Modern and Contemporary Art
Fortunato Depero est un artiste futuriste, designer, sculpteur et poète italien. En 1913, Depero arrive à Rome, où il rencontre les futuristes Giacomo Balla et Umberto Boccioni.
Au début des années 1920, Fortunato Depero s'essaie à la publicité commerciale, dessine des costumes de théâtre, travaille pour des revues et comme décorateur d'intérieur, et participe à de nombreuses expositions d'art.
Fillìa est le nom adopté par Luigi Colombo, un artiste italien associé à la deuxième génération du futurisme. Outre la peinture, il a travaillé sur la décoration d'intérieur, l'architecture, le mobilier et les objets décoratifs.
Fillìa est devenu un représentant de L' Aeropittura (Aéropeinture), le style futuriste dominant des années 1930, dans lequel l'expérience du vol était appliquée à la représentation du paysage depuis les airs ; le monde n'était plus vu d'un point de vue humain au sol, mais comme depuis un avion.
Enrico Prampolini était un peintre et sculpteur futuriste italien.
Enrico Prampolini a publié son manifeste Scenografia e coreografia futurista (Scénographie et chorégraphie futuristes) en 1915 ; la même année, il a commencé à travailler comme artiste de théâtre et créateur de costumes de théâtre.
En 1925, Enrico Prampolini reçoit un diplôme d'honneur à l'Exposition universelle de Paris, la deuxième plus importante récompense dans la catégorie de l'art théâtral.
Lorsque Mussolini arrive au pouvoir en Italie, Enrico Prampolini, comme beaucoup d'autres artistes futuristes, soutient le nouveau régime. En 1932, avec Gerardo Dottori et Mario Sironi, il dirige et exécute dans un style futuriste la décoration de la grandiose "Exposition de la révolution fasciste" (Mostra della Rivoluzione Fascista) à Rome.
Fortunato Depero est un artiste futuriste, designer, sculpteur et poète italien. En 1913, Depero arrive à Rome, où il rencontre les futuristes Giacomo Balla et Umberto Boccioni.
Au début des années 1920, Fortunato Depero s'essaie à la publicité commerciale, dessine des costumes de théâtre, travaille pour des revues et comme décorateur d'intérieur, et participe à de nombreuses expositions d'art.
 Джакомо Балла. Картина Автопортрет, 1902.jpg)
Giacomo Balla est un grand peintre du XXe siècle, représentant de la première vague du futurisme italien, l'un des maîtres les plus influents du siècle dernier.
L'œuvre de Giacomo Balla est une tentative de transmettre la dynamique, de capturer l'essence même du mouvement. Ses peintures sont lyriques, pleines de lumière et de rythme.
Gerardo Dottori était un peintre futuriste italien qui appartenait également au groupe Novecento.
Influencé par Giacomo Balla, Gerardo Dottori rejoint le mouvement futuriste en 1911-1912. Ses œuvres ont fait partie des concours artistiques des Jeux olympiques d'été de 1932 et de 1936.
Otto Dix était un peintre et graveur allemand, reconnu pour son implication dans les mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité, dont il est considéré comme l'un des fondateurs. Né en 1891 à Untermhaus près de Gera, il a débuté son parcours artistique dans un contexte familial modeste, avec un père travaillant dans une mine de fer et une mère passionnée par la musique et la peinture. Grâce à une bourse d'études, Dix a pu intégrer l'École des arts appliqués de Dresde, où il a exploré divers mouvements artistiques comme le cubisme, le futurisme et le dadaïsme.
Sa participation volontaire à la Première Guerre mondiale a profondément marqué son œuvre, en particulier à travers le portefeuille d'eaux-fortes intitulé "Der Krieg" (La Guerre), publié en 1924. Cette série reflète les horreurs et l'absurdité du conflit, thèmes récurrents dans son travail. Dix a été persécuté par le régime nazi, qui a qualifié ses œuvres d'"art dégénéré" et lui a interdit d'exposer. Il a cependant continué à peindre, se concentrant sur des paysages moins provocateurs pendant cette période sombre.
Après la guerre, Dix a retrouvé une certaine reconnaissance, recevant le Grand Croix du Mérite de la République Fédérale d'Allemagne et le Prix Cornelius de la ville de Düsseldorf. Malgré les divisions politiques de l'Allemagne d'après-guerre, il a été honoré dans les deux États allemands pour ses contributions à l'art.
Des œuvres significatives comme "La Guerre" (triptyque, 1929-1932), "Prager Straße" (La Rue de Prague, 1920), et la série de gravures "Der Krieg" (1924) témoignent de son engagement artistique et de sa critique sociale. Son impact sur l'art du XXe siècle est indéniable, notamment pour sa capacité à capturer l'essence de la condition humaine à travers les turbulences de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la profondeur et la diversité stylistique de l'œuvre de Dix offrent un champ d'étude riche et varié. Ses contributions aux mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité continuent d'influencer et d'inspirer les générations d'artistes et d'historiens de l'art.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Otto Dix. Cette souscription vous permettra de rester informé sur les opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Giacomo Balla est un grand peintre du XXe siècle, représentant de la première vague du futurisme italien, l'un des maîtres les plus influents du siècle dernier.
L'œuvre de Giacomo Balla est une tentative de transmettre la dynamique, de capturer l'essence même du mouvement. Ses peintures sont lyriques, pleines de lumière et de rythme.
Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.
Enrico Prampolini était un peintre et sculpteur futuriste italien.
Enrico Prampolini a publié son manifeste Scenografia e coreografia futurista (Scénographie et chorégraphie futuristes) en 1915 ; la même année, il a commencé à travailler comme artiste de théâtre et créateur de costumes de théâtre.
En 1925, Enrico Prampolini reçoit un diplôme d'honneur à l'Exposition universelle de Paris, la deuxième plus importante récompense dans la catégorie de l'art théâtral.
Lorsque Mussolini arrive au pouvoir en Italie, Enrico Prampolini, comme beaucoup d'autres artistes futuristes, soutient le nouveau régime. En 1932, avec Gerardo Dottori et Mario Sironi, il dirige et exécute dans un style futuriste la décoration de la grandiose "Exposition de la révolution fasciste" (Mostra della Rivoluzione Fascista) à Rome.
Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.
Giacomo Balla est un grand peintre du XXe siècle, représentant de la première vague du futurisme italien, l'un des maîtres les plus influents du siècle dernier.
L'œuvre de Giacomo Balla est une tentative de transmettre la dynamique, de capturer l'essence même du mouvement. Ses peintures sont lyriques, pleines de lumière et de rythme.
Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico était un artiste italien de renommée mondiale, reconnu pour sa contribution significative à l'art et à la culture. Né en Grèce, de Chirico a été l'un des pionniers du mouvement métaphysique en peinture, une approche qui a profondément influencé le surréalisme. Son œuvre se caractérise par des scènes énigmatiques, des perspectives allongées, et l'utilisation d'ombres profondes, créant une atmosphère de mystère et de mélancolie.
De Chirico est célèbre pour ses paysages urbains déserts, peuplés de mannequins, de tours allongées et de trains à vapeur lointains, qui évoquent des sentiments d'isolement et de réflexion intérieure. Ses tableaux comme « Les énigmes de l'heure » et « Le cerveau de l'enfant » sont des exemples emblématiques de son style unique, qui ont marqué l'histoire de l'art moderne.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, y compris au MoMA à New York et à la Tate Modern à Londres, témoignant de son importance et de son influence durables dans le monde de l'art. De Chirico a su transcender les frontières de l'imagination pour explorer les profondeurs de la psyché humaine, laissant derrière lui un héritage qui continue d'inspirer et de fasciner.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la découverte ou la redécouverte de l'œuvre de Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico offre une perspective unique sur les mouvements artistiques du début du XXe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'œuvre de de Chirico. Cette souscription est une excellente manière de rester informé des opportunités uniques liées à l'art et à la culture de cet artiste exceptionnel.
Filippo de Pisis, en réalité Luigi Filippo Tibertelli était un peintre, graphiste, écrivain et poète italien proche de l'école de la peinture métaphysique. Dès 1914, il étudie la littérature et la philosophie à l'université de Bologne.
Filippo de Pisis était un peintre du Novecento italien. Il est considéré comme un représentant du futurisme italien en peinture. Son œuvre est post-impressionniste et partiellement expressive.
.jpg)
Maurice de Vlaminck, peintre français, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, connu pour son rôle majeur dans le mouvement fauviste. Né à Paris en 1876, il s'est illustré par une utilisation audacieuse de la couleur et un style expressif qui défiait les conventions artistiques de son époque. Avec André Derain et Henri Matisse, il fut l'un des piliers du Fauvisme, mouvement caractérisé par l'emploi de couleurs pures et lumineuses. Cette approche novatrice a été particulièrement remarquée lors de l'exposition du Salon d'Automne de 1905, où le terme "fauves" a été utilisé pour la première fois pour décrire leur travail.
Vlaminck a également exploré d'autres régions et thèmes dans son œuvre, peignant des paysages le long de la Seine et réalisant des voyages à Londres et Marseille. Son travail a évolué au fil des ans, influencé par l'Impressionnisme et, plus tard, par Paul Cézanne, marquant une transition vers une palette plus monochromatique et des formes simplifiées. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve "Sur le zinc" et "L'homme a la pipe", ainsi que de nombreux paysages et natures mortes qui témoignent de sa capacité à capturer l'essence de son sujet avec intensité et émotion.
Les œuvres de Vlaminck sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, dont le Musée de l'Hermitage à Saint-Pétersbourg et l'Art Institute of Chicago, témoignant de son influence durable sur l'art moderne. Son approche révolutionnaire de la couleur et de la forme a ouvert la voie à de nouvelles générations d'artistes et continue d'inspirer les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs à la recherche d'œuvres marquantes de l'histoire de l'art, Maurice de Vlaminck demeure une source d'inspiration constante. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel, garantissant ainsi de ne rien manquer des dernières opportunités de découvrir et d'acquérir son art.
Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico était un artiste italien de renommée mondiale, reconnu pour sa contribution significative à l'art et à la culture. Né en Grèce, de Chirico a été l'un des pionniers du mouvement métaphysique en peinture, une approche qui a profondément influencé le surréalisme. Son œuvre se caractérise par des scènes énigmatiques, des perspectives allongées, et l'utilisation d'ombres profondes, créant une atmosphère de mystère et de mélancolie.
De Chirico est célèbre pour ses paysages urbains déserts, peuplés de mannequins, de tours allongées et de trains à vapeur lointains, qui évoquent des sentiments d'isolement et de réflexion intérieure. Ses tableaux comme « Les énigmes de l'heure » et « Le cerveau de l'enfant » sont des exemples emblématiques de son style unique, qui ont marqué l'histoire de l'art moderne.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, y compris au MoMA à New York et à la Tate Modern à Londres, témoignant de son importance et de son influence durables dans le monde de l'art. De Chirico a su transcender les frontières de l'imagination pour explorer les profondeurs de la psyché humaine, laissant derrière lui un héritage qui continue d'inspirer et de fasciner.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la découverte ou la redécouverte de l'œuvre de Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico offre une perspective unique sur les mouvements artistiques du début du XXe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'œuvre de de Chirico. Cette souscription est une excellente manière de rester informé des opportunités uniques liées à l'art et à la culture de cet artiste exceptionnel.
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Tancredi Parmeggiani, ou simplement Tancredi, était un peintre italien.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Venise. Avec Mario Deluigi et Lucio Fontana, Tancredi Parmeggiani est considéré comme l'un des plus importants représentants du Spazialismo ("Mouvement spatial"). Cette conception de l'art a été développée par Fontana, qui voyait dans un nouveau concept spatial de la technologie et de la science la base de l'art moderne. Tancredi Parmeggiani était également convaincu que la surface d'une image devait franchir les limites de la bidimensionnalité pour ouvrir de nouvelles dimensions à travers la couleur et le temps et trouver de nouvelles solutions artistiques.
La célèbre collectionneuse Peggy Guggenheim a été son mécène et a promu ses œuvres lyriques-abstraites dans les principaux musées américains. L'œuvre de Tancredi est acclamée par la critique, il participe activement à de nombreuses expositions en Italie, à Londres, à Paris et à New York, et reçoit plusieurs prix prestigieux. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et, en septembre de la même année, à l'âge de 37 ans, il met fin à ses jours à Rome.
Ennio Morlotti est un peintre abstractionniste italien.
Morlotti a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Florence et à l'Accademia di Brera de Milan. En 1947, il est l'un des fondateurs du mouvement d'après-guerre "Fronte Nuovo delle Arti".
Georges Noël était un artiste français, représentant de l'informel français.
Au milieu des années 1950, il s'est installé aux États-Unis et a commencé à créer des œuvres en empâtement, ou palimpsestes, comme il les appelait.
Les palimpsestes sont de vieilles pages de manuscrits qui ont été partiellement grattées et réutilisées. Georges Noël utilise le concept de palimpseste et crée ses toiles en utilisant du sable, de la silice broyée et des pigments bruts, ce qui donne à chaque œuvre un aspect tridimensionnel et énergique.
Georges Noël a été professeur à la Minneapolis School of Art avant de retourner à Paris.
Tancredi Parmeggiani, ou simplement Tancredi, était un peintre italien.
Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Venise. Avec Mario Deluigi et Lucio Fontana, Tancredi Parmeggiani est considéré comme l'un des plus importants représentants du Spazialismo ("Mouvement spatial"). Cette conception de l'art a été développée par Fontana, qui voyait dans un nouveau concept spatial de la technologie et de la science la base de l'art moderne. Tancredi Parmeggiani était également convaincu que la surface d'une image devait franchir les limites de la bidimensionnalité pour ouvrir de nouvelles dimensions à travers la couleur et le temps et trouver de nouvelles solutions artistiques.
La célèbre collectionneuse Peggy Guggenheim a été son mécène et a promu ses œuvres lyriques-abstraites dans les principaux musées américains. L'œuvre de Tancredi est acclamée par la critique, il participe activement à de nombreuses expositions en Italie, à Londres, à Paris et à New York, et reçoit plusieurs prix prestigieux. En 1964, il participe à la Biennale de Venise et, en septembre de la même année, à l'âge de 37 ans, il met fin à ses jours à Rome.
Hans Hartung est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du ХХe siècle : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.
Hans Hofmann, peintre allemand devenu américain, est reconnu comme l'une des figures majeures de l'art d'après-guerre. Né en 1880, il a exercé une influence considérable tant par ses toiles vibrantes de couleurs que par son rôle d'enseignant pour des générations d'artistes. Sa contribution au développement de l'Expressionnisme Abstrait est indéniable. Hofmann a partagé sa vie entre l'Europe et les États-Unis, enrichissant son art au contact des avant-gardes artistiques de Munich, Paris, New York et Provincetown.
Son parcours artistique est jalonné de rencontres avec des personnalités marquantes telles que Henri Matisse, Pablo Picasso et Jackson Pollock. Ces interactions ont non seulement façonné sa vision de l'art mais ont également contribué à l'établissement de sa réputation au sein de la scène artistique moderne. À partir de 1944, Hofmann s'est pleinement consacré à sa pratique de la peinture, développant une théorie et une méthode qu'il nomme "push and pull", caractérisées par un jeu dynamique entre la couleur et la forme.
Les œuvres de Hans Hofmann sont exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de son héritage durable dans le domaine de l'art contemporain. Ses tableaux, tels que ceux conservés au Museum of Modern Art de New York, continuent d'inspirer et d'émerveiller par leur audace et leur innovation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, la profondeur et l'influence de l'œuvre de Hans Hofmann demeurent une source inépuisable d'étude et d'admiration. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hans Hofmann, garantissant ainsi votre accès aux informations les plus pertinentes sur ce pilier de l'art moderne.
.jfif)
Samuel Lewis Francis était un artiste américain, peintre et graveur, reconnu pour son influence dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait et la peinture de champ coloré. Né le 25 juin 1923 à San Mateo, Californie, et décédé le 4 novembre 1994 à Santa Monica, Californie, Francis a marqué l'art post-guerre par ses œuvres vibrantes et son utilisation audacieuse de la couleur. Ses tableaux sont célèbres pour leur capacité à capturer la lumière et l'espace, en faisant un pont entre les traditions artistiques américaines et européennes.
Au cours de sa vie, Francis a exposé son travail à travers le monde, notamment aux États-Unis, en Europe et en Asie, contribuant ainsi à la reconnaissance internationale de la peinture américaine d'après-guerre. Ses œuvres font partie de collections prestigieuses dans des musées internationaux tels que le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art de New York, le Kunstmuseum Basel, et le Centre Pompidou-Musée National d'Art Moderne à Paris.
Après sa mort, la Fondation Sam Francis a été créée pour perpétuer son héritage créatif. La fondation œuvre à la documentation, la protection et la promotion de l'art de Francis, en plus de sensibiliser le public à travers l'éducation et l'information. Un documentaire intitulé "The Painter Sam Francis", sorti en 2010, explore sa vie et son œuvre, offrant un aperçu intime de son processus créatif et de son impact durable sur l'art contemporain.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art de Sam Francis et souhaitent rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cela vous permettra de rester au courant des dernières nouveautés et opportunités de découvrir davantage l'univers fascinant de cet artiste exceptionnel.
Mattia Moreni est un peintre et sculpteur italien, représentant du courant abstrait de l'art italien.
L'artiste est intéressant parce qu'il a traversé toutes les phases significatives de l'art du XXe siècle. Commençant par la fovéa figurative et l'expressionnisme, il s'est tourné vers le post-cubisme, puis vers les formes abstraites-concrètes. Moreni s'est ensuite tourné vers l'informel et le néo-expressionnisme. La décomposition, la mort et la splendeur deviennent les thèmes de son œuvre. Après les pastèques anthropoïdes, le déclin de l'espèce humaine est saisi par l'artiste à travers d'autres images : des macros féminines stériles et des ensembles de symboles, y compris la relation entre l'ordinateur humanoïde et l'ordinateur humanoïde.
Les peintures de Moreni ont reçu une large reconnaissance internationale.
Ennio Morlotti est un peintre abstractionniste italien.
Morlotti a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Florence et à l'Accademia di Brera de Milan. En 1947, il est l'un des fondateurs du mouvement d'après-guerre "Fronte Nuovo delle Arti".
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Franz Kline, artiste peintre américain, se distingue par son style unique qui a marqué le mouvement de l'expressionnisme abstrait. Connu pour ses grandes toiles en noir et blanc, Kline a su captiver le monde de l'art avec ses compositions audacieuses qui oscillent entre abstraction et figuration. Ses œuvres, caractérisées par de puissants coups de pinceau et un contraste dramatique, évoquent une intensité émotionnelle profonde, reflétant souvent le paysage urbain et industriel américain.
Kline a débuté sa carrière en tant qu'illustrateur, mais c'est sa rencontre avec l'abstraction qui a défini son chemin artistique. Influencé par ses contemporains tels que Willem de Kooning, il a développé une approche révolutionnaire de la peinture, où la spontanéité et l'expression de l'instant prévalent. Ses œuvres telles que "Chief" (1950) et "Mahoning" (1956) témoignent de cette recherche incessante d'équilibre entre le plein et le vide, la lumière et l'ombre.
Le travail de Kline est exposé dans les plus prestigieux musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art (MoMA) de New York et à la Tate Modern de Londres. Ces institutions célèbrent son apport significatif à l'art moderne, soulignant l'influence durable de ses compositions abstraites sur les générations d'artistes qui l'ont suivi.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Franz Kline demeure une source d'inspiration inépuisable et un investissement précieux. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Franz Kline. Cette souscription vous garantit un accès exclusif aux dernières acquisitions et découvertes dans l'univers de cet artiste emblématique de l'Art Style.
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Lucio Fontana était un artiste italo-argentin connu pour son travail de pionnier dans le domaine du spatialisme, un mouvement artistique qui explorait la relation entre l'espace et l'art.
Fontana a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Milan, en Italie. Dans les années 1940, il a commencé à expérimenter une technique qu'il a appelée "concept spatial", dans laquelle il a percé ou découpé des trous dans la toile pour créer un sentiment de profondeur et de dimensionnalité.
Tout au long des années 1950 et 1960, Fontana a continué à explorer les possibilités du Spatialisme en créant des œuvres sur différents supports, notamment la sculpture, la céramique et la peinture. L'une de ses séries d'œuvres les plus célèbres est celle des "Tagli" (coupures), qui consiste en des toiles monochromes comportant une ou plusieurs entailles ou perforations.
L'œuvre de Fontana a eu une influence significative sur le développement du mouvement Arte Povera en Italie, ainsi que sur le développement du minimalisme et de l'art conceptuel. Il a largement exposé ses œuvres en Europe et aux États-Unis, et son héritage continue d'être célébré par les artistes et les critiques d'aujourd'hui.
L'approche novatrice de l'art de Fontana et son exploration de la relation entre l'espace et la forme continuent d'être une source d'inspiration pour les artistes travaillant dans un large éventail de médias.
Gérard Ernest Schneider est un artiste suisse et français, l'un des créateurs de l'abstraction lyrique.
Il est diplômé de l'École nationale des beaux-arts de Paris. Dans les années d'après-guerre, l'art de Gérard Schneider a joué un rôle de pionnier dans la naissance d'une nouvelle forme d'abstraction. Schneider, avec d'autres artistes parisiens, a proposé une nouvelle forme radicale d'abstraction qu'il a appelée abstraction lyrique. À partir du milieu des années 1940, de grandes expositions sont organisées à Paris, puis en Allemagne, réunissant les principaux représentants de ce nouveau style.
Norman Bluhm est un peintre américain représentatif de l'expressionnisme abstrait et de l'Action painting.
L'œuvre de Bluhm a été acclamé par la critique et ses œuvres figurent dans les collections de plusieurs grands musées comme le Smithsonian American Art Museum. Son œuvre a évolué tout au long de sa carrière, tout en conservant certains éléments (coups de brosse, utilisation très libre de la couleur, sinuosité de la ligne, etc) que le spectateur reconnaît facilement.
Mario Deluigi est un artiste italien associé au mouvement spatial fondé par Lucio Fontana, dont il a signé le manifeste en 1951. Il a étudié la peinture à l'Accademia di Venezia avec Ettore Tito et Virgilio Guidi.
Les peintures de Mario Deluigi, réalisées selon la technique du grattage, présentent des surfaces colorées avec de fines rayures, créant l'illusion de nuages d'étincelles. La couleur et la lumière ont été à la base des recherches de l'artiste.
Mario Deluguigi a participé à huit Biennales de Venise. Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées et collections publiques.
Roberto Crippa est un peintre et sculpteur italien. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a développé ses compétences artistiques en explorant différents styles et techniques.
Les premières œuvres de Crippa ont été influencées par le surréalisme, avec ses images oniriques et symboliques. Cependant, il s'est rapidement éloigné de la représentation figurative et a commencé à utiliser l'abstraction. Son style artistique a évolué vers un mélange unique d'abstraction et de formes géométriques.
L'une des contributions notables de Crippa à l'art a été sa participation au mouvement Movimento Arte Concreta (Art concret) en Italie. Ce mouvement prônait un art non représentatif, mettant l'accent sur les formes géométriques, la précision mathématique et les aspects formels de l'art. Les œuvres de Krippa de cette période témoignent d'une fascination pour les grilles, les lignes et les motifs géométriques.
Roberto Crippa est un peintre et sculpteur italien. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a développé ses compétences artistiques en explorant différents styles et techniques.
Les premières œuvres de Crippa ont été influencées par le surréalisme, avec ses images oniriques et symboliques. Cependant, il s'est rapidement éloigné de la représentation figurative et a commencé à utiliser l'abstraction. Son style artistique a évolué vers un mélange unique d'abstraction et de formes géométriques.
L'une des contributions notables de Crippa à l'art a été sa participation au mouvement Movimento Arte Concreta (Art concret) en Italie. Ce mouvement prônait un art non représentatif, mettant l'accent sur les formes géométriques, la précision mathématique et les aspects formels de l'art. Les œuvres de Krippa de cette période témoignent d'une fascination pour les grilles, les lignes et les motifs géométriques.
Giulio Turcato était un peintre italien, reconnu pour sa contribution majeure à l'art abstrait et expressionniste. Sa formation artistique a commencé à Venise, où il a fréquenté l'école d'art et l'école de nu artistique. Giulio Turcato a vécu une jeunesse nomade, parcourant diverses villes italiennes avant de s'installer définitivement à Rome après la Seconde Guerre mondiale. Il a activement participé au mouvement de résistance italien et a été un membre influent de plusieurs groupes d'art avant-gardistes, notamment Forma 1 et le Fronte Nuovo delle Arti.
Son œuvre se distingue par l'utilisation de matériaux non conventionnels comme le sable et la mousse de caoutchouc, et par son exploration de la couleur et de la forme, ce qui lui a valu une reconnaissance internationale, notamment par sa présence régulière à la Biennale de Venise. Ses travaux sont exposés dans des musées et galeries prestigieux à travers le monde, affirmant son statut de l'un des grands peintres abstraits du XXe siècle.
Pour ceux intéressés par l'art de Turcato et souhaitant rester informés des ventes de ses œuvres et des événements d'enchères, je vous encourage à vous inscrire aux mises à jour spécifiques à Giulio Turcato. Cela vous permettra de recevoir des notifications sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'artiste.
Mario Deluigi est un artiste italien associé au mouvement spatial fondé par Lucio Fontana, dont il a signé le manifeste en 1951. Il a étudié la peinture à l'Accademia di Venezia avec Ettore Tito et Virgilio Guidi.
Les peintures de Mario Deluigi, réalisées selon la technique du grattage, présentent des surfaces colorées avec de fines rayures, créant l'illusion de nuages d'étincelles. La couleur et la lumière ont été à la base des recherches de l'artiste.
Mario Deluguigi a participé à huit Biennales de Venise. Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées et collections publiques.
Alfredo Chighine est un peintre et sculpteur italien du mouvement Informel.
Son art a évolué des premières lignes griffonnées à des peintures de précision vives et animées. Ces dernières années, Chighine a atteint son objectif principal : la luminosité, la texture de la surface et les lignes fluides.
Giulio Turcato était un peintre italien, reconnu pour sa contribution majeure à l'art abstrait et expressionniste. Sa formation artistique a commencé à Venise, où il a fréquenté l'école d'art et l'école de nu artistique. Giulio Turcato a vécu une jeunesse nomade, parcourant diverses villes italiennes avant de s'installer définitivement à Rome après la Seconde Guerre mondiale. Il a activement participé au mouvement de résistance italien et a été un membre influent de plusieurs groupes d'art avant-gardistes, notamment Forma 1 et le Fronte Nuovo delle Arti.
Son œuvre se distingue par l'utilisation de matériaux non conventionnels comme le sable et la mousse de caoutchouc, et par son exploration de la couleur et de la forme, ce qui lui a valu une reconnaissance internationale, notamment par sa présence régulière à la Biennale de Venise. Ses travaux sont exposés dans des musées et galeries prestigieux à travers le monde, affirmant son statut de l'un des grands peintres abstraits du XXe siècle.
Pour ceux intéressés par l'art de Turcato et souhaitant rester informés des ventes de ses œuvres et des événements d'enchères, je vous encourage à vous inscrire aux mises à jour spécifiques à Giulio Turcato. Cela vous permettra de recevoir des notifications sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'artiste.
Giò Pomodoro est un sculpteur, orfèvre, graveur et scénographe italien. Il est considéré comme l'un des sculpteurs abstraits les plus importants sur la scène internationale du XXe siècle. Il est le frère cadet du sculpteur Arnaldo Pomodoro.
Roberto Crippa est un peintre et sculpteur italien. Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a développé ses compétences artistiques en explorant différents styles et techniques.
Les premières œuvres de Crippa ont été influencées par le surréalisme, avec ses images oniriques et symboliques. Cependant, il s'est rapidement éloigné de la représentation figurative et a commencé à utiliser l'abstraction. Son style artistique a évolué vers un mélange unique d'abstraction et de formes géométriques.
L'une des contributions notables de Crippa à l'art a été sa participation au mouvement Movimento Arte Concreta (Art concret) en Italie. Ce mouvement prônait un art non représentatif, mettant l'accent sur les formes géométriques, la précision mathématique et les aspects formels de l'art. Les œuvres de Krippa de cette période témoignent d'une fascination pour les grilles, les lignes et les motifs géométriques.
Hsiao Chin est un peintre moderniste chinois qui a travaillé en Europe.
Né dans une famille d'intellectuels à Shanghai, Hsiao s'est installé à Taïwan en 1949 et a étudié au département d'art de l'école d'éducation de la province de Taipei (aujourd'hui Université nationale d'éducation de Taipei). En 1955, il fonde avec sept autres artistes le Ton Fan Art Group, le premier groupe d'art contemporain de l'après-guerre à Taïwan, qui tente de s'affranchir du réalisme et cherche une expression moderne de la spiritualité orientale.
Artiste novateur et cofondateur d'importants mouvements modernistes à Taïwan et en Europe, Hsiao a exploré la philosophie asiatique tout en adoptant les formes des pratiques avant-gardistes occidentales de l'après-guerre.
Au milieu des années 1950, Hsiao s'est installé à Milan, où il a vécu pendant un demi-siècle. En 1961, avec le peintre italien Antonio Calderara et le sculpteur japonais Adzuma Kenjiro à Milan, il cofonde le mouvement Punto, qui rassemble de nombreux artistes abstraits orientaux et occidentaux. Les œuvres de Xiao Qin ont été exposées dans le monde entier, notamment au MoMA et au Metropolitan Museum of Art de New York, au Musée national d'art de Chine, au Musée d'art contemporain de Barcelone et au Musée national d'art de Taïwan.
.jpg)
Pablo Atchugarry est un artiste uruguayen, surtout connu pour son art sculptural abstrait. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections importantes, tant privées que publiques, et il a organisé plus de cent expositions individuelles et collectives dans le monde entier.
Pour chaque sculpture, Atchugarry choisit personnellement un bloc approprié et s'implique activement dans la sculpture, avec une aide minimale des assistants. Il travaille le marbre blanc de Carrare de Toscane, la pierre grise de Bardiglio, le noir de Belgique et le rose du Portugal. En plus de la pierre, il utilise le bronze patiné, la céramique et, plus rarement, divers types de bois.
Paolo Scheggi est un artiste, designer et architecte constructiviste italien.
Scheggi a fait ses études à Florence, à l'Académie des beaux-arts. Il a d'abord étudié l'art informel et les techniques du nouveau dadaïsme, mais a rapidement développé son propre style. Il a travaillé avec Lucio Fontana et a rejoint le mouvement New Trends en 1965.
Scheggi s'est surtout fait connaître par ses œuvres monochromes et stratifiées. Il a travaillé dans le journalisme et la poésie, ainsi que sur des projets architecturaux urbains. Scheggi a également conçu une nouvelle maison de couture à Milan pour la célèbre créatrice Germana Marucelli.
Giuseppe Capogrossi est un graphiste et peintre italien actif au XXe siècle.
Il est un membre de la Nouvelle école romaine de peinture avec Corrado Cagli et Emanuele Cavalli. Il acquiert une importance considérable dans le paysage italien de l'informel avec Lucio Fontana et Alberto Burri.
Pietro Consagra était un sculpteur italien et l'une des figures de proue du mouvement artistique italien de l'après-guerre connu sous le nom d'Arte Informale ou Forma 1.
Les premières œuvres de Pietro Consagra sont influencées par la sculpture figurative traditionnelle, mais il est rapidement fasciné par le mouvement de l'art abstrait. Il rejette l'idée de créer des sculptures qui imitent la réalité et se concentre plutôt sur l'exploration de la relation entre la forme, l'espace et la perception du spectateur.
Les sculptures de Consagra présentent souvent des formes géométriques simplifiées, mettant l'accent sur des lignes épurées et des volumes solides. Ses œuvres se caractérisent par un sens de l'équilibre, de l'harmonie et de la tension spatiale.
Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.
Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.
Atanasio Soldati était un peintre abstrait italien.
Dans les années 1930, il a travaillé aux côtés de Picasso dans le style cubiste. Soldati est ensuite devenu une figure centrale de l'abstractionnisme italien. En 1948, avec Bruno Munari, Giello Dorfles et Gianni Monnet, il crée le mouvement de l'Art concret.
Atanasio Soldati était un peintre abstrait italien.
Dans les années 1930, il a travaillé aux côtés de Picasso dans le style cubiste. Soldati est ensuite devenu une figure centrale de l'abstractionnisme italien. En 1948, avec Bruno Munari, Giello Dorfles et Gianni Monnet, il crée le mouvement de l'Art concret.
Atanasio Soldati était un peintre abstrait italien.
Dans les années 1930, il a travaillé aux côtés de Picasso dans le style cubiste. Soldati est ensuite devenu une figure centrale de l'abstractionnisme italien. En 1948, avec Bruno Munari, Giello Dorfles et Gianni Monnet, il crée le mouvement de l'Art concret.
Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
Inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Victor Vasarely.
Victor Pasmore est un artiste et architecte anglais. Il est un des pionniers de l'art abstrait britannique dans les années 1940 et 1950. Son œuvre traduit le passage de la figuration à l'abstraction. D'abord inspiré par des peintres comme Paul Cézanne, le passage à l'abstraction vient d'influences nouvelles : Piet Mondrian, Paul Klee ou Ben Nicholson, entre autres. Il participe à la création de la Euston Road School en 1937.
Bruno Munari était un peintre, sculpteur, graphiste, designer, théoricien et éducateur italien.
Il était connu comme un homme orchestre : Munari dessinait, illustrait, sculptait, photographiait, concevait des publicités, des meubles et des jouets, écrivait des livres, enseignait, réalisait des films. Pablo Picasso l'appelait le "nouveau Léonard".
En tant qu'inventeur, Munari a jeté les bases de nombreux nouveaux types d'arts visuels. Par exemple, c'est lui qui a inventé des véhicules suspendus qui réagissent aux moindres fluctuations de l'air - des "machines inutiles" destinées à distraire le spectateur de l'agitation de la vie quotidienne.
Giò Pomodoro est un sculpteur, orfèvre, graveur et scénographe italien. Il est considéré comme l'un des sculpteurs abstraits les plus importants sur la scène internationale du XXe siècle. Il est le frère cadet du sculpteur Arnaldo Pomodoro.
Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico était un artiste italien de renommée mondiale, reconnu pour sa contribution significative à l'art et à la culture. Né en Grèce, de Chirico a été l'un des pionniers du mouvement métaphysique en peinture, une approche qui a profondément influencé le surréalisme. Son œuvre se caractérise par des scènes énigmatiques, des perspectives allongées, et l'utilisation d'ombres profondes, créant une atmosphère de mystère et de mélancolie.
De Chirico est célèbre pour ses paysages urbains déserts, peuplés de mannequins, de tours allongées et de trains à vapeur lointains, qui évoquent des sentiments d'isolement et de réflexion intérieure. Ses tableaux comme « Les énigmes de l'heure » et « Le cerveau de l'enfant » sont des exemples emblématiques de son style unique, qui ont marqué l'histoire de l'art moderne.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, y compris au MoMA à New York et à la Tate Modern à Londres, témoignant de son importance et de son influence durables dans le monde de l'art. De Chirico a su transcender les frontières de l'imagination pour explorer les profondeurs de la psyché humaine, laissant derrière lui un héritage qui continue d'inspirer et de fasciner.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la découverte ou la redécouverte de l'œuvre de Giuseppe Maria Alberto Giorgio de Chirico offre une perspective unique sur les mouvements artistiques du début du XXe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'œuvre de de Chirico. Cette souscription est une excellente manière de rester informé des opportunités uniques liées à l'art et à la culture de cet artiste exceptionnel.
Renato Guttuso était un peintre et graphiste italien du XXe siècle. Il est connu comme un représentant exceptionnel du néo-réalisme.
Renato Guttuso a été l'un des fondateurs du Front du nouvel art - Le mouvement artistique révolutionnaire qui a émergé en Italie après la Seconde Guerre mondiale.
Les peintures de Guttuso ont un message social fort, combinant l'expressionnisme, le cubisme et le réalisme. Il a également conçu des décors et des costumes pour le théâtre et créé des illustrations pour des livres.
Valerio Adami est un peintre italien. Valerio Adami, le plus français des peintres italiens, est surtout connu pour ses célèbres aplats aux couleurs acidulées et ses formes cernées par un contour noir qui font penser à la ligne claire de la bande dessinée mais aussi aux vitraux des églises. Les principaux thèmes de ses peintures sont la littérature, les voyages, ainsi que les relations entre poésie, musique et peinture. Il a aussi entretenu dès ses débuts des rapports étroits avec les écrivains et les artistes de l'avant-garde internationale parisienne.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
.jpg)
Salvatore Fiume est un artiste italien connu pour ses divers talents, notamment la peinture, la sculpture, la céramique et le graphisme.
Le style artistique de Salvatore Fiume a évolué tout au long de sa carrière, reflétant diverses influences. Les peintures de Fiume se caractérisent par des couleurs vives, un coup de pinceau dynamique et une certaine intensité émotionnelle. Il était également un sculpteur talentueux et a créé de nombreuses sculptures dans différents matériaux.
Salvatore Fiume est un artiste italien connu pour ses divers talents, notamment la peinture, la sculpture, la céramique et le graphisme.
Le style artistique de Salvatore Fiume a évolué tout au long de sa carrière, reflétant diverses influences. Les peintures de Fiume se caractérisent par des couleurs vives, un coup de pinceau dynamique et une certaine intensité émotionnelle. Il était également un sculpteur talentueux et a créé de nombreuses sculptures dans différents matériaux.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Francis Bacon est un peintre britannique réputé pour ses triptyques dont l'un est le plus cher du monde, Trois études de Lucian Freud.
Peintre de la violence, de la cruauté et de la tragédie, son esprit est hanté, selon ses dires, par le vers d'Eschyle « l'odeur du sang humain ne me quitte pas des yeux ». L'œuvre de Bacon se déploie en grands triptyques mettant en scène sa vie, ses amis, son admiration pour Diego Vélasquez, Vincent van Gogh ou Pablo Picasso, ou en portraits torturés, comme pliés dans la texture de la toile, de ses amis Michel Leiris, Mick Jagger, etc.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
Mario Schifano est un peintre et collagiste italien de tradition postmoderne.
Il a également atteint une certaine renommée en tant que cinéaste et musicien de rock.
Il est considéré comme l'un des plus éminents artistes du postmodernisme italien.
Michelangelo Pistoletto est un artiste contemporain, peintre et sculpteur italien. Connu à partir des années 1960, il rejoint le mouvement Arte Povera.
Depuis 1990, Pistoletto vit et travaille à Turin.
Michelangelo Pistoletto est un artiste contemporain, peintre et sculpteur italien. Connu à partir des années 1960, il rejoint le mouvement Arte Povera.
Depuis 1990, Pistoletto vit et travaille à Turin.
Giorgio Griffa est un artiste abstrait italien.
Il travaille dans le style de la peinture abstraite et peint à l'acrylique sur des toiles ou même des toiles de jute, qui sont simplement clouées au mur. Une fois pliées, les toiles forment des plis, que Griffa considère comme la base de ses compositions.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
Renato Guttuso était un peintre et graphiste italien du XXe siècle. Il est connu comme un représentant exceptionnel du néo-réalisme.
Renato Guttuso a été l'un des fondateurs du Front du nouvel art - Le mouvement artistique révolutionnaire qui a émergé en Italie après la Seconde Guerre mondiale.
Les peintures de Guttuso ont un message social fort, combinant l'expressionnisme, le cubisme et le réalisme. Il a également conçu des décors et des costumes pour le théâtre et créé des illustrations pour des livres.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
Renato Guttuso était un peintre et graphiste italien du XXe siècle. Il est connu comme un représentant exceptionnel du néo-réalisme.
Renato Guttuso a été l'un des fondateurs du Front du nouvel art - Le mouvement artistique révolutionnaire qui a émergé en Italie après la Seconde Guerre mondiale.
Les peintures de Guttuso ont un message social fort, combinant l'expressionnisme, le cubisme et le réalisme. Il a également conçu des décors et des costumes pour le théâtre et créé des illustrations pour des livres.
Irma Blank est une artiste italienne d'origine allemande. Son travail, basé sur un texte imprimé qu'elle transcrit à l'encre, a été primé à la Documenta 6 de Kassel en 1977 et à la Biennale de Venise en 1978. Son travail a été décrit comme "des langages de dessin sans mots" et donc "une forme de communication au-delà d'une langue particulière", y compris les sons.
Mario Schifano est un peintre et collagiste italien de tradition postmoderne.
Il a également atteint une certaine renommée en tant que cinéaste et musicien de rock.
Il est considéré comme l'un des plus éminents artistes du postmodernisme italien.
Salvo, de son vrai nom Salvatore Mangione, était un peintre et sculpteur italien qui vivait et travaillait à Turin.
Il est connu pour ses paysages et ses natures mortes aux couleurs vives. Salvo a également travaillé le marbre, en y gravant des inscriptions.
Mario Schifano est un peintre et collagiste italien de tradition postmoderne.
Il a également atteint une certaine renommée en tant que cinéaste et musicien de rock.
Il est considéré comme l'un des plus éminents artistes du postmodernisme italien.