraits. Les œuvres de Salvati se caractérisent par des couleurs saturées qui affirment la vie.
Salvati a également conçu et restauré des instruments à cordes.
Robert Schmidt-Hamburg était un peintre allemand de marine et de paysage, l'un des illustrateurs les plus importants de la navigation de passagers et de commerce des années 1920 et 1930, ainsi que des ports et des chantiers navals.
Alfons Siber, peintre et restaurateur autrichien, a commencé son parcours artistique en tant qu'apprenti à la Tiroler Glasmalerei-Anstalt à Innsbruck. Il étudie à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne et reçoit plusieurs prix et bourses. Siber s'installe à Hall au Tyrol, où il travaille comme peintre et restaurateur. Il fonde le Tiroler Künstlerbund et réalise de nombreux portraits, paysages et peintures murales d'églises à grande échelle. Siber a également réalisé des projets de restauration.
Ernst Steinacker est un sculpteur et restaurateur allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart et a créé ses propres œuvres en bronze, en pierre et en bois.
Pendant cinq ans, Steinacker a restauré seul le château de Spielberg et l'a transformé en musée et en centre culturel. C'est également là que se trouvait son atelier.
Klaus von Woyski était un peintre, graphiste et restaurateur allemand.
Von Woyski a adhéré à l'association des artistes plasticiens de Kassel et s'est tourné à cette époque vers la peinture non figurative ; il a participé à de nombreuses expositions.
Depuis que toute la famille s'est installée en Grèce en 1970, le style de Klaus von Woyski s'est à nouveau orienté vers le réalisme grâce aux nouvelles impressions de paysages et à la lumière grecque.
