Art moderne — 801 | Moderne & Zeitgenössische Kunst, Design
Käthe Kollwitz (née sous le nom de Schmidt) était une artiste allemande qui a travaillé avec la peinture, la gravure (y compris la gravure, la lithographie et les gravures sur bois) et la sculpture. Ses cycles d'art les plus célèbres, dont The Weavers et The Peasant War, décrivent les effets de la pauvreté, de la faim et de la guerre sur la classe ouvrière. Malgré le réalisme de ses premières œuvres, son art est maintenant plus étroitement associé à l'expressionnisme. Kollwitz a été la première femme non seulement à être élue à l'Académie prussienne des arts, mais aussi à recevoir le statut de professeur honoraire.
Käthe Kollwitz (née sous le nom de Schmidt) était une artiste allemande qui a travaillé avec la peinture, la gravure (y compris la gravure, la lithographie et les gravures sur bois) et la sculpture. Ses cycles d'art les plus célèbres, dont The Weavers et The Peasant War, décrivent les effets de la pauvreté, de la faim et de la guerre sur la classe ouvrière. Malgré le réalisme de ses premières œuvres, son art est maintenant plus étroitement associé à l'expressionnisme. Kollwitz a été la première femme non seulement à être élue à l'Académie prussienne des arts, mais aussi à recevoir le statut de professeur honoraire.
Heinrich Ehmsen était un peintre expressionniste et un artiste graphique allemand.
Issu d'une famille pauvre, Ehmsen étudie à l'École des arts et métiers de Düsseldorf, travaille comme décorateur et peint. Progressivement, la révolution devient l'idée centrale de nombre de ses tableaux. Après la Première Guerre mondiale, à laquelle il participe en tant que mobilisé, ses réflexions sur la guerre et l'échec de la révolution allemande l'amènent à prendre conscience que l'existence humaine est menacée. Tout cela se reflète dans ses dessins et ses peintures.
Après un stage de six mois dans le sud de la France en 1929, Ehmsen s'installe à Berlin et passe les années 1932-1933 en URSS. Ses œuvres sont exposées à Moscou et les musées soviétiques acquièrent ses peintures. Avec l'arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes en Allemagne en 1937, Heinrich Ehmsen est condamné en tant qu'artiste dégénéré et ses peintures sont retirées des collections allemandes.
Après la guerre, Heinrich Ehmsen a travaillé comme directeur adjoint et chef de la classe de peinture à l'Académie des beaux-arts de Berlin-Ouest, mais en 1950, il a déménagé à l'Académie des beaux-arts de Berlin-Est. En 1961, l'artiste a remporté le prix national de la RDA.
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Lesser Ury était un peintre allemand d'origine juive de la fin du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle. Il est connu comme peintre impressionniste, graphiste et graveur, représentant de l'école de peinture de Düsseldorf.
Ury a peint des paysages ruraux et urbains, des natures mortes et des peintures monumentales sur des thèmes bibliques. Ses œuvres représentant les rues de Berlin et des vues du Brandebourg sont particulièrement remarquables. Ury maîtrisait aussi bien les couleurs à l'huile, pour créer des peintures florales et des scènes urbaines, que les pastels, pour transmettre une atmosphère d'air et de lumière dans les paysages.
Willi Jaeckel, de son nom complet Willi Gustav Erich Jaeckel, était un peintre et graphiste allemand, représentant majeur de l'expressionnisme en peinture.
Jaeckel étudie à Breslau, puis à l'Académie des arts de Dresde, devient en 1915 membre de la Sécession berlinoise, puis de l'Académie prussienne des arts. À partir de 1925, il enseigne à l'École supérieure d'éducation artistique et à l'Université des arts de Berlin. Jaeckel a été l'un des premiers à créer des œuvres sur des sujets religieux dans le style expressionniste, mais il a également peint des paysages, des portraits, des natures mortes et des nus. Ses œuvres sont expressives et décoratives dans leur exécution. L'artiste considérait que son œuvre principale était le cycle de gravures "Menschgott-Gottmensch".
Willy Jaeckel est mort en janvier 1944 lors du bombardement de Berlin. Ses œuvres sont conservées dans des musées allemands et dans des collections privées.
Max Liebermann était un peintre et graveur allemand et l'un des principaux partisans de l'impressionnisme en Allemagne et en Europe continentale. En plus de son activité d'artiste, il a également rassemblé une importante collection d'œuvres impressionnistes françaises.
Georges Braque est un peintre français célèbre pour son rôle crucial dans le développement du cubisme aux côtés de Pablo Picasso. Ses œuvres sont connues pour leur construction robuste, leurs harmonies de couleurs discrètes et leur qualité méditative et sereine. Georges Braque a commencé sa carrière artistique dans le style fauviste avant d'être influencé par Paul Cézanne, ce qui l'a conduit au cubisme, une période durant laquelle il a étudié intensément les effets de la lumière et de la perspective.
Les œuvres de Georges Braque reflètent son intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée, déconstruisant souvent des structures architecturales en formes géométriques tout en jouant sur la perception de la tridimensionnalité. Sa collaboration avec Picasso a été particulièrement fructueuse, aboutissant à la création de l'Analytic Cubism. Braque a également innové dans le domaine du collage avec la technique du papier collé. Après la Première Guerre mondiale, il a continué à explorer le cubisme, se concentrant sur la représentation d'objets sous différents angles et dans divers plans temporels et picturaux.
Dans ses dernières années, Georges Braque a diversifié ses sujets, peignant des natures mortes, des paysages et explorant des thèmes comme les mythes grecs et la vanité. Ses œuvres tardives montrent un intérêt renouvelé pour la couleur et la texture, reflétant les influences de Picasso et Matisse. Malgré les changements de style et de sujet, Braque est resté fidèle aux principes cubistes de représentation multiperspectiviste jusqu'à la fin de sa vie.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art et la collection, les œuvres de Georges Braque offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution du cubisme et sur l'histoire de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Georges Braque, vous permettant de rester informé sur les opportunités de collectionner les pièces de cet artiste emblématique.
Walter Gramatté est un peintre et graveur allemand de la seconde génération de l'expressionnisme. Il épousa en secondes noces en 1920 Sophie Eckhardt dite Sonia, qu'il peignit à de nombreuses reprises. Soliste réputée, Sonia Grammatté renonça à se produire en public après la mort de son mari et se consacra à la composition. La Fondation Eckhardt-Gramatté établie à Winnipeg leur est consacrée. Les œuvres écrites posthumes de Walter sont conservées au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg.
Walter Gramatté est un peintre et graveur allemand de la seconde génération de l'expressionnisme. Il épousa en secondes noces en 1920 Sophie Eckhardt dite Sonia, qu'il peignit à de nombreuses reprises. Soliste réputée, Sonia Grammatté renonça à se produire en public après la mort de son mari et se consacra à la composition. La Fondation Eckhardt-Gramatté établie à Winnipeg leur est consacrée. Les œuvres écrites posthumes de Walter sont conservées au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg.
Max Beckmann était un peintre, dessinateur, graveur, sculpteur et écrivain allemand. Reconnu pour son approche unique de l'expressionnisme, bien qu'il ait lui-même rejeté cette étiquette et le mouvement associé, Beckmann était un artiste profondément influencé par les tumultes de l'Europe du XXe siècle, notamment les horreurs de la Première Guerre mondiale et la montée du nazisme.
Sa vie artistique fut marquée par une profonde transformation suite à la prise de pouvoir d'Adolf Hitler. Ses œuvres furent qualifiées de « Art dégénéré » par le gouvernement nazi, qui le renvoya de son poste d'enseignant à l'École d'art de Francfort et confisqua plus de 500 de ses travaux des musées allemands pour les exposer dans l'infâme exposition d'art dégénéré à Munich. Beckmann quitta l'Allemagne pour les Pays-Bas le lendemain d'un discours radiophonique d'Hitler en 1937, où il vécut en exil pendant dix ans avant de déménager aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale.
Son œuvre, riche et diversifiée, embrasse des genres variés comme le portrait, le paysage, la nature morte et la peinture d'histoire. Il est surtout célèbre pour ses triptyques qui, s'inspirant de la tradition médiévale, explorent les thèmes contemporains de l'humanité avec une touche très personnelle de modernisme. Beckmann était fasciné par la complexité de l'expérience humaine, exprimée à travers des symboles chargés de signification dans ses peintures, qui reflètent souvent les agonies et les tumultes de son époque.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons « L'Enfer des oiseaux » (1937-1938) et « Le Départ » (1932-1935), des triptyques qui se dressent comme le sommet de son art, résumant ses années de maîtrise à Francfort et ses réflexions profondes sur la mortalité et la condition humaine. Plusieurs de ses œuvres tardives sont exposées dans des musées américains, où il a exercé une influence notable sur des peintres tels que Philip Guston et Nathan Oliveira, marquant le mouvement de l'Expressionnisme Figuratif Américain.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art, la culture et l'histoire, et qui souhaitent explorer davantage l'univers de Max Beckmann, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste incontournable. Cette inscription vous offrira l'opportunité unique de découvrir et d'acquérir des œuvres de ce maître de la peinture moderne.
Richard Seewald était un peintre, graphiste, illustrateur et éducateur allemand.
Seewald étudie l'architecture à l'Institut polytechnique de Munich, mais se tourne rapidement vers la peinture et collabore avec des magazines qui publient ses bandes dessinées. Il maîtrise bientôt l'eau-forte et la gravure, devient membre de la Nouvelle Sécession munichoise en 1913, et illustre une édition de Robinson Crusoé, Penthesilea (Heinrich von Kleist) et son premier livre.
En 1924, Seewald est nommé professeur à la Werkschule de Cologne. En 1931, il s'installe au Tessin, où il reçoit des commandes de fresques pour des églises et d'autres édifices religieux. En 1954, Richard Seewald accepte la proposition de devenir professeur à l'Académie des beaux-arts de Munich. Il démissionne quatre ans plus tard à la suite d'un désaccord avec le présidium de l'académie. Après la mort de sa femme, il brûle quelque 150 de ses peintures, ainsi que des centaines d'esquisses, de projets et de correspondance. À la fin des années 1960, Seewald conçoit des vitraux pour l'église Herz-Jesu-Kirche (église du Sacré-Cœur) de Munich-Neuhausen et l'église Saint-Michel d'Iserlo.
Karl Schmidt-Rottluff, peintre et graveur allemand de renom, s'est illustré comme l'un des pionniers de l'Expressionnisme à travers son engagement dans le groupe artistique Die Brücke. Né à Rottluff, près de Chemnitz, sa contribution au monde de l'art ne se limite pas seulement à ses œuvres vibrant de couleurs et d'abstractions, mais également à son influence sur les générations d'artistes qui l'ont suivi. Sa pratique artistique, marquée par une exploration audacieuse des formes et des couleurs, reflète une quête constante de nouvelles manières d'exprimer la complexité des émotions humaines et de la nature.
Au fil des années, Schmidt-Rottluff a été contraint de naviguer dans un contexte politique hostile, ses œuvres ayant été qualifiées de "dégénérées" par le régime nazi, entraînant la saisie de plusieurs de ses peintures des musées. Malgré ces épreuves, il a continué à enseigner et à exercer une influence significative sur l'art après-guerre en tant que professeur à l'Université des Arts de Berlin-Charlottenburg. Son héritage perdure notamment à travers le Brücke-Museum de Berlin, un édifice qu'il a aidé à fonder pour conserver et exposer les travaux des membres de Die Brücke.
Ses œuvres sont aujourd'hui dispersées dans des collections prestigieuses à travers le monde, telles que le Museum of Modern Art à New York, la Neue Galerie, et le Los Angeles County Museum of Art, témoignant de la portée et de la reconnaissance internationale de son talent. En outre, l'engagement de Schmidt-Rottluff à travers diverses périodes de sa vie, depuis ses étés passés à capter l'essence des paysages de la mer du Nord et de la Baltique jusqu'à son intérêt pour des formes simplifiées inspirées de sources non européennes, souligne la diversité et la profondeur de sa pratique artistique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Karl Schmidt-Rottluff offre une fenêtre sur l'évolution de l'expressionnisme et sur les dynamiques culturelles et politiques du XXe siècle qui ont façonné l'art moderne. Son parcours artistique, marqué à la fois par l'innovation et par les défis, reste une source d'inspiration et un sujet d'étude important pour ceux qui s'intéressent à l'impact de l'art sur la société et vice versa.
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