Première vente aux enchères en ligne ouverte
Tomoo Gokita est un artiste japonais contemporain de premier plan sur la scène artistique internationale. Ses peintures et dessins monochromes abstraits et figuratifs en nuances de gris, profondément psychologiques, représentent des archétypes culturels aux traits déformés et cachés sur un fond ambigu.
Eddie Martinez est un artiste basé à New York, connu pour ses peintures à grande échelle qui présentent des couleurs audacieuses, des lignes et des coups de pinceau urgents, ainsi que des formes graphiques. Son style combine la peinture et le dessin, l'abstraction et la représentation, et une approche décontractée des matériaux avec une iconographie éclectique d'éléments figuratifs. Tout en étant contemporain dans son choix de matériaux et de sujets, il fait le lien entre un large éventail d'influences historiques, dont le CoBrA, l'Action painting, le néo-expressionnisme et Philip Guston, et les conventions classiques du portrait, de la nature morte et de la narration allégorique, filtrées à travers le prisme de l'expérience quotidienne et de la culture populaire.
Leon Polk Smith était un peintre américain. Ses œuvres d'art géométriques et constructivistes ont été influencées par Piet Mondrian. Il fut l'un des fondateurs et principaux représentants de la peinture hard-edge.
Alexander Calder était un artiste américain, célèbre pour ses contributions significatives à la sculpture moderne. Né en 1898 en Pennsylvanie et décédé en 1976 à New York, Calder a révolutionné la sculpture en introduisant le mouvement à travers ses mobiles, des assemblages de feuilles de métal et de fils activés par les courants d'air, ainsi que ses stabiles, d'énormes structures extérieures en métal qui suggèrent le mouvement sans bouger. Son héritage familial artistique, avec une mère peintre et un père ainsi qu'un grand-père sculpteurs, n'a pas empêché Calder d'explorer d'abord une carrière en génie mécanique avant de se tourner définitivement vers l'art.
Calder a commencé à gagner une reconnaissance internationale dès les années 1940 et 1950, devenant l'un des sculpteurs américains les plus reconnus de son époque. Ses œuvres, caractérisées par leur nature ludique et abstraite, sont devenues emblématiques dans l'espace public et dans les collections de musées prestigieux comme le Whitney Museum of American Art, le Guggenheim Museum, le Museum of Modern Art à New York, la National Gallery of Art à Washington, D.C., et le Centre Georges Pompidou à Paris. Outre ses sculptures, Calder a également produit des peintures, des miniatures, des illustrations de livres pour enfants, des décors de théâtre, des bijoux, des tapisseries, des tapis, et même des affiches politiques.
Quelques-unes de ses œuvres majeures incluent le mobile ".125" pour l'aéroport John F. Kennedy à New York, "Teodelapio" pour la ville de Spoleto en Italie, et "Flamingo", une stabile en acier peint en rouge pour le Federal Center Plaza à Chicago. En reconnaissance de son travail pionnier, Calder a été honoré à titre posthume par la Médaille présidentielle de la Liberté en 1977, après avoir refusé de l'accepter de la part de Gerald Ford un an plus tôt en protestation contre la guerre du Vietnam.
Pour découvrir davantage sur l'œuvre d'Alexander Calder et voir certaines de ses réalisations, les collections de la National Gallery of Art offrent un aperçu fascinant de son travail, incluant des pièces telles que "Cow" (1929), "Aztec Josephine Baker" (c. 1929), et une variété de ses mobiles et stabiles iconiques.
Pour ceux passionnés par l'art de Calder et souhaitant rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères le concernant, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette souscription vous garantit de ne pas manquer les dernières nouvelles liées à Alexander Calder, assurant ainsi aux collectionneurs et aux experts en art et antiquités un accès privilégié à ces informations précieuses.
Jean Philippe Arthur Dubuffet était un peintre et sculpteur français, célèbre pour son approche idéaliste de l'esthétique qui privilégiait l'art dit "bas" et rejetait les standards traditionnels de beauté au profit d'une méthode de création d'images plus authentique et humaniste. Il est surtout connu pour avoir fondé l'art brut, un mouvement qui valorise la création artistique en dehors des cadres académiques et culturels établis.
Dubuffet, né le 31 juillet 1901 au Havre et décédé le 12 mai 1985 à Paris, a réagi aux destructions de la Seconde Guerre mondiale par des œuvres composées de matériaux superposés, lui valant rapidement une reconnaissance internationale. Ces créations matérielles, souvent réalisées avec des objets trouvés et des matériaux non conventionnels, ont bouleversé la scène artistique de l'après-guerre en France et au-delà.
Les œuvres de Dubuffet sont réputées pour leur capacité à capturer l'essence brute de l'expérience humaine, les rendant particulièrement précieuses pour les collectionneurs et les experts en art. Ses travaux sont exposés dans de nombreuses galeries et musées, continuant d'inspirer et de provoquer la réflexion chez les amateurs d'art contemporain et les historiens.
Pour rester informés sur les nouvelles œuvres et les événements associés à Jean Philippe Arthur Dubuffet, nous invitons les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et antiquités à s'inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit des alertes sur les nouveautés exclusivement liées à l'œuvre de Dubuffet, enrichissant ainsi votre connaissance et votre collection.
Jean Philippe Arthur Dubuffet était un peintre et sculpteur français, célèbre pour son approche idéaliste de l'esthétique qui privilégiait l'art dit "bas" et rejetait les standards traditionnels de beauté au profit d'une méthode de création d'images plus authentique et humaniste. Il est surtout connu pour avoir fondé l'art brut, un mouvement qui valorise la création artistique en dehors des cadres académiques et culturels établis.
Dubuffet, né le 31 juillet 1901 au Havre et décédé le 12 mai 1985 à Paris, a réagi aux destructions de la Seconde Guerre mondiale par des œuvres composées de matériaux superposés, lui valant rapidement une reconnaissance internationale. Ces créations matérielles, souvent réalisées avec des objets trouvés et des matériaux non conventionnels, ont bouleversé la scène artistique de l'après-guerre en France et au-delà.
Les œuvres de Dubuffet sont réputées pour leur capacité à capturer l'essence brute de l'expérience humaine, les rendant particulièrement précieuses pour les collectionneurs et les experts en art. Ses travaux sont exposés dans de nombreuses galeries et musées, continuant d'inspirer et de provoquer la réflexion chez les amateurs d'art contemporain et les historiens.
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Josef Albers est un peintre et enseignant de l'art.
Josef Albers enseigna au Bauhaus d'octobre 1923 à avril 1933. Il est considéré comme un des initiateurs de l'art optique, ou «op art», et son Interaction des couleurs, comme un classique de l'enseignement des arts visuels.
Hans Hofmann, peintre allemand devenu américain, est reconnu comme l'une des figures majeures de l'art d'après-guerre. Né en 1880, il a exercé une influence considérable tant par ses toiles vibrantes de couleurs que par son rôle d'enseignant pour des générations d'artistes. Sa contribution au développement de l'Expressionnisme Abstrait est indéniable. Hofmann a partagé sa vie entre l'Europe et les États-Unis, enrichissant son art au contact des avant-gardes artistiques de Munich, Paris, New York et Provincetown.
Son parcours artistique est jalonné de rencontres avec des personnalités marquantes telles que Henri Matisse, Pablo Picasso et Jackson Pollock. Ces interactions ont non seulement façonné sa vision de l'art mais ont également contribué à l'établissement de sa réputation au sein de la scène artistique moderne. À partir de 1944, Hofmann s'est pleinement consacré à sa pratique de la peinture, développant une théorie et une méthode qu'il nomme "push and pull", caractérisées par un jeu dynamique entre la couleur et la forme.
Les œuvres de Hans Hofmann sont exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de son héritage durable dans le domaine de l'art contemporain. Ses tableaux, tels que ceux conservés au Museum of Modern Art de New York, continuent d'inspirer et d'émerveiller par leur audace et leur innovation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, la profondeur et l'influence de l'œuvre de Hans Hofmann demeurent une source inépuisable d'étude et d'admiration. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hans Hofmann, garantissant ainsi votre accès aux informations les plus pertinentes sur ce pilier de l'art moderne.
Hans Hofmann, peintre allemand devenu américain, est reconnu comme l'une des figures majeures de l'art d'après-guerre. Né en 1880, il a exercé une influence considérable tant par ses toiles vibrantes de couleurs que par son rôle d'enseignant pour des générations d'artistes. Sa contribution au développement de l'Expressionnisme Abstrait est indéniable. Hofmann a partagé sa vie entre l'Europe et les États-Unis, enrichissant son art au contact des avant-gardes artistiques de Munich, Paris, New York et Provincetown.
Son parcours artistique est jalonné de rencontres avec des personnalités marquantes telles que Henri Matisse, Pablo Picasso et Jackson Pollock. Ces interactions ont non seulement façonné sa vision de l'art mais ont également contribué à l'établissement de sa réputation au sein de la scène artistique moderne. À partir de 1944, Hofmann s'est pleinement consacré à sa pratique de la peinture, développant une théorie et une méthode qu'il nomme "push and pull", caractérisées par un jeu dynamique entre la couleur et la forme.
Les œuvres de Hans Hofmann sont exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de son héritage durable dans le domaine de l'art contemporain. Ses tableaux, tels que ceux conservés au Museum of Modern Art de New York, continuent d'inspirer et d'émerveiller par leur audace et leur innovation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, la profondeur et l'influence de l'œuvre de Hans Hofmann demeurent une source inépuisable d'étude et d'admiration. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hans Hofmann, garantissant ainsi votre accès aux informations les plus pertinentes sur ce pilier de l'art moderne.
Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Alexander Calder était un artiste américain, célèbre pour ses contributions significatives à la sculpture moderne. Né en 1898 en Pennsylvanie et décédé en 1976 à New York, Calder a révolutionné la sculpture en introduisant le mouvement à travers ses mobiles, des assemblages de feuilles de métal et de fils activés par les courants d'air, ainsi que ses stabiles, d'énormes structures extérieures en métal qui suggèrent le mouvement sans bouger. Son héritage familial artistique, avec une mère peintre et un père ainsi qu'un grand-père sculpteurs, n'a pas empêché Calder d'explorer d'abord une carrière en génie mécanique avant de se tourner définitivement vers l'art.
Calder a commencé à gagner une reconnaissance internationale dès les années 1940 et 1950, devenant l'un des sculpteurs américains les plus reconnus de son époque. Ses œuvres, caractérisées par leur nature ludique et abstraite, sont devenues emblématiques dans l'espace public et dans les collections de musées prestigieux comme le Whitney Museum of American Art, le Guggenheim Museum, le Museum of Modern Art à New York, la National Gallery of Art à Washington, D.C., et le Centre Georges Pompidou à Paris. Outre ses sculptures, Calder a également produit des peintures, des miniatures, des illustrations de livres pour enfants, des décors de théâtre, des bijoux, des tapisseries, des tapis, et même des affiches politiques.
Quelques-unes de ses œuvres majeures incluent le mobile ".125" pour l'aéroport John F. Kennedy à New York, "Teodelapio" pour la ville de Spoleto en Italie, et "Flamingo", une stabile en acier peint en rouge pour le Federal Center Plaza à Chicago. En reconnaissance de son travail pionnier, Calder a été honoré à titre posthume par la Médaille présidentielle de la Liberté en 1977, après avoir refusé de l'accepter de la part de Gerald Ford un an plus tôt en protestation contre la guerre du Vietnam.
Pour découvrir davantage sur l'œuvre d'Alexander Calder et voir certaines de ses réalisations, les collections de la National Gallery of Art offrent un aperçu fascinant de son travail, incluant des pièces telles que "Cow" (1929), "Aztec Josephine Baker" (c. 1929), et une variété de ses mobiles et stabiles iconiques.
Pour ceux passionnés par l'art de Calder et souhaitant rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères le concernant, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette souscription vous garantit de ne pas manquer les dernières nouvelles liées à Alexander Calder, assurant ainsi aux collectionneurs et aux experts en art et antiquités un accès privilégié à ces informations précieuses.
Norman Bluhm est un peintre américain représentatif de l'expressionnisme abstrait et de l'Action painting.
L'œuvre de Bluhm a été acclamé par la critique et ses œuvres figurent dans les collections de plusieurs grands musées comme le Smithsonian American Art Museum. Son œuvre a évolué tout au long de sa carrière, tout en conservant certains éléments (coups de brosse, utilisation très libre de la couleur, sinuosité de la ligne, etc) que le spectateur reconnaît facilement.
