
Peintures — Un plaidoyer pour la modernité - Collection Lise et Roland Funck-Brentano

Auguste Herbin était un artiste français de peinture, connu pour ses contributions significatives au cubisme et à l'abstraction. Né à Quiévy en 1882, il a exploré l'art non figuratif à partir de 1917, devenant une figure influente pour les artistes français de la seconde moitié du XXe siècle. Son engagement dans les mouvements artistiques tels que l'Abstraction-Création et le Salon des Réalités Nouvelles a marqué l'évolution de son style vers une abstraction géométrique caractérisée par l'utilisation audacieuse de couleurs et de formes géométriques.
Au cours de sa carrière, Herbin a rencontré des figures majeures du cubisme telles que Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris, ce qui a influencé son orientation vers le langage cubiste. Malgré les défis, y compris un handicap survenu en 1953 qui l'a contraint à peindre de la main gauche, il a continué à œuvrer pour l'art abstrait, publiant même un traité, L'Art non-figuratif, non-objectif, qui explique sa théorie des couleurs et des correspondances entre l'écriture, la musique et les arts visuels.
Les œuvres d'Herbin sont présentes dans de nombreuses collections publiques à travers le monde, notamment au Museum de Fundatie à Zwolle, au Kröller-Müller Museum à Otterlo, aux National Galleries of Scotland, au Musée Matisse au Cateau-Cambrésis, et au KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg. Sa contribution au monde de l'art reste influente, et ses œuvres continuent d'être exposées dans des galeries et des musées internationaux, attestant de son importance dans le développement de l'art moderne et de l'abstraction.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art d'Auguste Herbin et souhaitent rester informés sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous garantit de ne manquer aucune occasion de découvrir ou d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable.

Joaquín Torres-García est un peintre muraliste, sculpteur, écrivain, enseignant et théoricien hispano-uruguayen.
«Torres-Garcia est l'une des grandes figures de l'art de ce siècle», son influence comprend l'art moderne européen, américain et sud-américain, et il est considéré comme le père du constructivisme universel.

Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
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Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Hans Hartung est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du ХХe siècle : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.

Hans Hartung est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du ХХe siècle : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.

Pierre Soulages est un artiste peintre et graveur français.
Associé depuis la fin des années 1940 à l'art abstrait, il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu'il appelle « noir-lumière » ou « outrenoir ». Il est l'un des principaux représentants de la peinture informelle.

Sophie Henriette Gertrude Taeuber connue sous le nom de Sophie Taeuber-Arp, est une artiste, peintre, sculptrice et danseuse suisse, ayant participé aux mouvements dada puis surréaliste avec son époux, Jean Arp. Son œuvre, marquée par la géométrie et le rythme, embrasse des formats à deux dimensions (tableaux, travaux sur tissu), à trois dimensions (sculpture, reliefs) et le spectacle vivant (danse, théâtre).

Kees van Dongen, peintre néerlandais naturalisé, est connu pour son appartenance au mouvement fauviste, caractérisé par l'utilisation audacieuse de couleurs vives. Né à Delphshaven en 1877, Van Dongen s'intéresse très tôt à l'art, ce qui le conduit à Paris où il s'immerge dans la scène artistique d'avant-garde. Sa rencontre avec des personnalités telles que Maurice de Vlaminck et Henri Matisse a marqué le début de la période du fauvisme, au cours de laquelle il a expérimenté la couleur et la forme pour exprimer ses émotions de manière plus directe.
Van Dongen est connu pour sa capacité à transmettre l'essence de ses sujets avec une intensité et une sensualité remarquables, souvent dans des portraits stylisés de femmes. Sa réputation s'est consolidée dans les années d'après-guerre, lorsqu'il est devenu le portraitiste préféré de la haute bourgeoisie française, grâce à son approche unique de l'allongement des figures et de l'exagération des ornements de ses modèles pour les flatter. Cette période a donné lieu à des portraits emblématiques de personnalités telles que Brigitte Bardot et d'autres célébrités de l'époque.
Parmi ses œuvres notables, citons Femme dans l'ombre (vers 1907), Loutteuses (1907-08), exposées au Musée national de Monaco, et Anita la danseuse (vers 1907-08) à la Galerie nationale du Danemark, qui témoignent de son évolution stylistique et de son influence sur l'art moderne.
Van Dongen a également joué un rôle social important à Paris dans les années 1920 et 1930, ses fêtes extravagantes attirant des stars de cinéma, des hommes politiques célèbres et des artistes, établissant son autorité non seulement en tant qu'artiste mais aussi en tant que figure centrale de la vie bohème de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Kees van Dongen est un témoignage vivant de l'innovation et de l'expérimentation qui ont caractérisé l'art moderne du début du XXe siècle. Son utilisation révolutionnaire de la couleur et son approche unique du portrait restent une source précieuse d'inspiration et d'étude.
Pour être tenu au courant des ventes et des événements liés à Kees van Dongen, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cet abonnement vous permettra d'avoir accès aux dernières informations sur l'œuvre de cet artiste emblématique.

Georges Braque est un peintre français célèbre pour son rôle crucial dans le développement du cubisme aux côtés de Pablo Picasso. Ses œuvres sont connues pour leur construction robuste, leurs harmonies de couleurs discrètes et leur qualité méditative et sereine. Georges Braque a commencé sa carrière artistique dans le style fauviste avant d'être influencé par Paul Cézanne, ce qui l'a conduit au cubisme, une période durant laquelle il a étudié intensément les effets de la lumière et de la perspective.
Les œuvres de Georges Braque reflètent son intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée, déconstruisant souvent des structures architecturales en formes géométriques tout en jouant sur la perception de la tridimensionnalité. Sa collaboration avec Picasso a été particulièrement fructueuse, aboutissant à la création de l'Analytic Cubism. Braque a également innové dans le domaine du collage avec la technique du papier collé. Après la Première Guerre mondiale, il a continué à explorer le cubisme, se concentrant sur la représentation d'objets sous différents angles et dans divers plans temporels et picturaux.
Dans ses dernières années, Georges Braque a diversifié ses sujets, peignant des natures mortes, des paysages et explorant des thèmes comme les mythes grecs et la vanité. Ses œuvres tardives montrent un intérêt renouvelé pour la couleur et la texture, reflétant les influences de Picasso et Matisse. Malgré les changements de style et de sujet, Braque est resté fidèle aux principes cubistes de représentation multiperspectiviste jusqu'à la fin de sa vie.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art et la collection, les œuvres de Georges Braque offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution du cubisme et sur l'histoire de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Georges Braque, vous permettant de rester informé sur les opportunités de collectionner les pièces de cet artiste emblématique.