Moderne und Zeitgenössische Kunst — New – Young – Emerging. Contemporary Art
Römer + Römer, bestehend aus Nina und Torsten Römer, ist ein bekanntes deutsch-russisches Künstlerduo, das in Berlin lebt und arbeitet. Das Paar, das sich an der Kunstakademie Düsseldorf unter A.R. Penck zusammenschloss, nutzt die Malerei als Medium, um ihre direkte Umgebung und Impressionen festzuhalten, wobei die Farbe bis zu zwei Jahre zum Trocknen benötigt.
Römer + Römer haben an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen, darunter "Burning Man – Electric Sky" im Haus am Lützowplatz, Berlin, und "Face to Face – Gesichter der Sammlung Hense" in der Kunsthalle Hense, Gescher. Ihre Werke sind in namhaften Sammlungen wie der Würth-Sammlung und der Sammlung Hasso Plattner vertreten.
Für Sammler und Kunstexperten bietet das Schaffen von Römer + Römer eine spannende Gelegenheit, zeitgenössische Kunst zu erleben, die traditionelle Techniken mit modernen Perspektiven verbindet. Ihre Arbeiten sind eine Bereicherung für jede Sammlung und spiegeln das lebendige kulturelle Erbe und die künstlerische Vielfalt Berlins wider.
Um über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse sowie Ausstellungen von Römer + Römer informiert zu werden, empfehlen wir Ihnen, sich für Updates anzumelden. Dadurch erhalten Sie die Möglichkeit, Teil der fortlaufenden künstlerischen Reise dieses beeindruckenden Duos zu sein und vielleicht sogar ein einzigartiges Kunstwerk für Ihre Sammlung zu erwerben.
Jack Pierson ist ein zeitgenössischer amerikanischer Fotograf und Künstler. Bekannt für seine vielseitige Praxis, die Fotografie, Wortskulpturen, Installationen, Zeichnungen und Künstlerbücher umfasst, hat Pierson eine einzigartige Nische in der Kunstwelt eingenommen. Seine Werke, die oft Themen wie Sehnsucht, Romantik und die Vergänglichkeit von Schönheit und Ruhm erkunden, sind in zahlreichen Museumsammlungen vertreten.
Jack Piersons künstlerischer Ansatz zeichnet sich durch seine Fähigkeit aus, alltägliche Objekte und Texte in tiefgründige künstlerische Aussagen umzuwandeln. Seine berühmten Wortskulpturen, die aus weggeworfenen und wiederverwendeten Buchstaben von Schildern bestehen, spielen mit den Konzepten von Sprache und Bedeutung, wodurch sie sowohl nostalgisch als auch kritisch sind.
Darüber hinaus sind Jack Piersons Fotografien für ihre emotionale Tiefe und ihre Fähigkeit, die Essenz seiner Subjekte einzufangen, anerkannt. Seine "Self-Portrait" Serie, die in der Whitney Biennale 2004 ausgestellt wurde, und seine Teilnahme an bedeutenden Einzelausstellungen, wie im CAC Malaga, im Irish Museum of Modern Art in Dublin und im Aspen Art Museum, unterstreichen seine Bedeutung in der zeitgenössischen Kunstszene.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet Jack Piersons Werk eine faszinierende Verbindung zwischen visueller Kunst und den narrativen Möglichkeiten von Objekten und Text. Seine Arbeiten laden dazu ein, über die alltäglichen Aspekte des Lebens hinauszudenken und bieten eine tiefe Reflexion über menschliche Emotionen und Beziehungen.
Um aktuelle Informationen über Verkaufs- und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Jack Pierson zu erhalten, melden Sie sich für unsere Updates an. Bleiben Sie informiert über die neuesten Werke und Sammlerstücke dieses herausragenden Künstlers.
Jens Hausmann ist ein renommierter Maler, der für seine detaillierten und oft architektonisch geprägten Werke bekannt ist. Hausmann studierte Bildhauerei und Malerei an der Hochschule für Bildende Künste Dresden und lebt und arbeitet heute in Berlin. Seine Werke zeichnen sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit Architektur, Raum und der Beziehung zwischen Innen- und Außenraum aus. Er verbindet dabei Elemente des Bauhauses und der romantischen Landschaftsmalerei, um einzigartige Szenarien zu schaffen, die sowohl konstruiert als auch inszeniert wirken.
Jens Hausmanns Kunstwerke basieren oft auf Fotografien und Skizzen von Gebäuden, die er in Architekturpublikationen oder auf Reisen findet. Er übersteigert und stilisiert diese baulichen Realitäten, dekonstruiert sie und setzt sie in neue Kontexte. Seine Gemälde verlieren dabei nicht ihre ursprüngliche Funktion als reine Darstellung von Lebens- und Schutzräumen, sondern verwandeln sich in inszenierte Räume, die an Bühnen oder Filmstills erinnern. In Werken wie "The Garden" zeigt Hausmann eine üppig wuchernde Natur, die Architektur vollständig überwältigt, und schafft so einen paradiesischen Ort, der zwischen Fiktion und Realität schwebt.
Jens Hausmann hat an zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen teilgenommen und wurde für seine Arbeit mehrfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Förderpreis der Fondazione Silene Giannini und dem Falkenrot Preis. Seine Werke wurden in renommierten Galerien und auf internationalen Messen präsentiert, was ihn zu einem bedeutenden Akteur auf dem Kunstmarkt macht.
Für Sammler und Experten der Kunst- und Antiquitätenszene bietet Jens Hausmanns Werk eine faszinierende Mischung aus traditioneller Technik und zeitgenössischer Thematik, insbesondere in der Darstellung von Architektur und Raum. Seine Fähigkeit, emotionale Tiefe und strukturelle Komplexität in seinen Gemälden zu vereinen, macht seine Kunstwerke zu einem begehrten Objekt für Sammlungen.
Um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse, die Jens Hausmann betreffen, informiert zu bleiben, empfehlen wir, sich für Updates anzumelden. Diese spezialisierten Updates bieten exklusive Einblicke in die neuesten Werke und Ausstellungsmöglichkeiten des Künstlers.
Franziskus Wendels ist ein deutscher Künstler, der sich insbesondere durch seine Malerei einen Namen gemacht hat. Sein Werk zeichnet sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit Licht und Farbe aus, was ihn zu einem herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst in Deutschland macht. Wendels lebt und arbeitet in Köln und Daun und hat im Laufe seiner Karriere zahlreiche Preise und Stipendien erhalten, darunter den Kaiser-Lothar-Preis der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen im Jahr 2014 und ein Arbeitsstipendium des Internationalen Künstlerhauses Villa Concordia in Bamberg (1998/99).
Seine Werke sind in renommierten öffentlichen Sammlungen vertreten, unter anderem im Museum Ludwig in Koblenz, im Landesmuseum Mainz, im Ulster Museum in Belfast und im Musée d’histoire contemporaine in Nanterre. Diese Präsenz in bedeutenden Museen und Galerien unterstreicht die kulturelle und historische Relevanz seines Schaffens.
Einige seiner bekanntesten Werke, wie "Vermutung", "Deep in a Dream" und "Changing Places 6", verdeutlichen Wendels' Fähigkeit, mittels Mischtechniken auf Leinwand komplexe Gefühlswelten und Stimmungen zu erzeugen. Seine Kunst lädt dazu ein, die Betrachtung von Licht und Raum neu zu erleben und reflektiert seine philosophischen und künstlerischen Forschungen.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet Franziskus Wendels' Oeuvre eine faszinierende Mischung aus technischer Meisterschaft und tiefgreifender inhaltlicher Auseinandersetzung. Seine Arbeiten sind ein Zeugnis zeitgenössischer Kunst, die sowohl die Grenzen der Malerei erweitert als auch tief in die Traditionen der Kunstgeschichte eingebettet ist.
Für Updates zu neuen Werken, Verkaufsausstellungen und Auktionsereignissen von Franziskus Wendels empfehlen wir, sich für entsprechende Benachrichtigungen anzumelden. So bleiben Sie stets auf dem Laufenden über die neuesten Entwicklungen dieses bedeutenden Künstlers.
Stefan Sehler ist ein deutscher Maler, der für seine einzigartige Herangehensweise an die Kunst bekannt ist. Als Meisterschüler von Günther Uecker an der Kunstakademie Düsseldorf von 1979 bis 1986, vereint Stefan Sehler in seinen Werken Malerei mit Fotografie und schafft so eine faszinierende Spannung zwischen Repräsentation und Abstraktion. Seine Arbeiten, die oft auf den ersten Blick wie großformatige Fotografien wirken, offenbaren bei näherer Betrachtung eine tiefgründige Auseinandersetzung mit Farbe und Form.
Die Besonderheit von Sehlers Kunst liegt in seiner Technik, die traditionelle Malerei mit innovativen Methoden kombiniert. Insbesondere seine Technik, Öl- und Metallicfarben auf der Rückseite von Plexiglasplatten zu malen, ermöglicht es ihm, Bilder zu schaffen, die eine außergewöhnliche Tiefe und Leuchtkraft besitzen. Diese Technik unterstreicht nicht nur die Materialität der Werke, sondern auch deren konzeptionelle Komplexität, indem sie die Grenzen zwischen den Medien verschwimmen lässt.
Stefan Sehler genießt Anerkennung weit über die deutschen Grenzen hinaus, mit zahlreichen Ausstellungen in Galerien und Museen weltweit. Seine Werke befinden sich in bedeutenden öffentlichen und privaten Sammlungen, was seine Stellung als einer der führenden zeitgenössischen Maler Deutschlands bestätigt.
Für Sammler und Experten der Kunst und Antiquitäten bietet Sehlers Werk eine einzigartige Gelegenheit, tief in die Welt der zeitgenössischen Malerei einzutauchen. Seine Bilder laden dazu ein, die konventionelle Wahrnehmung von Raum und Realität zu hinterfragen und bieten eine neue Perspektive auf die Möglichkeiten der Malerei.
Um aktuelle Informationen über neue Werksverkäufe und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Stefan Sehler zu erhalten, melden Sie sich für unsere Updates an. So verpassen Sie keine Gelegenheit, Teil der faszinierenden Welt von Stefan Sehler zu werden.
William Glen Crooks ist ein amerikanischer neorealistischer Maler, der für seine faszinierenden Darstellungen von Landschaften, Stadtszenen und alltäglichen Momenten bekannt ist. Geboren 1952, hat William Glen Crooks eine bemerkenswerte Fähigkeit, Licht und Schatten in seinen Werken zu manipulieren, was seinen Bildern eine außergewöhnliche Lebendigkeit und Tiefe verleiht. Sein künstlerisches Talent, gepaart mit einer tiefen Beobachtungsgabe, ermöglicht es ihm, Szenen aus dem alltäglichen Leben mit einer fast fotorealistischen Genauigkeit zu erfassen, während er gleichzeitig eine emotionale Resonanz erzeugt, die den Betrachter unmittelbar anspricht.
William Glen Crooks' Werke sind besonders für ihre leuchtenden Landschaften Südkaliforniens und die Porträts der Nachbarschaften von San Diego bekannt. Er versteht es, das klare und diffuse Licht der Region einzufangen, was seinen Bildern eine nostalgische, aber auch tragische Qualität verleiht. Seine Auseinandersetzung mit dem Wesentlichen des menschlichen Lebens – Verlust und Bedauern – findet in seinen Bildern einen tiefgründigen Ausdruck.
Seine Kunst ist in wichtigen Galerien und Museen ausgestellt, darunter das Oceanside Museum of Art, was seine Bedeutung in der zeitgenössischen Kunstszene unterstreicht. Crooks' Fähigkeit, das Alltägliche in ein Kunstwerk von außergewöhnlicher Schönheit und Bedeutung zu verwandeln, macht ihn zu einem wichtigen Vertreter des Neorealismus in der amerikanischen Malerei.
Für Sammler und Experten auf dem Gebiet der Kunst und Antiquitäten bietet das Werk von William Glen Crooks eine einzigartige Gelegenheit, tiefgreifende und visuell beeindruckende Kunst zu erleben. Seine Bilder laden dazu ein, die Schönheit und Komplexität des alltäglichen Lebens neu zu betrachten und zu schätzen.
Um über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit William Glen Crooks informiert zu werden, melden Sie sich für unsere Updates an. So bleiben Sie auf dem Laufenden über die neuesten Werke und Sammlerstücke dieses außergewöhnlichen Künstlers.
William Glen Crooks ist ein amerikanischer neorealistischer Maler, der für seine faszinierenden Darstellungen von Landschaften, Stadtszenen und alltäglichen Momenten bekannt ist. Geboren 1952, hat William Glen Crooks eine bemerkenswerte Fähigkeit, Licht und Schatten in seinen Werken zu manipulieren, was seinen Bildern eine außergewöhnliche Lebendigkeit und Tiefe verleiht. Sein künstlerisches Talent, gepaart mit einer tiefen Beobachtungsgabe, ermöglicht es ihm, Szenen aus dem alltäglichen Leben mit einer fast fotorealistischen Genauigkeit zu erfassen, während er gleichzeitig eine emotionale Resonanz erzeugt, die den Betrachter unmittelbar anspricht.
William Glen Crooks' Werke sind besonders für ihre leuchtenden Landschaften Südkaliforniens und die Porträts der Nachbarschaften von San Diego bekannt. Er versteht es, das klare und diffuse Licht der Region einzufangen, was seinen Bildern eine nostalgische, aber auch tragische Qualität verleiht. Seine Auseinandersetzung mit dem Wesentlichen des menschlichen Lebens – Verlust und Bedauern – findet in seinen Bildern einen tiefgründigen Ausdruck.
Seine Kunst ist in wichtigen Galerien und Museen ausgestellt, darunter das Oceanside Museum of Art, was seine Bedeutung in der zeitgenössischen Kunstszene unterstreicht. Crooks' Fähigkeit, das Alltägliche in ein Kunstwerk von außergewöhnlicher Schönheit und Bedeutung zu verwandeln, macht ihn zu einem wichtigen Vertreter des Neorealismus in der amerikanischen Malerei.
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Christoph Bouet ist ein zeitgenössischer deutscher Landschaftsmaler, der für seine lebendigen und texturreichen Werke bekannt ist. Bouet verwendet Farbe als Material und schafft Bilder, die fast haptisch wirken, mit einer Trocknungszeit von bis zu zwei Jahren. Als Pleinair-Maler realisiert er seine rohen, ursprünglichen Landschaften direkt vor Ort, wobei er die Ölfarbe direkt aus der Tube in dicken Schichten auf die Leinwand aufträgt, die auf dem Boden liegt. Seine ruhig erscheinenden Landschaften wandeln sich in bewegte Bilder, deren Motiv erst aus der Ferne erkennbar wird. Bouets florale Arrangements wirken wie Farbexplosionen, in denen er Lichtstimuli, Stimmungen und Farbklänge einfängt.
Christoph Bouets Leidenschaft für die Malerei begann bereits in jungen Jahren, und mit 13 Jahren besuchte er die renommierte Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. Mit 14 Jahren bestand er die Eignungsprüfung und sagt über seine frühe Leidenschaft: "Ich bin mit der Malerei verheiratet – sie ist meine Kindheitsliebe". Seine Werke finden sich in bedeutenden Sammlungen, wie der Würth-Sammlung und der Sammlung Hasso Plattner.
Für Sammler und Experten der Kunst und Antiquitäten stellt Christoph Bouets Werk eine faszinierende Verbindung von traditioneller Landschaftsmalerei mit einem modernen, experimentellen Ansatz dar. Seine Technik und sein Engagement für die Darstellung der Natur in all ihrer Vielfalt und Schönheit machen jedes seiner Werke zu einem einzigartigen Stück zeitgenössischer Kunst.
Um auf dem neuesten Stand bezüglich Verkaufs- und Auktionsereignissen im Zusammenhang mit Christoph Bouet zu bleiben, empfehlen wir Ihnen, sich für unsere Updates anzumelden. So verpassen Sie keine Gelegenheit, ein Stück dieser lebendigen und emotionalen Landschaftsmalerei zu erwerben.
Stephan Kaluza ist ein vielseitiger deutscher Künstler, der als Fotograf, Maler und Schriftsteller in Düsseldorf lebt und arbeitet. Seine Kunst überschreitet die Grenzen konventioneller Medien, indem sie Fotografie, Malerei und Literatur miteinander verbindet, um tiefgründige narrative Strukturen und visuelle Erkundungen zu schaffen.
Stephan Kaluza ist besonders für seine fotorealistischen, oft großformatigen Werke bekannt, die den Betrachter in eine Welt führen, in der die Grenzen zwischen dem Realen und dem Imaginären verschwimmen. Sein Projekt „Der Rhein Verlauf“, bei dem er den gesamten Rhein entlangwanderte und alle 70-90 Meter ein Foto machte, zeugt von seiner tiefen Auseinandersetzung mit der Landschaft und ihrer Darstellung in der Kunst.
Seine Werke sind in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen präsentiert worden und finden sich in wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen. Stephan Kaluzas Ansatz, die Welt um uns herum sowohl visuell als auch literarisch zu erforschen, lädt dazu ein, unsere Wahrnehmung der Realität zu hinterfragen und neu zu interpretieren.
Für Kunstliebhaber, Sammler und Experten bietet Stephan Kaluzas Schaffen eine faszinierende Perspektive auf die Schnittstelle zwischen Kunst und Realität. Seine Arbeiten sind eine Einladung, die Komplexität und Schönheit unserer Umwelt durch einen künstlerisch vielschichtigen Blick zu betrachten.
Um über neue Werke, Ausstellungen und Verkaufsereignisse von Stephan Kaluza informiert zu werden, melden Sie sich für unsere Updates an. Entdecken Sie die neuesten Entwicklungen und Sammlerstücke eines der faszinierendsten zeitgenössischen Künstler Deutschlands.
Rupprecht Matthies ist ein deutscher Künstler, der durch seine vielschichtigen Werke in den Bereichen Malerei, Skulptur und Installation bekannt ist. Matthies lebt und arbeitet in Hamburg und Berlin und hat seine Kunst in bedeutenden Galerien und Projekträumen wie der Galerie Born und dem Project Space Heiddorf präsentiert.
Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine tiefe Auseinandersetzung mit Sprache und Text aus, wobei er oft Worte in verschiedenen Materialien wie Holz, Plexiglas und Schaumstoff verarbeitet. Ein herausragendes Projekt von Rupprecht Matthies ist die Installation ¿Being Home?, die er in Zusammenarbeit mit der Gemeinschaft erstellt hat. Hierbei sammelte er Wörter, die für Menschen aus unterschiedlichen Kulturen von Bedeutung sind, um ein "Landschaft der Wörter" zu schaffen. Diese Wörter wurden in verschiedenen Sprachen eingereicht und anschließend visuell in seiner Installation verarbeitet, wobei helle Farben und diverse Materialien genutzt wurden, um eine warme und einladende Atmosphäre zu schaffen.
Rupprecht Matthies Kunstwerke fordern die Betrachter heraus, indem sie Konventionen infrage stellen und eine direkte Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Themen anregen. Sein Ansatz ist fast journalistisch und zielt darauf ab, gesellschaftliche sowie kunstbetriebliche Zusammenhänge aufzuzeigen und zu hinterfragen. Durch die Verwendung von Begriffen, die zum Nachdenken anregen, schafft er es, tiefgreifende gesellschaftliche Fragen anzusprechen und gleichzeitig eine visuell-poetische Sprache zu entwickeln.
Für Sammler und Kunstexperten ist Rupprecht Matthies nicht nur wegen seiner ästhetischen Beiträge zur Kunstszene von Interesse, sondern auch wegen der Art und Weise, wie er Kunst als Medium zur Untersuchung und Kommentierung von Kultur und Gesellschaft nutzt. Seine Werke laden zu einer tiefen Reflexion über die Bedeutung von Sprache, Identität und Gemeinschaft ein.
Um auf dem Laufenden zu bleiben und keine Neuigkeiten zu Verkaufs- und Auktionsereignissen zu verpassen, die mit Rupprecht Matthies in Verbindung stehen, melden Sie sich für Updates an. Diese professionelle und sachliche Aufforderung verspricht, Sie ausschließlich über relevante Ereignisse zu informieren, die mit dem Schaffen von Rupprecht Matthies verbunden sind.
Frances Scholz ist eine renommierte amerikanische und deutsche Künstlerin sowie Filmregisseurin, die für ihre vielseitigen Werke bekannt ist. Scholz, die von 1982 bis 1988 an der Hochschule der Künste in Berlin studierte, lebt und arbeitet heute in Köln. Ihre Kunstwerke bewegen sich zwischen Repräsentation und Abstraktion, wobei sie spontane Formen aus projizierten Bildern von Zeitungen und Büchern aufgreift und diese in direkter architektonischer Beziehung zu ihrer Umgebung auf Leinwand oder Wand fixiert.
Frances Scholz hat an zahlreichen Ausstellungen und Vorführungen teilgenommen, darunter bemerkenswerte Präsentationen wie "Frances Scholz: AMBOY" im Kitchen in New York (2017), "Orange You Glad You Can Read" in Los Angeles (2016), und "AMBOY" im Museum Ludwig in Köln (2016). Ihre Arbeiten reflektieren die Unmöglichkeit der Kunst, sich von globalen Geschichten zu isolieren, und bringen humorvoll und absichtlich Misserfolge, Mainstream-Kultur und meteorologischen Klimawandel in eine direkte Beziehung zur lokalen Realität.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten bietet Frances Scholz eine faszinierende Mischung aus künstlerischem Experiment, kultureller Reflexion und kritischer Auseinandersetzung mit der zeitgenössischen Kultur. Ihre Werke laden dazu ein, die Grenzen zwischen Abstraktion und Repräsentation sowie Kunst und Alltag neu zu betrachten.
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Jerry Zeniuk ist ein deutsch-amerikanischer Künstler ukrainischer Herkunft. Er gilt als einer der Wegbereiter der sogenannten "analytischen", "fundamentalen" sowie "radikalen Malerei", die sich in den 1970er Jahren vor allem in den USA, Italien und Deutschland entwickelte. Zeniuks Arbeit konzentriert sich auf die Bedingungen der Malerei selbst, ihre Möglichkeiten und Erfahrungsräume. Bereits 1977 nahm er an der documenta 6 in Kassel teil, die unter anderem den Malereitendenzen dieses Jahrzehnts gewidmet war.
Jerry Zeniuk lebt und arbeitet in New York und München und seine Werke wurden in zahlreichen Retrospektiven festgehalten. Von 1993 bis 2011 war er Professor an der Akademie der Bildenden Künste in München und seit 2014 ist er Dozent an der Akademie der Bildenden Künste an der Alten Spinnerei.
Seine Kunstwerke wurden in bedeutenden Galerien und Ausstellungen präsentiert, darunter die Galerie Slewe in Amsterdam, die Annemarie Verna Galerie in Zürich und die Konrad Fischer Galerie in Berlin. Jerry Zeniuks Werke sind für ihre Fokussierung auf die Farbe und deren Interaktion bekannt, die er nicht nur als Träger von Emotionen, sondern auch als Spiegel sozialer und menschlicher Beziehungen versteht.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten bietet Jerry Zeniuk eine faszinierende Mischung aus künstlerischem Experiment und kultureller Reflexion. Seine Werke laden dazu ein, die Grenzen der Malerei neu zu betrachten und zu hinterfragen.
Um über neue Werke, Ausstellungen und Verkaufsereignisse von Jerry Zeniuk informiert zu werden, melden Sie sich für Updates an. Diese professionelle und unkomplizierte Möglichkeit garantiert, dass Sie stets aktuelle Informationen zu Zeniuks künstlerischem Schaffen erhalten.
Jerry Zeniuk ist ein deutsch-amerikanischer Künstler ukrainischer Herkunft. Er gilt als einer der Wegbereiter der sogenannten "analytischen", "fundamentalen" sowie "radikalen Malerei", die sich in den 1970er Jahren vor allem in den USA, Italien und Deutschland entwickelte. Zeniuks Arbeit konzentriert sich auf die Bedingungen der Malerei selbst, ihre Möglichkeiten und Erfahrungsräume. Bereits 1977 nahm er an der documenta 6 in Kassel teil, die unter anderem den Malereitendenzen dieses Jahrzehnts gewidmet war.
Jerry Zeniuk lebt und arbeitet in New York und München und seine Werke wurden in zahlreichen Retrospektiven festgehalten. Von 1993 bis 2011 war er Professor an der Akademie der Bildenden Künste in München und seit 2014 ist er Dozent an der Akademie der Bildenden Künste an der Alten Spinnerei.
Seine Kunstwerke wurden in bedeutenden Galerien und Ausstellungen präsentiert, darunter die Galerie Slewe in Amsterdam, die Annemarie Verna Galerie in Zürich und die Konrad Fischer Galerie in Berlin. Jerry Zeniuks Werke sind für ihre Fokussierung auf die Farbe und deren Interaktion bekannt, die er nicht nur als Träger von Emotionen, sondern auch als Spiegel sozialer und menschlicher Beziehungen versteht.
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Jerry Zeniuk ist ein deutsch-amerikanischer Künstler ukrainischer Herkunft. Er gilt als einer der Wegbereiter der sogenannten "analytischen", "fundamentalen" sowie "radikalen Malerei", die sich in den 1970er Jahren vor allem in den USA, Italien und Deutschland entwickelte. Zeniuks Arbeit konzentriert sich auf die Bedingungen der Malerei selbst, ihre Möglichkeiten und Erfahrungsräume. Bereits 1977 nahm er an der documenta 6 in Kassel teil, die unter anderem den Malereitendenzen dieses Jahrzehnts gewidmet war.
Jerry Zeniuk lebt und arbeitet in New York und München und seine Werke wurden in zahlreichen Retrospektiven festgehalten. Von 1993 bis 2011 war er Professor an der Akademie der Bildenden Künste in München und seit 2014 ist er Dozent an der Akademie der Bildenden Künste an der Alten Spinnerei.
Seine Kunstwerke wurden in bedeutenden Galerien und Ausstellungen präsentiert, darunter die Galerie Slewe in Amsterdam, die Annemarie Verna Galerie in Zürich und die Konrad Fischer Galerie in Berlin. Jerry Zeniuks Werke sind für ihre Fokussierung auf die Farbe und deren Interaktion bekannt, die er nicht nur als Träger von Emotionen, sondern auch als Spiegel sozialer und menschlicher Beziehungen versteht.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten bietet Jerry Zeniuk eine faszinierende Mischung aus künstlerischem Experiment und kultureller Reflexion. Seine Werke laden dazu ein, die Grenzen der Malerei neu zu betrachten und zu hinterfragen.
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Jan Smejkal ist ein vielseitiger Künstler, der seit den 1970er Jahren in verschiedenen Medien wie Malerei, Zeichnung und Performance tätig ist. In seinem künstlerischen Ansatz beschäftigt er sich mit Themen wie Zeit, Zeichen, Schrift und Sprache. Smejkal studierte an der Hochschule für Gestaltung in Prag und an der Städelschule in Frankfurt am Main, bevor er nach Berlin zog, wo er seit dem Jahr 2000 lebt und arbeitet.
Seine Werke, die parallele Welten aus Zeichnung, Schrift und Malerei bilden, zielen darauf ab, die indirekten und verborgenen Beziehungen zwischen diesen Komponenten aufzudecken. Smejkal hat in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen international ausgestellt, darunter in Frankfurt, Hamburg, Den Haag, Basel, New York, Prag, und Berlin, und hat seine Arbeiten in bedeutenden Galerien wie der Galerie Kai Hilgemann in Berlin präsentiert.
Seine künstlerische Laufbahn umfasst markante Projekte und Ausstellungen, wie die Installation am Gendarmenmarkt in Berlin 2002, eine Ausstellung im Jüdischen Museum Berlin 2003, und das Projekt "The Art Car", bei dem er eine Volvo-Staatslimousine bemalte. Smejkals Kunst zeichnet sich durch eine tiefgreifende Auseinandersetzung mit der Malerei und eine beständige Erkundung der Beziehung zwischen Text und Bild aus.
Für Sammler und Experten in Kunst und Antiquitäten bietet Jan Smejkal einen faszinierenden Einblick in die Komplexität und Vielschichtigkeit zeitgenössischer Kunst, die sich über traditionelle Genregrenzen hinwegsetzt.
Um auf dem Laufenden zu bleiben und keine Neuigkeiten zu Verkaufs- und Auktionsereignissen zu verpassen, die mit Jan Smejkal in Verbindung stehen, melden Sie sich für Updates an. Diese professionelle und unkomplizierte Aufforderung verspricht, Sie ausschließlich über relevante Ereignisse zu informieren, die mit dem Schaffen von Smejkal verbunden sind.
Dennis Scholl ist ein renommierter Maler und Grafiker, der für seine tiefgründigen und vielschichtigen Kunstwerke bekannt ist. Scholl, der an der Hamburger Hochschule für bildende Künste studierte, hat sich vor allem durch seine monochromatischen Bleistiftzeichnungen einen Namen gemacht.
Dennis Scholls Kunst zeichnet sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit der menschlichen Figur und einem Fokus auf narrative Elemente aus. Seine Werke, oft Anspielungen auf literarische oder historische Figuren, sind geprägt von einer komplexen und oft rätselhaften Bildsprache. Mit einem besonderen Auge für Detail und Zusammenstellung erschafft er kollagenartige, hyper-reale Bilder, die den Betrachter sowohl fesseln als auch herausfordern.
Seine künstlerische Laufbahn ist geprägt von zahlreichen Ausstellungen und Anerkennungen. Dennis Scholls Werke wurden unter anderem auf der Busan Biennale in Südkorea und in Gruppenausstellungen in der Kunsthalle Hamburg präsentiert. Zu seinen bemerkenswerten Ausstellungen gehören „Gefährdende Spiele“ (2019, Galerie Michael Haas, Berlin) und „Die Formen der Gefäße“ (2014). Scholls Arbeiten sind auch in privaten Sammlungen in der Schweiz, Nordamerika und Deutschland vertreten.
In seinen neueren Arbeiten hat Dennis Scholl begonnen, Farbe in seine Werke einzuführen, wodurch eine neue Dimension in seinen Schaffensprozess gebracht wurde. Trotz der Einführung von Farbe bleiben seine Werke ihrem einzigartigen Charakter treu, der sich durch eine sorgfältige Verknüpfung von Objekten und Figuren auszeichnet.
Für Sammler und Kunstexperten, die sich für Dennis Scholl und seine Werke interessieren, bieten wir regelmäßige Updates über neue Verkäufe und Auktionsereignisse an. Melden Sie sich an, um exklusive Informationen über Kunstwerke und Sammlerstücke zu erhalten, die mit Dennis Scholl in Verbindung stehen.
Harding Meyer, ein zeitgenössischer deutscher Künstler brasilianischer Herkunft, ist für seine beeindruckenden, großformatigen fotorealistischen Porträts bekannt. Seine Werke, die sich durch eine intensive Auseinandersetzung mit dem menschlichen Gesicht auszeichnen, haben ihn in der Welt der Malerei, Kunst und Kultur etabliert.
Harding Meyer's Kunst überzeugt durch ihre Lebendigkeit und emotionale Tiefe. Seine Porträts, oft aus der Nähe und in überdimensionaler Größe dargestellt, fangen die Nuancen und Komplexitäten menschlicher Gesichtsausdrücke ein. Durch die Kombination von traditionellen Maltechniken mit modernen Einflüssen schafft Meyer einzigartige Werke, die sowohl zeitgenössisch als auch zeitlos wirken.
Eines der herausragenden Merkmale seiner Arbeit ist die Fähigkeit, durch scheinbar alltägliche Gesichter tiefgreifende Geschichten und Emotionen zu vermitteln. Harding Meyer's Porträts sind nicht nur visuell beeindruckend, sondern laden auch zum Nachdenken über Identität, Individualität und Menschlichkeit ein.
Harding Meyers Werke sind in zahlreichen Galerien und Ausstellungen weltweit präsentiert worden und haben ihn zu einer wichtigen Figur in der internationalen Kunstszene gemacht. Seine einzigartige Herangehensweise an die Porträtmalerei macht seine Werke besonders wertvoll für Sammler und Kunstliebhaber.
Für alle, die an Harding Meyer und seinen Werken interessiert sind, bieten wir regelmäßige Updates über neue Verkäufe und Auktionsereignisse. Melden Sie sich an, um exklusive Informationen und Einblicke in die faszinierende Welt seiner Kunst zu erhalten.
Axel Sanson ist ein anerkannter Maler, dessen Werke für ihre beeindruckende Größe und thematische Vielfalt bekannt sind. Sanson ist besonders für seine großformatigen Gemälde geschätzt, die oft als Variationen eines Themas konzipiert sind und Elemente aus Fotografien oder Filmszenen enthalten.
Axel Sanson, ein Autodidakt in der Malerei, widmet sich in seinen Werken häufig historischen Themen und zeigt dabei ein ausgeprägtes Geschichtsverständnis. Seine Leidenschaft für Geschichte spiegelt sich in seinen Werken wider, die eine reflexive Herangehensweise an die Malerei zeigen. Er hat unter anderem den Art Historiker Jérôme Delaplanche bei der Erstellung des Buches "Peindre la guerre" (Das Malen des Krieges) unterstützt, welches sein tiefes Interesse an historischen Themen unterstreicht.
Zu den bemerkenswerten Werken von Axel Sanson gehören Tributbilder an bekannte Schauspielerinnen wie Bulle Ogier, Silvana Mangano und Dorothy Stratten. Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine Kollision von Maßstäben sowie fluktuierende Raum- und Zeitkonzepte aus, was ihnen eine poetische Qualität verleiht. 2018 wurde er für ein Kunstprojekt ausgewählt, bei dem er zwei Fresken im Parkhaus des Royal Hamilius in Luxemburg, einem von Sir Norman Foster entworfenen Gebäude, malte.
Axel Sanson hat zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen durchgeführt, darunter "Eden" (2018, Thomas Punzmann contemporary, Frankfurt) und "Ghosts" (2017, Thomas Punzmann contemporary, Frankfurt). Seine Werke wurden unter anderem in Paris, Frankfurt und Luxembourg ausgestellt und sind sowohl für Sammler als auch für Kunstliebhaber von großem Interesse.
Für Sammler und Kunstexperten, die sich für Axel Sanson und seine Werke interessieren, bieten wir regelmäßige Updates über neue Verkäufe und Auktionsereignisse an. Melden Sie sich an, um exklusive Informationen und Einblicke in die faszinierende Welt seiner Kunst zu erhalten.
Martha Parsey ist eine zeitgenössische britische Künstlerin, die sich sowohl in der Malerei als auch im Filmemachen einen Namen gemacht hat. Nach ihrem Studium der Bildenden Kunst und des Films an renommierten Institutionen wie dem Central St. Martins College of Art und der University of the Arts in Berlin, hat Parsey sich vor allem durch ihre innovativen filmischen Arbeiten über Francis Bacon hervorgetan, die international Anerkennung fanden.
In ihren Gemälden setzt sich Martha Parsey häufig mit großformatigen diptychischen Darstellungen oder Mehrfachleinwänden auseinander. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch eine spannende Mischung aus detaillierter Darstellung und bewusst unbehandelten Leinwandflächen aus. Dieser Kontrast intensiviert nicht nur die gemalten Bereiche, sondern schafft auch eine zweischichtige Oberfläche, die dem Betrachter Raum zur Interpretation bietet.
Martha Parsey ist bekannt für ihre Fähigkeit, durch ihre Kunst emotionale und symbolische Narrative zu weben. Ihre Figuren, oft in stilisierten Szenarien, regen zu einer tiefgreifenden emotionalen und symbolischen Interpretation an. Über den Verlauf ihrer Karriere hat Parsey ein breites Spektrum an Emotionen und Tönen in ihren Figuren dargestellt, von Gewalt bis zu subtileren Ausdrucksformen, und zieht so Parallelen zwischen grundlegenden Emotionen und surrealer Geometrie.
Ihre Werke wurden in renommierten Sammlungen weltweit aufgenommen, darunter die Ovitz Family Collection, die Zabludowicz Collection und das Musée National d'art Moderne in Paris. Martha Parsey lebt und arbeitet in Köln und London, und ihre Gemälde sind ein begehrtes Objekt für Sammler und Kunstliebhaber.
Für alle, die an Martha Parsey und ihren Werken interessiert sind, bieten wir regelmäßige Updates über neue Verkäufe und Auktionsereignisse. Melden Sie sich an, um exklusive Informationen und Einblicke in die faszinierende Welt ihrer Kunst zu erhalten.
Benedikt Hipp ist ein deutscher Maler und Bildhauer, der in München und Amsterdam lebt und arbeitet.
Hipp studierte an den Akademien der Bildenden Künste in Nürnberg, München und Bologna. Schon während seines Studiums machte er mit seinen charakteristischen Werken auf sich aufmerksam. Seine zum Teil großformatigen Gemälde und Tafeln sind in der Technik der alten Meister - Ölfarben auf Holzplatten und lackiert - geschaffen.
So verkörpert zum Beispiel eines von Hipps neuesten Werken, die Serie "Ocean Bark", eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem letzten unerforschten Winkel unserer Erde - den Tiefen des Meeres. Diese Werke sind das Ergebnis eines recht komplexen technologischen Prozesses und vermitteln einen fantastischen Eindruck, der an den Surrealismus erinnert. Architektur, Tiere und Menschen werden verfremdet, vereint und auf eine verstörende, traumhafte Weise dargestellt.
Benedikt Hipp ist ein äußerst vielseitiger Künstler, der sich in mehreren Genres ausdrückt. Er hat Arbeiten auf Papier, Collagen und Tuschezeichnungen geschaffen und sich in letzter Zeit auf Objekte und Skulpturen sowie Rauminstallationen konzentriert.
Im Jahr 2021 wurde Hipp mit dem Rom-Preis-Stipendium der Deutschen Akademie Villa Massimo ausgezeichnet, der renommiertesten Auszeichnung für Künstler in Deutschland.
Olav Christopher Jenssen ist ein norwegischer bildender Künstler und Professor an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig mit dem Fachgebiet Malerei. Olav Christopher Jenssen hat unter anderem die Kunstakademie in Oslo besucht. Er ist ein Vertreter aktueller abstrakter Malerei. Jenssen und zählt zu den renommiertesten Künstlern skandinavischer Herkunft. Seine Arbeiten werden seit den 1980er Jahren weltweit gezeigt. 1992 nahm er an der Kasseler documenta IX teil. Außerdem ist er ein anerkannter Zeichner. Für seine besonderen Leistungen in der Kunst Skandinaviens wurde Olav Christopher Jenssen 2005 mit dem Henrik-Steffens-Preis von der Alfred Toepfer Stiftung F.V.S. ausgezeichnet.