Post Était Graphique — A 1253: Prints and Multiples
Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Arnulf Rainer est un artiste autrichien qui a peint dans le genre de l'art abstrait informel.
L'artiste s'est inspiré des idées du surréalisme dès ses premières œuvres. Il a également créé des œuvres d'art dans lesquelles il appliquait de la peinture sur des photographies et des œuvres d'autres artistes. Dans les années 1950, Rainer a peint une série de tableaux les yeux bandés selon une technique automatique surréaliste.
En 1978, il a reçu le Grand Prix de l'État autrichien. Rainer a exposé à New York, Londres, Vienne, Paris, Berlin et Munich. Ses œuvres font partie des collections de l'Albertina, du Centre Pompidou, du Stedelijk Museum, du Metropolitan Museum of Art et du Museum of Modern Art.
Jerry Zeniuk est un peintre germano-américain d'origine ukrainienne, reconnu comme l'un des pionniers de la peinture dite "analytique", "fondamentale" et "radicale". Cette approche artistique, qui s'est développée principalement aux États-Unis, en Italie et en Allemagne dans les années 1970, se concentre sur l'exploration des conditions mêmes de la peinture, ses possibilités et les espaces d'expérience qu'elle offre.
Jerry Zeniuk a joué un rôle crucial dans le mouvement de la Peinture Fondamentale, ayant participé à des expositions clés comme "Geplante Malerei" au Westfälischer Kunstverein à Münster en 1974 et "Fundamental Painting" au Stedelijk Museum à Amsterdam l'année suivante. Il a enseigné à l'Académie des Beaux-Arts de Munich de 1992 à 2010, marquant profondément de nombreuses générations d'étudiants.
Son œuvre a été largement reconnue et exposée dans des institutions de renom à travers le monde, telles que le Museum Lenbachhaus à Munich, le Kunstmuseum Winterthur, et le Kunstmuseum Kassel, entre autres. En 1999, une rétrospective majeure de son travail a été organisée, englobant ces lieux et d'autres prestigieuses institutions. De plus, ses aquarelles ont fait l'objet d'une rétrospective en 2004 à la Kunsthalle Karlsruhe, et ses œuvres continuent d'être exposées et célébrées internationalement.
Les collections permanentes de musées tels que le Lenbachhaus à Munich, la Neue Galerie à Kassel, et le Virginia Museum of Fine Arts à Richmond, en Virginie, ainsi que d'autres institutions à travers l'Europe et les États-Unis, témoignent de l'impact durable et de l'importance de Jerry Zeniuk dans le paysage artistique contemporain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Jerry Zeniuk représente une exploration profonde de la peinture en tant que medium, avec une attention particulière portée à la couleur, à la forme et à l'espace. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles œuvres de Zeniuk, les ventes de produits et les événements d'enchères. Cette inscription vous garantit de rester informé des dernières disponibilités et des opportunités uniques liées à cet artiste emblématique.
Jerry Zeniuk est un peintre germano-américain d'origine ukrainienne, reconnu comme l'un des pionniers de la peinture dite "analytique", "fondamentale" et "radicale". Cette approche artistique, qui s'est développée principalement aux États-Unis, en Italie et en Allemagne dans les années 1970, se concentre sur l'exploration des conditions mêmes de la peinture, ses possibilités et les espaces d'expérience qu'elle offre.
Jerry Zeniuk a joué un rôle crucial dans le mouvement de la Peinture Fondamentale, ayant participé à des expositions clés comme "Geplante Malerei" au Westfälischer Kunstverein à Münster en 1974 et "Fundamental Painting" au Stedelijk Museum à Amsterdam l'année suivante. Il a enseigné à l'Académie des Beaux-Arts de Munich de 1992 à 2010, marquant profondément de nombreuses générations d'étudiants.
Son œuvre a été largement reconnue et exposée dans des institutions de renom à travers le monde, telles que le Museum Lenbachhaus à Munich, le Kunstmuseum Winterthur, et le Kunstmuseum Kassel, entre autres. En 1999, une rétrospective majeure de son travail a été organisée, englobant ces lieux et d'autres prestigieuses institutions. De plus, ses aquarelles ont fait l'objet d'une rétrospective en 2004 à la Kunsthalle Karlsruhe, et ses œuvres continuent d'être exposées et célébrées internationalement.
Les collections permanentes de musées tels que le Lenbachhaus à Munich, la Neue Galerie à Kassel, et le Virginia Museum of Fine Arts à Richmond, en Virginie, ainsi que d'autres institutions à travers l'Europe et les États-Unis, témoignent de l'impact durable et de l'importance de Jerry Zeniuk dans le paysage artistique contemporain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Jerry Zeniuk représente une exploration profonde de la peinture en tant que medium, avec une attention particulière portée à la couleur, à la forme et à l'espace. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles œuvres de Zeniuk, les ventes de produits et les événements d'enchères. Cette inscription vous garantit de rester informé des dernières disponibilités et des opportunités uniques liées à cet artiste emblématique.
Pierre Soulages est un artiste peintre et graveur français.
Associé depuis la fin des années 1940 à l'art abstrait, il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu'il appelle « noir-lumière » ou « outrenoir ». Il est l'un des principaux représentants de la peinture informelle.
Pierre Soulages est un artiste peintre et graveur français.
Associé depuis la fin des années 1940 à l'art abstrait, il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu'il appelle « noir-lumière » ou « outrenoir ». Il est l'un des principaux représentants de la peinture informelle.
Pierre Soulages est un artiste peintre et graveur français.
Associé depuis la fin des années 1940 à l'art abstrait, il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu'il appelle « noir-lumière » ou « outrenoir ». Il est l'un des principaux représentants de la peinture informelle.
Antoni Tàpies i Puig, 1er marquis de Tàpies, est un peintre, sculpteur, essayiste et théoricien de l'art espagnol d'expression catalane. L'un des principaux représentants de l'informalisme, il est considéré comme l'un des artistes espagnols les plus en vue du xxe siècle. L'œuvre de l'artiste catalan dispose d'un centre d'étude et de conservation à la Fondation Antoni Tàpies de Barcelone.
Antoni Tàpies i Puig, 1er marquis de Tàpies, est un peintre, sculpteur, essayiste et théoricien de l'art espagnol d'expression catalane. L'un des principaux représentants de l'informalisme, il est considéré comme l'un des artistes espagnols les plus en vue du xxe siècle. L'œuvre de l'artiste catalan dispose d'un centre d'étude et de conservation à la Fondation Antoni Tàpies de Barcelone.
Frederick Lane Sandback était un sculpteur conceptuel minimaliste américain connu pour ses œuvres minimalistes faites de longueurs de fils colorés, de dessins et d'imprimés. Bien qu'il ait utilisé du fil métallique et du cordon élastique au début de sa carrière, l'artiste s'est rapidement débarrassé de la masse et du poids en utilisant du fil acrylique. Son travail peut être considéré comme visionnaire ou imaginatif, ainsi que minimal et littéral.
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Samuel Lewis Francis était un artiste américain, peintre et graveur, reconnu pour son influence dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait et la peinture de champ coloré. Né le 25 juin 1923 à San Mateo, Californie, et décédé le 4 novembre 1994 à Santa Monica, Californie, Francis a marqué l'art post-guerre par ses œuvres vibrantes et son utilisation audacieuse de la couleur. Ses tableaux sont célèbres pour leur capacité à capturer la lumière et l'espace, en faisant un pont entre les traditions artistiques américaines et européennes.
Au cours de sa vie, Francis a exposé son travail à travers le monde, notamment aux États-Unis, en Europe et en Asie, contribuant ainsi à la reconnaissance internationale de la peinture américaine d'après-guerre. Ses œuvres font partie de collections prestigieuses dans des musées internationaux tels que le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art de New York, le Kunstmuseum Basel, et le Centre Pompidou-Musée National d'Art Moderne à Paris.
Après sa mort, la Fondation Sam Francis a été créée pour perpétuer son héritage créatif. La fondation œuvre à la documentation, la protection et la promotion de l'art de Francis, en plus de sensibiliser le public à travers l'éducation et l'information. Un documentaire intitulé "The Painter Sam Francis", sorti en 2010, explore sa vie et son œuvre, offrant un aperçu intime de son processus créatif et de son impact durable sur l'art contemporain.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art de Sam Francis et souhaitent rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cela vous permettra de rester au courant des dernières nouveautés et opportunités de découvrir davantage l'univers fascinant de cet artiste exceptionnel.
Karl Otto Götz est un peintre allemand qui est principalement connu pour ses peintures abstraites spontanées dans le style informel («art sans forme»).
Des éléments importants de son travail, influencé par le surréalisme, sont une créativité abstraite spontanée et le rendu manuel d'images générées aléatoirement par des automates.
Karl Otto Götz est un peintre allemand qui est principalement connu pour ses peintures abstraites spontanées dans le style informel («art sans forme»).
Des éléments importants de son travail, influencé par le surréalisme, sont une créativité abstraite spontanée et le rendu manuel d'images générées aléatoirement par des automates.
Roy Fox Lichtenstein est un peintre américain qui s'est distingué dans le mouvement artistique du Pop Art. Connu pour ses œuvres audacieuses inspirées des bandes dessinées, Lichtenstein a joué un rôle crucial dans le renouvellement de l'art contemporain.
Après avoir servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale, Roy Lichtenstein retourna à l'Ohio State University pour achever ses études en beaux-arts. Sa première exposition solo eut lieu à la Carlebach Gallery à New York en 1951, marquant le début de sa carrière artistique.
Dans les années 1960, Roy Lichtenstein s'est fortement impliqué dans le Pop Art, s'inspirant de la culture populaire, notamment des bandes dessinées, pour créer des œuvres qui combinaient à la fois l'abstraction et la représentation réaliste. Son utilisation des points Benday, une technique d'impression commerciale, est devenue sa marque de fabrique, lui permettant de donner à ses œuvres un aspect caractéristique de reproduction mécanique. Cette approche a non seulement défini son style, mais a également contribué à établir le Pop Art comme un mouvement artistique majeur.
Ses œuvres les plus célèbres, telles que « Drowning Girl » (1963), sont exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Museum of Modern Art de New York. Roy Lichtenstein a continué à explorer et à innover tout au long de sa carrière, gagnant une renommée internationale et influençant profondément le paysage de l'art contemporain.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude des œuvres de Lichtenstein offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne et du Pop Art en particulier. Ses créations continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion, témoignant de l'importance durable de son héritage artistique.
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