Vieux Maître
Lambert Hopfer, un artiste allemand actif durant la première moitié du XVIe siècle, est reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine de la gravure. Bien qu'il soit moins connu que d'autres artistes de son époque, les œuvres de Hopfer démontrent une maîtrise technique et une créativité artistique remarquables.
Il a vécu dans une période où la gravure était en pleine évolution, et son travail reflète les tendances et les innovations de son temps. Ses créations varient, incluant des gravures ornementales et des représentations architecturales, démontrant son habileté à capturer à la fois la complexité des détails et l'élégance des formes.
Les œuvres de Lambert Hopfer sont conservées dans plusieurs collections prestigieuses, y compris le British Museum à Londres et le Metropolitan Museum of Art à New York, où elles continuent d'être étudiées et appréciées pour leur contribution à l'histoire de l'art. Ces institutions offrent un aperçu de son travail et de son importance dans le développement de la gravure au XVIe siècle.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et antiquités, les gravures de Lambert Hopfer représentent un intérêt particulier, non seulement pour leur beauté et leur finesse technique, mais aussi pour leur place dans l'histoire de l'art de la Renaissance.
Giacomo Adolfi était un peintre baroque italien qui a travaillé à Bergame et dans les environs.
Né à Bergame, Giacomo Adolfi était le frère aîné du peintre Ciro Adolfi et a été formé par son père Benedetto Adolfi. Il a exécuté un certain nombre de fresques dans des églises et des bâtiments publics de Bergame, notamment "Le couronnement de la Vierge" pour l'église du couvent del Paradiso et "L'adoration des Mages" pour l'église Sant'Alessandro della Croce à Bergame.
Pieter Aertsen était un peintre néerlandais dans le style du maniérisme nordique. Réputé pour son invention de la scène de genre monumentale, Aertsen a combiné habilement la nature morte avec la peinture de genre et des scènes bibliques en arrière-plan.
Dès les années 1550, Pieter Aertsen a développé la peinture de scènes domestiques, reproduisant avec réalisme et talent des articles de mobilier, des ustensiles de cuisine et de la nourriture. Son œuvre « The Butcher's Shop » (1551) est considérée comme le premier exemple d'inversion de la nature morte dans la peinture nordique. Cette technique picturale, où le matériel de genre domine le premier plan de l'image, s'inspire des peintures d'artistes comme Jan Sanders van Hemessen.
Pieter Aertsen était également connu pour ses peintures de scènes de marché et de tableaux de cuisine, regorgeant de fruits, de poissons, de volailles, de fromage et de pain. Ces œuvres reflètent l'atmosphère commerciale florissante d'Anvers au milieu du XVIe siècle, un centre majeur du commerce mercantile.
Parmi ses élèves notables, on retrouve Stradanus ainsi que ses neveux, Joachim Beuckelaer et Huybrecht Beuckeleer. Beuckelaer a continué et développé le genre initié par Aertsen.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Pieter Aertsen offrent un aperçu unique de l'évolution de la peinture de genre et de nature morte au cours de la Renaissance. Si vous souhaitez rester informé des nouvelles acquisitions, ventes et événements d'enchères liés à Pieter Aertsen, n'hésitez pas à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous permettra de rester à l'avant-garde des opportunités liées à cet artiste innovant.
Francesco Albani, peintre et fresquiste italien, a marqué l'école bolonaise académique de son empreinte indélébile. Né en 1578 à Bologne, il a entamé sa formation artistique à l'âge de 12 ans sous la tutelle de Denis Calvaert avant de rejoindre l'Académie Carracci, où il a reçu ses premières commandes publiques. Son œuvre reflète l'influence significative de Ludovico Carracci et de son ami et collègue, Guido Reni.
Francesco Albani est célèbre pour avoir contribué à l'émergence du style baroque dans la peinture italienne. Ses fresques et ses tableaux de cabinet, petits mais magnifiques, dépeignent des scènes mythologiques et religieuses. Parmi ses travaux notables, citons les fresques du Palais Farnèse à Rome et les fresques pour l'église de San Giacomo degli Spagnoli. Ses œuvres, souvent remplies de chérubins et de cupides, reflètent une douceur lyrique distincte de l'esthétique plus dramatique de ses contemporains.
Après un séjour à Rome, Francesco Albani retourne à Bologne en 1617, où il ouvre un grand atelier et enseigne à de nombreux élèves, y compris son frère Giovanni Battista Albani et le célèbre peintre baroque Andrea Sacchi. Sa popularité et son influence s'étendent bien au-delà de l'Italie, attirant l'attention des collectionneurs et peintres français du XVIIIe siècle, bien que son style soit tombé en désuétude au XIXe siècle.
Les œuvres d'Albani sont exposées dans des musées et galeries prestigieux, comme la Galleria Borghese à Rome et le Musée des Beaux-Arts de Boston. Elles témoignent de son talent exceptionnel et de son importance dans l'histoire de l'art baroque.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre d'Albani offre un aperçu fascinant de l'évolution du baroque italien. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements de vente aux enchères liés à Francesco Albani. Cette inscription vous permettra de rester informé des dernières découvertes et offres concernant ce maître de l'art baroque.
Francesco Allegrini da Gubbio était un peintre italien de la période baroque.
Il était admiré en tant que peintre de batailles. Il a été actif à Rome, Gênes, Savone et Naples. À Rome, il a peint dans les loges du Vatican. Il a également peint dans l'église de San Marco, à Rome, et la chapelle de San Antonio dans l'église de Santi Cosma e Damiano. Il a peint pour la Casa Durazzo à Gênes. À Savone, il a peint pour le Palazzo Gavotti et la cathédrale de Savone.
Martino Altomonte, peintre baroque d'origine italienne mais de descendance autrichienne. Reconnu pour ses œuvres d'art religieuses et ses scènes de bataille, Altomonte a passé la majeure partie de sa carrière en Pologne et en Autriche, marquant profondément le style baroque viennois.
Dès son jeune âge, il a été formé par Giovanni Battista Gaulli à Rome avant de devenir peintre de cour pour Jean III Sobieski, roi de Pologne. Après s'être installé à Vienne vers 1699, Altomonte a continué à enrichir le paysage artistique autrichien avec ses fresques et retables, en développant un style unique qui mélangeait des tons pastels vénitiens avec le clair-obscur napolitain.
Parmi ses œuvres notables, on trouve des fresques au plafond pour la résidence de l'archevêque à Salzbourg en 1709-1710, ainsi que plusieurs retables dans des églises de Vienne entre 1713 et 1715. Ses œuvres majeures incluent également « La Montée au ciel de Marie » (1737) et le « Retable de Saint Michel » à Linz (1738-40).
Altomonte a joué un rôle crucial dans l'introduction et le développement de la peinture baroque à Vienne, influençant non seulement ses contemporains mais aussi les générations futures d'artistes autrichiens.
Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Martino Altomonte, inscrivez-vous à notre newsletter.
Fra Angelico, un peintre italien du début de la Renaissance, demeure une figure emblématique de l'art religieux, reconnu pour sa capacité à fusionner la piété et l'art avec une grâce inégalée. Né Guido di Pietro vers 1395 et décédé en 1455, il fut béatifié par le Pape Jean-Paul II en 1982, soulignant ainsi sa sainteté et son influence spirituelle à travers son œuvre.
Fra Angelico, souvent décrit comme le "frère angélique", a débuté sa carrière artistique en tant qu'illuminateur, travaillant éventuellement aux côtés de son frère Benedetto. Ses premiers travaux notables incluent un retable et un écran peint pour la Chartreuse de Florence, bien que ces œuvres ne soient plus existantes aujourd'hui. Son passage au couvent dominicain de Fiesole a été un tournant, lui permettant d'intégrer pleinement sa foi dans son art. Là, il a créé plusieurs fresques et retables, dont le fameux retable de Fiesole, désormais partiellement conservé à la National Gallery de Londres.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte l'Annonciation et la Madone de l'Humilité, témoignant de son habileté à capturer la spiritualité et l'émotion humaine. Ses fresques au couvent de San Marco à Florence, commissionnées par Cosimo de' Medici, représentent l'apogée de sa carrière, illustrant son innovation artistique et sa profonde compréhension de la perspective et de la composition spatiale.
Fra Angelico a influencé de manière significative l'art de la Renaissance, non seulement à travers ses compositions religieuses qui dépeignent une foi sincère et une profonde humanité mais aussi par son approche novatrice de la représentation spatiale et de la lumière. Ses œuvres sont dispersées dans divers musées et collections à travers le monde, continuant à inspirer et à émouvoir les amateurs d'art, les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères relatifs à Fra Angelico. Cette inscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de posséder une partie de l'héritage de cet artiste remarquable.
Pietro Aquila était un peintre et graveur italien de la période baroque. Il est né à Palerme. Il a encadré son neveu, le graveur Francesco Faraone Aquila. Il se forme à l'école du peintre et graveur de Palerme Pietro del Po et travaille, comme professeur, d'abord chez lui, à Palerme, puis à Naples et à Rome, où il poursuit la carrière ecclésiastique. Pour ses peintures qu'il a laissées à Palerme dans l'église de la Pietà (Parabola del Figlio Prodigo, Abraham et Melchiséde) et dans le cloître de S. Maria delle Vergini (S. Benedetto), ainsi que quelques fresques de la chapelle du Rosaire à S. Cita, il acquiert le statut de « peintre respectable », fidèle à la tradition raphaelesque. Mais Aquila s'est imposé avant tout comme graveur sur cuivre, se consacrant à la diffusion et à la vulgarisation de plusieurs des peintures les plus remarquables à l'aide desquelles étaient ornés les édifices sacrés et profanes de Rome à cette époque. Il réalise des gravures d'après les œuvres de différents artistes qui lui sont chers.
Francesco Faraone Aquila était un graveur italien. En 1690, il s'installe à Rome, où son frère Pietro était déjà graveur dans de grands ateliers de la capitale depuis plusieurs décennies. Le pape Clément XI lui confie une commande qui est restée son œuvre principale : la gravure des bas-reliefs de la colonne Antoninus Pius et de son piédestal. Une autre œuvre importante de Francesco Aquila est la gravure des fresques de la coupole de la cathédrale de Parme par Corrège et la peinture des chambres du Vatican. Suivant le goût antique établi au XVIIIe siècle, Aquila a gravé diverses œuvres de l'époque classique romaine : statues, vases et arcs de triomphe, satisfaisant ainsi la demande des visiteurs étrangers en particulier, principalement allemands et anglais. Les portraits de ses contemporains, peintres ou ecclésiastiques, jouissent également d'une grande popularité.
Giacomo Antonio Arland était un peintre baroque italien. À l'âge de 20 ans, il se rendit à Paris, où il fut patronné par le duc d'Orléans. Il devient célèbre en tant que portraitiste miniaturiste. En 1729, Giacomo Antonio Arland est rentré à Gênes en tant qu'homme riche.
Gioacchino Assereto est un peintre italien de la période baroque, né à Gênes en 1600 et décédé dans la même ville en 1649. Formé dès l'âge de 12 ans auprès de Luciano Borzone et ensuite dans l'atelier de Giovanni Andrea Ansaldo, Assereto s'est illustré comme l'un des peintres d'histoire les plus éminents de Gênes au premier semestre du XVIIe siècle. Son œuvre est marquée par l'influence de Caravage, suite à son séjour à Rome en 1639, se caractérisant par des effets de lumière vibrants et des compositions dramatiques. Assereto est particulièrement reconnu pour ses tableaux religieux et historiques, où il emploie avec brio les techniques du clair-obscur et du sfumato pour introduire drame et émotion.
Parmi ses œuvres notables, on trouve « La Lamentation », peinte en 1640, qui utilise un fond noir et des ombres intenses pour un effet dramatique autour du corps du Christ, et « La Mort de Caton » au Palazzo Bianco de Gênes, montrant l'influence du Caravagisme par l'utilisation de torches et de bougies pour accentuer les émotions violentes. Assereto a également peint des fresques, notamment pour le Palazzo Granello et l'église Sant'Agostino à Gênes, bien que seuls des fragments aient survécu.
Son œuvre « Esau vend son droit d'aînesse », vers 1645, expose un réalisme sobre et une tension psychologique délicate entre les personnages, rappelant les travaux de Velázquez et Murillo. Ce tableau est également conservé au Palazzo Bianco à Gênes. Ses dernières créations sont souvent caractérisées par une représentation des figures en trois quarts, soulignant un réalisme empreint de gravité et de beauté.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités passionnés par l'œuvre de Gioacchino Assereto et son impact sur l'art baroque, il est possible de découvrir ses tableaux dans divers musées et collections publiques, comme le Palazzo Bianco à Gênes, la National Gallery à Londres, et d'autres institutions à travers le monde.
Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à Gioacchino Assereto, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous permettra de recevoir des informations exclusives sur les opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable du baroque italien.
Hendrick Avercamp était un peintre néerlandais célèbre pour ses représentations de paysages hivernaux durant l'Âge d'or hollandais. Né à Amsterdam en 1585, il a été formé par Pieter Isaacsz, un peintre de portraits danois. Hendrick Avercamp, surnommé "le Muet de Kampen" en raison de son incapacité à parler et probablement sourd, a vécu une grande partie de sa vie à Kampen, où son père était apothicaire.
Hendrick Avercamp est connu pour avoir été parmi les premiers artistes néerlandais à se spécialiser dans les scènes hivernales, ses tableaux étant grandement admirés et se vendant à des prix élevés de son vivant. Ses œuvres présentent une riche diversité d'activités humaines et animales durant les hivers rigoureux, avec une attention particulière aux détails et une utilisation subtile de la couleur pour créer une unité dans ses compositions. Il a été influencé par les peintres flamands de paysages maniéristes de son époque, notamment par les œuvres de Pieter Bruegel l'Aîné.
Ses tableaux étaient composés en atelier à partir de dessins aquarellés minutieusement observés, et il utilisait la technique de la perspective aérienne pour donner une impression de profondeur. Hendrick Avercamp a produit environ une centaine de peintures, dont la majorité peut être vue au Rijksmuseum d'Amsterdam et au Mauritshuis à La Haye. Ses peintures étaient appréciées non seulement pour leur qualité artistique mais aussi car elles représentaient le paysage et la vie de la jeune République des Provinces-Unies des Pays-Bas.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, et particulièrement les collectionneurs, les œuvres d'Avercamp offrent un aperçu fascinant de la culture et de l'histoire néerlandaises de l'époque. Sa capacité à capturer les moindres détails de la vie quotidienne dans ses paysages hivernaux offre une fenêtre unique sur une période importante de l'histoire de l'art.
Pour rester informé des dernières nouvelles et opportunités liées à Hendrick Avercamp, notamment les ventes de produits et les événements de vente aux enchères, l'inscription à notre newsletter est recommandée. Cela garantira l'accès aux informations les plus récentes sur cet artiste exceptionnel.
Jacob Adriaensz Backer était un peintre néerlandais du Siècle d'or. Il a produit environ 140 œuvres en vingt ans, allant des portraits à des sujets religieux et mythologiques, démontrant l'influence de maîtres tels que Wybrand de Geest, Pierre Paul Rubens et Abraham Bloemaert. Backer est également connu pour ses dessins de nus masculins et féminins, illustrant sa polyvalence et son talent dans divers genres artistiques.
Particulièrement reconnu pour sa rapidité exceptionnelle dans l'exécution de portraits, Backer a été capable de réaliser des portraits complets en une journée, ce qui lui a valu une grande demande parmi l'élite d'Amsterdam. Cette efficacité, couplée à une technique de peinture humide sur humide, a contribué à sa renommée et à son succès commercial durant sa carrière.
Parmi ses œuvres notables, on retrouve le portrait présumé de Saskia van Uylenburgh conservé au Musée National de Varsovie, ainsi que la grande œuvre allégorique « Le Couronnement de Mirtillo » au Musée National Brukenthal à Sibiu, et le portrait de groupe de la Compagnie de Cornelis de Graeff, exposé à côté de la célèbre « Ronde de nuit » de Rembrandt au Rijksmuseum d'Amsterdam.
Backer a également laissé un héritage pédagogique, formant plusieurs peintres talentueux à Amsterdam, y compris Abraham van den Tempel et son propre neveu, Adriaen Backer, continuant ainsi à influencer la peinture néerlandaise après sa mort prématurée en 1651.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'influence de Jacob Adriaensz Backer, une exposition majeure de son travail a été présentée au Rembrandthuis, offrant un aperçu complet de son apport à l'art du Siècle d'or néerlandais.
Nous invitons les collectionneurs et les experts en art et antiquités à s'inscrire à nos mises à jour pour rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Jacob Adriaensz Backer. Cette inscription vous assurera de ne pas manquer les dernières nouvelles et opportunités concernant l'œuvre de ce peintre emblématique du Siècle d'or.
Elias Baeck dit «Heldenmuth», était un peintre et graveur allemand originaire d'Augsbourg. Baeck travailla quelque temps à Rome, puis à Laybach, mais revint finalement à Augsbourg, où il mourut en 1747. Ses principales œuvres, tant en peinture qu'en gravure, furent des portraits et des paysages. Ses gravures sont parfois signées « E.B.a.H. », signifiant « Elias Baeck, alias Heldenmuth ».
Hans Baldung, né vers 1484 à Schwabisch-Gmünde, en Allemagne, et mort à Strasbourg, en France, en 1545, est un artiste allemand de la Renaissance connu pour son travail de peintre, de graveur et de dessinateur. Élève très talentueux d'Albrecht Dürer, Baldung a développé un style distinctif marqué par une tendance individualiste souvent associée au maniérisme. Il a vécu et travaillé dans plusieurs villes, dont Fribourg et Strasbourg, où il a réalisé de nombreuses œuvres, dont le maître-autel de la cathédrale de Fribourg, considéré comme son chef-d'œuvre.
Baldung était également fasciné par les thèmes de la sorcellerie, de la mort et des relations entre les sexes, et fut le premier artiste allemand à intégrer largement ces thèmes, y compris les thèmes érotiques, dans son œuvre. Son intérêt pour la sorcellerie a été en partie inspiré par le contexte humaniste de Strasbourg au début du XVIe siècle, une ville où l'étude de la sorcellerie était prise au sérieux. Malgré le ton satirique de certaines de ses œuvres, Baldung a également produit des images plus sérieuses qui reflètent la fascination de son époque pour la sorcellerie et le surnaturel.
Ses œuvres, très expressives, s'inscrivent dans la tradition de Grünewald et se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art de la Renaissance.
Pour les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, l'œuvre de Hans Baldung offre un aperçu fascinant de l'intersection de la culture, de la religion et de la superstition au début de la Renaissance allemande. Sa maîtrise technique combinée à son exploration audacieuse de sujets séculaires et religieux font de ses peintures, gravures et dessins des objets de collection recherchés.
Pour être tenu au courant des dernières ventes et événements liés à Hans Baldung, nous vous invitons à vous abonner à nos mises à jour. Cet abonnement vous garantit un accès exclusif à des informations sur les œuvres rares et précieuses de cet artiste remarquable.
Giovanni Francesco Barbieri, dit Guercino, est un peintre et dessinateur italien baroque de l'école de Ferrare, actif à Rome et Bologne. Il est l'oncle de Benedetto Gennari le Jeune, lui-même petit-fils de Benedetto Gennari dit Seniore.
Federico Barocci, peintre et graveur italien de la Renaissance tardive, se distingue par son style unique qui préfigure le Baroque. Né vers 1535 à Urbino, une ville de l'Italie du Nord-Est, Barocci s'est immergé dans une culture riche en érudition et en art. Il est surtout connu pour son usage innovant de la lumière et sa sensibilité dans la capture de figures expressives et vivantes.
Sa carrière débute à Urbino, mais c'est lors de ses séjours à Rome qu'il développe pleinement son style. Malgré une tentative d'empoisonnement qui le conduit à un état de santé fragile, Federico Barocci continue de créer des œuvres remarquables depuis Urbino pour le reste de sa vie. Ses altarpieces, en particulier, démontrent un dynamisme et une utilisation de la couleur qui influencent fortement le mouvement Baroque.
Federico Barocci est reconnu pour ses tableaux religieux et ses portraits, dont beaucoup se trouvent dans des musées prestigieux. Ses œuvres les plus célèbres incluent « Le Martyre de Saint Sébastien » (Cathédrale d'Urbino), « La Déposition » (Cathédrale de Pérouse), et « La Madonna del Popolo » (Galerie des Offices, Florence). Ses dessins, souvent réalisés en pastel, reflètent une maîtrise et une inventivité exceptionnelles.
Sa contribution à l'art n'est pas seulement mesurée par ses œuvres, mais aussi par son influence sur d'autres artistes, notamment le peintre flamand Pierre Paul Rubens et le sculpteur romain Gian Lorenzo Bernini. Barocci a su combiner les influences de Raphaël, Titien et Correggio pour créer une œuvre profondément originale et émotive.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Federico Barocci reste un témoignage éloquent de la transition de la Renaissance au Baroque. Ses tableaux ne sont pas seulement des pièces historiques, mais des exemples vibrants de l'innovation artistique.
Pour rester informé des nouvelles ventes et événements d'enchères liés à Federico Barocci, inscrivez-vous à nos mises à jour. Nous vous promettons des informations pertinentes sans superfluité, centrées exclusivement sur Federico Barocci et son héritage artistique.
Fra Bartolomeo fut un peintre italien emblématique de la Renaissance. Sa spécialisation dans la peinture religieuse et son appartenance à l'ordre dominicain après 1500 marquent son œuvre d'une spiritualité profonde.
Dès son jeune âge, Bartolomeo se forme auprès de Cosimo Rosselli et collabore étroitement avec Mariotto Albertinelli. Influencé par les œuvres de Leonardo da Vinci, il adopte une composition et une tonalité similaires dans ses propres créations, comme dans son "Adoration" conservée à la Galleria Borghese à Rome.
Le début des années 1500 marque un tournant dans sa carrière. Sous l'influence du prédicateur Savonarola, il renonce temporairement à la peinture et entre dans un monastère. Il reprend son art en 1504, enrichi de nouvelles inspirations, notamment après sa rencontre avec Raphaël. Cette période se caractérise par des œuvres plus lumineuses et une coloration influencée par le colorisme vénitien.
Les voyages de Bartolomeo, notamment à Venise et à Rome, influencent grandement son style, qui gagne en mouvement et en monumentalité. Parmi ses œuvres majeures, citons le "St. Mark Evangelist" au Palazzo Pitti de Florence et sa dernière œuvre, un fresque de "Noli me tangere".
Fra Bartolomeo n'est pas seulement reconnu pour ses peintures, mais aussi comme l'un des plus grands dessinateurs de son époque. Son intérêt pour les études détaillées de draperies et de figures est notable, notamment dans ses dessins conservés dans des albums au Musée Boijmans Van Beuningen.
Ce maître de la Renaissance italienne laisse derrière lui un héritage artistique indélébile, marquant profondément la culture et l'histoire de l'art. Ses œuvres sont aujourd'hui présentes dans de nombreux musées à travers le monde, témoignant de son influence et de son talent exceptionnel.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Fra Bartolommeo représente un pan crucial de l'histoire de l'art. Si vous souhaitez rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Fra Bartolomeo, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ce sujet.
Johann Wolfgang Baumgartner est un peintre et un graveur à l'eau-forte rococo austro-allemand.
La peinture du plafond dans le Sanctuaire de la Sainte Croix des anciennes Montagnes Klosters est considérée comme son œuvre la plus grande et la plus importante.
Osias Beert l'Ancien, né vers 1580 et décédé en décembre 1623, était un peintre flamand actif à Anvers, connu pour son rôle pionnier dans le développement des natures mortes de fleurs et des scènes de « petit-déjeuner » comme genres indépendants dans l'art nord-européen. Son œuvre, marquée par une technique de vitrification sur des panneaux de chêne, se distingue par l'utilisation de couches superposées d’huile très fluide, permettant d'atteindre une transparence et une grande variété de couleurs. Bien que le symbolisme ne soit jamais explicitement présent, certains éléments comme les feuilles mangées par les vers ou les papillons peuvent évoquer la vanité des biens terrestres.
Beert est considéré comme un précurseur dans le développement de la nature morte et, bien que longtemps méconnu, a été redécouvert en 1938, suscitant un nouvel intérêt parmi les collectionneurs pour ce genre. Ses œuvres les plus remarquables incluent des natures mortes richement détaillées, comme celles visibles au Staatsgalerie à Stuttgart, au Musée national de Yerevan, aux Musées royaux des beaux-arts de Belgique à Bruxelles, et au Musée du Prado en Espagne.
Beert a également influencé de nombreux artistes, tant anversois qu'étrangers, dont son neveu Frans Ykens, Jacob van Es, et Jacob van Hulsdonck, marquant ainsi de son empreinte le développement ultérieur de la nature morte dans l'art flamand et au-delà. Sa technique et son style, caractérisés par un point de vue élevé et une arrangement compact des objets dans ses compositions tardives, ont contribué à une meilleure cohérence spatiale et à une quasi-géométrie dans la disposition des éléments.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre d'Osias Beert l'Ancien et souhaitent recevoir des mises à jour sur les nouvelles découvertes, ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste, l'inscription à des newsletters spécialisées offre une opportunité unique d'explorer plus avant l'univers fascinant de ce maître de la nature morte.
Giovanni Battista Beinaschi, peintre et graveur italien du XVIIe siècle, est une figure emblématique du style baroque, reconnu pour son œuvre dramatique et théâtrale influencée par le Caravage. Né près de Turin, il a été formé par Esprit Grandjean avant de s'installer à Rome puis à Naples, où il a laissé une empreinte indélébile grâce à ses fresques et ses tableaux d'autel. Parmi ses œuvres notables, citons l'Annunciation, la Crucifixion, et la fresque de San Filippo Neri à Naples, ainsi que des œuvres dans diverses autres villes européennes comme le pianto di San Pietro à Gênes et le sacrifice d'Abraham à Brest.
Beinaschi était connu pour son style pictural qui privilégiait une fusion chromatique et un pictorialisme robuste, se démarquant ainsi de ses contemporains par une lumière caravagesque et un dynamisme scénique. Son influence a été durable, notamment à Naples où ses fresques décorent encore aujourd'hui les églises de la ville. Beinaschi a aussi laissé un héritage familial avec une fille, Angela, également peintre, bien que peu de ses œuvres soient connues aujourd'hui.
Son « Martyrdom of Saint Peter » est considéré comme son chef-d'œuvre, longtemps attribué à Jusepe de Ribera avant d'être correctement reconnu comme l'œuvre de Beinaschi. Ce tableau illustre parfaitement le drame et l'intensité caractéristiques de son approche artistique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Beinaschi offre un aperçu captivant d'un artiste baroque qui a su naviguer et influencer les scènes artistiques de Rome et Naples. Son œuvre, marquée par une intensité émotionnelle et une maîtrise technique, continue d'attirer l'attention et l'admiration.
Pour rester à jour sur les ventes et les événements d'enchères liés à Giovanni Battista Beinaschi, inscrivez-vous à notre newsletter. Cette inscription vous assure des informations à jour sur les opportunités d'acquérir des pièces liées à cet artiste remarquable.
Giovanni Bellini était un peintre de la Renaissance italienne, célèbre pour son approche novatrice de la peinture à l'huile et sa maîtrise de la lumière et de la couleur, qui a profondément influencé l'art de son époque. Né à Venise vers 1430 et décédé dans la même ville en 1516, Bellini a joué un rôle clé dans le développement de l'école vénitienne de peinture. Ses œuvres sont réputées pour leur profondeur émotionnelle et leur naturalisme, marquant une transition importante dans l'art de la Renaissance vers une représentation plus réaliste et expressive des figures et des paysages.
Bellini a réalisé plusieurs retables majeurs pour des églises, explorant des thèmes religieux avec une sensibilité nouvelle et une attention particulière au détail. Parmi ses œuvres notables, on trouve l'altarpiece de San Zaccaria, qui est considéré comme l'un de ses chefs-d'œuvre, illustre parfaitement sa capacité à créer une atmosphère de tranquillité et de piété grâce à une composition harmonieuse et à une utilisation subtile de la lumière.
Au fil de sa carrière, Bellini a également évolué vers des scènes mythologiques plus naturalistes et a adopté une approche plus érotique des figures féminines, suivant ainsi les tendances de l'art de la Renaissance du début du XVIe siècle. Son tableau "Le Festin des Dieux" est un exemple éclatant de cette évolution, offrant une vision lumineuse et enjouée de la mythologie, désormais conservé à la National Gallery of Art de Washington.
En plus de ses contributions directes à l'art de la Renaissance, l'influence de Bellini s'est étendue à travers ses élèves, parmi lesquels figurent des artistes majeurs comme Giorgione et Titian, contribuant ainsi à façonner l'avenir de la peinture vénitienne. Ses techniques innovantes en matière de couleur et de lumière ont posé les bases d'une révolution dans l'histoire de l'art européen, changeant le cours de la peinture vénitienne et assurant sa place parmi les plus grands maîtres de la Renaissance.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités désireux de rester informés des dernières découvertes et événements liés à Giovanni Bellini, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères relatifs à cet artiste emblématique. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'actualité autour de l'œuvre de Bellini, enrichissant ainsi votre appréciation et votre connaissance de cet artiste remarquable de la Renaissance.
Antonio Bellucci était un peintre italien de la période baroque tardive, né à Venise en 1654 et décédé à Soligo en 1726. Formé initialement par Domenico Difnico à Šibenik, dans la Dalmatie vénitienne, Bellucci a travaillé à Venise dès 1675. Il est connu pour ses œuvres influencées par des artistes comme Andrea Celesti et Luca Giordano, combinant des éléments ténébristes à ses débuts avec une évolution vers un style baroque plein de vie et de raffinement pictural. Ses travaux sont caractérisés par une utilisation habile des effets de clair-obscur et un rendu virtuose des étoffes.
Antonio Bellucci a eu une carrière internationale notable, travaillant en Autriche, en Allemagne, et en Angleterre, où ses œuvres ont été particulièrement appréciées pour leur exubérance et leur élégance. Parmi ses contributions majeures, on note les plafonds allégoriques du Palais Liechtenstein à Vienne pour Charles VI et ses fresques pour l'église de Great Witley en Angleterre. Il a également influencé d'autres artistes, dont Antonio Balestra et Jacopo Amigoni furent ses élèves.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, telles que le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l'église San Pietro di Castello à Venise, et le Palazzo Storm à Bassano del Grappa. Le Ca' Rezzonico à Venise abrite également plusieurs de ses peintures, témoignant de son importance dans l'art vénitien de son époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Antonio Bellucci représente un exemple remarquable de la transition du baroque vers le rococo, reflétant l'évolution des goûts et des influences artistiques de son temps.
Si vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Antonio Bellucci, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres et opportunités d'acquisition en lien direct avec ce maître de la peinture baroque.
Giulio Benso est un peintre italien du xviie siècle se rattachant au courant baroque de l'école génoise. Giulio Benso eut l'opportunité d'accomplir sa formation artistique sous la protection d'un important mécène génois, Giovanni Carlo Doria. Il travailla surtout en Ligurie, entre Gênes et Pieve de Teco, mais sa renommée, rapidement conquise, le fit désirer même à l'étranger. Dans les ans 1640, il réalisa son chef-d'œuvre : ses fresques au presbytère et dans l'abside de la Basilica della Santissima Annunziata del Vastato. Les œuvres tardives de Benso se caractérisent par des détails soignés en particulier dans la peinture des drapés des personnages.
Ambrosius Benson est un peintre flamand d'origine lombarde.
Les œuvres de Benson ont beaucoup de caractéristiques stylistiques en commun avec celles de Jan Provost et d'Adriaen Isenbrant. Les trois sont restés fidèles aux sujets gothiques flamands et à l'exécution méticuleuse, mais ils ont introduit des nouveautés italiennes. On reconnaît les figures de Benson généralement par leurs teints légèrement rougeâtres, leur nez droit et leurs longs doigts.
Gerrit Adriaenszoon Berckheyde est un peintre flamand de l'École hollandaise du XVIIe siècle. Il est célèbre pour ses peintures des canaux d'Amsterdam.
Il est le frère cadet du peintre Job Berckheyde (1630-1693).
Isidoro Bianchi appelé aussi Isidoro da Campione est un peintre italien baroque du xviie siècle. Il a étudié auprès de Pietro Francesco Mazzuchelli. Il a excellé dans la peinture de fresques dans la Basilique de Sant'Ambrogio à Milan et dans diverses églises à Côme. Le duc de Savoie Charles-Emmanuel a fait appel à ses services afin de terminer un grand salon à Rivoli resté inachevé à la mort de Mazzuchelli. Bianchi a ensuite été fait peintre de la Cour et a été anobli en 1631.
Jacob Biltius ou Jacobus Biltius était un peintre néerlandais de natures mortes, originaire de La Haye, qui a travaillé dans divers endroits, notamment à La Haye, Amsterdam, Maastricht, Anvers, Leeuwarden et Bergen op Zoom. Il était connu pour ses natures mortes de gibier, ses natures mortes de cuisine et ses natures mortes en trompe-l'œil.
Jakob Binck / Bink, ou Jacob Bink, est un peintre, graveur aquafortiste et médailleur. Jakob Binck est parfois présenté comme un élève d'Albrecht Dürer. Cependant aucun document d'archive ne confirme cet assertion. Il en est de même de son hypothétique séjour dans l'atelier de Marcantonio Raimondi à Rome. Classé partie des Kleimeister, ou Petits maîtres allemands, il est l'auteur de nombreuses gravures : 240 estampes lui sont aujourd'hui attribuées. Il se rend à Copenhague en 1533 et rentre au service du roi Christian III du Danemark. Il se rend en Suède en 1541 pour réaliser le portrait du roi Gustave Vasa. En 1547, il est engagé par le duc Albert de Prusse. Celui-ci l'envoie en 1549 à Anvers pour superviser la réalisation par Cornelis Floris d'une épitaphe que le duc souhaite dédier à sa défunte première épouse. En 1550, il est envoyé à Holstein pour un projet de construction d'une forteresse. Il voyage ensuite au Danemark, se rend à Lübeck et même en Finlande. L'identification de ses estampes n'est pas toujours facile car près d'un tiers de ses réalisations sont des copies de maîtres. Son monogramme, qu'il ne faut pas confondre avec celui du Monogrammiste IB, est formé de la réunion des lettres ICB.
Thomas Blanchet, peintre français du XVIIe siècle, est célèbre pour son art qui traverse les frontières de la peinture pour embrasser également l'architecture et la sculpture. Son œuvre témoigne d'une diversité remarquable, reflétant son talent dans divers domaines artistiques. Blanchet est particulièrement reconnu pour sa capacité à concevoir des décors éphémères spectaculaires pour les fêtes lyonnaises, illustrant ainsi son ingéniosité et sa créativité débordantes. Ces réalisations comprennent des décors pour les feux de la Saint-Jean et les entrées solennelles à Lyon, mettant en scène des collaborations fructueuses avec d'autres artistes de son époque.
Au-delà de son travail éphémère, Blanchet a laissé un héritage durable à travers ses contributions majeures à des projets d'envergure, tels que le décor du réfectoire du Palais Saint-Pierre et des fresques au collège de la Trinité, désormais le collège Ampère. Son rôle de maître d'œuvre pour le chantier de l'Hôtel de ville de Lyon souligne son importance dans l'histoire de l'art français, faisant de lui une figure centrale de la scène artistique lyonnaise du XVIIe siècle.
Parmi ses œuvres notables, on trouve « Moïse sauvé des eaux », une peinture qui reflète la maîtrise de Blanchet dans la représentation de scènes bibliques complexes avec une profondeur émotionnelle et narrative. Cette œuvre est particulièrement appréciée pour sa capacité à évoquer l'affectivité et la cohérence à travers la composition et l'expression des personnages.
Enfin, les œuvres d'architecture de Blanchet, telles que le Nymphée d'Ombreval, démontrent son talent diversifié et sa capacité à influencer l'environnement architectural de son époque. Son travail a non seulement enrichi le patrimoine artistique de la France mais continue également d'inspirer et d'émerveiller les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art et l'histoire de la peinture française, s'abonner aux mises à jour sur Thomas Blanchet offre une opportunité unique de découvrir des ventes de produits et des événements d'enchères liés à ce maître. Cette souscription est une invitation à explorer davantage l'univers de Blanchet et à s'immerger dans le riche héritage culturel qu'il a laissé derrière lui.
Cornelis Bloemaert, également connu sous le nom de Cornelis Bloemaert II ou Cornelis Bloemaert le Jeune, était un peintre et graveur néerlandais du Siècle d'Or. Il a commencé sa carrière artistique en tant que peintre, étudiant auprès de son père et de Gerrit van Honthorst. Cependant, il se concentre principalement sur la gravure, créant des portraits et des scènes religieuses. Bloemaert s'est rendu à Paris puis s'est installé à Rome, où il est devenu membre du groupe artistique Bentvueghels. Ses gravures, connues pour leurs riches nuances et leurs belles valeurs, comprenaient des œuvres d'artistes célèbres comme le Caravage, Rubens, Titien, Raphaël et Pietro da Cortona. Il a joué un rôle important dans la transition vers un style de gravure plus moderne.
Jan Boeckhorst ou Johann Bockhorst était un peintre et dessinateur baroque flamand d'origine allemande. Il était un artiste polyvalent qui a produit des peintures d'histoire, des scènes de genre et des portraits dans un style influencé par le trio des principaux peintres baroques d'Anvers Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck et Jacob Jordaens. Boeckhorst a également travaillé comme dessinateur de cartons pour des tapisseries.
Schelte Adams Bolswert, Schelte à Bolswert ou Scheltius à Bolswert est un graveur néerlandais, notable pour ses œuvres d'après Rubens et Van Dyck. Lui et son grand-frère Boëtius travaillent à Amsterdam et Haarlem avant de s'installer à Anvers. Lors de ses cinq dernières années, Boëtius travaille exclusivement sur des gravures d'après Rubens. Les plaques de Bolswert ont entièrement été travaillées au burin et ne semble pas avoir utilisé la pointe sèche.
Louis-Marin Bonnet était un graveur, peintre et éditeur d'imprimerie français associé au style rococo. Il a développé la « manière de pastel », une technique de gravure dérivée du dessin au crayon. L'habileté et le savoir-faire de Bonnet ont été démontrés dans ses gravures, en particulier dans son impressionnante reproduction de la « Tête de Flore » de François Boucher. Pour présenter son invention, Bonnet écrivit un traité intitulé « Le Pastel en gravure », qui détaillait le processus d'impression et reçut la reconnaissance du marquis de Marigny et du roi. Les gravures ultérieures de Bonnet simplifièrent le processus en raison de leur nature coûteuse et délicate. Il fut l'élève de Jean-Charles François et de Demarteau, et ses œuvres se trouvent dans les collections publiques.
Luciano Borzone était un peintre italien de la fin du maniérisme et du début du baroque, travaillant principalement à Gênes. Après un apprentissage auprès de Filippo Bertolotto, son oncle, le duc Alberigo de Massa Lunigiana, a parrainé son travail en tant qu'élève de Cesare Corte.
Luciano Bordzone était un excellent portraitiste. À Gênes, il a peint la Purification pour l'église de San Domenico et le Baptême du Christ pour l'église de Santo Spirito.
Hieronymus Bosch, né vers 1450 à 's-Hertogenbosch dans le Duché de Brabant (aujourd'hui aux Pays-Bas) et mort dans cette même ville le 9 août 1516, est considéré comme l'un des peintres les plus originaux et influents de la Renaissance nordique. Artiste à la vision profondément individuelle, Bosch est célèbre pour ses représentations fantastiques et souvent énigmatiques du bien et du mal, de la tentation et du péché, du paradis et de l'enfer. Ses œuvres, peuplées de créatures étranges et de paysages oniriques, continuent de fasciner par leur complexité iconographique et leur richesse en détails.
La majorité de sa vie s'est déroulée dans sa ville natale, 's-Hertogenbosch, où il a été activement impliqué dans la confrérie de Notre-Dame, un indice de son statut respecté au sein de la communauté. Malgré la popularité de Bosch de son vivant, peu de détails de sa vie personnelle et de sa formation artistique nous sont parvenus. On estime que Bosch a produit au moins seize triptyques, parmi lesquels «Le Jardin des délices» se distingue comme son œuvre la plus célèbre. Ce triptyque, aujourd'hui exposé au Musée du Prado à Madrid, est un exemple éblouissant de son talent à illustrer des scènes complexes et allégoriques explorant les thèmes du péché et de la rédemption, du paradis et de l'enfer.
Bosch est souvent décrit comme un moraliste pessimiste, dont l'œuvre ne manque ni d'humour ni de satire. Ses tableaux, tels que «Le Chariot de foin» et «La Tentation de Saint Antoine», révèlent un intérêt profond pour la nature humaine, ses vices et ses tentations. Le caractère unique de son art réside dans sa capacité à combiner des éléments religieux et folkloriques, créant ainsi des œuvres qui dépassent la simple narration biblique pour toucher à l'universel.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, Bosch offre un champ d'exploration sans fin, ses œuvres étant des énigmes visuelles pleines de significations cachées et de symboles à déchiffrer. Son influence se ressent dans les générations suivantes d'artistes, notamment chez Pieter Bruegel l'Aîné, qui a poursuivi dans la veine des paysages peuplés de personnages et de créatures fantastiques.
Nous invitons les amateurs d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hieronymus Bosch. Cette souscription vous garantit l'accès aux dernières informations et découvertes concernant cet artiste emblématique, dont l'œuvre continue d'inspirer et de fasciner.
Johannes Bosschaert était un peintre néerlandais de l'âge d'or, membre de la famille Bosshaert d'artistes floraux. Il était membre de la guilde de Saint-Luc à Haarlem et Dordrecht. Son sujet de prédilection sont les vases avec de luxuriants bouquets de fleurs.
Ambrosius Bosschaert l'Ancien, né le 18 janvier 1573 à Anvers et décédé en 1621 à La Haye, était un peintre néerlandais et flamand, pionnier de la peinture de nature morte florale comme genre indépendant. Sa carrière, principalement située à Middelburg, fut marquée par la création de compositions florales détaillées, peintes avec une précision scientifique et une harmonie de couleurs remarquables. Bosschaert est reconnu pour avoir établi la peinture florale en tant que genre distinct dans l'art néerlandais, plaçant ses œuvres au même niveau que celles de son contemporain Jan Brueghel l'Ancien.
La famille Bosschaert, ayant fui Anvers pour échapper à la persécution religieuse, s'est installée à Middelburg où Ambrosius a rejoint la guilde de Saint-Luc et est devenu un membre éminent de la communauté artistique locale. Il a eu trois fils et un beau-frère, Balthasar van der Ast, tous formés par lui et devenus peintres de fleurs, perpétuant ainsi le style distinctif de Bosschaert jusqu'au milieu du XVIIe siècle.
Les bouquets de Bosschaert étaient peints symétriquement et comportaient souvent des significations symboliques et religieuses, mettant en vedette des fleurs rares et exotiques dans des arrangements minutieusement équilibrés. Bien qu'il ait également été marchand d'art, la production artistique de Bosschaert n'était pas massive, mais elle commandait des prix élevés, reflétant la haute demande pour ses œuvres détaillées et colorées.
Ses œuvres sont présentes dans plusieurs collections importantes à travers le monde, telles que le Hallwyl Museum à Stockholm et le Mauritshuis à La Haye, démontrant la capacité de Bosschaert à capturer la beauté éphémère des fleurs avec une intensité qui continue d'influencer le genre de la peinture florale néerlandaise.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités fascinés par l'œuvre d'Ambrosius Bosschaert l'Ancien, s'inscrire à des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce maître de la peinture florale est une excellente manière de rester informé. Cette souscription offrira un accès exclusif à des informations précieuses sur les nouvelles découvertes et les opportunités d'acquisition d'œuvres de cet artiste emblématique du début du XVIIe siècle.
Jan Dirksz Both était un peintre, dessinateur et graveur néerlandais, reconnu pour son apport significatif au développement de la peinture de paysage italienisante néerlandaise. Originaire d'Utrecht et frère d'Andries Both, il a d'abord appris la peinture auprès de son père, un peintre sur verre, avant de devenir élève d'Abraham Bloemaert. Plus tard, les frères Both se sont rendus à Rome, où Jan s'est concentré sur les paysages dans le style de Claude Lorrain, contribuant même à un projet pour le palais Buen Retiro à Madrid.
Jan Both est particulièrement célèbre pour ses paysages expansifs et imaginaires baignés d'une lumière dorée méditerranéenne, tels que « Landscape with Bandits Leading Prisoners » (Musée des Beaux-Arts, Boston) et « Judgement of Paris » (National Gallery, Londres), ce dernier intégrant des figures peintes par Cornelis van Poelenburch, un artiste d'Utrecht. Après un séjour à Rome avec son frère Andries, Jan Both est retourné à Utrecht vers 1646, où il a continué à affiner son style caractéristique. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques à travers le monde, notamment au Fitzwilliam Museum à l'Université de Cambridge, au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, au Kunsthistorisches Museum à Vienne, au Louvre à Paris, au Mauritshuis à La Haye, et bien d'autres.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Jan Dirksz Both offre un aperçu fascinant de la fusion entre les techniques de paysage néerlandaises et les influences italiennes de la Renaissance. Ses contributions au paysage italienisant constituent un héritage précieux dans l'histoire de l'art.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Jan Dirksz Both, afin de ne pas manquer l'opportunité d'acquérir des œuvres de ce maître de la peinture paysagère italienisante.
Sandro Botticelli était un peintre italien de la Renaissance précoce, connu pour la grâce linéaire de ses œuvres qui représentaient la transition entre le gothique tardif et la peinture de la Renaissance. Né Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi vers 1445 à Florence, il fut un maître indépendant dès les années 1470, période au cours de laquelle sa réputation s'est considérablement accrue. Les années 1480 marquèrent le sommet de son succès, période durant laquelle il acheva ses peintures mythologiques les plus célèbres, telles que "La Naissance de Vénus" et "Le Printemps", toutes deux exposées à la Galerie des Offices à Florence. Ces œuvres sont aujourd'hui considérées comme emblématiques de l'esprit de la Renaissance, malgré leur écart avec le naturalisme caractérisant d'autres peintres de la Renaissance.
Botticelli a vécu toute sa vie dans le même quartier de Florence, à l'exception de courts séjours à Pise et à Rome, où il travailla notamment dans la Chapelle Sixtine. En dépit de son succès initial, la dernière partie de sa carrière fut marquée par un changement de style sous l'influence du prédicateur Savonarola, conduisant à une préférence pour l'art dévotionnel et une simplification stylistique. Malheureusement, à la fin de sa vie, Botticelli était presque oublié et mourut en 1510 dans l'indigence.
L'œuvre de Botticelli, notamment sa capacité à mélanger les thèmes mythologiques avec un style élégant et une expression émotionnelle intense, le distingue comme une figure importante de la Renaissance italienne. Ses peintures sont caractérisées par l'utilisation de la perspective et des plans de vue pour créer une qualité presque irréelle, soulignant l'importance allégorique ou dévotionnelle de ses sujets. Cette approche a non seulement défini son œuvre, mais a également influencé les générations futures d'artistes.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de Botticelli offre un aperçu précieux de la transition entre les périodes artistiques et souligne l'importance de la culture et de l'artiste dans le développement de l'art européen. Ses œuvres continuent d'inspirer et de captiver, témoignant de son génie indéniable.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Sandro Botticelli. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres liées à ce maître de la Renaissance.
Paul Bril, un peintre et graveur flamand, s'est illustré dans l'art du paysage. S'établissant à Rome en 1575, Paul Bril a révolutionné la peinture de paysage en y intégrant une observation minutieuse de la nature et une maîtrise de la perspective aérienne. Son passage du maniérisme flamand à un style plus doux et ouvert reflète une influence mutuelle avec les artistes italiens, notamment Annibale Carracci.
Ses œuvres, souvent peintes sur cuivre ou sur panneau, dépeignent des scènes animées par des chasseurs ou des motifs mythologiques, témoignant d'une remarquable attention au détail et à la lumière. Paul Bril a également contribué à l'évolution du paysage en tant que genre indépendant, marquant ainsi des artistes tels que Claude Lorrain et Agostino Tassi. Devenu directeur de l'Accademia di San Luca en 1621, Bril a joué un rôle clé dans le milieu artistique romain jusqu'à sa mort.
Inscrivez-vous pour découvrir plus sur Paul Bril et restez informés des dernières ventes et événements d'enchères liés à cet artiste pionnier du paysage. Rejoignez-nous pour explorer l'impact durable de Bril sur l'art du paysage et sa contribution à la culture et l'histoire de l'art.
Pieter Bruegel le Jeune était un peintre flamand renommé pour ses scènes de la vie rurale. Issu d'une dynastie artistique, il a été formé par sa grand-mère maternelle, Mayken Verhulst, avant de devenir maître indépendant dans la Guilde de Saint-Luc à Anvers. Bruegel le Jeune est célèbre pour avoir produit de nombreuses copies et adaptations des compositions de son père, ainsi que pour ses scènes originales caractérisées par des vues élevées et des panoramas vastes peuplés de figures lors de mariages, foires et festivals campagnards.
Ses œuvres, telles que « Le paiement de la dîme » (1615-1617), « Rixe de jeux entre paysans » (1620), et « La Parabole des aveugles » (sans date spécifique), démontrent son talent à capturer l'essence de la vie quotidienne avec une attention particulière aux détails et aux couleurs. Bruegel le Jeune a également excellé dans les paysages d'hiver, comme illustré par « Paysage d'hiver avec patineurs et trappe aux oiseaux » (1601), une représentation pittoresque de la joie et de la vie dans un cadre hivernal.
Son œuvre « La Tentation de Saint Antoine » (1600) et d'autres compositions telles que « Conversion of Saul » (1590) et « The Tax-Collector's Office » (1615) révèlent sa capacité à aborder des thèmes variés allant du religieux au quotidien, toujours avec une finesse remarquable.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude des œuvres de Pieter Bruegel le Jeune offre un aperçu précieux de la peinture flamande et de son évolution au sein de l'une des familles d'artistes les plus influentes de l'époque. Pour rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Pieter Bruegel le Jeune, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous garantira l'accès à des informations exclusives sur des pièces rares et précieuses qui pourraient enrichir votre collection.
Jan Brueghel l'Ancien était un peintre flamand célèbre pour ses paysages détaillés et ses natures mortes florales, qui ont marqué l'art baroque. Fils de Pieter Bruegel l'Ancien, Jan a hérité de l'ingéniosité artistique de son père et a développé un style distinctif, incorporant une minutie et une délicatesse remarquables dans ses œuvres, ce qui lui a valu le surnom de "Brueghel de Velours".
Ses peintures sont appréciées pour leur attention méticuleuse aux détails et leur représentation vivante de la nature et de la vie quotidienne, combinant harmonieusement l'homme et son environnement. Jan Brueghel l'Ancien excelle dans la création de compositions complexes, où chaque élément, des fleurs minutieusement peintes aux scènes animées de paysages, est traité avec une précision et une tendresse qui attirent le regard et captivent l'imagination.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, les séries des "Quatre éléments" et des "Cinq sens", réalisées en collaboration avec Pierre Paul Rubens, témoignent de son habileté à fusionner la peinture de paysage avec des sujets allégoriques, offrant une richesse de contenu et de forme. Ses tableaux sont conservés dans de nombreux musées prestigieux à travers le monde, reflétant son importance durable dans l'histoire de l'art.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, les œuvres de Jan Brueghel l'Ancien représentent non seulement un investissement dans la beauté et l'histoire, mais aussi dans l'expertise technique et la sensibilité artistique d'une époque révolue. Nous invitons ceux passionnés par l'art, la culture et l'histoire à s'inscrire pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce maître exceptionnel. Restez informés et ne manquez pas l'opportunité d'enrichir votre collection avec une pièce de l'histoire de l'art flamand.
Szymon Buchbinder était un peintre polonais d'origine juive de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre de genre et portraitiste.
Szymon Buchbinder a réalisé des peintures historiques de genre, souvent à connotation morale, ainsi que des portraits exécutés dans de petits formats. De nombreux sujets sont liés à la culture et aux coutumes juives. Le style de Buchbinder est considéré par les critiques comme s'inscrivant dans la tradition de l'ancienne école de peinture hollandaise.
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, plus connu sous le nom de Michelangelo, était un peintre, sculpteur, architecte, poète et ingénieur de la Renaissance italienne, né le 6 mars 1475 à Caprese, en Italie, et décédé le 18 février 1564 à Rome. Sa polyvalence dans les disciplines qu'il a abordées était considérable, et il a été considéré comme le plus grand artiste vivant de son temps, une réputation qui perdure encore aujourd'hui.
Dès son enfance, Michelangelo a montré un intérêt prononcé pour l'art, conduisant à un apprentissage avec Domenico Ghirlandaio, un artiste respecté de l'époque. Il a ensuite étudié la sculpture avec Bertoldo di Giovanni, un élève de Donatello, et a également assisté aux conférences du philosophe Marsilio Ficino. Ses œuvres, telles que les fresques du plafond de la Chapelle Sixtine à Rome et la sculpture de David, témoignent de son talent exceptionnel.
Parmi ses réalisations les plus remarquables, on compte la Pieta, une sculpture religieuse exposée à l'église Santa Maria della Pace à Rome, et le David, une statue en marbre représentant un homme nu et musclé, tenant une fronde, exposée au musée de Paris. Ces œuvres illustrent parfaitement sa capacité à capturer l'émotion d'une scène et son réalisme époustouflant.
Michelangelo a passé la majeure partie de sa vie à Rome, où il a laissé une empreinte indélébile sur l'art de la Renaissance. Sa vie et son œuvre continuent d'influencer et d'inspirer les artistes et ingénieurs du monde entier.
Pour ceux passionnés par l'art et les antiquités, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Vous recevrez des informations exclusives sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Michelangelo. Abonnez-vous pour ne rien manquer de l'héritage de ce maître de la Renaissance.
Giovanni Antonio Burrini était un peintre et graveur italien du baroque tardif.
Giovanni Antonio Burrini a principalement travaillé comme peintre, se spécialisant dans les sujets religieux et historiques. Son style est influencé par l'école de peinture bolonaise, qui met l'accent sur la composition classique, les formes claires et les couleurs vives.
Les tableaux de Burrini représentent souvent des scènes tirées de récits bibliques et d'histoires mythologiques. Son travail se distinguait par son attention méticuleuse aux détails, son coup de pinceau délicat et son sens de l'illumination et de l'atmosphère dramatiques. Il a également créé des gravures complexes et finement détaillées.
Giovanni Battista Busiri était un peintre italien de paysages et de veduta.
Giovanni Battista Busiri a suivi le style de Gaspard Duguet. Son œuvre a été fortement influencée par Jan Frans van Bloemen, Hendrik Frans van Lint, Andrea Locatelli et Nicolas Poussin. Les personnages des tableaux de Busiri ont été exécutés par d'autres artistes.
Les œuvres de Giovanni Battista Busini étaient particulièrement appréciées par les riches Anglais.
Carlo Caliari ou Carletto Caliari est un peintre italien de la Renaissance tardive. Il est issu d'un famille d'artistes, étant le fils aîné du célèbre peintre Paolo Caliari, dit Véronèse et le petit-fils d'un sculpteur et tailleur de pierre.
Denijs Calvaert, né vers 1540 à Anvers et décédé en 1619 à Bologne, était un peintre flamand qui a passé la majeure partie de sa vie en Italie. Connu sous le nom de Dionisio Fiammingo, Calvaert était un étudiant profond en architecture, anatomie et histoire. Son œuvre se caractérise par une composition avancée et un coloris exceptionnel, avec des influences du maniérisme flamand et italien.
Denijs Calvaert a d'abord étudié à Anvers avant de devenir apprenti de Prospero Fontana à Bologne. À Rome, il a travaillé avec Lorenzo Sabbatini et étudié les œuvres de Raphaël. De retour à Bologne, il a fondé son propre atelier et a enseigné à des artistes notables comme Guido Reni, Domenichino et Francesco Albani, influençant fortement la peinture bolognaise.
Ses œuvres comprennent « La Résurrection du Christ » et « Saint Jean-Baptiste dans le désert ». Son style est marqué par l'utilisation du clair-obscur et des figures stylisées. Ses œuvres sont exposées dans des lieux prestigieux comme la National Art Gallery de Bologne et la Basilique de San Petronio.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Denijs Calvaert offre une fenêtre unique sur le mélange des influences flamandes et italiennes dans la peinture de la Renaissance. Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements de vente aux enchères liés à Denijs Calvaert.
Vincenzo Campi était un peintre italien remarquable de la Renaissance tardive. Appartenant à une famille influente d'artistes de Cremona, Campi a été formé sous la tutelle de son frère Giulio et a principalement peint des saints, des portraits, ainsi que des natures mortes de genre, influencé par Pieter Aertsen.
Vincenzo Campi est célèbre pour ses représentations détaillées de scènes de la vie quotidienne, en particulier des marchands et des mangeurs, telles que dans ses œuvres « The Fishmongers » et « The Ricotta Eaters ». Ces peintures dépeignent souvent des personnages du peuple mangeant des aliments considérés comme appropriés pour les classes inférieures, selon les standards de l'époque, comme le montre son œuvre "Fishmongers" où les sujets consomment des aliments tels que des haricots, du pain noir et des oignons verts.
Ses œuvres démontrent un intérêt pour la représentation réaliste de la nourriture et des objets du quotidien, un style qui deviendra plus tard caractéristique de la peinture de genre dans le nord de l'Italie. Le travail de Vincenzo Campi sur ces scènes quotidiennes a été vu comme une préfiguration du réalisme de Caravaggio.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve également "Christ in the House of Mary and Martha" et "The Crucifixion", qui témoignent de son habileté à fusionner le style maniériste lombard avec des éléments réalistes.
Les œuvres de Vincenzo Campi sont dispersées dans divers musées, comme la Pinacoteca di Brera à Milan, le Musée de La Roche-sur-Yon, le Musée des Beaux-Arts de Lyon et le Musée du Prado à Madrid. Elles restent une source précieuse pour les collectionneurs et les experts en art, offrant un aperçu unique de la peinture de genre de la Renaissance italienne.
Pour rester informé sur les nouvelles ventes et les événements d'enchères liés à Vincenzo Campi, n'hésitez pas à vous inscrire à nos mises à jour.
Placido Campolo est un peintre italien de la fin de l'époque baroque. À Rome, il fut l'élève du peintre Sebastiano Conca ; en 1731, il retourna à Messine pour peindre la Galleria del Senato.
Il a peint pour la cathédrale et l'église de Sant'Angelo de Rossi (La défaite des anges déchus). Il a également participé à la conception des entrées et des marches de l'église de Monte di Pieta degli Azzurri.
Campolo a une entrée dans le Dictionnaire des artistes du Bénézit.
Canaletto, de son vrai nom Giovanni Antonio Canal, était un peintre topographique italien, célèbre pour ses vues détaillées de Venise et de Londres, ainsi que des résidences campagnardes anglaises. Sa maîtrise de l'atmosphère et son expression précise dans ses peintures ont influencé les générations suivantes d'artistes paysagistes. Né dans une famille noble, Canaletto utilisait parfois les armoiries familiales comme signature. Son style topographique s'est développé après son retour de Rome en 1719, marquant un tournant dans sa carrière artistique.
Les œuvres de Canaletto, particulièrement celles représentant Venise, étaient très prisées par les touristes de l'aristocratie européenne en visite dans la ville italienne. Bien qu'il ait souvent utilisé une camera obscura pour obtenir des représentations architecturales précises, Canaletto n'hésitait pas à embellir ses paysages pour y ajouter une harmonie géométrique et un drame supplémentaire. Son séjour en Angleterre lui a également permis de créer des œuvres célèbres qui ont consolidé sa réputation en Europe du Nord.
Canaletto est surtout reconnu pour ses vedute, des peintures détaillées de paysages urbains. Ses travaux à Venise et à Londres sont parmi les plus célèbres, offrant des représentations précises et atmosphériques de ces villes. Des œuvres comme « The Stonemason's Yard » et « View of the Entrance to the Venetian Arsenal » démontrent sa capacité à capturer la lumière et l'ambiance de Venise, tandis que ses peintures de Londres, telles que « The Thames from the Terrace of Somerset House », montrent un intérêt similaire pour l'atmosphère et la topographie urbaine.
Pour ceux qui souhaitent explorer l'art de Canaletto, de nombreuses galeries et musées à travers le monde exposent ses œuvres. Si vous êtes passionné d'art et désirez rester informé sur les expositions et les ventes liées à Canaletto, pensez à vous inscrire aux newsletters spécialisées dans l'art pour recevoir des mises à jour sur les événements à venir.
Angelo Caroselli était un peintre italien de la période baroque. Autodidacte, Caroselli a développé un style éclectique influencé par le Caravage et les Bamboccianti, un groupe de peintres connus pour leurs scènes de la vie quotidienne. Sa capacité à incorporer des éléments de naturalisme et de clair-obscur dans ses œuvres lui a permis de se distinguer dans le paysage artistique romain de son époque.
Angelo Caroselli a travaillé en tant que copiste et restaurateur d'art, montrant une habileté particulière dans la reproduction des œuvres des maîtres anciens, tels que Annibale Carracci, Titien et Caravaggio. Son talent pour la copie était si raffiné que certaines de ses œuvres étaient indiscernables des originaux, ce qui a alimenté des rumeurs selon lesquelles il aurait pu être également un faussaire.
Parmi ses œuvres notables, on trouve des commandes pour la Chiesa Nuova à Rome, où il a peint deux Prophètes et une Pietà, ainsi que des collaborations avec des artistes comme Giovanni Francesco Guerrieri. Angelo Caroselli a également eu une influence significative sur ses élèves, dont son beau-frère Filippo Lauri, son fils Carlo Caroselli et le peintre Lucchese Pietro Paolini.
L'artiste a connu une vie personnelle mouvementée, marquée par des périodes de difficultés financières et des déménagements entre Rome, Florence, et Naples. Malgré cela, il a continué à attirer des élèves à son atelier et à recevoir des commissions importantes, comme celle de la famille Barberini et des travaux pour le Palazzo Pamphilj à Rome.
Angelo Caroselli est mort en 1652, laissant derrière lui un héritage artistique marqué par l'originalité et une recherche constante de renouvellement dans l'art baroque. Ses œuvres, qui incluent des scènes religieuses, des allégories, des portraits et des scènes de genre, sont aujourd'hui reconnues pour leur contribution unique à l'art de son époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art et à la culture de la période baroque, et qui souhaitent en savoir plus sur les œuvres et l'influence d'Angelo Caroselli, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste. Cette inscription vous permettra de rester informé des opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres de ce peintre remarquable.
Vittore Carpaccio était un peintre italien de l'école vénitienne, né entre 1460 et 1465 et décédé vers 1525 ou 1526. Issu d'une famille vénitienne établie depuis au moins le XIIIe siècle, Carpaccio s'est d'abord fait connaître sous le nom de Vetor Scarpazo dans ses premières œuvres avant d'adopter le nom latinisé sous lequel il est connu aujourd'hui. Il est surtout célèbre pour avoir été un maître conteur à travers ses peintures narratives spectaculaires qui racontent des histoires sacrées, le plaçant parmi les grands maîtres de la peinture vénitienne de la Renaissance.
Carpaccio est reconnu pour ses séries de tableaux, telles que celles dédiées à la vie de sainte Ursule, commandées par la Scuola di Sant'Orsola à Venise, qui ont marqué le début de sa carrière et contribué à son renom. Ces œuvres, exécutées entre 1490 et les années 1520, montrent son talent pour la narration visuelle, utilisant des cycles de peintures pour dérouler des récits complets à la manière d'un cinéma de la Renaissance.
Son travail pour la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, qui a servi l'une des communautés immigrées de Venise, est particulièrement notable pour son orientation orientaliste. Ces tableaux mettent en avant un intérêt croissant pour le Levant, avec des paysages d'apparence moyen-orientale et des thèmes traitant de questions interculturelles telles que la traduction et la conversion.
Malgré son importance dans l'histoire de l'art de la Renaissance vénitienne, Carpaccio reste relativement méconnu en dehors de l'Italie, en partie parce que peu de ses œuvres se trouvent dans les musées ou collections américains. Toutefois, ses contributions à l'art de la narration visuelle et son utilisation unique de la couleur et de la lumière continuent d'attirer l'attention et l'admiration des connaisseurs d'art et des collectionneurs.
Si vous êtes passionné par l'art de la Renaissance et souhaitez en savoir plus sur les œuvres de Vittore Carpaccio ou être informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste remarquable, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques. Cette souscription vous permettra de rester à la pointe des dernières découvertes et opportunités liées à l'œuvre de Carpaccio, enrichissant ainsi votre collection ou vos connaissances en histoire de l'art.
Giulio Carpioni était un peintre et graveur italien. Il est connu pour son style qui recherche le réalisme et l'objectivité, influencé par des artistes tels que Saraceni et Jean Leclerc, ainsi que par la peinture lombarde suite à son voyage à Bergamo avec son maître, Alessandro Varotari, dit Il Padovanino.
Giulio Carpioni a laissé une empreinte significative dans la ville de Vicence, où il s'est installé définitivement à partir de 1638. Il a travaillé avec Francesco Maffei sur la décoration des oratoires des Zitelle et de San Nicola à Vicence. Après le départ de Maffei, Carpioni est devenu un artiste très demandé, réalisant de nombreuses compositions religieuses et des peintures mythologiques, notamment des bacchanales.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des fresques à la villa Pagello à Caldogno et des peintures dans divers musées et collections à travers le monde, comme le Musée des Beaux-Arts de Chambéry, le Musée des Beaux-Arts de Reims, et le Musée des Offices à Florence. Dans ses dernières années, il s'est également consacré à la gravure.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art et à l'histoire de la peinture, et en particulier aux collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Giulio Carpioni représente un témoignage précieux de la culture et de l'histoire artistique italienne.
Inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Giulio Carpioni.
Agostino Carracci, peintre et graveur italien, a marqué l'histoire de l'art par son talent et son innovation. Membre d'une famille d'artistes de renom, il a contribué, aux côtés de son frère Annibale et de son cousin Ludovico, à l'essor de l'art baroque, en se démarquant par son approche classique et réaliste. Ses œuvres, qui combinent habilement réalisme et idéalisme, ont exercé une influence notable sur les générations suivantes d'artistes.
Parmi ses réalisations les plus célèbres, on retrouve la « Madonna and Child with Saints » exposée à la Galleria nazionale di Parma et « The Last Communion of Saint Jerome » à la Pinacoteca Nazionale di Bologna. Ces œuvres témoignent de sa maîtrise technique et de sa capacité à transmettre émotion et spiritualité à travers ses sujets.
Agostino Carraccia également laissé son empreinte dans le domaine de la gravure, où son talent a permis de diffuser largement son art et celui de ses contemporains. Ses gravures, appréciées pour leur finesse et leur expressivité, ont contribué à sa renommée bien au-delà des frontières de l'Italie.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Agostino Carracci reste un témoignage précieux de l'innovation et de l'élégance de l'art baroque. Ses peintures et gravures ne cessent d'inspirer admiration et étude, soulignant l'importance de son héritage artistique.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Agostino Carracci, inscrivez-vous à nos mises à jour. Votre passion pour l'art mérite les dernières nouvelles du monde artistique!
Annibale Carracci était un peintre italien de renom, particulièrement influent dans la transition vers l'art baroque. Né à Bologne, il a fondé l'Accademia degli Incamminati avec son frère et son cousin, formant un style unique qui s'opposait aux maniérismes de l'époque. Leur enseignement combinait l'étude de la nature et l'appréciation des œuvres antérieures pour former un style universel. Annibale est célèbre pour ses fresques, en particulier au plafond de la Galleria Farnese à Rome, qui sont devenues une référence pour les générations futures d'artistes.
À Rome, son art a évolué au contact de l'antiquité classique et des œuvres de Michel-Ange et Raphaël, donnant naissance à un style qui a grandement influencé l'art baroque. Annibale Carracci est considéré comme ayant renouvelé la tradition classique de la Haute Renaissance, marquant une étape significative dans l'évolution de la peinture européenne.
Malgré son importance, sa renommée a été quelque peu éclipsée par d'autres contemporains comme Caravaggio. Pourtant, son influence reste profonde, ayant formé une nouvelle génération d'artistes et élevé le paysage et le genre à un nouveau statut indépendant dans l'art. Les œuvres d'Annibale Carracci continuent d'être admirées pour leur naturalisme et leur inventivité, et elles sont collectionnées et étudiées dans le monde entier.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Annibale Carracci. Votre abonnement vous tiendra informé des dernières opportunités pour ajouter à votre collection des œuvres influencées ou créées par ce maître de l'art baroque.
Francesco Carracci neveu de Agostino Carracci, est un peintre et un graveur italien du XVIIe siècle de la famille d'artistes italiens des Carracci. Carrache est le fils de Giovanni Antonio Carracci, frère d'Agostino et d'Annibale Carracci. Jeune de grand talent, il fut élève de Lodovico, cousin d'Agostino, à l'Accademia degli Incamminati , mais il quitta l'académie en contestant son maître, et en fondant sa propre école, qu’il baptisa la « Vraie école des Carrache ». Son Adoration dans l'église de Santa Maria Maggiore, à Bologne, n'est pas seulement son chef-d'œuvre, mais un excellent morceau de peinture vigoureuse. Toutefois il n'obtint pas de succès et Francesco, abandonnant ses étudiants, partit pour Rome où il fit inutilement une autre tentative de fonder une académie. Il a laissé aussi quelques gravures d'après les travaux de Lodovico et Annibale Carracci.
Giovanni Battista Castello dit Il Bergamasco est un peintre, un architecte et un sculpteur italien du xvie siècle, dont l'œuvre se situe à la frontière du maniérisme et du baroque. Il se rattache à l'école génoise. Son surnom permet de le distinguer d'un autre peintre miniaturiste génois homonyme.
Jacob Cats était un excellent peintre, graveur et graphiste néerlandais.
Il était célèbre pour ses paysages urbains et ses paysages présentant des représentations réalistes de personnes et d'animaux. Ses œuvres se distinguent par leur originalité, leur rendu poétique des caractéristiques de la nature et leur profondeur.
Ses œuvres sont représentées dans presque toutes les grandes collections publiques des Pays-Bas.
Giacomo Cavedone était un peintre baroque italien qui a travaillé à Bologne. Il fut l'élève de Lоdovico Carracci, l'un des fondateurs de l'Accademia Carracci, qui était la principale institution artistique de Bologne.
Giacomo Cavedone était connu pour son utilisation habile du clair-obscur et sa capacité à créer des scènes dramatiques et émotionnelles. Il a peint des sujets religieux et profanes, notamment des portraits, des scènes mythologiques et des événements historiques.
Outre sa carrière de peintre, Cavedone a également travaillé comme graveur et a participé à la décoration de plusieurs palais de Bologne.
Andreas Joseph Chandelle est un peintre et collectionneur d'art allemand. Il est connu pour sa maîtrise de la technique du pastel. Il a réalisé de nombreux tableaux dans cette technique - portraits, scènes de genre, événements religieux et historiques.
Guillaume Chasteau, également connu sous le nom de Castellus, était un graveur français. Il vécut et travailla à Paris et devint membre de l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1663. Le séjour de Chasteau à Rome de 1654 à 1661-1662 influence sa passion pour la gravure, notamment après avoir travaillé pour la Papauté. Il épouse Antoinette Hérault, miniaturiste de renom, et mène une carrière réussie soutenue par Colbert.
Cimabue, peintre et mosaïste italien né avant 1251 et décédé en 1302, est considéré comme le dernier grand artiste de la période byzantine en Italie. Son œuvre marque un tournant crucial dans l'histoire de l'art, jetant les bases sur lesquelles s'appuieront Giotto et Duccio au XIVe siècle. Cimabue est reconnu pour avoir influencé, et peut-être formé, ces artistes, bien qu'il ait été supplanté de son vivant par leurs réalisations. Dante, son contemporain, le cite comme le précurseur des peintres italiens, et Giorgio Vasari le place au début de sa collection de biographies d'artistes éminents, soulignant son rôle dans le renouveau de la peinture.
Parmi les œuvres attribuées à Cimabue, on compte les fresques de scènes du Nouveau Testament dans l'église supérieure de San Francesco à Assisi, la Madonna Sta. Trinità (c. 1290) et la Madonna Enthronée avec St François (c. 1290-1295). Ces réalisations illustrent le moment de transition où les peintres italiens, tout en restant influencés par l'art byzantin, commencent à explorer la représentation naturaliste des formes et de l'espace tridimensionnel.
La Maestà de Santa Trinita, datée d'environ 1290-1300 et initialement peinte pour l'église de Santa Trinita à Florence, est désormais conservée à la Galerie des Offices. Cimabue a également travaillé à Assisi, où il a été commissionné pour décorer l'abside et le transept de la Basilique supérieure d'Assisi, réalisant un cycle de fresques comprenant des scènes des Évangiles, ainsi que des vies de la Vierge Marie, de Saint Pierre et de Saint Paul.
Son seul travail documenté est la mosaïque de l'apogée représentant Saint Jean l'Évangéliste dans le Duomo de Pisa, réalisée entre 1301 et 1302. Cimabue est mort autour de 1302, laissant un héritage artistique qui marque la fin d'une époque et le début d'une nouvelle, caractérisée par une approche plus naturaliste de la peinture.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de l'œuvre de Cimabue offre un aperçu précieux des prémices de la Renaissance italienne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Cimabue, afin de ne rien manquer de l'actualité de ce pionnier de l'art italien.
Giovanni Battista Cimaroli est un peintre italien de la période baroque tardive, connu pour ses peintures de paysages, la participation à une série d'allégories pour des tombes, et des vedute dans le style de Canaletto.
Anthony Claesz le Jeune était un peintre néerlandais qui travaillait sur des natures mortes florales pendant l'âge d'or de la peinture néerlandaise.
Les peintures d'Anthony Claesz sont généralement construites avec une grande attention aux détails, et il était particulièrement doué pour représenter les jeux d'ombre et de lumière sur les surfaces réfléchissantes.
De son vivant, Anthony Claesz le Jeune était très respecté et était membre de la Guilde de Saint-Luc à Amsterdam. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment au Rijksmuseum d'Amsterdam, à la National Gallery de Londres et au Metropolitan Museum of Art de New York.
Viviano Codazzi était un peintre italien du XVIIe siècle, spécialisé dans les peintures architecturales, les capricci, et les ruines, qui a influencé des artistes tels que Canaletto et Bernardo Bellotto. Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées internationaux, comme le Musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon, le Musée des beaux-arts de Nantes, et le Musée du Louvre à Paris. Son travail est également représenté au Musée du Prado à Madrid, où l'on peut admirer des peintures comme « Perspective View of a Roman Amphitheatre » et « The Circus Maximus in Rome ».
Viviano Codazzi a collaboré avec divers artistes pour compléter les figures dans ses compositions architecturales, un exemple notable étant la collaboration avec Domenico Gargiulo pour la série de peintures commandées pour le Palais du Buen Retiro à Madrid. Ses fils, Niccolò et Antonio, ont également suivi ses traces dans la peinture architecturale.
L'impact de Viviano Codazzi sur l'art de la peinture de paysages et d'architecture est notable, avec des œuvres qui reflètent un mélange unique de réalisme et de fantaisie, influençant significativement les générations suivantes d'artistes dans ce domaine.
Pour ceux qui sont intéressés par l'art et les antiquités, particulièrement les œuvres de Viviano Codazzi, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements de vente aux enchères liés à cet artiste exceptionnel.
Hermannus Collenius était un peintre baroque néerlandais.
Les portraits d'Hermannus Collenius se caractérisent par leur élégance classique et l'accent mis sur les traits du visage et les vêtements du sujet représenté. Le peintre a souvent représenté ses sujets selon les dernières modes, ce qui a contribué à la popularité de ses portraits parmi l'élite de la mode.
Cornelis Cort, également connu sous le nom de Cornelio Fiammingo, était un peintre, dessinateur et graveur hollandais de la Renaissance. Après avoir été l'élève de Dirck Volkertszoon Coornhert, il s'installe à Venise dans l'atelier de Titien. Cort fonde une école à Rome et produit de nombreuses gravures d'après les grands maîtres de l'époque, contribuant ainsi à promouvoir leurs œuvres. Sa technique de gravure unique et plus de 150 gravures ont été recensées.
Guillaume Coustou est un sculpteur français.
Au cours de sa carrière, il travaille à Versailles, puis au Trianon, à Marly et à Paris, où il orne de ses sculptures des bâtiments illustres tels le portail des Invalides, le palais Bourbon, et la grande Chambre du Parlement au palais de justice.
Raphaël Coxie est un peintre de la Renaissance maniériste flamande. Les détails sur la vie et la carrière de l'artiste sont fragmentaires, et jusqu'au xixe siècle, il a été confondu avec Michiel Coxie, dit le «Raphaël des Flandres». Formé par son père, il est devenu maître dans la guilde de Saint-Luc de Malines en 1562 et y résida jusqu'au début des années 1580. Il s'est installé à Anvers en 1581, et en 1585 est devenu maître dans la guilde locale de Saint-Luc. Jardinier passionné, et ami du botaniste flamand Charles de L'Écluse, il lui envoya des dessins de fleurs pour illustrer ses publications scientifiques. Après la chute d'Anvers en 1585, la Confrérie de Notre-Dame lui commanda le retable de la Vierge pour l'autel de la cathédrale d'Anvers. Actif à Bruxelles à partir de 1586, il y est admis maître par la guilde en 1605. Il est mentionné en 1597 comme ayant peint plusieurs portraits commandés par Philippe II d'Espagne, en collaboration avec Gilbert van Veen. Ses œuvres sont peintes dans le style italianisant que son père a introduit en Flandre après son retour d'une période d'étude en Italie. Il est resté fidèle à ce style alors même que le mouvement baroque émergeait.
Antoine Coypel était un artiste français renommé pour son art raffiné, particulièrement dans la peinture et le dessin. Né en 1661, il a reçu une formation artistique approfondie de la part de son père, Noël Coypel, avant de devenir membre puis professeur à l'Académie de Paris. Sa carrière a pris un envol notable grâce au patronage précoce du Duc d'Orléans, ce qui lui a permis de devenir le Premier Peintre du Roi en 1716. Coypel est célèbre pour ses œuvres qui allient la palette riche de Correggio ou Pieter Paul Rubens à la grandeur dramatique de Charles LeBrun, faisant de lui un coloriste particulièrement raffiné.
Ses œuvres comprennent des peintures historiques et mythologiques ainsi que des commandes décoratives à Paris et Versailles. Parmi ses réalisations notables, on retrouve « Democritus » au Louvre et « Susan accused of adultery » au Museo del Prado. Sa maîtrise formelle et architecturale, associée à une influence rubénienne, est également manifeste dans ses dessins, comme illustré par son étude pour « The Funeral of Pallas », conservée au Metropolitan Museum of Art.
Ce talent multidimensionnel et cette contribution significative à l'art baroque français rendent Antoine Coypel une figure incontournable pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités. Pour ceux qui souhaitent rester informés sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Coypel, s'inscrire à des mises à jour serait une démarche judicieuse.
Marmaduke Cradock était un peintre anglais d'oiseaux et d'animaux.
Les croquis de la collection du British Museum indiquent qu'il a basé au moins certains des oiseaux de ses peintures sur des dessins d'après nature. Il avait tendance à peindre des oiseaux domestiques et des espèces sauvages communes, plutôt que les variétés exotiques préférées de certains autres artistes. Il introduisait parfois des éléments dramatiques tels que des attaques d'animaux prédateurs dans ses peintures d'oiseaux, une caractéristique qu'il partageait avec les œuvres de Francis Barlow.
Lucas Cranach l'Ancien, né le 4 octobre 1472 à Kronach et mort le 16 octobre 1553 à Weimar, fut une figure emblématique de la Renaissance allemande. Ses œuvres majeures, telles que le « Portrait d'Henri IV de Saxe et de Catherine de Mecklembourg », « Les Trois Grâces », et la « Fontaine de jouvence », illustrent sa maîtrise de la peinture et du gravure. Cranach a laissé une empreinte indélébile sur l'art de son temps, notamment à travers ses portraits intimes de figures de la Réforme, comme Martin Luther, avec qui il entretenait une amitié et une collaboration étroite. Son atelier était un centre de production artistique florissant, soutenu par les élites et les cours européennes.
Sa technique novatrice et son style distinctif se caractérisent par des représentations religieuses et mythologiques adaptées aux intérieurs bourgeois, ainsi que par des nus féminins qui définissent un canon esthétique particulier, avec des figures élancées et des visages aux traits fins. Cranach a dirigé un atelier prolifique, marqué par le sigle d'une serpente ailée, symbolisant la marque de l'atelier plus que la signature personnelle de l'artiste. Cette marque a subi un changement notable après la mort de son fils Hans en 1537, illustrant la profondeur personnelle et chronologique de son œuvre.
Outre sa contribution artistique, Cranach a joué un rôle significatif dans la vie sociale et économique de Wittenberg, s'engageant dans diverses entreprises commerciales et assumant des responsabilités civiques importantes. Il a été à la fois apothicaire, éditeur de la littérature de la Réforme, et a occupé plusieurs fois le poste de bourgmestre, reflétant son influence et son statut dans la société de son époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Lucas Cranach l'Ancien et souhaitent recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable, l'inscription à des bulletins d'information spécialisés offre un accès privilégié à de nouvelles découvertes et opportunités uniques.
Benjamin Gerritszoon Cuyp était un peintre-peintre néerlandais de l'âge d'or, était un membre de la Guilde de Dordrecht de St Luc, frère de Jacob Gerritsz. Cuyp. Il était très prolifique et connu pour ses œuvres allégoriques, ses scènes de genre, de guerre et bibliques. Il a également peint des paysages. L'œuvre de Kaipa a été influencée par le style de Rembrandt.
Jacob Gerritsz. Cuyp était un peintre-illustrateur néerlandais de l'âge d'or, le frère aîné de Benjamin Gerritsz. Cuyp. Il était membre des guildes de Dordrecht et d'Utrecht. Ce peintre prolifique a produit un grand nombre de portraits, dont beaucoup de portraits d'enfants. Il a également peint des scènes historiques, bibliques et de genre, des natures mortes et des paysages.
