Photographes
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Julius Anton Adam était un peintre de genre et un animalier allemand spécialisé dans la représentation de chats et membre d'une famille influente de peintres munichois.
Julius Anton Adam a été l'élève du professeur Michael Echter puis de Wilhelm von Dietz à l'Académie des beaux-arts de Munich. Plus tard, il devint lui-même professeur.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Adams, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ses œuvres. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'évolution du marché et les nouvelles découvertes associées à cet artiste emblématique.
Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art intéressé par les œuvres d'Ansel Adams, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce photographe emblématique.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Jack W. Aeby est un physicien de l'environnement et un photographe américain.
Aeby a étudié à l'université du Nebraska et a été l'un des premiers employés civils du projet Manhattan à partir de 1942. Il a travaillé sur le projet dans de nombreux domaines, en commençant par le transport de personnes, puis il a été affecté à la supervision d'un entrepôt de produits chimiques.
Le 16 juillet 1945, alors qu'il se trouvait au camp de base avec tout l'équipement photographique officiel, Aeby a pris la seule photographie couleur bien exposée de la première détonation d'une arme nucléaire sur le site d'essais nucléaires de Trinity, au Nouveau-Mexique, et est devenu célèbre grâce à elle. Le reste de la pellicule a été détruit par l'explosion. À l'époque de la photographie, Aeby était un civil travaillant dans le groupe de physique de la santé avec Emilio Segre.
Jack Aeby a continué à travailler à Los Alamos pendant les essais de Crossroads et a été témoin de près de 100 explosions nucléaires. Il est ensuite retourné travailler au laboratoire national de Los Alamos, dans le département de physique sanitaire.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Laure Albin-Guillot était une artiste et photographe française. Elle est surtout connue pour son travail de pionnière dans le domaine de la photographie et pour sa contribution au développement de ce médium en France au début du XXe siècle.
Les premiers travaux photographiques d'Albin-Guillot étaient axés sur le portrait, et elle s'est fait connaître pour ses images élégantes et saisissantes de célébrités et d'autres personnages notables. Plus tard, elle a étendu sa pratique à la photographie de natures mortes et de paysages, et elle était également une photojournaliste compétente.
Outre la photographie, Albin-Guillot était une figure importante du monde de l'art parisien, et elle a participé au développement de mouvements modernistes tels que le cubisme et le surréalisme. Membre de la Société des Artistes Décorateurs, elle a également participé à l'organisation de plusieurs grandes expositions internationales, dont l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris en 1925.
Albin-Guillot était également une écrivaine et une éducatrice prolifique, et elle a écrit plusieurs livres sur la photographie et l'histoire de l'art. Elle a enseigné la photographie à l'École Estienne à Paris et a également fondé son propre studio de photographie, qui s'est fait connaître par son utilisation innovante de l'éclairage et de la composition.
Aujourd'hui, l'œuvre d'Albin-Guillot est reconnue comme une contribution importante au développement de la photographie moderne, et ses photographies font partie des collections de grands musées du monde entier, notamment le Museum of Modern Art de New York, le Centre Pompidou de Paris et le Victoria and Albert Museum de Londres.
Ike Altgens, né James William Altgens, était un photojournaliste américain, rédacteur photo et reporter pour l'Associated Press (AP).
Après avoir obtenu son diplôme à la North Dallas High School, James rejoint l'Associated Press, d'abord en tant que reporter, puis en 1940, il est affecté à l'équipe de photojournalisme. Il a servi dans les garde-côtes américains pendant la Seconde Guerre mondiale et est retourné à l'Associated Press en 1945 en tant que photographe, travaillant comme rédacteur et comme acteur et mannequin à temps partiel.
Le 22 novembre 1963, Altgens est chargé de photographier le président John F. Kennedy lors de sa visite à Dallas. Le destin a voulu qu'il prenne des photos historiques de l'assassinat de Kennedy, qui ont été publiées dans les journaux du monde entier le lendemain.
Altgens a quitté l'Associated Press en 1979, puis a travaillé dans le domaine de la publicité pour Ford Motor Company. Le 12 décembre 1995, James Altgens et sa femme ont été retrouvés morts dans différentes pièces de leur maison à Dallas. Selon l'enquête, la cause de leur décès est une intoxication au monoxyde de carbone due à une chaudière défectueuse.
Manuel Álvarez Bravo était un photographe visionnaire mexicain dont l'œuvre illustre de manière saisissante l'héritage culturel de l'Amérique latine. Son point de vue unique sur la vie et ses superbes compétences photographiques ont inspiré des générations de photographes dans le monde entier.
Alvarez Bravo était connu pour ses expérimentations sur la lumière et les ombres, la composition et la forme. Ses photographies surréalistes sont souvent empreintes de mystère et d'énigme, tout en reflétant les difficultés et les contradictions de la société mexicaine de la première moitié du XXe siècle.
L'œuvre d'Alvarez Bravo associe merveilleusement la beauté esthétique à un contexte social profond. Son œuvre n'est pas seulement une source d'inspiration par sa beauté, mais aussi un rappel de l'importance de la préservation du patrimoine culturel et de l'histoire des peuples.
Diane Arbus est une photographe de rue américaine.
Elle reste célèbre pour ses portraits de rue effectués au reflex 6x6 bi-objectifs équipé d’une torche à lampes flash au magnésium de forte puissance, sa photographie des Jumelles identiques et celle de l’Enfant à la grenade dans Central Park.
Elle a aussi réalisé un projet sur une communauté de personnes handicapées mentales.
Ellen Auerbach, née Ellen Rosenberg, est une photographe américaine d'origine juive allemande et un maître de la photographie d'avant-garde.
Ellen a étudié à l'école d'art de l'État de Baden et a poursuivi ses études à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart avant de rencontrer la photographe Greta Stern (1904-1999) à Berlin. Ensemble, elles ont ouvert Ringl+pit, un studio de photographie et de design spécialisé dans la publicité, la mode et le portrait. La photographe est surtout connue pour son travail de pionnière dans ce studio. Ellen, qui a également expérimenté le cinéma, a réalisé deux courts métrages en noir et blanc.
En 1933, Ellen émigre en Palestine et y ouvre un studio de portraits d'enfants. Quelques années plus tard, elle s'installe avec son mari Walter Auerbach aux États-Unis, où elle travaille dans une collection d'art privée, enseigne la photographie, réalise des films et des photographies pour étudier le comportement des enfants et travaille comme thérapeute pédagogique.
Les œuvres Ringl+pit et l'œuvre photographique d'Ellen Auerbach et de Greta Stern ont été redécouvertes dans les années 1980 et ont donné lieu à une série d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Allemagne.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
John Baeder est un peintre américain étroitement associé au mouvement photoréaliste. Il est surtout connu pour ses peintures détaillées de restaurants et de restaurants américains en bordure de route. Son intérêt pour les petites villes à travers l'Amérique a commencé quand il était jeune en photographiant de vieilles voitures et d'autres reliques. Alors qu'il fréquentait l'Université d'Auburn à la fin des années 1950, il a fait de fréquents voyages entre Atlanta et l'Alabama, ce qui a attiré son attention sur les paysages ruraux et les restaurants en bord de route. Il a commencé à travailler comme directeur artistique à Atlanta pour une succursale d'une agence de publicité new-yorkaise en 1960, puis a déménagé à New York en 1964. Il a poursuivi une carrière réussie dans la publicité au début des années 1970, tout en continuant à peindre. , dessiner et photographier à son rythme. Baeder quitte le domaine de la publicité en 1972 pour poursuivre sa carrière artistique à plein temps. La même année, OK Harris Gallery à New York commence à exposer ses œuvres. Depuis lors, il a eu plus d'une trentaine d'expositions personnelles dans des galeries d'art. Son travail comprend des peintures à l'huile, des aquarelles et des photographies. Le travail de Baeder vise à faire la chronique des aspects en voie de disparition de la culture américaine. Baeder est le récipiendaire du Tennessee Governor's Distinguished Artist Award en 2009.
David Bailey est un photographe de mode et de portrait et un réalisateur de films publicitaires anglais. Il vit et travaille à Londres. Il est connu pour ses photos de mode dynamiques dans les rues londonniennes.
Il est également connu pour avoir inspiré au réalisateur Michelangelo Antonioni le personnage de Thomas le photographe pour son film Blow-Up ainsi que, entre autres, pour son rôle majeur de photographe du British Vogue dans les années 1960.
Roger Ballen est un photographe américain et sud-africain qui vit et travaille à Johannesburg.
Roger Ballen a étudié la psychologie à l'université de Californie, à Berkeley, et cette spécialité l'aide à mieux comprendre et explorer le monde qui l'entoure. Ses voyages à travers le monde l'ont amené en Afrique du Sud, qui est devenue sa nouvelle patrie.
Roger Ballen est l'un des derniers photographes à travailler exclusivement en noir et blanc, s'approchant ainsi des formes de minimalisme.
Lewis Baltz est un photographe américain. Collaborateur régulier de L'Architecture d'Aujourd'hui. La dépression de la société industrielle, ses résidus constituent le thème dominant de son œuvre. Il s'inscrit dans le mouvement de la New Topography à la fin des années 1970. Le travail de Baltz se concentre sur la recherche de la beauté dans la désolation et la destruction. Ses images décrivent l'architecture des paysages où l'homme intervient, des bureaux, usines et parkings. Ses images sont le reflet de l'influence, du contrôle et du pouvoir exercé par et sur l'homme. Ses photographies minimalistes dépeignent la solitude, l'absence de l'autre. En 1974, il capte les relations entre habitat et anonymat dans The New Industrial Parks near Irvine, California. Ses livres et ses expositions sur son «travail topographique» dénonce la crise de la relation entre l'homme et la technologie et ont influencé la génération de photographes essayant de définir à la fois l'objectivité et le rôle de l'artiste dans la photographie.
Frank Balve est un artiste conceptuel allemand.
Il réalise des peintures, des photographies, des sculptures, des performances et des films, et son travail s'inspire souvent d'œuvres littéraires, de Dante au Marquis de Sade. Balve peint ses images, les construit en pierre ou en papier, les met en scène devant la caméra et les traduit en langage. Dans des installations spéciales, il combine ses travaux pour créer des espaces d'expérience que le spectateur doit traverser.
Lillian Bassman est une photographe et artiste américaine.
Directrice artistique de magazines et photographe de mode, elle est devenue célèbre dans les années 1940 et 1950 pour ses portraits très contrastés et oniriques de mannequins aux allures de sylphides. Le style graphique unique de Bassman illustre la mystique et le glamour féminins, ainsi que l'audace d'une artiste qui brouille les frontières entre la photographie de mode et les beaux-arts. Alors qu'elle travaillait comme directrice artistique pour le magazine Bazaar en 1945, elle a contribué à lancer la carrière de nombreux photographes parmi les plus célèbres du siècle.
Alexandra Baumgartner est une artiste allemande qui travaille dans différents domaines créatifs : collage, installation, peinture et art de l'objet. Ses œuvres sont le plus souvent basées sur des photographies trouvées, mais aussi sur des meubles et des objets du quotidien. Des portraits et des images historiques sont découpés, partiellement peints et combinés, plaçant ainsi des sources souvent anonymes dans de nouveaux contextes.
Bernd et Hilla Becher sont un couple de photographes allemands connus pour leurs photographies frontales d'installations industrielles.
Pour donner à leurs photos ce caractère de documentaire « objectif », elles sont toutes prises selon le même protocole immuable : une lumière neutre (ciel couvert) et chaque photo d'une même série est composée de manière identique (angle de vue et cadrage). Il faut ajouter à cela l'utilisation du noir et blanc, d'un téléobjectif pour éviter les déformations et d'une chambre Linhof 8x10, ainsi qu'une présentation spécifique des œuvres, conservées au cours des années.
Une caractéristique esthétique prédomine : les constructions photographiées apparaissent comme des formes géométriques ou tortueuses qui se répètent au long des séries. Ce phénomène de sérialité est caractéristique de la syntaxe photo-conceptuelle qu'ils mettent en pratique dans leur œuvre. Les photographies parfaitement neutres isolent ainsi l'infrastructure. On peut alors comparer les variations formelles entre les bâtiments photographiés, désignés comme des « sculptures anonymes », selon le titre de leur premier ouvrage publié en 1970.
Le travail des Becher joue un rôle dans le renforcement de l'intérêt public pour le patrimoine industriel.
Hilla Becher (née Wobeser) était une photographe conceptuelle allemande. Elle est connue pour ses photographies industrielles, ou typologies, réalisées avec son mari et collaborateur de longue date, Bernd Becher. Sa carrière s'étend sur plus de 50 ans et comprend des photographies prises aux États-Unis, en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Grande-Bretagne, en Belgique, en Suisse, au Luxembourg et en Italie.
Becher a reçu, avec son mari, le prix Erasmus et le prix Hasselblad. Au milieu des années 1970, les Becher ont fondé l'école de photographie de Düsseldorf.
Berndt Becher était un photographe conceptuel allemand. Becher est bien connu pour ses photographies industrielles.
Avec sa femme et collaboratrice Hilla Becher, il a remporté le prix Erasmus et le prix Hasselblad. Au milieu des années 1970, les Becher ont fondé l'école de photographie de Düsseldorf.
Valérie Belin est une artiste plasticienne française, photographe. Elle vit et travaille à Paris.
Inspirée par différents courants artistiques minimalistes et conceptuels, Valérie Belin s’oriente très tôt vers la photographie, qu’elle choisit comme moyen d’expression plastique.
Dans cet esprit, c’est d’abord le medium photographique lui-même qui est le sujet principal de son œuvre. La lumière, la matière, le corps des choses et des êtres, ainsi que leurs représentations et leurs transformations par le medium photographique, constituent le terrain de ses investigations et l’univers de son propos artistique. Son travail, composé principalement de natures mortes et de portraits a évolué avec la prise en compte des codes propres au monde de l’image et de la représentation.
Hans Bellmer était un artiste graphique, sculpteur, photographe, illustrateur et écrivain allemand qui a passé la majeure partie de sa vie en France.
Dans les années 1930, Bellmer a commencé à travailler sur l'image érotisée de la poupée déformée, l'opposant à l'esthétique du corps "classique" dans l'Allemagne hitlérienne. Ses explorations graphiques et littéraires se concentrent sur le démembrement et la libération des corps. Les œuvres surréalistes de Bellmer sont violentes et provocantes : elles comprennent des sculptures de marionnettes composées de corps de modèles nus, des photographies et des gravures.
En 1934, 18 photographies de poupées sont publiées dans la revue surréaliste parisienne Minotaure, et le régime nazi déclare l'art de Bellmer dégénéré. En 1938, Bellmer émigre en France.
Après la fin de la guerre, l'artiste poursuit son travail en ajoutant la poésie à la peinture. Il est également l'auteur d'illustrations pour de nombreux ouvrages, notamment sur des thèmes érotiques.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Joseph Heinrich Beuys était un artiste allemand, connu pour ses contributions révolutionnaires dans le domaine de l'art contemporain. Né en 1921, Beuys a transcendé les frontières traditionnelles de l'art, en se spécialisant dans des domaines aussi variés que la sculpture, le dessin, l'installation, la performance et la théorie de l'art. Sa philosophie centrée sur l'inclusion de la vie quotidienne dans l'art a marqué une rupture avec les conventions, faisant de lui une figure emblématique de la culture artistique du XXe siècle.
L'œuvre de Beuys est réputée pour sa capacité à fusionner art et vie, une caractéristique qui le distingue nettement dans le paysage artistique. Ses performances, souvent teintées d'éléments autobiographiques et symboliques, explorent les thèmes de la régénération, de la guérison et de la transformation sociale. Cette approche unique a élevé Beuys au rang d'artiste visionnaire, dont les travaux continuent d'inspirer et de provoquer le débat au sein de la communauté artistique.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "7000 Chênes", un projet de plantation d'arbres couplé à l'installation de pierres basaltiques, visant à souligner l'interconnexion entre l'homme, l'art et la nature. Ses travaux sont exposés dans des musées et des galeries du monde entier, témoignant de l'empreinte indélébile qu'il a laissée dans l'histoire de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'héritage de Joseph Heinrich Beuys offre une source inépuisable d'inspiration et de réflexion. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à l'œuvre de Beuys. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de plonger dans l'univers fascinant de cet artiste révolutionnaire.
Karl Blossfeldt était un photographe, sculpteur et enseignant allemand qui travaillait à Berlin. Il était l'un des représentants de la Nouvelle Vision en photographie. Blossfeldt travaillait avec un appareil photo de sa propre invention qui lui permettait d'atteindre un grossissement de 30 fois.
Il photographiait principalement des fleurs, des plantes et des fragments de plantes. Sous ce grossissement, les plantes ressemblent plus à des formes abstraites qu'à la plante elle-même. Les photographies de Blossfeldt peuvent être classées à la fois comme des photographies scientifiques et des œuvres d'art.
Dieter Blum est un photographe allemand contemporain qui a travaillé pour des publications connues et influentes (magazines allemands Spiegel et Stern, Time américain, Vanity Fair). Au début de sa carrière, il prenait des photos de cow-boys américains, aujourd'hui il préfère travailler avec des musiciens et des danseurs de ballet.
Bernhard Johannes Blume est un photographe d'art allemand.
Bernhard Blume et sa femme Anna Blume ont réalisé de nombreuses photographies noir et blanc mises en scène, auxquelles ils ont eux-mêmes participé. Ils sont considérés comme les pionniers de la photographie mise en scène.
Erwin Blumenfeld est un photographe et artiste d'origine allemande, surtout connu pour ses photographies de mode et son travail expérimental au milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste, travaillant la peinture, le dessin et le collage.
Dans les années 1930, Blumenfeld a fui l'Allemagne et s'est installé à Paris, où il est devenu un photographe de mode à succès. Il a travaillé pour Vogue et d'autres magazines prestigieux, créant des images emblématiques de mannequins et de célébrités telles que Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor et Grace Kelly.
Blumenfeld était également connu pour son travail expérimental et avant-gardiste, qui faisait souvent appel à des techniques telles que le photomontage, la solarisation et les expositions multiples. Il considérait la photographie comme un moyen d'expression artistique et l'utilisait pour explorer des idées sur l'identité, la beauté et la nature de la réalité.
L'héritage de Blumenfeld en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer la mode et l'art contemporains. Ses techniques innovantes et son style particulier continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, et son œuvre est reconnue comme une contribution importante à l'histoire de la photographie.
Oliver Boberg est un artiste plasticien et professeur d'art. Il vit et travaille à Fürth et enseigne l'art au Ehrenbürg-Gymnasium de Forchheim.
Ses travaux portent sur les non-lieux dans notre environnement urbain direct. Ses œuvres se fondent sur de vastes archives photographiques dans lesquelles il sélectionne des détails, des couleurs et des structures qu'il assemble dans ses maquettes pour créer une architecture stéréotypée.
Christian Marie Dominique Liberté Boltanski est un artiste plasticien français reconnu comme l'un des principaux artistes français contemporains. Photographe, sculpteur et cinéaste, il est avant tout célèbre pour ses installations et son style conceptuel français contemporain. Il se définit lui-même comme peintre, alors qu'il a, depuis longtemps, abandonné ce support.
Jósef Borsos est un portraitiste et photographe hongrois.
Borsos a étudié l'art à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il a peint des portraits de personnages historiques, mais s'est surtout fait connaître pour ses peintures de genre dans le style Biedermeier.
Édouard Boubat est un photographe français.
Il fait partie des trois photographes principaux de la revue Réalités où il a travaillé de 1951 à 1969. Il est, avec Brassaï, Willy Ronis, Robert Doisneau, Izis, l'un des principaux représentants de la photographie humaniste française. Son œuvre empreinte de poésie fera dire de lui à Jacques Prévert: «Boubat, un correspondant de paix».
Ses photographies sont diffusées par l'agence Gamma-Rapho.
Guy Bourdin était un photographe et artiste français, surtout connu pour ses photographies de mode innovantes et provocantes du milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière en tant que peintre avant de se tourner vers la photographie.
Le style photographique de Bourdin se caractérise par l'utilisation de couleurs vives, d'images surréalistes et de thèmes provocateurs. Il a souvent intégré des éléments érotiques et violents dans son travail, remettant en question les idées traditionnelles sur la beauté et la féminité.
Les photographies de Bourdin ont été largement publiées dans des magazines de mode tels que Vogue, et il s'est fait connaître pour ses collaborations avec des créateurs de mode tels que Charles Jourdan et Issey Miyake. Son travail a eu une grande influence et il est considéré comme l'un des plus importants photographes de mode du XXe siècle.
L'héritage de Bourdin en tant qu'artiste et photographe continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes. Ses techniques innovantes et son esthétique audacieuse continuent de repousser les limites de la photographie de mode et ont eu un impact significatif sur l'art et la culture contemporains.
Margaret Bourke-White était une photographe et photojournaliste américaine. Elle a étudié la photographie à la Clarence H. White School of Photography. C'est là qu'elle a développé son style caractéristique en utilisant des angles dramatiques et de forts contrastes d'ombre et de lumière.
Burke-White a été l'une des premières femmes photographes à travailler pour le magazine Life, et ses images sont devenues synonymes de la couverture par le magazine d'événements mondiaux majeurs tels que la Seconde Guerre mondiale et la guerre de Corée. Elle a également été la première femme photographe à travailler dans les zones de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, où elle a capturé des images puissantes de la guerre et de son impact sur les civils.
Outre la photographie de guerre, Bourke-White a également documenté la Grande Dépression aux États-Unis et a été l'un des rares photographes à avoir accès à l'Union soviétique dans les années 1930, où elle a documenté l'industrialisation soviétique et la vie des gens ordinaires.
L'œuvre de Bourke-White était connue pour son impact puissant et son réalisme brutal. Elle a souvent risqué sa sécurité pour obtenir la photo parfaite et ses images continuent d'inspirer les photographes d'aujourd'hui. Elle a publié plusieurs ouvrages sur son travail, dont Eyes on Russia et Dear Fatherland, Rest in Peace.
Bourke-White a laissé derrière elle l'héritage d'une des plus grandes photojournalistes du XXe siècle.
Derek Paul Boyle est un artiste visuel américain contemporain dont le travail traite souvent de l'anthropomorphisme des objets quotidiens et des interventions absurdes.
Boyle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts au Emerson College de Boston et son master en études numériques et médiatiques à la Rhode Island School of Design.
Boyle a exposé son travail au niveau national et international, notamment au Museum of Modern Art de Cleveland, au Museum of Fine Arts de Boston et à la Saatchi Gallery de Londres. Ses œuvres font partie des collections du Whitney Museum of American Art, du Museum of Fine Arts Boston, du Cleveland Museum of Art et d'autres institutions.
En plus de sa pratique en studio, Boyle enseigne l'art et travaille en tant qu'artiste invité dans diverses institutions, dont la Rhode Island School of Design, la School of Visual Arts et l'université du Michigan.
Mark Boyle est un artiste écossais de l'underground britannique.
Depuis 1985, il forme avec sa femme Joan Hills et leurs enfants Sebastian et Georgia un groupe d'art co-créatif appelé The Boyle Family. La famille Boyle a expérimenté différentes techniques et différents styles. Ils ont notamment réalisé des performances et des événements, des films et des projections, des enregistrements sonores, des photographies, des microphotographies électroniques, des dessins, des assemblages, des peintures, des sculptures et des installations.
Cependant, leur projet à long terme le plus connu reste Journey to the Earth's Surface (Voyage à la surface de la terre), qu'ils ont commencé en 1964 et qui constitue un continuum d'œuvres étranges et intéressantes. Ces peintures - des moulages dessinés très précis, à mi-chemin entre la peinture et la sculpture - sont des recréations minutieuses de sections de la surface de la terre choisies au hasard, en utilisant de la résine et de la fibre de verre, ainsi que des matériaux réels collectés sur le site étudié.
Miguel Rio Branco, de son nom complet Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco, est un photographe, artiste, réalisateur et créateur d'installations multimédias brésilien.
Son père était diplomate et, pendant son enfance, Miguel a vécu en Espagne, au Portugal, en Suisse et aux États-Unis. Il vit et travaille aujourd'hui à Rio de Janeiro, au Brésil. Après avoir obtenu un diplôme de photographie au New York Institute of Photography, Miguel a d'abord travaillé comme caméraman, puis a collaboré avec l'agence Magnum.
Miguel est connu pour avoir exploré et croisé deux formes d'art différentes : la peinture et la photographie. Il a également tourné 14 courts métrages et 8 longs métrages, et il est reconnu internationalement comme l'un des meilleurs photojournalistes en couleur. Les photographies de Miguel Rio Branco font partie des collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art de New York.
Constantin Brâncuși, sculpteur roumain naturalisé français, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, célèbre pour son approche révolutionnaire de la sculpture. Né en 1876 en Roumanie, Brâncuși a fait de Paris son lieu de travail, où il a développé un style distinctif qui a repoussé les frontières de l'art moderne. Son œuvre est marquée par une simplification radicale des formes, cherchant à capturer l'essence plutôt que la représentation littérale des sujets. Cette démarche est particulièrement visible dans ses sculptures emblématiques telles que "L'Oiseau dans l'espace", "La Colonne sans fin", "Le Baiser" et "La Muse endormie", qui sont reconnues pour leur élégance épurée et leur force symbolique.
Brâncuși a été un pionnier de l'abstraction, influençant non seulement la sculpture moderne mais aussi les courants surréalistes et minimalistes. Son travail manuel direct sur la pierre et le métal, préférant la taille directe à la technique plus traditionnelle du modelage, a marqué un tournant dans l'approche sculpturale. Il a suivi ses études à l'École des Beaux-Arts de Bucarest, puis s'est établi à Paris, où il a brièvement travaillé dans l'atelier de Rodin avant de forger son propre chemin.
Le refus par les douanes américaines de reconnaître "L'Oiseau dans l'espace" comme une œuvre d'art en 1926, en raison de son abstraction, a mené à un procès historique qui a finalement établi un précédent important pour la reconnaissance des œuvres d'art non représentatives. Cette affaire a souligné la nature révolutionnaire de l'œuvre de Brâncuși et sa contribution à l'évolution de la compréhension de l'art.
Les œuvres de Brâncuși sont présentes dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'art contemporain. Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de son travail offre des perspectives précieuses sur l'évolution de la sculpture moderne et l'abstraction.
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Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Nick Brandt est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies en noir et blanc d'animaux sauvages et de paysages d'Afrique.
Brandt a commencé sa carrière de photographe en travaillant comme réalisateur de clips musicaux dans les années 1990, avant de se tourner vers la photographie d'art. Son travail dépeint souvent les animaux d'Afrique de manière puissante et émotive, soulignant la beauté et la fragilité de ces créatures et de leurs habitats naturels.
Les photographies de Brandt ont été largement exposées et font partie des collections de nombreux grands musées, dont la National Portrait Gallery de Londres, le Museum of Fine Arts de Houston et le Smithsonian National Museum of African Art de Washington, D.C. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont "On This Earth", "A Shadow Falls" et "Across The Ravaged Land".
Outre ses photographies, M. Brandt est également le fondateur de la Big Life Foundation, une organisation à but non lucratif qui se consacre à la conservation de la faune et des écosystèmes en Afrique de l'Est. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies et son travail de conservation, notamment le prestigieux prix Wildlife Photographer of the Year.
Brassaï, de son vrai nom Gyula Halász, était un artiste et photographe franco-hongrois surtout connu pour son travail de documentation sur les rues de Paris dans les années 1920 et 1930. Il était l'une des figures clés du mouvement surréaliste et son travail continue d'influencer les photographes et les artistes jusqu'à aujourd'hui.
Brassaï s'est installé à Paris dans les années 1920 pour poursuivre une carrière artistique. Il travaille d'abord comme journaliste et commence à prendre des photos pour accompagner ses articles. Cependant, ce sont ses photographies nocturnes de la ville qui lui ont valu une renommée internationale.
Les photographies de Brassaï des rues de Paris la nuit capturent le côté le plus miteux de la ville, notamment ses prostituées, ses bars et ses cabarets. Son travail est connu pour son utilisation d'un éclairage dramatique et d'un fort contraste, qui ont contribué à créer une atmosphère morose et évocatrice.
Outre la photographie, Brassaï était également un peintre et un sculpteur de talent. Il était un ami proche de nombreux artistes et écrivains de premier plan de l'époque, dont Pablo Picasso, Salvador Dalí et Henry Miller.
Les œuvres de Brassaï ont été exposées dans les principaux musées et galeries du monde entier, et ses photographies ont été publiées dans de nombreux livres et magazines. Il a été l'un des photographes les plus influents du XXe siècle et son héritage continue d'inspirer les artistes et les photographes d'aujourd'hui.
Mona Breede est une photographe allemande.
Mona Breede a étudié la photographie à l'École bavaroise de photographie de Munich et à l'École supérieure d'art de Karlsruhe. De 2001 à 2002, elle a enseigné la photographie et le design à la Merkur Akademie de Karlsruhe. Après avoir travaillé quelque temps à Chicago, Mona Breede s'est rendue en 2007 en Asie et en Russie, d'où elle a ramené une série de photographies de Shanghai, Moscou et Saint-Pétersbourg.
Aujourd'hui, la photographe s'intéresse surtout aux lieux et aux personnes. En tant que photographe, Mona Breede a un œil sensible et empathique. Son travail interprète la réalité, la marque et possède un grand pouvoir d'expression.
