407-4: Modern Contemporary Art
Friedrich Wilhelm Otto Modersohn était un peintre allemand de la fin du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre de paysages, représentant de l'école de Barbizon.
Otto Modersohn a produit des paysages de style barbizonien au début de sa carrière, mais à partir de 1890 environ, son style est devenu plus expressionniste, mettant l'accent sur le choix des couleurs. La mort de sa seconde épouse a influencé son style : les couleurs sont devenues plus sombres et les images plus austères. Modersohn fut l'un des fondateurs de la colonie d'artistes de Worpswede. Une grande collection de ses œuvres est conservée au musée Modersohn de Fischerhude, et une rue de Berlin porte son nom.
Hermann Karl Hesse était un poète, romancier et peintre germano-suisse, connu pour ses recherches sur les thèmes de l'authenticité, de la connaissance de soi et de la spiritualité. Né à Calw, en Allemagne, l'exploration par Hesse de la quête de vérité de l'individu lui a valu le prix Nobel de littérature en 1946. Ses récits tissent une riche tapisserie de pensée philosophique, comme en témoignent des chefs-d'œuvre tels que "Steppenwolf" et "Siddhartha", qui résonnent profondément avec l'expérience humaine.
Réputées pour leur prose lyrique et leur profonde compréhension de l'esprit humain, les œuvres de Hesse sont une pierre angulaire de la littérature du XXe siècle. Elles incitent les lecteurs à chercher au-delà des limites de la société et à trouver un sens plus profond de soi. Son style narratif allie la simplicité à un profond courant philosophique, invitant à la réflexion et à l'introspection.
Les collectionneurs et les connaisseurs de la littérature tiennent les œuvres de Hesse en haute estime, non seulement pour leur valeur littéraire, mais aussi pour leur importance culturelle. Pour ceux qui s'intéressent à l'évolution de la pensée littéraire et au rôle central des récits introspectifs, les œuvres de Hesse sont inestimables.
Friedrich Ahlers-Hestermann est un peintre et écrivain d'art allemand. Il était membre du Hamburgischer Künstlerclub de 1897 ainsi que du Hamburger Künstlerverein de 1832 et élève de l'Académie Matisse à Paris. Après la Première Guerre mondiale, il fut l'un des fondateurs de la Sécession hambourgeoise. Pendant la période du national-socialisme, il se retira dans l'émigration intérieure. Après la Seconde Guerre mondiale, il a été nommé directeur fondateur de l'école d'art de Hambourg.
Walter Schulz-Matan était un peintre allemand du réalisme magique. Après une formation de peintre décorateur, le Thuringien Walter Schulz-Matan mena une vie d'errances à travers l'Europe. Après le service militaire et la captivité pendant la Première Guerre mondiale, il a vécu à Munich à partir de 1919, a maintenu son premier studio à Munich-Schwabing à partir de 1920 et a travaillé comme peintre de scène pour la "Neue Bühne". À partir de 1930, il est l'un des co-fondateurs du groupe d'exposition 7 peintres munichois. Schulz-Matan était également membre de la Neue Secession et du Deutscher Künstlerbund. Dans le mouvement artistique de la Nouvelle Objectivité, Schulz-Matan a développé sa propre spécificité artistique dans le courant du Réalisme Magique. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a travaillé comme peintre de guerre en France, puis à nouveau comme artiste à Munich.
Conrad Felixmüller était un artiste allemand du XXe siècle, né Conrad Felix Müller. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur et graveur, représentant du mouvement de la nouvelle matérialité, qui a travaillé dans le style expressionniste.
Felixmüller a réalisé environ 2 500 peintures et dessins graphiques, dont le motif principal est l'être humain. L'artiste se considérait comme un expressionniste socialement critique, et ses œuvres reflétaient des scènes de la vie quotidienne. Dans les années 1930, un grand nombre de ses œuvres ont été confisquées par les nazis qui les considéraient comme des exemples d'art dégénéré et les ont détruites. À la suite du bombardement de Berlin en 1944, Felixmüller a perdu une grande partie de son œuvre.
Conrad Felixmüller était un artiste allemand du XXe siècle, né Conrad Felix Müller. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur et graveur, représentant du mouvement de la nouvelle matérialité, qui a travaillé dans le style expressionniste.
Felixmüller a réalisé environ 2 500 peintures et dessins graphiques, dont le motif principal est l'être humain. L'artiste se considérait comme un expressionniste socialement critique, et ses œuvres reflétaient des scènes de la vie quotidienne. Dans les années 1930, un grand nombre de ses œuvres ont été confisquées par les nazis qui les considéraient comme des exemples d'art dégénéré et les ont détruites. À la suite du bombardement de Berlin en 1944, Felixmüller a perdu une grande partie de son œuvre.
Max Slevogt est un peintre, graveur et dessinateur allemand impressionniste. Il est l'un des principaux représentants avec Lovis Corinth et Max Liebermann du style «plein air» allemand.
Otto Dix était un peintre et graveur allemand, reconnu pour son implication dans les mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité, dont il est considéré comme l'un des fondateurs. Né en 1891 à Untermhaus près de Gera, il a débuté son parcours artistique dans un contexte familial modeste, avec un père travaillant dans une mine de fer et une mère passionnée par la musique et la peinture. Grâce à une bourse d'études, Dix a pu intégrer l'École des arts appliqués de Dresde, où il a exploré divers mouvements artistiques comme le cubisme, le futurisme et le dadaïsme.
Sa participation volontaire à la Première Guerre mondiale a profondément marqué son œuvre, en particulier à travers le portefeuille d'eaux-fortes intitulé "Der Krieg" (La Guerre), publié en 1924. Cette série reflète les horreurs et l'absurdité du conflit, thèmes récurrents dans son travail. Dix a été persécuté par le régime nazi, qui a qualifié ses œuvres d'"art dégénéré" et lui a interdit d'exposer. Il a cependant continué à peindre, se concentrant sur des paysages moins provocateurs pendant cette période sombre.
Après la guerre, Dix a retrouvé une certaine reconnaissance, recevant le Grand Croix du Mérite de la République Fédérale d'Allemagne et le Prix Cornelius de la ville de Düsseldorf. Malgré les divisions politiques de l'Allemagne d'après-guerre, il a été honoré dans les deux États allemands pour ses contributions à l'art.
Des œuvres significatives comme "La Guerre" (triptyque, 1929-1932), "Prager Straße" (La Rue de Prague, 1920), et la série de gravures "Der Krieg" (1924) témoignent de son engagement artistique et de sa critique sociale. Son impact sur l'art du XXe siècle est indéniable, notamment pour sa capacité à capturer l'essence de la condition humaine à travers les turbulences de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la profondeur et la diversité stylistique de l'œuvre de Dix offrent un champ d'étude riche et varié. Ses contributions aux mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité continuent d'influencer et d'inspirer les générations d'artistes et d'historiens de l'art.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Otto Dix. Cette souscription vous permettra de rester informé sur les opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Anton Gutknecht était un peintre paysagiste américano-allemand connu pour ses paysages maritimes du sud de la Californie et de l'Europe rurale. Avec un intérêt particulier pour la nature tumultueuse de l'océan, l'artiste s'est souvent concentré sur la capture des vagues se brisant sur le rivage ou sur les branches d'un navire rendues avec un haut niveau de détail réaliste. Gutknecht a passé sa jeunesse à voyager entre différentes régions du pays, notamment Munich et Hambourg, observant le terrain montagneux qui allait plus tard être au centre de son travail et lui apporter une reconnaissance. Gutknecht a enseigné à la Royal Academy de Vienne avant de se rendre fréquemment dans le sud de la Californie dans les années 1930, avant de s'y installer pour s'installer à Palm Springs et se concentrer sur la capture du paysage.
Paul Signac, un artiste français emblématique, a marqué l'histoire de l'art par sa technique du pointillisme, développée avec Georges Seurat. Né à Paris en 1863, Signac a commencé par s'intéresser à l'architecture avant de se consacrer entièrement à la peinture. Son œuvre est profondément influencée par ses voyages en bateau, qui lui ont permis de visiter divers ports et paysages, capturant leur essence à travers des aquarelles vibrantes et des peintures à l'huile.
Signac s'est associé à plusieurs figures importantes de l'art, comme Vincent van Gogh et Toulouse Lautrec. Il a également été un défenseur actif des idées anarchistes, contribuant à des publications telles que "Les Temps Nouveaux". Cette dimension politique de sa vie a également influencé certaines de ses œuvres, comme en témoigne le changement de titre de sa peinture "Au temps d'Harmonie", initialement intitulée "Au temps d'Anarchie".
Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons le portrait de Félix Fénéon (1890), "Femme au Parasol" (1893) au Musée d'Orsay, et "La Dame sur la Terrasse" (1898) à la National Gallery of Ireland. Ces peintures illustrent la maîtrise de Signac de la couleur et du pointillisme, et ont influencé des artistes tels que Henri Matisse et André Derain, préfigurant le mouvement Fauviste.
Paul Signac a également joué un rôle clé en tant que président de la Société des Artistes Indépendants, soutenant les œuvres controversées des Fauves et des Cubistes. Son engagement envers l'art et la culture se reflète également dans son soutien financier aux arts et à divers artistes.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'héritage de Signac reste une source d'inspiration. Sa capacité à capturer la lumière et la couleur dans ses œuvres offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne. Si vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements de vente aux enchères liés à Paul Signac, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour.
Bernard Buffet, artiste français né le 10 juillet 1928 à Paris et décédé le 4 octobre 1999 à Tourtour, Var, est une figure emblématique de l'art expressionniste. Sa réputation s'est construite sur un travail prolifique et diversifié, couvrant des thèmes variés comme les personnages, les natures mortes, les paysages et les intérieurs. Peintre, graveur et aquarelliste, Buffet a également contribué à l'art décoratif et à l'illustration, révélant un talent exceptionnel dès son adolescence et poursuivant une formation formelle à l'École des beaux-arts de Paris.
Dès le début de sa carrière, Buffet a captivé le public et les critiques, organisant sa première exposition personnelle avant même d'atteindre la vingtaine. Son style unique et son engagement envers l'expressionnisme lui ont permis de se distinguer rapidement dans le monde de l'art, où il a été comparé à des géants comme Pablo Picasso. Malgré un début de carrière fulgurant, la perception du public à l'égard de Buffet a évolué au fil du temps, notamment en raison de son mode de vie extravagant qui contrastait avec le contexte économique de l'après-guerre en France. Cela, combiné à une production artistique parfois jugée excessive, a affecté sa réputation.
Malgré ces controverses, Bernard Buffet a laissé une empreinte indélébile sur l'art du XXe siècle, avec plus de 8 000 œuvres à son actif. Son talent a été reconnu internationalement, notamment au Japon où un musée lui est entièrement consacré depuis 1973. Il a également été honoré en France, recevant la distinction de Chevalier de la Légion d'Honneur.
La réévaluation de son œuvre au XXIe siècle témoigne de l'intérêt renouvelé pour son art, particulièrement en Asie et dans les anciennes nations soviétiques. Les expositions récentes et les ventes aux enchères attestent de la vitalité de son héritage, faisant de Bernard Buffet un sujet d'étude et de collection toujours actuel pour les amateurs d'art et les experts.
Pour ceux qui souhaitent rester informés des dernières ventes et événements d'enchères liés à Bernard Buffet, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous permettra de recevoir des alertes sur les nouvelles opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste exceptionnel, en vous plongeant davantage dans le monde fascinant de l'art et de la culture.
Bernard Buffet, artiste français né le 10 juillet 1928 à Paris et décédé le 4 octobre 1999 à Tourtour, Var, est une figure emblématique de l'art expressionniste. Sa réputation s'est construite sur un travail prolifique et diversifié, couvrant des thèmes variés comme les personnages, les natures mortes, les paysages et les intérieurs. Peintre, graveur et aquarelliste, Buffet a également contribué à l'art décoratif et à l'illustration, révélant un talent exceptionnel dès son adolescence et poursuivant une formation formelle à l'École des beaux-arts de Paris.
Dès le début de sa carrière, Buffet a captivé le public et les critiques, organisant sa première exposition personnelle avant même d'atteindre la vingtaine. Son style unique et son engagement envers l'expressionnisme lui ont permis de se distinguer rapidement dans le monde de l'art, où il a été comparé à des géants comme Pablo Picasso. Malgré un début de carrière fulgurant, la perception du public à l'égard de Buffet a évolué au fil du temps, notamment en raison de son mode de vie extravagant qui contrastait avec le contexte économique de l'après-guerre en France. Cela, combiné à une production artistique parfois jugée excessive, a affecté sa réputation.
Malgré ces controverses, Bernard Buffet a laissé une empreinte indélébile sur l'art du XXe siècle, avec plus de 8 000 œuvres à son actif. Son talent a été reconnu internationalement, notamment au Japon où un musée lui est entièrement consacré depuis 1973. Il a également été honoré en France, recevant la distinction de Chevalier de la Légion d'Honneur.
La réévaluation de son œuvre au XXIe siècle témoigne de l'intérêt renouvelé pour son art, particulièrement en Asie et dans les anciennes nations soviétiques. Les expositions récentes et les ventes aux enchères attestent de la vitalité de son héritage, faisant de Bernard Buffet un sujet d'étude et de collection toujours actuel pour les amateurs d'art et les experts.
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Bruno Voigt était un peintre politique allemand, dessinateur et graphiste. L'œuvre de Bruno Voigt se compose principalement d'œuvres sur papier dans les techniques de l'encre et de l'aquarelle. Les premières œuvres ont été créées vers 1929 ; ils abordent les cafés métropolitains et les scènes de rue ainsi que la terreur SA émergente. Après des contrôles par la SA et le NSDAP, il s'installe à Ulrichshalbe en 1936 et renonce à toute activité politique directe. La vie discrète au village lui offrait une relative sécurité personnelle. Ainsi, son travail a été créé dans l'isolement, sans le soutien d'une scène artistique et non conseillé par la critique ou le rejet. Les œuvres de Voigt ont été présentées au public pour la première fois dans l'exposition Révolution et réalisme. L'artiste lui-même a estimé son œuvre du début à la fin de la guerre (1929-1945) à environ 20 peintures, 30 eaux-fortes et environ 500 dessins.
Jeanne Mammen était une artiste allemande du XXe siècle. Elle est connue comme graphiste et dessinatrice, représentante du modernisme et figure importante de la vie artistique de la République de Weimar.
Jeanne Mammen a développé un style artistique proche de l'école du Nouveau Matérialisme. Avec l'âge, son œuvre devient plus symbolique ; après 1945, l'artiste s'oriente vers l'abstraction. Elle travaille pour des magazines de mode, crée des affiches de films et illustre des poèmes érotiques. Mammen développe activement les techniques de collage et réalise des portraits, des caricatures et des croquis de personnages de rue.
Hermann Teuber était un peintre et graphiste allemand.
En 1926, Teuber a reçu la médaille du ministère de la Culture de Prusse pour ses réalisations exceptionnelles. Il profita d'un séjour de six mois à Paris pour étudier les paysages du nord de la France. Peintre et graphiste indépendant à Berlin, il reçut en 1928 le prix Ilgen de la ville de Dresde, en 1931 le prix Albrecht Dürer de la ville de Nuremberg pour ses gravures et en 1935 une bourse d'atelier à l'Académie de Kassel.
Hermann Teuber était un peintre et graphiste allemand.
En 1926, Teuber a reçu la médaille du ministère de la Culture de Prusse pour ses réalisations exceptionnelles. Il profita d'un séjour de six mois à Paris pour étudier les paysages du nord de la France. Peintre et graphiste indépendant à Berlin, il reçut en 1928 le prix Ilgen de la ville de Dresde, en 1931 le prix Albrecht Dürer de la ville de Nuremberg pour ses gravures et en 1935 une bourse d'atelier à l'Académie de Kassel.
Ernst Fuchs est un artiste autrichien : peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, architecte, scénographe, compositeur, poète, chanteur et l'un des fondateurs de l'École de Vienne du réalisme fantastique. En 1972, il achète, à Hütteldorf, la villa d'Otto Wagner, architecte de l'Art nouveau, qu'il restaure et transforme. Le Musée Ernst Fuchs y est inauguré en 1988.
Ernst Wilhelm Nay est un peintre et graphiste allemand du modernisme classique. Il est considéré comme l'un des peintres les plus importants de l'art allemand d'après-guerre.
Markus Lüpertz est un peintre allemand. Il est aussi, depuis les années 1980, décorateur de théâtre et sculpteur.
Lüpertz est considéré comme un des plus importants représentants du néo-expressionnisme allemand. Surnommé «le prince des peintres» pour ses apparitions publiques spectaculaires, pour son utilisation d’une rhétorique égocentrique et pour son style de vie extravagant, il est proche d’autres peintres allemands contemporains comme Jörg Immendorff ou Georg Baselitz, ainsi que de personnalités comme l’ex-chancelier Gerhard Schröder.
Günther Uecker est un artiste allemand appartenant au Groupe ZERO qui s'est fait connaître pour ses travaux dans la peinture et la sculpture. Il est particulièrement renommé pour avoir travaillé avec des clous qu'il fixe sur des panneaux ou ses sculptures. Une part de son œuvre fait corps avec l'art cinétique.
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Max Ernst, artiste allemand devenu citoyen américain en 1948 et français en 1958, est reconnu pour son rôle pionnier dans les mouvements Dada et Surréalisme. Né le 2 avril 1891 à Brühl, près de Cologne, et décédé le 1 avril 1976 à Paris, Ernst a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art grâce à sa capacité à explorer l'inconscient et à fusionner le rêve avec la réalité dans ses œuvres. Son approche novatrice de l'art comprenait l'utilisation de techniques telles que le collage, la frottage, et la grattage, qui ont permis de créer des images fantastiques et oniriques captivant l'imagination du spectateur.
Dès le début, Ernst a été profondément influencé par l'art de Pablo Picasso, Vincent van Gogh, et Paul Gauguin, rencontrant également des artistes clés comme Hans Arp, qui est devenu un ami de longue date. L'expérience traumatisante de la Première Guerre mondiale a joué un rôle crucial dans son orientation artistique, Ernst cherchant à exprimer les absurdités et les horreurs de la guerre à travers ses œuvres. Après la guerre, il s'est engagé dans le mouvement Dada à Cologne avant de s'installer à Paris, où il a rejoint les surréalistes, développant des amitiés importantes avec des figures telles que André Breton et Paul Éluard.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte "Ubu Imperator" (1923), conservé au Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou à Paris, "L'Ange du Foyer" (1937), inspiré par les événements politiques mondiaux tels que la guerre civile espagnole, et "Europe après la Pluie II" (1940-42), une évocation apocalyptique reflétant les ravages de la Seconde Guerre mondiale. Ces œuvres sont exposées dans des musées de renommée mondiale, témoignant de l'influence et de l'importance de Max Ernst dans l'histoire de l'art moderne.
Les collectionneurs et les experts en art et antiquités trouvent en Max Ernst une source d'inspiration constante, son travail étant un témoignage puissant de l'innovation et de la capacité de l'art à refléter et à défier les époques. Pour ceux désireux de rester informés sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Max Ernst, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour spécifiques à cet artiste exceptionnel.
Hans Hartung est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du ХХe siècle : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.
Gotthard Graubner était un peintre abstrait allemand associé aux mouvements Zero et Informel de l'après-guerre. L'œuvre de Graubner est connue pour l'importance qu'elle accorde à la couleur et à sa relation avec l'espace et la perception.
Graubner a étudié à la Kunstakademie de Düsseldorf avec le peintre Georg Meistermann. Dans les années 1950, il s'est associé au groupe Zero, un mouvement d'artistes qui cherchaient à créer une nouvelle forme d'art libérée des conventions artistiques traditionnelles et axée sur l'utilisation de matériaux non conventionnels.
Dans les années 1960, Graubner a commencé à créer ses "corps de l'espace-couleur", de grandes toiles montées à l'écart du mur et remplies d'épaisses couches de pigments. Ces œuvres étaient conçues pour être perçues comme des objets tridimensionnels, à la fois peintures et sculptures, et elles créaient souvent un sentiment de profondeur et d'ambiguïté spatiale.
Les œuvres de Graubner ont été largement exposées en Europe et aux États-Unis, et il a reçu de nombreux prix et distinctions tout au long de sa carrière. Il a également enseigné dans plusieurs écoles d'art, dont la Kunstakademie de Düsseldorf et la Städelschule de Francfort.
L'approche novatrice de la peinture de Graubner et son exploration de la relation entre la couleur, l'espace et la perception continuent d'exercer une influence importante sur l'art contemporain.
Günter Weseler était un artiste allemand. Il s'est fait connaître pour ses « objets respiratoires », qui constituent l'essentiel de son travail. Avec ces « nouvelles espèces », comme il appelait ses objets, Weseler était l'un des artistes les plus importants de l'avant-garde allemande des années 1960 et 1970. Au début de sa carrière artistique, Weseler revenait sans cesse à la peinture. Il se tourna parfois vers le fantastique, il peignit des maisons cubistes décalées, aborda des associations organiques dans des images abstraites avec un travail à la spatule. En 1964, Günter Weseler a commencé à étudier le phénomène de la respiration. En 1966, il passe à la "mise en forme visuelle du rythme respiratoire" avec des ballons respiratoires gonflés à l'air comprimé, d'environ deux mètres de diamètre, d'où l'air s'échappe à nouveau, et enfin aux objets en fourrure contrôlés mécaniquement. Il a placé ses créatures à fourrure sans visage et respirantes dans les situations les plus variées de la vie. Selon l'endroit, le lieu et la situation, ils peuvent complètement changer de caractère.
Günter Weseler était un artiste allemand. Il s'est fait connaître pour ses « objets respiratoires », qui constituent l'essentiel de son travail. Avec ces « nouvelles espèces », comme il appelait ses objets, Weseler était l'un des artistes les plus importants de l'avant-garde allemande des années 1960 et 1970. Au début de sa carrière artistique, Weseler revenait sans cesse à la peinture. Il se tourna parfois vers le fantastique, il peignit des maisons cubistes décalées, aborda des associations organiques dans des images abstraites avec un travail à la spatule. En 1964, Günter Weseler a commencé à étudier le phénomène de la respiration. En 1966, il passe à la "mise en forme visuelle du rythme respiratoire" avec des ballons respiratoires gonflés à l'air comprimé, d'environ deux mètres de diamètre, d'où l'air s'échappe à nouveau, et enfin aux objets en fourrure contrôlés mécaniquement. Il a placé ses créatures à fourrure sans visage et respirantes dans les situations les plus variées de la vie. Selon l'endroit, le lieu et la situation, ils peuvent complètement changer de caractère.
Hubert Kiecol est un artiste allemand. Il a été professeur à la State Art Academy de Düsseldorf. Kiecol est diplômé de l'école d'art de Hambourg en 1971 et à partir de 1975 de l'université des beaux-arts de Hambourg. En 1984, il a reçu une bourse Mies van der Rohe et en 1985 une bourse Annemarie et Will Grohmann. En 1991, il reçoit le prix Will Grohmann de l'Académie des arts de Berlin. En 1993, il est nommé professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. En 2000, il reçoit le prix Wolfgang Hahn pour l'art contemporain de la Société d'art moderne du Musée Ludwig de Cologne.
Gerhard Richter est un artiste peintre allemand dont l'œuvre est reconnue, depuis les années 1980, «comme une expérience artistique inédite et remarquable». Peintre polymorphe, il aborde tantôt des sujets figuratifs, tantôt produit des œuvres abstraites.
Edo Murtić est un peintre croate, graveur, peintre de décorations murales, abstrait lyrique.
Peintre figuratif pendant la Seconde Guerre mondiale, son œuvre aborde ensuite une abstraction fortement expressive.
Lambert Maria Wintersberger était un artiste allemand.
Avec d'autres artistes tels que Markus Lüpertz, Karl Horst Hödicke et Bernd Koberling, il a participé à la fondation de la galerie "Großgörschen 35" à Berlin.
Lambert Maria Wintersberger a été lauréat du Centre Européen d'Actions Artistiques Contemporaines à Strasbourg en 1992, et en 2005 et 2006, il a été l'artiste invité à la Majolika Ceramic Factory à Karlsruhe.
Klaus Fussmann est un peintre et graphiste allemand contemporain. De 1957 à 1961, il étudie à l'école Folkwang d'Essen et de 1962 à 1966 à l'Académie des beaux-arts de Berlin. De 1974 à 2005, Klaus Fußmann a occupé un poste de professeur à l'Université des Arts de Berlin. En 2004, il a créé les peintures monumentales Vue de Berlin Mitte et Paysage dans l'Uckermark pour la salle Ullstein de l'Axel-Springer-Haus sur Rudi-Dutschke-Strasse à Berlin-Kreuzberg, et en 2005 la peinture monumentale du plafond Nuages dans la salle de Miroirs du Museum für Kunst und Business à Hambourg. Klaus Fussmann est membre de l'Académie libre des arts de Hambourg depuis 1989 et membre de l'Association allemande des artistes. D'importantes présentations de son travail ont lieu en 1972 à la Nouvelle Galerie Nationale de Berlin, 1982 à la Mathildenhöhe de Darmstadt, 1988 à la Kunsthalle Emden, 1992 à la Kunsthalle Bremen, 2003 au Ostwall Museum de Dortmund. Lui et son travail ont reçu plusieurs prix. Les œuvres de Klaus Fussmann font partie des collections du musée Gunzenhauser de Chemnitz, de la Pinakothek der Moderne de Munich, du musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main et du musée national d'art et d'histoire culturelle du Schleswig-Holstein au château de Gottorf.
Thomas Bernstein est un artiste visuel et professeur d'art allemand. De 1978 à 1985, il étudie à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Outre des œuvres figuratives sur papier, le sculpteur, dessinateur et performeur crée également des sculptures anthropomorphes à partir de divers matériaux, principalement du silicone. Le thème dominant de ses performances est le mouvement, le quotidien et l'absurde. Alors que ses œuvres picturales portent sur des questions de communication humaine, il montre des formes abstraites liées au corps dans ses sculptures. On les retrouve dans ses dessins figuratifs de manière plus naturaliste.
Kalev Mark Kostab est un artiste et compositeur américain. Mark Kostabi est surtout connu pour ses peintures de personnages sans visage qui commentent souvent les problèmes politiques, sociaux et psychologiques contemporains, et qui ont des racines stylistiques visuelles dans le travail de Giorgio de Chirico et Fernand Léger. Il a aussi fait certains produits dont des verres à lait Ritzenhoff. Son travail a été publié sur la couverture du livre East Village '853 publié par Pelham Press et ses peintures ont été incluses dans des expositions East Village. Kostabi a conclu des collaborations avec d'autres artistes dont Enzo Cucchi, Tadanori Yokoo, Enrico Baj. Le travail de Kostabi est dans les collections permanentes du Musée d'art moderne à New York, du Metropolitan Museum of Art de New York, de la Galerie Nationale de Washington DC 10 , du Yale University Art Gallery.
Gesa Will est une artiste allemande contemporaine. 1965-1969 étudie la peinture et le graphisme à Cologne et à Munich. Elle a effectué des voyages d'études en France, en Espagne, au Maroc, en Turquie, en Iran, en Afghanistan et au Pakistan. Depuis 1970, elle travaille comme artiste indépendante. Possède son propre studio de graphisme à Munich. Elle peint des plantes, des paysages, des natures mortes, des portraits.
Gesa Will est une artiste allemande contemporaine. 1965-1969 étudie la peinture et le graphisme à Cologne et à Munich. Elle a effectué des voyages d'études en France, en Espagne, au Maroc, en Turquie, en Iran, en Afghanistan et au Pakistan. Depuis 1970, elle travaille comme artiste indépendante. Possède son propre studio de graphisme à Munich. Elle peint des plantes, des paysages, des natures mortes, des portraits.