Artistes
Nicolas de Nicolay, seigneur d'Arfeuille et de Belair était un géographe et un artiste français.
Il voyagea en Allemagne, au Danemark, en Angleterre, en Suède, en Italie, en Espagne, en Grèce et en Turquie et servit dans les armées de la plupart de ces pays. Nicolas était le géographe du roi et, en 1551, Henri II l'envoya à Constantinople pour travailler sur l'ambassade d'Aramont. Cette mission a permis à Nicolas de découvrir un monde jusqu'alors pratiquement inconnu en Occident. Grâce à son travail, Nicolas publie ses Voyages en Turquie (1567), qui dépeignent les costumes des peuples du Moyen-Orient, représentants de diverses nationalités et ethnies, parmi lesquels des Turcs, des Grecs, des Arméniens, des Juifs et des pèlerins de La Mecque.
Piotr Yakovlevitch Anourine (еn russe: Петр Яковлевич Анурин) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, auteur de paysages lyriques, représentant souvent l'architecture des anciennes villes russes.
Piotr Anourine était surnommé "l'artiste du printemps" par ses contemporains en raison de ses sujets, de son style et de sa technique de peinture. Le printemps était une période spéciale pour le maître, durant laquelle il a créé de nombreuses toiles, telles que "Le printemps", "La dernière neige" et d'autres. Le thème principal de ses œuvres dans les dernières années de sa vie était le paysage de la Russie centrale.
Les œuvres de l'artiste se trouvent dans diverses galeries d'art et collections privées dans de nombreux pays, dont la Russie, l'Angleterre, l'Allemagne, la France, Israël et la Chine.
Antonio Capellan était un graveur italien, actif dans un style néoclassique. Il s'est formé auprès de Joseph Wagner. Capellan est surtout connu pour avoir réalisé des copies gravées de chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne trouvés dans des collections privées, qui ont été publiées dans l'ouvrage de Gavin Hamilton, Schola Italica Picturae. Il a également gravé une série de portraits de cardinaux intitulée « Calcographia R.C.A. apud Pedem Marmoreum ». En 1759, il grave des portraits de Michel-Ange et de Giorgio Vasari pour un volume de la vie de Vasari, organisé par Bottari.
Jenny Fikentscher (née Nottebohm) était une peintre et graphiste allemande associée au mouvement Art nouveau. Elle a étudié à l'École des femmes peintres de Karlsruhe et est devenue plus tard membre de la colonie d'artistes de Grötzingen. Fikentscher a épousé le peintre animalier Otto Fikentscher et a élevé cinq enfants dans un foyer artistique non conventionnel. Elle était connue pour ses motifs botaniques et ses lithographies, représentant souvent des plantes locales. Fikentscher a également créé des images de collection pour la chocolaterie Stollwerck. Malgré son âge, elle a continué à vendre les produits de son jardin et était une figure bien connue à Karlsruhe.
Lambert Hopfer, un artiste allemand actif durant la première moitié du XVIe siècle, est reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine de la gravure. Bien qu'il soit moins connu que d'autres artistes de son époque, les œuvres de Hopfer démontrent une maîtrise technique et une créativité artistique remarquables.
Il a vécu dans une période où la gravure était en pleine évolution, et son travail reflète les tendances et les innovations de son temps. Ses créations varient, incluant des gravures ornementales et des représentations architecturales, démontrant son habileté à capturer à la fois la complexité des détails et l'élégance des formes.
Les œuvres de Lambert Hopfer sont conservées dans plusieurs collections prestigieuses, y compris le British Museum à Londres et le Metropolitan Museum of Art à New York, où elles continuent d'être étudiées et appréciées pour leur contribution à l'histoire de l'art. Ces institutions offrent un aperçu de son travail et de son importance dans le développement de la gravure au XVIe siècle.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et antiquités, les gravures de Lambert Hopfer représentent un intérêt particulier, non seulement pour leur beauté et leur finesse technique, mais aussi pour leur place dans l'histoire de l'art de la Renaissance.
Gigi Porceddu est un sculpteur italien autodidacte qui travaille presque exclusivement avec la pierre de rivière de Sardaigne dans un style naïf qui lui est propre. Enfant, il a commencé à créer des figures à partir de la campagne environnante, en utilisant seulement un couteau et un tournevis, et il utilise toujours des outils simples pour travailler sur ses sculptures.
Porceddu reproduit les visages du sud de la Sardaigne sous forme de caricatures, mais le but de ce projet est en fait de décrire et de préserver la génétique des Sardes.
L'un des sujets préférés de Porceddu est celui des fonctionnaires, dont les images caricaturales ont plus d'une fois conduit à des conflits entre l'artiste et eux.
William Matthew Prior était un artiste populaire américain connu pour ses portraits, notamment de familles et d'enfants.
Environ 1 500 portraits sont attribués à Prior. Ses œuvres se trouvent dans de nombreux musées et institutions aux États-Unis, notamment les Harvard Art Museums, le Museum of Fine Arts, Boston, et la National Gallery of Art.
Wilhelm Schmurr était un peintre allemand et co-fondateur du Sonderbund à Düsseldorf. Son style d'expression clair a été influencé par les préraphaélites, les symbolistes et les réalistes. Schmurr a reçu des prix et des médailles pour son travail, a enseigné à la Kunstakademie Düsseldorf et a été membre honoraire de diverses associations artistiques. Il a capturé les expériences de la Première Guerre mondiale dans des représentations apparemment mélancoliques de mendiants et de paysages arides. Après la guerre, il crée des scènes de vie simple et des natures mortes inspirées des agriculteurs.
Jan Leth Aagensen est un artiste danois. Il s'est fait un nom en tant que lithographe et s'est ensuite fait connaître pour ses sculptures.
Jan Leth a été formé à l'Académie royale danoise des beaux-arts sous la direction du professeur Søren Hjort Nielsen de 1965 à 1969. Sa première exposition a eu lieu en 1961 à Kunstnernes Forårudstilling (Exposition de printemps des artistes). Il est membre de plusieurs groupes artistiques : Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, l'Association de l'Académie royale danoise des beaux-arts et l'Association des artistes graveurs danois.
Jan Leth a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, présentant des peintures, des sculptures, des dessins et des installations au Danemark et à l'étranger. Au cours de sa vie, il a reçu de nombreux prix et bourses. L'État danois lui a accordé une bourse économique à vie en 1998. Son travail est représenté dans les collections de galeries au Danemark et à l'étranger.
Pacita Abad, une artiste philippine-américaine, était célèbre pour ses peintures vibrantes et colorées et sa technique de "trapunto", qui impliquait la couture et le rembourrage de ses toiles pour leur donner un effet tridimensionnel. Née en 1946 à Basco, Batanes, aux Philippines, Abad a eu une carrière artistique dynamique et variée, exposant dans plus de 60 expositions personnelles et 70 expositions collectives à travers le monde. Ses œuvres ont été reconnues pour leur utilisation audacieuse de la couleur et des matériaux mixtes, y compris des textiles traditionnels, des miroirs, des perles et des coquillages.
Abad a voyagé à travers plus de 80 pays, ce qui a eu un impact significatif sur son art, lui permettant de s'inspirer de différentes cultures et traditions visuelles. Elle a souvent intégré des éléments de ces cultures dans ses œuvres, reflétant son engagement envers la diversité culturelle et la compréhension interculturelle. Ses voyages et son art étaient également motivés par un désir profond de plaider en faveur des personnes marginalisées et des problématiques sociales, comme l'expérience des immigrants et les injustices sociales.
Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le San Francisco Museum of Modern Art et le Brooklyn Museum. Abad est décédée en 2004 à Singapour après une lutte contre le cancer du poumon, mais son héritage perdure à travers ses œuvres vibrantes et son impact sur l'art contemporain.
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Soultan Chamsoutdinovitch Abaev (еn russe : Султан Шамсутдинович Абаев), un artiste russe, est célèbre pour ses peintures qui reflètent profondément la culture et l'histoire de la Tchétchénie. Né en 1957, Abaev a vécu une jeunesse marquée par des événements historiques significatifs qui ont influencé son œuvre artistique. Après avoir servi dans l'armée soviétique et travaillé à l'usine Baltique, il a poursuivi ses rêves artistiques en étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Repin à partir de 1981, où il s'est spécialisé en peinture et enseignement.
Son travail a été reconnu et apprécié non seulement pour son aspect artistique mais aussi pour son engagement envers les questions sociales et culturelles de la Tchétchénie. Abaev a participé activement à la vie sociale et culturelle de Grozny après avoir obtenu son diplôme en 1987, organisant et participant à de nombreuses expositions.
Abaev est également honoré en tant qu'Artiste émérite de la Fédération de Russie pour ses contributions significatives aux arts visuels, spécialement dans le genre de l'art paysager. Ses œuvres se retrouvent dans des collections privées et ont été exposées dans diverses galeries, témoignant de leur valeur tant sur le plan artistique que culturel.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire de la Tchétchénie à travers le pinceau d'un de ses artistes emblématiques, les œuvres de Soultan Chamsoutdinovitch Abaev offrent une fenêtre unique sur les paysages et les narratives de cette région.
Mikhail Georgievitch Abakoumov (еn russe : Михаил Георгиевич Абакумов) était un artiste peintre russe post-soviétique né en 1948 à Kolomna. Il est reconnu pour ses œuvres dans lesquelles il capture l'essence de la Russie à travers des paysages et des scènes de genre profondément enracinées dans sa ville natale et ses environs. Abakoumov a fréquenté l'école d'art de Moscou Kalinina avant d'entrer à l'Académie des arts de l'URSS où il a été influencé par les académiciens A. P. et S. P. Tkachev et A. M. Gritsai.
Son travail est apprécié pour son approche réaliste et son attachement émotionnel à la Russie, ce qui lui a valu d'être nommé Artiste du peuple de Russie. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes, y compris la galerie Tretiakov et dans divers musées et galeries à travers la Russie et à l'étranger, comme en Allemagne, aux États-Unis, et en Corée du Sud.
Abakoumov a également été honoré en tant que citoyen d'honneur de Kolomna en 2003, ce qui témoigne de son impact profond sur sa communauté locale. Ses œuvres continuent d'être célébrées et exposées, attirant l'intérêt des collectionneurs et des experts en art du monde entier.
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Giuseppe Abbati était un artiste italien, né à Naples en 1836 et décédé à Florence en 1868. Il est surtout connu pour son appartenance au mouvement des Macchiaioli, un groupe d'artistes qui cherchait à révolutionner la peinture italienne en privilégiant l'observation directe et la représentation simplifiée de la réalité.
Abbati a reçu une formation initiale de son père, Vincenzo Abbati, avant de perdre un œil lors d'un engagement militaire, ce qui n'a pas entravé sa carrière artistique. Il s'est installé à Florence, où il a fréquenté d'autres membres des Macchiaioli au Caffè Michelangiolo, et s'est distingué par son traitement audacieux des effets de lumière dans ses peintures.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "La vue de Castiglioncello" (1867), peinte lors de son séjour sur la côte toscane, et "Le cloître de Santa Croce" (1861-1862), deux œuvres qui illustrent son approche innovante en matière de composition et d'utilisation de la lumière. Ces peintures sont caractérisées par des paysages lumineux souvent vus à travers une porte ou une fenêtre, créant un contraste dramatique entre l'intérieur sombre et le paysage éclairé.
L'influence des Macchiaioli, notamment leur technique dite de "la macchia" (tache), était une réponse au formalisme académique, cherchant à capturer l'essence des scènes via des coups de pinceau rapides et des compositions épurées. Giuseppe Abbati est décédé prématurément à l'âge de 32 ans, des suites de la rage, après avoir été mordu par son chien. Ses œuvres continuent d'être exposées et appréciées, notamment au Pitti Palace à Florence.
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Guido Ubaldo Abbatini était un peintre italien de la période baroque, né et mort à Città di Castello et à Rome respectivement (1600-1656). Il a été l'élève de Giuseppe Cesari et a également travaillé sous la direction de Gian Lorenzo Bernini et Pietro da Cortona. Abbatini est surtout reconnu pour ses fresques, notamment celles de la chapelle Cornaro à Santa Maria della Vittoria à Rome, où il a peint des nuages de stuc qui ajoutent une dimension théâtrale et dynamique à l'ensemble de l'œuvre de Bernini.
Ses contributions à la chapelle illustrent l'union des arts visuels et architecturaux typique du baroque, marquant un point culminant dans l'histoire de l'art italien de cette période. Abbatini a suivi les ambitions stylistiques de Bernini en fusionnant architecture, sculpture et peinture pour intensifier l'expérience spirituelle et visuelle des spectateurs.
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Filippo Abbiati était un peintre italien de la période baroque, né en 1640 et décédé en 1715 à Milan. Élève de Carlo Francesco Nuvolone et Antonio Busca, il a été profondément influencé par la peinture lombarde du début du XVIIe siècle et a ensuite été exposé au baroque romain et aux premières manifestations du rococo. Abbiati a principalement travaillé à Milan, où il a produit de nombreuses œuvres, notamment des fresques dans l'église de Sant'Alessandro et des peintures pour d'autres églises locales.
Parmi ses œuvres notables, on compte les fresques de l'église Sant'Alessandro à Milan, réalisées entre 1683 et 1696 en collaboration avec Federico Bianchi. Ces œuvres sont considérées comme ses chefs-d'œuvre, bien qu'il soit difficile de distinguer les contributions spécifiques de chaque artiste dans certains cas. Abbiati a également peint plusieurs scènes de la vie de Saint Laurent pour la cathédrale de Novara et des œuvres pour l'église de Sant'Antonio à Milan autour de 1700.
Ses élèves, dont Alessandro Magnasco, ont continué à propager son style et ses techniques. Malgré son influence et sa production prolifique, peu de détails sur sa vie personnelle sont connus, et beaucoup de ses œuvres ont été perdues ou sont non documentées après son décès.
Les œuvres de Filippo Abbiati sont présentes dans plusieurs collections importantes, notamment à la Pinacoteca di Brera à Milan et dans d'autres institutions en Italie et en Suisse.
Jussuf Abbo, né Jussuff Abbu, est un artiste juif palestinien qui a émigré en Allemagne en 1911, où il a travaillé de longues années, avant de trouver refuge au Royaume-Uni en 1935.
En Allemagne son travail est considéré comme art dégénéré et ses œuvres retirées des collections des musées. Une grande partie des œuvres retirées a ensuite été détruite par le régime nazi.
Lemuel Francis Abbott était un portraitiste anglais. Il est surtout connu pour son portrait de Nelson, exposé à la résidence du Premier ministre britannique.
Abbott a peint de nombreux portraits de notables du XVIIIe siècle, tels que des officiers de marine, des hommes de lettres, des fonctionnaires et des dames de compagnie. Il a été l'un des premiers à représenter des golfeurs.
Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Shafic Abboud, également connu sous le nom de Chafic Abboud, était un peintre libanais de renom dont le parcours artistique l'a conduit de Beyrouth à la scène artistique dynamique de Paris en 1947. Adoptant les mouvements modernistes et abstraits du milieu du XXe siècle, Abboud a perfectionné ses compétences dans les ateliers d'artistes éminents tels que Jean Metzinger et Fernand Léger. Cette exposition a influencé son passage de la peinture figurative et paysagère à ses abstractions personnelles colorées caractéristiques. Malgré ses années passées en France, Abboud est resté profondément lié à ses racines orientales, s'inspirant des contes oraux et des icônes byzantines.
La créativité d'Abboud s'étend à la céramique, à la terre cuite, aux tapis et à la lithographie. Son talent exceptionnel lui a valu une reconnaissance mondiale, avec des expositions dans des lieux prestigieux tels que le Mathaf de Doha et l'Institut du Monde Arabe de Paris. En mai 2012, le Beirut Exhibition Center a célébré son héritage artistique dans le cadre d'une exposition complète.
Trey Abdella est un artiste américain qui vit et travaille à New York. Les défis de la vie dans une ville cosmopolite complexe ont servi d'inspiration à ses œuvres d'art, bien que les peintures elles-mêmes ne soient pas spécifiquement liées à New York.
L'art de Trey Abdella s'efforce d'entrer en résonance avec les expériences et les sentiments humains. Abdella utilise une iconographie universelle simple, inspirée des mèmes Internet, des films et des dessins animés de la culture contemporaine. Il mélange ces icônes avec divers aspects de l'anxiété que lui ou ses amis ont ressentie dans différents scénarios de la vie quotidienne, dépeignant ainsi les dessous de la société. Les peintures d'Abdella expriment l'insécurité, l'embarras, la peur, la terreur, le dégoût, les désirs et les émotions indicibles que nous devons dissimuler chaque jour afin de respecter les conventions et les attentes sociales.
Nuria Farre Abejon est une artiste hyperréaliste espagnole qui vit et travaille à Barcelone, en Espagne.
Ses œuvres, souvent hyperréalistes, tournent autour de sujets qui la préoccupent en tant que jeune femme : l'anxiété, la mélancolie, la famille, les souvenirs et l'identité. Au début, Nuria créait des peintures translucides à travers lesquelles elle représentait la dualité entre la vie et la mort. Plus tard, elle a exploré l'autoportrait et aujourd'hui, Nuria tente d'explorer son présent à travers des photographies tirées d'un album de famille, grâce auxquelles elle crée d'intéressants collages visuels à l'huile.
Margitta Abels est une artiste allemande connue pour ses peintures abstraites et ses œuvres mixtes.
Margitta Abels a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail.
L'œuvre de Margitta Abels se caractérise par l'utilisation de la couleur et de la texture pour créer des compositions complexes et stratifiées. Elle travaille souvent avec une variété de matériaux, dont la peinture acrylique, le fusain et des éléments de collage, et ses œuvres intègrent souvent des éléments texturaux tels que le sable et le tissu.
Jacobus Theodorus "Jacob" Abels est un peintre néerlandais. Il était un élève du peintre animalier Jan van Ravenswaay. En 1826, il visite l' Allemagne, et à son retour s'établit à La Haye. Il a été particulièrement remarqué pour ses peintures de paysages de pleine lune. Le musée de Haarlem a des œuvres de lui.
Alfred Aberdam était un artiste peintre polonais, reconnu pour son rôle significatif au sein de l'École de Paris. Né à Lviv, alors capitale de la Galicie dans l'Empire austro-hongrois, Aberdam a vécu des moments historiques qui ont marqué sa vie et son œuvre, notamment sa captivité en Sibérie durant la Première Guerre mondiale. Après la guerre, il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Kraków, avant de s'installer à Paris où sa carrière d'artiste a véritablement pris son envol.
Son œuvre est caractérisée par une peinture vibrant d'émotions, reflétant les expériences de sa vie tumultueuse. Aberdam a exposé dans des galeries parisiennes tout au long des années 1930 et 1940, et ses travaux ont été salués par la critique. Il a notamment participé à l'exposition de la Galerie des Beaux-Arts en 1949 et à des expositions personnelles à Paris à partir de 1952. L'appréciation de son travail a traversé les frontières, avec des expositions à Londres et Tel-Aviv.
Après sa mort, son talent a été célébré par une exposition rétrospective au Petit Palais de Genève en 1970, témoignant de la reconnaissance durable de son héritage artistique. Aujourd'hui, ses œuvres sont recherchées par les collectionneurs et experts en art, souvent mises en vente lors d'enchères prestigieuses.
Pour les passionnés d'art et les connaisseurs, rester informés sur Alfred Aberdam et ses œuvres est essentiel. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel.
Abdoulaye Diarrassouba, plus connu sous le nom d'Aboudia, est un artiste contemporain américano-ivoirien.
Aboudia a commencé sa carrière artistique très tôt et a attiré l'attention pour son style expressif et émotionnel. Son travail reflète les réalités complexes de la ville et les expériences des résidents locaux pendant les crises politiques et sociales. Le peintre utilise souvent des couleurs vives, des traits grossiers et des formes abstraites pour exprimer la violence, le chaos et l'espoir présents dans la vie de ses sujets.
Le style artistique d'Aboudia mélange des éléments de graffiti, d'art de la rue, de peinture folklorique africaine et d'art contemporain.
Anna Adelaïde Abrahams est une peintre de natures mortes. À partir de 1882, Anna Adelaïde Abrahams expose ses œuvres dans le cadre des expositions Levende Meesters (Maîtres vivants) à travers les Pays-Bas. En Europe, elle expose à Paris, Berlin, Düsseldorf et Bruxelles. Elle expose ses œuvres au Palais des Beaux-Arts lors de l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, dans l'Illinois. Anna Adelaïde Abrahams est membre de l'association artistique Ons Doel Is Schoonheid (Notre but est la beauté) et fait partie du conseil d'administration du Pulchri Studio.
Viktor Achotovitch Abramian (еn russe: Виктор Ашотович Абрамян) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Viktor Abramian a réalisé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à des expositions dès le début des années 1970 à Leningrad. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Blockade Weekdays", "Still Life with a Centennial", "Leningrad. 1942. Femmes de garde dans la ville assiégée", "Jeunes invités" et autres.
Les œuvres d'Abramian se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et dans de nombreux autres pays.
Ruth Davidson Abrams, peintre juive américaine, a laissé une empreinte durable dans le monde de l'art. En tant que directrice artistique de la Research Association of The New School et conférencière à la Parsons The New School for Design, elle a influencé les artistes en herbe.
Abrams a été reconnue pour ses peintures sur le thème de l'espace, notamment "There Are Unknown Elements in the Universe as Old as Mankind" (1962). Elle a participé activement à des cours d'art dirigés par des artistes influents comme Alexander Archipenko et William Zorach, connus pour leur approche abstraite. Bien que négligé à une époque dominée par les hommes, le talent d'Abrams est aujourd'hui reconnu. Ses documents sont conservés au musée de l'université de Yeshiva et aux archives d'art américain de la Smithsonian Institution. Elle a collaboré avec des artistes de renom tels que William Zorach, Alexander Archipenko et John D. Graham.
Memet Abseliamovitch Abseliamov (еn russe: Мемет Абселямович Абселямов) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle d'origine tatare de Crimée. Il est connu comme peintre paysagiste.
Memet Abseliamov est devenu célèbre en 1935 avec sa peinture de genre "Kolkhoznitsy Udarnitsy", qui a reçu le prix panrusse et a été acquise par le musée d'art populaire de Moscou. Au cours de sa vie au Tadjikistan, où il s'est rendu après la déportation des Tatars de Crimée, l'artiste a créé principalement des paysages, notamment les tableaux "Nuit en Crimée", "Cyprès de Crimée", "Gurzuf. Où A. Pouchkine s'est rendu", "Journée ensoleillée", "Printemps au Tadjikistan", "Le dernier rayon" et d'autres encore.
Il était membre d'associations créatives telles que "Krymkhudozhnik", l'Union des artistes de l'URSS, l'Union des artistes de la République socialiste soviétique du Tadjikistan.
Carla Accardi était une peintre abstractionniste italienne associée aux mouvements Arte Informel et Arte Povera et membre fondateur des groupes artistiques Forma (1947) et Continuità (1961). Elle a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Palerme et de Florence.
Carla Accardi était connue pour son utilisation innovante des matériaux et son exploration des formes géométriques et des couleurs vives. Elle a notamment introduit la technique de la "tela intrecciata" (toile entrelacée), dans laquelle elle utilise des bandes de toile colorée pour créer des compositions texturées et stratifiées.
L'œuvre d'Accardi présente souvent un sens du rythme et du mouvement, un arrangement dynamique de formes et de lignes. Ses compositions se caractérisent par un sens de l'équilibre et de l'harmonie et intègrent souvent des éléments de répétition et de symétrie.
Angelo Accardi est un artiste italien contemporain. Il a grandi entouré d'art moderne et traditionnel. Bien qu'il ait étudié les beaux-arts à l'Académie des beaux-arts de Naples, il n'a jamais terminé sa formation. Angelo Accardi illustre des visions surréalistes de la vie quotidienne sous des décors réalistes de paysages urbains et naturels. Il n'y a jamais un seul sens, mais toute une histoire derrière chaque tableau. Ironique, saisissant et ludique, la perspective unique et le style avant-gardiste d'Accardi sont le résultat de ses diverses inspirations.
Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Oswald Achenbach est un peintre prussien.
Peintre paysagiste, ses vues colorées rappellent son attirance pour la baie de Naples et les environs de Rome. Il a peint de nombreux paysages animés de petites figures, donnant un caractère anecdotique et doux à ses tableaux, notamment sa Scène dans un parc italien (Munich), et Crépuscule sur le Vésuve (Düsseldorf).
Lucas Achtschellinck est un peintre baroque flamand spécialisé dans la peinture de paysages. Il fait partie des peintres paysagistes actifs à Bruxelles, désignés sous le nom peintres de la Forêt de Soignes, qui partageaient tous un intérêt pour la représentation de scènes se déroulant dans la Forêt de Soignes, qui est située près de Bruxelles.
Michel Victor Acier était un sculpteur et modeleur de porcelaine français qui a travaillé à la célèbre manufacture de porcelaine de Saxe à Meissen de 1765 à 1779. Son travail est associé à la période du néo-classicisme dans les activités de la manufacture. Michel-Victor était l'arrière-grand-père maternel du compositeur Piotr Ilitch Tchaïkovski.
Peter Ackermann était un peintre et graphiste allemand. Il est devenu connu pour son aliénation des sujets architecturaux. Ackermann était un représentant du réalisme fantastique. Le sujet de prédilection de son travail était l'architecture italienne classique, qu'il dessinait sur place. Il a assemblé des colonnes, des portails et des murs avec des pièces de machines, des ruines et des parties désolées de la ville, qui ont été entassées de manière menaçante et donc aliénées. Dans ses gravures, il a montré des références aux techniques des maîtres anciens, sa conception picturale est comparée à celle de Giovanni Battista Piranesi et de Canaletto.
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Otto Ackermann était un peintre allemand du XIXe siècle, spécialisé dans les paysages. En 1897, il s'installe à Düsseldorf, où il restera jusqu'à sa mort. Il a peint principalement des paysages de Belgique et des Pays-Bas, et a également travaillé dans le domaine de la gravure sur les mêmes sujets. Il a été président de la société locale des peintres de Düsseldorf et est mentionné dans les journaux intimes d'Albert Herzfeld.
Johann Adam Ackermann est un peintre paysagiste allemand du début du xixe siècle. Johann Adam Ackermann vécut à Mayence jusqu'en 1804, année pendant laquelle il partit vivre à Francfort. Johann Adam Ackermann était réputé pour ses paysages d'hiver et ses aquarelles. Il est le frère de Georg Friedrich Ackermann, qui était lui aussi peintre paysagiste, quoique avec moins de succès.
Julius Anton Adam était un peintre de genre et un animalier allemand spécialisé dans la représentation de chats et membre d'une famille influente de peintres munichois.
Julius Anton Adam a été l'élève du professeur Michael Echter puis de Wilhelm von Dietz à l'Académie des beaux-arts de Munich. Plus tard, il devint lui-même professeur.
Benno Rafael Adam est un peintre animalier allemand.
Il a commencé ses études d'arts plastiques sous la tutelle de son père, le peintre-bataillonnaire Albrecht Adam. Il est passé maître dans l'art de représenter les chiens de chasse et les chevaux, et s'est particulièrement distingué dans les scènes de chasse aux animaux sauvages. Benno Adam a également illustré plusieurs manuels d'élevage.
Le fils de Benno, Emil Adam, devint également artiste.
Jean Victor Adam (Jean-Victor Vincent Adam) était un peintre et lithographe français.
Issu d'une dynastie d'artistes, Adam a étudié à l'École des Beaux-Arts de Paris. Il a peint des vues de diverses villes, dont les villes russes de Kazan et d'Ekaterinbourg, ainsi que des scènes de batailles des campagnes militaires de Napoléon. Des recueils d'images de costumes militaires français préparés par Adam ont été publiés. Ses peintures de genre avec des scènes de chasse et d'animaux sont également connues.
Albrecht Adam était un peintre bavarois de la première moitié du XIXe siècle. Il est surtout connu pour avoir participé à la campagne contre la Russie en 1812 en tant que peintre officiel du quartier général du IVe corps (italien) de la Grande Armée de Napoléon. Tout au long de la campagne, l'artiste a esquissé et dessiné de nombreux événements importants de la campagne. Nombre de ces croquis ont ensuite servi de base à des peintures à part entière, et les sujets des guerres napoléoniennes dont il a été témoin, Adam les a abordés jusqu'à la fin de sa très longue vie.
Albrecht Adam est également l'auteur de mémoires dans lesquels il décrit en détail la bataille de Borodino et d'autres événements importants de la guerre de 1812.
Julius Adam le Jeune (en allemand : Julius Adam d. J.) était un peintre animalier allemand, surtout connu pour ses peintures de chatons, qui lui ont valu le surnom de Kittenadam. Son père, Julius Adam l'Ancien, était photographe et lithographe.
Heinrich Emil Adametz était un peintre expressionniste allemand.
Adametz a étudié à Hambourg et à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart. Influencé par l'expressionnisme, il peint des portraits, des paysages marins avec des bateaux et des natures mortes. Plus tard, les événements de la Seconde Guerre mondiale ont tellement affecté la famille de l'artiste qu'il n'a pu s'en remettre jusqu'à la fin de sa vie.
Valerio Adami est un peintre italien. Valerio Adami, le plus français des peintres italiens, est surtout connu pour ses célèbres aplats aux couleurs acidulées et ses formes cernées par un contour noir qui font penser à la ligne claire de la bande dessinée mais aussi aux vitraux des églises. Les principaux thèmes de ses peintures sont la littérature, les voyages, ainsi que les relations entre poésie, musique et peinture. Il a aussi entretenu dès ses débuts des rapports étroits avec les écrivains et les artistes de l'avant-garde internationale parisienne.
Evgeniia Mikhaïlovna Adamova (еn russe: Евгения Михайловна Адамова) était une artiste soviétique de la seconde moitié du vingtième siècle. Elle est connue comme peintre, artiste du peuple de la République socialiste soviétique de Turkménistan.
Evgeniia Adamova, qui a quitté l'Ukraine dans sa jeunesse pour s'installer au Turkménistan, a fait ses études à l'école d'art d'Ashgabat. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle s'est exprimée de manière créative en tant qu'affichiste au sein de l'agence TurkmenTAG. L'artiste a créé des peintures thématiques consacrées à la vie du peuple turkmène et des portraits. Elle a été vice-présidente de l'Union des artistes du Turkménistan.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
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Richard Adams est un artiste et illustrateur britannique qui vit et travaille dans le Sussex.
Adams a obtenu un diplôme de graphisme à l'école polytechnique de Leicester et a d'abord travaillé comme illustrateur à Londres. Richard Adams crée toutes ses peintures à l'aide de pastels à la craie, puis les fixe et les imprègne d'un vernis spécial qui laisse une surface impénétrable. Il dépeint une variété de paysages anglais et de bords de mer, souvent peuplés de personnages et d'animaux excentriques, ainsi que des scènes domestiques amusantes. L'artiste réussit à transmettre l'humour et l'absurdité de la vie quotidienne dans un style anglais à la fois ancien et contemporain.
Les œuvres d'Adams sont régulièrement exposées à Londres et dans d'autres villes du Royaume-Uni, où elles sont très appréciées, et à l'étranger, à Sydney, Washington DC, Brême et Madrid.
Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
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Hans Peter Adamski est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Berlin et à Dresde.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a été professeur et doyen de l'Université des beaux-arts de Dresde. Adamski est l'un des principaux représentants du mouvement Neue Wilden ("Nouveaux sauvages") des années 1980. Outre la peinture, il travaille le dessin, la sculpture, le papier, le tissu et le plâtre.
