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Louise Abbéma war eine herausragende französische Künstlerin der Belle Époque, geboren am 30. Oktober 1853 in Étampes, Essonne. Sie studierte unter renommierten Meistern wie Charles Joshua Chaplin, Jean-Jacques Henner und Carolus-Duran und machte sich durch ihre Porträts, insbesondere von Sarah Bernhardt, einen Namen. Ihre Arbeiten wurden häufig im Salon de Paris ausgestellt, und sie war eine der Künstlerinnen, die im Women’s Building auf der World Columbian Exposition 1893 in Chicago vertreten waren.
Abbéma wurde vor allem für ihre Porträts und genreübergreifenden Szenen bekannt, die sie in Öl, Pastell und Aquarell ausführte. Ihre Technik war beeinflusst von chinesischen und japanischen Malern sowie zeitgenössischen Meistern wie Édouard Manet. Die hohe Gesellschaft war oft ihr Sujet, erkennbar an ihrem leichten Pinselstrich und den raschen Bewegungen, die den akademischen und impressionistischen Einfluss in ihrem Stil widerspiegeln.
Zu ihren bedeutenden Auszeichnungen gehören die Palme Académiques, die sie 1887 erhielt, sowie die Ernennung zur offiziellen Malerin der Dritten Republik. 1906 wurde sie als Ritter in den Orden der Ehrenlegion aufgenommen und bei der Exposition Universelle 1900 mit einer Bronzemedaille geehrt.
Für weiterführende Informationen und eine detaillierte Betrachtung ihrer Werke empfehle ich, die Sammlungen des National Museum of Women in the Arts zu besuchen oder ihre umfangreiche Biographie auf Plattformen wie Artnet zu erkunden.
Für diejenigen, die an Updates zu neuen Produktverkäufen und Auktionsveranstaltungen im Zusammenhang mit Louise Abbéma interessiert sind, empfehle ich, sich für unseren Newsletter anzumelden.
Vito Acconci war ein amerikanischer Künstler, Designer und Architekt. Er ist vor allem für seine Pionierarbeit auf dem Gebiet der Performance-Kunst und für seine provokativen Installationen bekannt, die die Beziehung zwischen dem menschlichen Körper und dem Raum erforschen.
Acconci erwarb 1962 einen Bachelor of Arts am Holy Cross College. Später erwarb er einen Master of Fine Arts an der University of Iowa.
In den späten 1960er und frühen 1970er Jahren wurde Acconci durch seine bahnbrechenden Performance-Arbeiten bekannt, bei denen der Künstler häufig seinen eigenen Körper verschiedenen Formen von physischem und psychischem Stress aussetzte.
In den 1980er und 1990er Jahren verlagerte Acconci seinen Schwerpunkt auf die Installationskunst und schuf immersive Umgebungen, die die Wahrnehmung des Raums und des eigenen Körpers durch den Betrachter in Frage stellten. Er arbeitete auch als Designer und Architekt und schuf öffentliche Skulpturen und Gebäude auf der ganzen Welt.
Acconcis Werke wurden weltweit in bedeutenden Museen und Galerien ausgestellt, darunter im Museum of Modern Art in New York und auf der Biennale von Venedig. Für seine Beiträge zur zeitgenössischen Kunst erhielt er zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen, darunter 1995 die Skowhegan Medal for Sculpture.
Sein Vermächtnis als einflussreicher und provokanter Künstler ist in der zeitgenössischen Kunstwelt bis heute spürbar.
Michel Victor Acier war ein französischer Porzellanbildhauer und Modellbauer, der von 1765 bis 1779 in der berühmten Sächsischen Porzellanmanufaktur in Meißen arbeitete. Mit seiner Arbeit in den Aktivitäten der Manufaktur ist mit der Zeit des Neoklassizismus verbunden. Michel-Victor war der Urgroßvater mütterlicherseits des Komponisten Pjotr Iljitsch Tschaikowski.
Peter Ackermann war ein deutscher Maler und Grafiker. Bekannt wurde er durch seine Verfremdungen architektonischer Sujets. Ackermann war ein Vertreter des Phantastischen Realismus. Bevorzugter Gegenstand seiner Arbeiten war die klassische italienische Architektur, die er vor Ort zeichnete. So stellte er Säulen, Portale und Wände mit Maschinenteilen, Ruinen und verödeten Stadtteilen zusammen, die bedrohlich aufgetürmt und dadurch verfremdet wurden. In seinen Radierungen zeigte er Anlehnungen an altmeisterliche Techniken, seine Bildauffassung wird mit der Giovanni Battista Piranesis und Canalettos verglichen.
Yaakov Agam, geboren am 11. Mai 1928 in Rishon LeẔiyyon, Israel, ist ein israelischer Bildhauer und experimenteller Künstler, der für seine Beiträge zur optischen und kinetischen Kunst bekannt ist. Agam, dessen ursprünglicher Name Jacob Gipstein lautet, revolutionierte die Kunstwelt durch die Einführung von Werken, die sich durch die Betrachtungsperspektive verändern. Er gilt als Pionier der kinetischen Kunst, einer Richtung, die Bewegung und Veränderung in den Mittelpunkt stellt.
Ein Höhepunkt seiner Karriere war die Ausstellung seiner Werke im Musée National d'Art Moderne in Paris 1972 und im Guggenheim Museum in New York 1980. Agams Kunst ist in zahlreichen Museumssammlungen vertreten, darunter das Museum of Modern Art und das Mildred Lane Kemper Art Museum. Für seine innovative „Agam-Methode“ zur visuellen Bildung von Kindern erhielt er 1996 die Jan Amos Comenius Medaille von der UNESCO.
Das Yaacov Agam Museum of Art (YAMA), das 2018 in seinem Geburtsort Rishon LeZion eröffnet wurde, ist das weltweit einzige Museum, das der Kunst in Bewegung gewidmet ist. Agams Werke erzielen die höchsten Preise aller israelischen Künstler auf Auktionen, was seine bedeutende Stellung in der Kunstwelt unterstreicht.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet das Studium von Agams Werk eine einzigartige Perspektive auf die Fusion von Kunst, Bewegung und optischer Illusion. Um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Yaakov Agam informiert zu werden, empfehlen wir, sich für Aktualisierungen anzumelden.
Craig Alan ist ein amerikanischer Künstler, dessen Werke sowohl technische Raffinesse als auch eine reiche Fantasie aufweisen.
Nachdem er mit seiner Familie nach New Orleans gezogen war, arbeitete Alan in seiner Jugend als Straßenkünstler und schuf Porträts. Durch sein außergewöhnliches Talent und seine eigenen Recherchen entwickelte er schließlich ein bewundernswertes Verständnis und Gespür für Texturen, Kompositionen und Farben. Heute vertritt Craig Alan ein breites Spektrum an künstlerischen Stilen, von der Buchillustration über naturalistische Ölmalerei bis hin zu seiner Populus Art.
Anni Albers, geborene Annelise Fleischmann, war eine deutsch-amerikanische Textilkünstlerin, Weberin und Grafikerin. Sie zählt zu den Künstlern und Lehrern des Bauhauses. Nach ihrer Emigration in die USA in der Zeit des Nationalsozialismus unterrichtete sie Weberei am Black Mountain College, North Carolina und war als selbständige Künstlerin tätig.
Josef Albers war ein deutscher und amerikanischer Künstler, Designer, Dichter, Theoretiker und Lehrer.
Im Jahr 1920 wurde Albers Student an der Bauhausschule in Weimar. Zwei Jahre später gründete er eine Kunstglaswerkstatt am Bauhaus und leitete anschließend die dortige Möbelwerkstatt. Er war als Designer tätig und entwarf neben Möbeln auch Glas- und Metallwaren.
1933 emigrierte Albers in die Vereinigten Staaten und trat bald der American Abstractionist Association bei. Sein Werk stößt bei den amerikanischen Künstlern auf großes Interesse. Im Jahr 1950 wurde er Leiter der Abteilung für Design an der Yale University School of Art, wo er bis 1960 lehrte. Josef Albers' künstlerische Erfahrung hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Op Art und des post-painterly abstractionism in den Vereinigten Staaten.
Wobbe Alkema ist ein niederländischer Künstler, Grafiker, Architekt, Designer und Bildhauer. Er ist bekannt für seine abstrakten und geometrischen Werke, in denen er häufig Elemente des Konstruktivismus und von De Stijl kombiniert.
Alkema wurde als Architekt ausgebildet und wandte sich dann der Kunst zu, indem er an der Akademie der Schönen Künste in Groningen studierte. In den 1920er Jahren war er Mitglied des Künstlerkollektivs De Ploeg, das in den nördlichen Niederlanden aktiv war und die modernistische Kunst und Kultur förderte.
Während seiner gesamten Laufbahn beschäftigte sich Alkema in seinen Werken mit den Prinzipien der Abstraktion und Geometrie. Seine Gemälde zeigen oft einfache geometrische Formen wie Quadrate, Kreise und Dreiecke, die in komplexen Kompositionen angeordnet sind, die Bewegung und Tiefe suggerieren. Er interessierte sich auch für das Zusammenspiel von Farben und verwendete helle, kräftige Farbtöne, um dynamische Kontraste und Harmonie zu schaffen.
Neben der Malerei schuf Alkema eine Reihe von bildhauerischen Werken, darunter abstrakte Reliefs und freistehende Skulpturen. Er entwarf auch Möbel und andere funktionale Gegenstände, wobei er seine Prinzipien der Abstraktion und der geometrischen Form auf Alltagsgegenstände anwandte.
Alkemas Werke befinden sich in den Sammlungen mehrerer niederländischer Museen, darunter das Groninger Museum und das Amsterdamer Stedelijk Museum. Er gilt als eine wichtige Figur in der Entwicklung der abstrakten Kunst in den Niederlanden, und sein Werk wird nach wie vor für seine innovative Verwendung von Form und Farbe bewundert.
Otmar Alt ist ein deutscher Maler, Grafiker, Designer und Bildhauer. Er vertritt den Leitgedanken, Kunst, die man erklären muss, ist langweilig. Nach seiner Sichtweise soll Kunst nicht elitär, sondern jedem und auch jederzeit zugänglich sein. Der Betrachter soll sich die Bedeutung der Arbeiten selbst erarbeiten. Alt, der Individualist, ist keiner Gattung oder Kunstrichtung zurechenbar. Das gemeinsame Erkennungsmerkmal seiner Arbeiten ist die Experimentierfreudigkeit.
Walerij Wladimirowitsch Androsow (russisch: Валерий Владимирович Андросов) ist ein sowjetischer und zeitgenössischer russischer Künstler. Er ist als Bildhauer, Architekt, Designer, Maler, Grafiker und Lehrer bekannt.
Walerij Androsow schafft Landschaften, Stillleben und Porträts sowie Fantasiewerke. Er ist auch als Autor einer großen Sammlung von Exlibris bekannt, die den Charakter und die Interessen der Buchbesitzer genau wiedergeben. Zu verschiedenen Zeiten war er Chefkünstler des Mosstroiplastmass-Kombinats und Direktor der Gemäldegalerie von Mytischtschi. Er schuf auch Denkmäler für die Gefallenen des Großen Vaterländischen Krieges und für die Piloten des Mytischtschi Aero Clubs, wobei er sein Können in verschiedenen künstlerischen Richtungen unter Beweis stellte.
Richard Anuszkiewicz war ein amerikanischer Maler, Druckgrafiker und Bildhauer, bekannt für seine Beiträge zur Op-Art-Bewegung. Sein Werk zeichnet sich durch eine präzise, mathematische Herangehensweise an Farbe und Komposition aus, wodurch er einer der führenden Köpfe dieser Kunstrichtung wurde. Anuszkiewicz studierte an der Cleveland Institute of Art und anschließend an der Yale University School of Art and Architecture, wo er von Josef Albers geprägt wurde. Diese Einflüsse führten ihn weg von realistischen Darstellungen hin zu abstrakten, farbzentrierten Arbeiten.
Eines seiner frühen Werke, "Fluorescent Complement", verkauft in seiner ersten Solo-Ausstellung in der Contemporaries Gallery in New York, markierte den Beginn seiner Anerkennung. Der Erfolg dieser Ausstellung, teilweise durch den Kauf von Alfred H. Barr Jr., dem damaligen Direktor des Museum of Modern Art, katalysiert, festigte Anuszkiewicz' Stellung in der Kunstwelt.
Anuszkiewicz' Arbeiten sind in vielen bedeutenden Sammlungen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Guggenheim Museum, die Whitney Museum of American Art und das Metropolitan Museum of Art. Seine Ausstellungen und Werke illustrieren das Bestreben, durch kontrastierende Farben und geometrische Formen visuelle Effekte und Illusionen zu erzeugen, die den Betrachter faszinieren und herausfordern.
Für Sammler und Kunst- sowie Antiquitätenexperten bietet das Werk von Richard Anuszkiewicz einen faszinierenden Einblick in die Op-Art-Bewegung und ihre Wirkung auf die moderne Kunst. Seine methodische Untersuchung von Farbe und Form und deren Zusammenspiel demonstrieren eine einzigartige Verschmelzung von Wissenschaft und Kunst.
Um regelmäßige Updates zu neuen Verkäufen und Auktionsereignissen im Zusammenhang mit Richard Anuszkiewicz zu erhalten, melden Sie sich für unseren Newsletter an. Diese Abonnements sind eine hervorragende Möglichkeit, auf dem Laufenden zu bleiben und keine wichtige Entwicklung zu verpassen.
Ron Arad (hebräisch: רון ארד) ist ein in Israel geborener zeitgenössischer Künstler, Architekt und Designer, der für seine innovativen und grenzüberschreitenden Kreationen bekannt ist.
Im Laufe seiner Karriere hat Arad verschiedene Materialien und Techniken erforscht, wobei er sowohl handwerkliche als auch technologische Verfahren einsetzt. Seine Entwürfe verwischen oft die Grenzen zwischen Kunst und Design und stellen konventionelle Vorstellungen von Form und Funktion in Frage. Arads Möbelstücke zeichnen sich durch ihre skulpturalen Qualitäten, organischen Formen und einen Sinn für Fließendes aus.
Gerd Arntz war ein gesellschaftskritischer Künstler und Grafiker; er gilt als Erfinder und Wegbereiter des modernen Piktogramms. Die ersten berühmten Grafiken entstanden in den 1920er Jahren, als Arntz künstlerisch und inhaltlich mit der „Gruppe progressiver Künstler“. Die kritische Darstellung gesellschaftlicher Zusammenhänge waren für Arntz Grundlage zur Ausarbeitung von universal verständlichen Symbolen.
Daniel Arsham ist ein amerikanischer Künstler und Bildhauer, Mitbegründer und Partner des Designbüros Snarkitecture. Lebt und arbeitet in New York. Zu seinen Projekten gehören Kollaborationen mit James Franco, Merce Cunningham, Hajimre Sorayama, Heidi Slimane und Pharrell Williams. Er hat auch Aufträge für Marken wie Calvin Klein und Louis Vuitton ausgeführt.
Helen Ashbee ist eine britische Künstlerin, Bildhauerin und Juwelierin. Tochter des berühmten Architekten, Designers und Sozialreformers Charles Robert Ashbee.
Helen Ashby war Textildesignerin und findet nach dem Tod ihres Mannes, des italienischen Malers Francesco Cristofanetti, in Paris ihr eigentliches Metier - die "abstrakte Bildhauerei" und den dazugehörigen Schmuck, für den sie stets viele Vorzeichnungen anfertigte.
Christian Ludwig Attersee, geboren als Christian Ludwig, ist ein österreichischer Medienkünstler, der in Wien und am Semmering in Niederösterreich lebt.
Seinen zweiten Vornamen Attersee hat der Künstler von der Gegend, in der er seine Jugend verbrachte. Er studierte an der Wiener Akademie für angewandte Kunst und sein Werk zeichnete sich schon früh durch eine extravagante Sexualisierung aus. Er ist nicht nur als bildender Künstler bekannt, sondern auch als Musiker, Schriftsteller, Objektkünstler, Designer, Bühnenbildner und Filmregisseur. In den 1960er und 1970er Jahren schuf er auch Serien zu den Themen Essen, Alltagsgegenstände, Schönheit und Kosmetik.
Bekannt ist Attersee vor allem als einer der führenden Vertreter der gegenständlichen Malerei in Europa in den letzten 50 Jahren. In der zweiten Hälfte der siebziger Jahre wurde er zum Begründer der "Neuen Österreichischen Malerei". Von 1990 bis 2009 hatte Atterse einen Lehrstuhl an der Universität für angewandte Kunst in Wien inne.
Gaetana (Gae) Aulenti war eine italienische Architektin, Innenarchitektin, Gestalterin und Architekturtheoretikerin. International bekannt wurde sie durch die Gestaltung mehrerer berühmter Museen in Paris und Barcelona.
Richard Avedon war ein amerikanischer Fotograf und Künstler, der für seine ikonischen Porträts und Modefotografien bekannt ist.
Avedon begann seine Karriere als Fotograf in den späten 1940er Jahren, als er als freiberuflicher Fotograf für Zeitschriften wie Harper's Bazaar und Vogue arbeitete. Schon bald wurde er für seinen unverwechselbaren Stil bekannt, der sich durch die Verwendung einfacher, übersichtlicher Hintergründe und seine Fähigkeit auszeichnete, das Wesen seiner Motive einzufangen.
Im Laufe seiner Karriere fotografierte Avedon einige der berühmtesten Menschen seiner Zeit, darunter Marilyn Monroe, Andy Warhol und die Beatles. Er war auch für seine Modefotografie bekannt, und seine Arbeiten erschienen in vielen Modemagazinen, darunter Harper's Bazaar und Vogue.
Avedons Arbeiten waren oft umstritten, da er die traditionellen Vorstellungen von Schönheit und Mode in Frage stellte. Er war bekannt für seine Bereitschaft, Grenzen zu überschreiten, und seine Arbeit wurde oft als Spiegelbild der sozialen und politischen Themen seiner Zeit gesehen.
Heute gilt Avedon als einer der wichtigsten Fotografen des 20. Jahrhunderts, und sein Werk inspiriert weiterhin Künstler und Fotografen auf der ganzen Welt.
Hermann Bachmann ist ein deutscher Künstler, Grafikdesigner und Lehrer.
Hermann Bachmann studierte an der Kunstgewerbeschule Offenbach am Main und diente während des Zweiten Weltkriegs in der Armee. Im Jahr 1945 kehrte Bachmann in seine Heimatstadt zurück und schloss sich den Künstlern der Halleschen Schule an. Und 1953 floh er nach West-Berlin, dessen kreative Atmosphäre ihm näher war.
1957 wurde Hermann Bachmann Lehrer und später Professor an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin, und unter seinen Schülern waren viele bekannte Künstler. Er war Mitglied des Deutschen Künstlerbundes.
Trisha Baga ist eine amerikanische Künstlerin, die in verschiedenen Medien arbeitet, darunter Videoinstallationen, Skulpturen, Malerei und Audioinstallationen. Sie ist bekannt für ihre Experimente mit Technologie und setzt in ihren Arbeiten häufig Stimme und Körper ein.
Ihre Arbeiten sind oft interaktiv und eine Kombination aus verschiedenen Elementen wie Projektionen, Klängen, Objekten und Bewegung. Sie ist auch dafür bekannt, dass sie private Elemente wie Mobiltelefone verwendet, um einzigartige und persönliche Kunstwerke zu schaffen.
Trisha Baga schöpft in ihrer Praxis aus dem Erbe der Bildhauerei, Malerei, Musik, Fotografie und Literatur. Zu den Themen, die sie erforscht, gehören zeitgenössische Ereignisse, die Verehrung von Helden und Berühmtheiten sowie die kollektive Geschichte. Baghis Installationen enthalten oft Filme, die aus Montagen und Collagen von gefundenem Filmmaterial und Fotografien bestehen, die so übereinander gelegt sind, dass einige Bilder andere verdecken. Die Filme werden direkt auf die Wand projiziert, über persönliche Gegenstände und Müll aus ihrem Atelier, so dass sie Schatten auf die Projektion werfen.
Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, unter anderem im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Museum of Modern Art in New York und auf der Biennale von Venedig.
Léon Bakst (russisch: Лев Самойлович Бакст) war ein russischer Maler und Bühnenbildner, bekannt für seine innovativen Kostüme und Bühnenbilder, die die Welt der Kunst und des Theaters revolutionierten. Seine Arbeiten zeichnen sich durch lebendige Farben, ausgeprägte Linienführung und die Verschmelzung östlicher und westlicher Kunststile aus. Baksts Einfluss auf die Kultur und Kunst der Moderne ist unbestreitbar und macht ihn zu einer Schlüsselfigur in der Entwicklung der visuellen Künste.
Baksts Beitrag zur Kunst geht weit über seine Malerei hinaus. Als führender Künstler des Ballets Russes brachte er eine neue Dimension in die Darstellung von Kostüm und Bühnenbild ein. Seine Arbeit für Produktionen wie „Der Nachmittag eines Fauns“ und „Daphnis und Chloe“ hinterließ einen bleibenden Eindruck in der Welt der darstellenden Künste und inspirierte Generationen von Künstlern, Designern und Bildmalern.
Seine Kunstwerke sind in einigen der renommiertesten Museen und Galerien der Welt ausgestellt, darunter das Museum of Modern Art in New York und die Eremitage in St. Petersburg. Diese Sammlungen bezeugen Baksts dauerhaften Einfluss auf die Kunstwelt und seine Anerkennung als Künstler von internationalem Rang.
Für Sammler und Experten auf dem Gebiet der Kunst und Antiquitäten bietet das Studium von Baksts Werk tiefe Einblicke in die Entwicklungen der frühen Moderne. Wir laden Sie ein, sich für unsere Updates anzumelden, um über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse zu Werken von Léon Bakst informiert zu werden. Diese Abonnements sind eine hervorragende Möglichkeit, Ihr Wissen und Ihre Sammlung von bedeutenden Kunstwerken zu erweitern.
Margit Balla ist eine ungarische Künstlerin, Grafikerin, Illustratorin, Filmregisseurin, Bühnen- und Kostümbildnerin.
Sie studierte Typografie an der Akademie für Angewandte Kunst in Budapest und beschäftigte sich hauptsächlich mit Plakaten und Buchillustrationen, später arbeitete sie mehr und mehr mit Bildgrafik. In ihren Plakaten kombiniert Margit Balla Eindrücke aus alten Druckgrafiken mit zeitgenössischen Trends wie der Pop Art. Ihre figurativen Kompositionen sind leicht an ihrem speziellen surrealistischen Zeichenstil zu erkennen.
Seit 2000 arbeitet Margit Balla als Produktionsdesignerin für das Budapester Puppentheater.
Wladimir Dawidowitsch Baranow-Rossine (russisch: Владимир Давидович Баранов-Россине) war ein russischer Maler und avantgardistischer Künstler, der für seine Rolle in der kubistischen und futuristischen Bewegung bekannt ist. Geboren 1888 in Bolschaja Lipaticha, Russisches Kaiserreich, verbrachte er einen Großteil seines Lebens in Paris, wo er seine künstlerische Laufbahn fortsetzte und sich in avantgardistischen Kreisen bewegte. Baranow-Rossine war bekannt für seine Experimente mit Farbe und Form, die ihm eine besondere Stellung in der Entwicklung der modernen Kunst sicherten.
Seine Werke, die er in verschiedenen Ausstellungen präsentierte, zeugen von seinem tiefen Verständnis für die Synthese von Kunst und Musik, wie z.B. seine Beteiligung an einer wichtigen Ausstellung in Kiew 1908, die sich der Verschmelzung von Malerei, Skulptur, Poesie und Musik widmete. In Paris freundete er sich mit bedeutenden Künstlern wie Hans Arp sowie Robert und Sonia Delaunay an und nahm regelmäßig an den Ausstellungen des Salon des Indépendants teil, wo seine farbenfrohen Gemälde und innovativen Skulpturen für Aufsehen sorgten.
Ein besonderes Merkmal von Baranow-Rossines Arbeit war seine Erfindung des Optophonen, ein Instrument, das visuelle und musikalische Kunst verband, indem es Farben und Formen projizierte, die durch Musik gesteuert wurden. Diese Innovation führte zu den ersten „Lichtkonzerten“ in Norwegen und stellte einen entscheidenden Beitrag zur Kunstgeschichte dar.
Sein Werk ist in bedeutenden öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter das Russische Museum in St. Petersburg, die Tretjakow-Galerie in Moskau, das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris und das Museum of Modern Art in New York. Leider endete Baranow-Rossines Leben tragisch; er wurde 1943 von der Gestapo in Frankreich verhaftet und starb 1944 im Konzentrationslager Auschwitz.
Sein umfangreiches Schaffen und seine innovativen Beiträge zur Kunst machen Wladimir Dawidowitsch Baranow-Rossine zu einer Schlüsselfigur der Avantgarde. Für Sammler und Experten im Bereich Kunst und Antiquitäten bietet das Studium seines Lebens und Werks wertvolle Einblicke in eine Zeit des künstlerischen Umbruchs und der experimentellen Forschung.
Melden Sie sich für Updates an, um über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse zu Werken von Wladimir Dawidowitsch Baranow-Rossine informiert zu werden.
George Barbier war ein französischer Künstler, Illustrator und Modedesigner, der die Entwicklung der Art-déco-Bewegung beeinflusste.
George Barbier studierte Malerei an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Zunächst arbeitete er als Illustrator für mehrere berühmte Pariser Modemagazine, und nach und nach begannen seine Zeichnungen, den Stil der Damenmode zu bestimmen. Das Aufkommen des Jugendstils veranlasst Barbier, luxuriöse Mode für Kabarett, Theater und Kino zu entwerfen. Er zeichnete extravagante Theaterkostüme mit funkelnden Strasssteinen, hohen Kopfbedeckungen und riesigen Federn. Barbier entwarf Bühnenkostüme für das berühmte russische Ballett von Diaghilew.
Er illustrierte auch Kataloge und zahlreiche literarische Werke, darunter Werke von Charles Baudelaire und P. Verlaine, und war Autor und Designer von Schmuck.
Ercole Barovier war ein italienischer Glaskünstler und Designer.
1936 gründete er zusammen mit seinen Brüdern Dezio und Artemio Toso das Unternehmen Ferro Toso Barovier, das 1939 in Barovier — Toso & Co. und 1942 in Barovier & Toso umbenannt wurde.
Außerdem war er bis 1972 künstlerischer Leiter der Glashütte.
Carlo Bartoli ist ein italienischer Architekt und Designer. Autor zahlreicher Projekte, wie des Gaia-Stuhls, der in die ständige Designsammlung des MoMA in New York und des Milan Triennale Design Museum aufgenommen wurde, und des 4875-Stuhls für Kartell, dem weltweit ersten aus Polypropylen, sowie Teil des Designsammlung des Centre Pompidou in Paris.
Mary Hilde Ruth Bauermeister war eine deutsche Künstlerin und Gartengestalterin.
Von der zweidimensionalen Zeichnung entwickelte sich das Werk Bauermeisters zunehmend in den Raum hinein – über Relief- und Materialbilder gelangte sie schließlich zu den „Linsenkästen“, der wohl geheimnisvollsten Werkgruppe der Künstlerin, mit der ihr 1964 der Durchbruch auf dem New Yorker Kunstmarkt gelang. In zum Betrachter hin offenen, weißen Holzkisten schuf Bauermeister kleine Welten aus glänzendem Glas, Lupen, Linsen und Prismen, hinterlegt von feinen Tuschezeichnungen und aufgetragenen Texten. Diese Kästen bieten mit ihren zwei oder drei gläsernen Bildebenen Raum für die Gedanken und Ideen der Künstlerin und sollen den Betrachter zur genauen Beobachtung anregen.
Marcel-Louis Baugniet war ein belgischer Maler, Theoretiker, Möbeldesigner, Schöpfer von Plakaten, Kostümen und Bühnenbildern und einer der wichtigsten Verfechter des Konzepts der reinen Plastizität.
Er studierte Malerei an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Brüssel, wo er mit Paul Delvaux, René Magritte, Victor Servranck und Pierre-Louis Flouquet in Kontakt kam.
Marcus Behmer, mit vollem Namen Marcus Michael Douglas Behmer, bekannt unter den Pseudonymen Marcotino und Maurice Besnaux, ist ein deutscher Künstler, Grafiker und Illustrator.
Marcus war der Sohn des Malers Hermann Behmer, nahm am Ersten Weltkrieg teil und malte Miniaturporträts von Soldatenkollegen. Ab 1900 begann er, mit Münchner Zeitschriften und Buchverlagen zusammenzuarbeiten. Bemer fertigte Hunderte von Zeichnungen und Illustrationen an und veröffentlichte eine Reihe von Stichen, die anerkannt und erfolgreich waren. Er entwarf auch Schriften.
1936 wurde Behmer wegen Homosexualität verurteilt und verbrachte eineinhalb Jahre im Gefängnis, wo der Künstler auch die Kraft zum Zeichnen fand. Während des Zweiten Weltkriegs gingen fast alle Werke von Bemer verloren oder wurden zerstört.
Peter Behrens war ein deutscher Architekt und Designer, der eine Schlüsselrolle in der Entwicklung der modernen Architektur und des Industriedesigns spielte. Bekannt wurde er vor allem durch seine Arbeit für die Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft (AEG), wo er als künstlerischer Berater tätig war und die gesamte Corporate Identity entwarf, was ihn zum ersten Industriedesigner der Geschichte machte. Sein berühmtestes Werk in dieser Zeit ist die AEG Turbinenhalle in Berlin, ein frühes Beispiel des Modernismus.
Neben seiner Arbeit für AEG war Behrens auch in anderen Bereichen aktiv und entwarf eine Vielzahl von Gebäuden, darunter große Bürogebäude in einem kühnen, monumentalen, klassizistischen Stil sowie Werke im Stil des Backsteinexpressionismus nach dem Ersten Weltkrieg. Zu seinen bemerkenswerten Schülern und Assistenten gehörten Ludwig Mies van der Rohe, Le Corbusier und Walter Gropius, die später zu führenden Modernisten wurden.
Behrens' Beitrag zur Architektur und zum Design war vielfältig und beeinflusste nachhaltig die Entwicklung dieser Felder im 20. Jahrhundert. Seine Arbeit umfasste nicht nur Gebäude, sondern auch Produktdesign, Typografie und die Gestaltung von Corporate Identities, was ihn zu einer zentralen Figur in der Geschichte des modernen Designs macht.
Wenn Sie sich für Kunst und Antiquitäten interessieren und mehr über die Arbeit und den Einfluss von Peter Behrens erfahren möchten, melden Sie sich für Updates an. So bleiben Sie über neue Produktverkäufe und Auktionsereignisse im Zusammenhang mit Peter Behrens auf dem Laufenden.
Weniamin Pawlowitsch Belkin (russisch: Вениамин Павлович Белкин) war ein russischer Künstler und Maler, bekannt für seine Beiträge zur Buchillustration und seine Präsentationen auf verschiedenen Ausstellungen sowohl in der Sowjetunion als auch im Ausland. Geboren am 26. Januar 1884 in Verkhoturye und verstorben am 8. November 1951 in Leningrad, heute bekannt als Sankt Petersburg, hinterließ Belkin ein vielfältiges Werk, das ihn als bedeutenden Künstler seiner Zeit auszeichnet. Sein Talent erstreckte sich über mehrere Bereiche der bildenden Kunst, darunter Malerei, Grafik und Buchillustration.
Belkins besondere Fähigkeiten in der Buchillustration wurden durch seine Arbeiten für renommierte Werke wie "Das Dekameron", "Die drei Musketiere", "Ein Held unserer Zeit" und "Der Ritter im Pantherfell" deutlich. Diese Werke zeugen von seiner tiefen Verbindung zur literarischen Welt und seinem Beitrag zur visuellen Interpretation literarischer Klassiker. Darüber hinaus war Belkin für seine enge Freundschaft mit bekannten Persönlichkeiten wie Alexey Tolstoy und Anna Akhmatova bekannt, was seine Stellung innerhalb der kulturellen und künstlerischen Elite seiner Zeit unterstreicht.
Neben seiner künstlerischen Tätigkeit war Belkin auch als Kunstpädagoge aktiv, was seine Leidenschaft für die Weitergabe seines Wissens und seiner Fähigkeiten an kommende Generationen unterstreicht. Seine Werke, die ein breites Spektrum von Techniken und Themen umfassen, spiegeln die kulturelle und historische Dynamik seiner Epoche wider und machen ihn zu einem faszinierenden Studienobjekt für Sammler und Experten auf dem Gebiet der Kunst und Antiquitäten.
Für Interessierte, die mehr über Weniamin Pawlowitsch Belkin und sein Werk erfahren möchten, empfehlen wir, sich für Updates anzumelden. Diese Updates werden Sie über neue Verkaufsangebote und Auktionsereignisse informieren, die mit Belkins Werk in Verbindung stehen.
Mario Bellini ist ein italienischer Designer und Architekt.
Er schloss sein Architekturstudium im Jahr 1959 am Polytechnikum Mailand ab. Bei Olivetti war er Chefdesigner, 1973 eröffnete er ein eigenes Büro. 1978 und 1983 war er Designberater für Renault, 1982 Professor an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien, 1986-1991 Chefredakteur der Zeitschrift „Domus“ und Professor an der Domus Academy in Mailand. Bellini ist weltweit auch durch die Planung und Ausführung von Bau- und Sanierungsprojekten bekannt.
Gerald Adrian Sallis Benney war ein britischer Silber- und Goldschmied, der zusammen mit David Mellor und Robert Welch das Design aus rostfreiem Stahl in britischen Haushalten der Nachkriegszeit populär machte. Wie Mellor und Welch wurde er vom modernen skandinavischen Design und insbesondere von Georg Jensen beeinflusst.
Christian Bérard, auch genannt Bébé, war ein französischer Künstler, Illustrator und Designer.
Zu Beginn seiner Karriere hatte er ein Interesse Theaterdekorationen und Kostüme zu entwerfen – in den 1930er und 1940er Jahre spielten Bérard und Jean-Michel Frank (1895-1941) eine wichtige Rolle in der Entwicklung des französischen Theater-Designs. Er arbeitete auch als Modedesigner für Coco Chanel, Elsa Schiaparelli und Nina Ricci.
Zusammen mit seinem Lebensgefährten Boris Jewgenjewitsch Kochno (1904-1990), dem russischen Dichter, Tänzer und Librettisten, gehörte Bérard nach dem Zweiten Weltkrieg zu den Mitbegründern des Ballet des Champs-Élysées.
Igor Borisowitsch Berezowskij war ein sowjetischer und russischer Künstler, Grafiker und Designer.
Igor Berezowskij interessierte sich für die Textur von Fernsehbildern; er reproduzierte Zeitschriftenfotografien und brachte sie mit Hilfe von großformatigen Siebdrucken an den Rand des Aussterbens; er brachte unerwartete Texturen in Bilder ein, indem er allerlei "Müll" verwendete; er paraphrasierte Folon und Dibbets, Warhol und Dürer.
Harry Bertoia war ein amerikanischer Künstler, Bildhauer und Möbeldesigner italienischer Herkunft. Er ist vor allem für seine innovativen Metallskulpturen und ikonischen Möbelentwürfe bekannt.
In den 1940er und 1950er Jahren arbeitete Bertoia mit Charles und Ray Eames in der Sperrholzabteilung der Evans Products Company. In dieser Zeit begann er, mit Draht als Medium für Skulpturen und Möbeldesign zu experimentieren. Der 1952 vorgestellte Bertoia-Diamond-Drahtgeflechtsessel ist einer seiner bekanntesten und einflussreichsten Entwürfe. Der Stuhl wurde durch Biegen und Schweißen von Draht hergestellt und verband Ästhetik mit Komfort und Funktionalität.
In seinem bildhauerischen Werk schuf Bertoia oft komplexe und abstrakte Formen aus Metallstäben und Draht. Er erforschte die klanglichen Eigenschaften seiner Skulpturen, was zu seiner berühmten Serie der "Sounding Sculptures" führte. Diese großformatigen Metallskulpturen erzeugten ätherische Klänge, wenn sie berührt oder dem Wind ausgesetzt wurden.
Roger Bezombes war ein französischer Maler, Bildhauer, Medailleur und Designer des 20. Jahrhunderts. Er studierte in Paris an der École des Beaux-Arts und wurde durch seine Freundschaft mit Maurice Denis stark beeinflusst. Bezomb arbeitete vor allem als Maler, wobei er die Farbenpracht von Henri Matisse für Landschaften und Figuren übernahm, die oft auf Beobachtungen "exotischer" Kulturen, insbesondere des Mittelmeerraums und Nordafrikas, beruhten.
Boris Konstantinowitsch Bilinski (russisch: Борис Константинович Билинский), geboren am 21. September 1900 in Bendery und verstorben am 3. Februar 1948 in Catania, war ein russischer Kostümbildner und Szenenbildner, der vor allem für seine Arbeit im westeuropäischen Film bekannt wurde. Nach seiner Emigration nach Deutschland im Jahr 1920 und später nach Paris im Jahr 1923, wo er unter dem russischen Emigranten Léon Bakst studierte, begann Bilinski seine Karriere im Kino als Szenen- und Kostümbildner sowie als Plakatkünstler.
Bilinski wurde besonders für seine extravaganten Kostüme und seine innovativen Filmplakate berühmt. Sein Poster für den Film "Le Lion des Mogols" im Jahr 1924 brachte ihm große Anerkennung und den Goldmedaillengewinn bei der Internationalen Ausstellung der Dekorativen Künste in Paris im Jahr 1925. Sein bekanntestes Werk ist jedoch die Gestaltung der Poster für die französische Veröffentlichung von Fritz Langs "Metropolis" im Jahr 1927, ein Auftrag, der ihn endgültig als einen der führenden Plakatkünstler seiner Zeit etablierte. Bilinskis Werk für "Metropolis" umfasste mehrere Poster, die sich durch ihre künstlerische Qualität und Originalität auszeichneten.
Seine Karriere umfasste zahlreiche Werke als Kostümbildner in Filmen wie "Casanova" (1927), "Der Kurier des Zaren" (1936) und "Von Mayerling bis Sarajewo" (1940), die seine Vielseitigkeit und sein Talent in der visuellen Gestaltung von Filmproduktionen unterstreichen. Mit dem Beginn des Zweiten Weltkriegs zog Bilinski nach Rom, wo er seine Karriere fortsetzte, bevor er 1948 verstarb.
Für Sammler und Experten im Bereich Kunst und Antiquitäten bietet das Werk von Boris Konstantinowitsch Bilinski eine faszinierende Perspektive auf die visuelle Kultur des frühen 20. Jahrhunderts, insbesondere im Bereich des Films. Seine Arbeit zeugt von einem tiefen Verständnis für die Kraft des visuellen Ausdrucks und seiner Fähigkeit, die filmische Erzählung durch Design zu bereichern.
Für weitere Updates zu Werken von Boris Konstantinowitsch Bilinski und um über neue Verkaufs- und Auktionsereignisse informiert zu werden, melden Sie sich für unsere Updates an. Diese spezialisieren sich ausschließlich auf Neuigkeiten zu Bilinskis Werk und dessen kultureller Bedeutung.