Modern and Contemporary Art
Emil Nolde, peintre et graveur germano-danois, fut un artiste emblématique de l'expressionnisme, un mouvement artistique débutant au XXe siècle. Né Hans Emil Hansen le 7 août 1867 près de Nolde, il adopta plus tard le nom de son lieu de naissance comme nom d'artiste. Nolde est reconnu pour son usage audacieux de la couleur et son approche novatrice de la peinture à l'huile et à l'aquarelle, qui lui permettaient d'exprimer des émotions intenses et de capter l'essence spirituelle de ses sujets.
Au début de sa carrière, Nolde a rejoint le groupe Die Brücke (Le Pont), contribuant ainsi à poser les bases de l'expressionnisme allemand. Son œuvre se caractérise par une fascination pour la nature, la religion, et les scènes de la vie quotidienne, qu'il retranscrit avec des couleurs vibrantes et une grande intensité émotionnelle. Nolde a exploré une variété de thèmes, allant des paysages marins, comme dans "Mer bei Alsen" (La mer près d'Alsen), aux scènes religieuses audacieuses telles que "Danse autour du Veau d'Or" et "La Cène". Ses aquarelles, en particulier, sont admirées pour leur technique innovante et leur capacité à capturer des atmosphères changeantes avec des couleurs lumineuses et saturées.
Malgré son talent indéniable, la vie de Nolde a été marquée par la controverse. Il a exprimé son soutien au parti nazi dès les années 1920 et a partagé des opinions antisémites, bien que son art ait été plus tard condamné par les nazis comme "art dégénéré". Plus de 1 000 de ses œuvres ont été retirées des musées, et il lui a été interdit de peindre. Malgré cela, il continua à créer en secret une série d'aquarelles qu'il nomma les "Peintures non peintes".
Après la Seconde Guerre mondiale, l'œuvre de Nolde a été réévaluée, et il a reçu de nombreux honneurs, dont la distinction Pour le Mérite. Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans de prestigieux musées à travers le monde, et la Nolde Stiftung Seebüll, une fondation dédiée à son héritage, gère un musée en son honneur.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Nolde offre un aperçu fascinant de l'expressionnisme allemand et de l'évolution de la modernité artistique. Son utilisation révolutionnaire de la couleur et sa capacité à exprimer la profondeur émotionnelle restent influentes dans le monde de l'art contemporain.
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Max Beckmann était un peintre, dessinateur, graveur, sculpteur et écrivain allemand. Reconnu pour son approche unique de l'expressionnisme, bien qu'il ait lui-même rejeté cette étiquette et le mouvement associé, Beckmann était un artiste profondément influencé par les tumultes de l'Europe du XXe siècle, notamment les horreurs de la Première Guerre mondiale et la montée du nazisme.
Sa vie artistique fut marquée par une profonde transformation suite à la prise de pouvoir d'Adolf Hitler. Ses œuvres furent qualifiées de « Art dégénéré » par le gouvernement nazi, qui le renvoya de son poste d'enseignant à l'École d'art de Francfort et confisqua plus de 500 de ses travaux des musées allemands pour les exposer dans l'infâme exposition d'art dégénéré à Munich. Beckmann quitta l'Allemagne pour les Pays-Bas le lendemain d'un discours radiophonique d'Hitler en 1937, où il vécut en exil pendant dix ans avant de déménager aux États-Unis après la Seconde Guerre mondiale.
Son œuvre, riche et diversifiée, embrasse des genres variés comme le portrait, le paysage, la nature morte et la peinture d'histoire. Il est surtout célèbre pour ses triptyques qui, s'inspirant de la tradition médiévale, explorent les thèmes contemporains de l'humanité avec une touche très personnelle de modernisme. Beckmann était fasciné par la complexité de l'expérience humaine, exprimée à travers des symboles chargés de signification dans ses peintures, qui reflètent souvent les agonies et les tumultes de son époque.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons « L'Enfer des oiseaux » (1937-1938) et « Le Départ » (1932-1935), des triptyques qui se dressent comme le sommet de son art, résumant ses années de maîtrise à Francfort et ses réflexions profondes sur la mortalité et la condition humaine. Plusieurs de ses œuvres tardives sont exposées dans des musées américains, où il a exercé une influence notable sur des peintres tels que Philip Guston et Nathan Oliveira, marquant le mouvement de l'Expressionnisme Figuratif Américain.
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Else Weber-Rouwolf, née Else Rouwolf, était une artiste allemande au réalisme expressif.
Else peint son premier tableau à l'âge de 30 ans et expose pour la première fois à Hambourg en 1926. Elle participe à la Sécession hambourgeoise, devient membre de la "Société des artistes de Hambourg" et du "Gedok", et se lie d'amitié avec E. Hartmann et G. Volville. En 1929, l'artiste se rend à Paris pour un an afin d'étudier à l'Académie des Grandes Chomières.
Elsa Weber se consacre principalement à l'art du portrait, ses modèles étant des artistes, des amis, son mari et sa fille, des connaissances et leurs enfants. Elsa a également beaucoup voyagé et peint des paysages. Elle survécut à la guerre, peignit jusqu'à l'âge de 90 ans et mourut à l'âge de 100 ans.
Hugo Kurt Herrmann - peintre impressionniste et néo-impressionniste allemand; associé à la Sécession de Berlin. Bien qu'il s'intéresse principalement à la peinture de portraits, il passe également du temps avec le peintre d'histoire Wilhelm von Lindenschmit à l'Académie des Beaux-Arts de Munich. En 1885, il devient portraitiste à Munich et se lie d'amitié avec l'historien de l'art Richard Muther. En 1893, il s'installe à Berlin, où il ouvre une école féminine de dessin et de peinture. En 1898, il devient l'un des fondateurs de la Sécession de Berlin et rejoint son conseil consultatif. Il dirigea son école par intermittence jusqu'en 1903, date à laquelle il rejoignit le Deutscher Künstlerbund. Il a également travaillé pour promouvoir de jeunes artistes tels qu'Arthur Segal, Alexei von Jawlensky, Adolf Erbslech et d'autres associés à Die Brücke. En 1917, il est nommé professeur à la Royal Academy of Arts.
Charles Camoin, artiste français né à Marseille en 1879 et décédé à Paris en 1965, fut une figure marquante du mouvement fauviste, réputé pour son utilisation expressive et audacieuse de la couleur. Ce peintre paysagiste expressionniste a étudié à l'École des Beaux-Arts de Paris, où il a rencontré Henri Matisse et d'autres artistes avec lesquels il formera plus tard le groupe des Fauves, caractérisé par une approche révolutionnaire de la couleur et du pinceau.
Camoin a suivi les traces de Cézanne et Monet, explorant la lumière et la couleur dans ses œuvres, souvent inspirées des paysages du sud de la France. Sa capacité à capturer l'essence de son sujet avec une palette vibrante le distingue de ses contemporains. Parmi ses œuvres, on trouve des paysages, des natures mortes, et des portraits, dont le célèbre portrait d'Albert Marquet, exposé au Musée de Montmartre à Paris.
Sa carrière a été marquée par une quête incessante de renouvellement artistique, illustrée par ses voyages en Afrique du Nord avec Matisse, qui ont ravivé sa palette et lui ont permis de retrouver la joie de peindre après une période de doute profond durant laquelle il a détruit de nombreuses toiles. Après la Première Guerre mondiale, influencé par Renoir, Camoin adopte un style plus coloriste et voluptueux, marquant sa période de maturité artistique.
Les œuvres de Camoin sont présentes dans d'importantes collections publiques, telles que le Centre Georges Pompidou à Paris, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, ainsi que dans de nombreux musées régionaux français. Il a également été reconnu par ses pairs, recevant le Prix du Président de la République à la Biennale de Menton en 1955. Sa contribution à l'art moderne continue d'inspirer et d'attirer l'attention des collectionneurs et des experts en art et antiquités.
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Hippolyte Petitjean est un peintre néo-impressionniste français, adepte du pointillisme.
Hippolyte étudie à l'École des Beaux-Arts de Paris, où il s'intéresse à l'impressionnisme. Il maîtrise ensuite parfaitement la technique néo-impressionniste du pointillisme. Ami proche de Georges Serat, Petitjean expose régulièrement avec ses confrères. S'il abandonne la couleur divisée pendant quelques années, il reprend la technique pointilliste vers 1912 et réalise des aquarelles lumineuses. Dans ses dernières aquarelles, Petitjean utilise des points circulaires très espacés de couleur pure, laissant une grande partie de la surface du papier intacte.
Petitjean a peint des paysages et des portraits, des natures mortes et des scènes de genre.
Othon Friesz, peintre et graveur français, s'est distingué dans le mouvement fauviste pour son utilisation audacieuse des couleurs et son exploration des formes et de la lumière. Né au Havre en 1879, sa carrière a été marquée par une évolution stylistique notable, passant d'une phase fauviste vibrante à un style plus modéré et traditionnel, influencé par ses premières études et admirations pour des artistes comme Poussin, Chardin, et Corot, ainsi que par les principes de composition et de tonalité de Cézanne.
Au début de sa carrière, Friesz a travaillé aux côtés de Georges Braque, partageant des expériences artistiques qui ont culminé dans des œuvres fauves caractérisées par une énergie et une palette de couleurs vivaces. Cependant, contrairement à Braque qui s'est tourné vers le cubisme, Friesz a choisi de revenir à un naturalisme plus traditionnel, tout en conservant un goût affirmé pour la couleur et les contrastes forts. Cette transition stylistique est particulièrement évidente dans ses paysages, natures mortes et compositions figuratives réalisées après son retour à Paris.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques à travers le monde, témoignant de son importance dans l'art moderne. Le Musée d'Art moderne et d'Art contemporain de Liège, le Statens Museum for Kunst à Copenhague, ainsi que plusieurs musées français comme le Musée Toulouse-Lautrec à Albi et le musée de Grenoble, conservent ses peintures, illustrant la diversité de ses sujets et techniques.
Friesz a également joué un rôle significatif dans l'éducation artistique, enseignant à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie scandinave, où il a influencé une nouvelle génération d'artistes. Sa contribution à l'art ne se limite pas à ses peintures, mais s'étend à un grand nombre de dessins, gravures, et lithographies.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Friesz offre un aperçu précieux de la transition entre le fauvisme et des approches plus traditionnelles dans l'art du XXe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Othon Friesz, afin de rester informé des opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Otto Dix était un peintre et graveur allemand, reconnu pour son implication dans les mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité, dont il est considéré comme l'un des fondateurs. Né en 1891 à Untermhaus près de Gera, il a débuté son parcours artistique dans un contexte familial modeste, avec un père travaillant dans une mine de fer et une mère passionnée par la musique et la peinture. Grâce à une bourse d'études, Dix a pu intégrer l'École des arts appliqués de Dresde, où il a exploré divers mouvements artistiques comme le cubisme, le futurisme et le dadaïsme.
Sa participation volontaire à la Première Guerre mondiale a profondément marqué son œuvre, en particulier à travers le portefeuille d'eaux-fortes intitulé "Der Krieg" (La Guerre), publié en 1924. Cette série reflète les horreurs et l'absurdité du conflit, thèmes récurrents dans son travail. Dix a été persécuté par le régime nazi, qui a qualifié ses œuvres d'"art dégénéré" et lui a interdit d'exposer. Il a cependant continué à peindre, se concentrant sur des paysages moins provocateurs pendant cette période sombre.
Après la guerre, Dix a retrouvé une certaine reconnaissance, recevant le Grand Croix du Mérite de la République Fédérale d'Allemagne et le Prix Cornelius de la ville de Düsseldorf. Malgré les divisions politiques de l'Allemagne d'après-guerre, il a été honoré dans les deux États allemands pour ses contributions à l'art.
Des œuvres significatives comme "La Guerre" (triptyque, 1929-1932), "Prager Straße" (La Rue de Prague, 1920), et la série de gravures "Der Krieg" (1924) témoignent de son engagement artistique et de sa critique sociale. Son impact sur l'art du XXe siècle est indéniable, notamment pour sa capacité à capturer l'essence de la condition humaine à travers les turbulences de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, la profondeur et la diversité stylistique de l'œuvre de Dix offrent un champ d'étude riche et varié. Ses contributions aux mouvements de l'expressionnisme et de la nouvelle objectivité continuent d'influencer et d'inspirer les générations d'artistes et d'historiens de l'art.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Otto Dix. Cette souscription vous permettra de rester informé sur les opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Bernhard Kretzschmar était un peintre et un artiste graphique allemand.
Kretzschmar a étudié à l'Académie de Dresde. En 1920, il a détruit la plupart de ses œuvres et a recommencé sa carrière. En 1932, il a cofondé la Sécession de Dresde, mais plus tard, les sociaux-démocrates l'ont banni comme artiste dégénéré et ses peintures ont été retirées des musées et des galeries. Kretzschmar détestait les nazis et a dû fuir le pays.
Comme beaucoup d'artistes de sa génération, il est attiré par l'expressionnisme, puis passe au vérisme. Il s'essaie habilement au futurisme et à l'impressionnisme. Il peint sur le thème de la pauvreté sociale et dépeint avec humour le mode de vie bourgeois. En 1945, la plupart de ses œuvres ont été détruites lors d'un raid aérien.
Après la Seconde Guerre mondiale, les motifs sociaux passent au second plan et Kretzschmar se concentre davantage sur les paysages, le plus souvent dans les banlieues de Dresde. Il a également peint plusieurs autoportraits au cours de sa vie, avec des expressions faciales sombres, sceptiques et ironiques, qui donnent une image vivante de l'artiste.
À partir de 1946, Bernhard Kretzschmar travaille comme professeur à l'université des beaux-arts de Dresde. En 1959, il a reçu le prix national de la RDA et, depuis 1969, il est membre correspondant de l'Académie allemande des arts à Berlin-Est.
Bernhard Kretzschmar était un peintre et un artiste graphique allemand.
Kretzschmar a étudié à l'Académie de Dresde. En 1920, il a détruit la plupart de ses œuvres et a recommencé sa carrière. En 1932, il a cofondé la Sécession de Dresde, mais plus tard, les sociaux-démocrates l'ont banni comme artiste dégénéré et ses peintures ont été retirées des musées et des galeries. Kretzschmar détestait les nazis et a dû fuir le pays.
Comme beaucoup d'artistes de sa génération, il est attiré par l'expressionnisme, puis passe au vérisme. Il s'essaie habilement au futurisme et à l'impressionnisme. Il peint sur le thème de la pauvreté sociale et dépeint avec humour le mode de vie bourgeois. En 1945, la plupart de ses œuvres ont été détruites lors d'un raid aérien.
Après la Seconde Guerre mondiale, les motifs sociaux passent au second plan et Kretzschmar se concentre davantage sur les paysages, le plus souvent dans les banlieues de Dresde. Il a également peint plusieurs autoportraits au cours de sa vie, avec des expressions faciales sombres, sceptiques et ironiques, qui donnent une image vivante de l'artiste.
À partir de 1946, Bernhard Kretzschmar travaille comme professeur à l'université des beaux-arts de Dresde. En 1959, il a reçu le prix national de la RDA et, depuis 1969, il est membre correspondant de l'Académie allemande des arts à Berlin-Est.
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Lotte Laserstein était une peintre germano-suédoise et une représentante exceptionnelle du réalisme allemand.
Lotte a étudié à la prestigieuse Académie des beaux-arts de Berlin et est devenue une peintre réaliste accomplie, recevant la médaille d'or de l'Académie pour son travail. Sa première exposition a eu lieu en 1930 dans une galerie berlinoise. Laserstein travaille en partie dans la peinture figurative, a des apprentis et illustre des textes d'anatomie pour gagner de l'argent. Elle peint également des portraits de femmes cosmopolites et émancipées, ainsi que des autoportraits.
Le régime national-socialiste contraint l'artiste à quitter l'Allemagne en 1937 et à émigrer en Suède. Sa mère est morte dans un camp de concentration. Lotte Laserstein a vécu à Stockholm jusqu'à la fin de sa vie, créant plus de cinq décennies d'œuvres, outre des autoportraits expressifs, de nombreuses images en mouvement d'autres immigrants, des paysages ruraux et des scènes urbaines en Suède.
Lotte Laserstein est devenue membre de l'Académie suédoise des beaux-arts et a acquis une réputation de portraitiste populaire et respectée. Son œuvre compte environ 10 000 œuvres.
Otto Eglau était un artiste graphique allemand.
Il a servi dans l'armée nazie pendant la Seconde Guerre mondiale et a été prisonnier de guerre. Après sa libération, Eglau a étudié à l'Académie des arts de Berlin et a enseigné le dessin libre et la peinture à l'Université technique de Berlin. Entre 1951 et 1970, il effectue des voyages d'étude dans le monde entier et enseigne la technique de l'eau-forte à l'Académie internationale d'été des beaux-arts de Salzbourg. De 1983 à sa mort en 1988, il a travaillé alternativement dans des ateliers à Berlin et sur l'île de Sylt.
Hans Reiser est un artiste surréaliste et caricaturiste allemand qui vit et travaille à Reichersboerne.
Hans Reiser a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et dessine des caricatures hebdomadaires pour le Telzer Kurier depuis 1970. Son travail a également été publié dans de nombreux journaux et magazines. Depuis 1979, l'artiste a participé à de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger.
Reinhard Stangl est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin et au Brésil.
Stangl a étudié la peinture à l'université des beaux-arts de Dresde. Il a ensuite occupé des postes de professeur invité, notamment à la Hochschule der Bildende Künste Berlin et à la Hochschule für Gestaltung Hamburg.
Stangl peint dans des genres variés. Certaines de ses œuvres sont basées sur l'urbanité des métropoles, tandis que d'autres, au contraire, sont plus proches de la nature et du paysage. Parmi ses peintures, on trouve des scènes dans des restaurants et des scènes sportives pleines de dynamisme. En termes de saturation des couleurs et d'émotions, ses peintures sont également très différentes, mais elles se distinguent toujours par leur puissance intérieure.
Ses œuvres font partie de plusieurs collections célèbres, dont celle du Bundestag allemand ou de la Galerie de Berlin.
Reinhard Stangl est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin et au Brésil.
Stangl a étudié la peinture à l'université des beaux-arts de Dresde. Il a ensuite occupé des postes de professeur invité, notamment à la Hochschule der Bildende Künste Berlin et à la Hochschule für Gestaltung Hamburg.
Stangl peint dans des genres variés. Certaines de ses œuvres sont basées sur l'urbanité des métropoles, tandis que d'autres, au contraire, sont plus proches de la nature et du paysage. Parmi ses peintures, on trouve des scènes dans des restaurants et des scènes sportives pleines de dynamisme. En termes de saturation des couleurs et d'émotions, ses peintures sont également très différentes, mais elles se distinguent toujours par leur puissance intérieure.
Ses œuvres font partie de plusieurs collections célèbres, dont celle du Bundestag allemand ou de la Galerie de Berlin.
Reinhard Stangl est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin et au Brésil.
Stangl a étudié la peinture à l'université des beaux-arts de Dresde. Il a ensuite occupé des postes de professeur invité, notamment à la Hochschule der Bildende Künste Berlin et à la Hochschule für Gestaltung Hamburg.
Stangl peint dans des genres variés. Certaines de ses œuvres sont basées sur l'urbanité des métropoles, tandis que d'autres, au contraire, sont plus proches de la nature et du paysage. Parmi ses peintures, on trouve des scènes dans des restaurants et des scènes sportives pleines de dynamisme. En termes de saturation des couleurs et d'émotions, ses peintures sont également très différentes, mais elles se distinguent toujours par leur puissance intérieure.
Ses œuvres font partie de plusieurs collections célèbres, dont celle du Bundestag allemand ou de la Galerie de Berlin.
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Stangl a étudié la peinture à l'université des beaux-arts de Dresde. Il a ensuite occupé des postes de professeur invité, notamment à la Hochschule der Bildende Künste Berlin et à la Hochschule für Gestaltung Hamburg.
Stangl peint dans des genres variés. Certaines de ses œuvres sont basées sur l'urbanité des métropoles, tandis que d'autres, au contraire, sont plus proches de la nature et du paysage. Parmi ses peintures, on trouve des scènes dans des restaurants et des scènes sportives pleines de dynamisme. En termes de saturation des couleurs et d'émotions, ses peintures sont également très différentes, mais elles se distinguent toujours par leur puissance intérieure.
Ses œuvres font partie de plusieurs collections célèbres, dont celle du Bundestag allemand ou de la Galerie de Berlin.
August Sander est un photographe allemand.
Portraitiste scrupuleux de la république de Weimar, Sander réunit photographie documentaire et pratique artistique, une démarche exemplaire aujourd'hui.
August Sander est un photographe allemand.
Portraitiste scrupuleux de la république de Weimar, Sander réunit photographie documentaire et pratique artistique, une démarche exemplaire aujourd'hui.
Marianne "Manni" Sayn-Wittgenstein-Sayn, de son vrai nom Maria Anna Sayn-Wittgenstein-Sayn, née Mayr-Melnhof, est une princesse douairière et une photographe autrichienne.
Du côté maternel, Maria est une descendante directe de l'impératrice Marie-Thérèse, ce qui lui a permis de côtoyer l'aristocratie, le monde des affaires, la politique et les arts. Après la mort de son mari en 1962, Lilly Palmer et Karl Lagerfeld l'ont encouragée à se lancer dans la photographie. Elle travaille bientôt pour le magazine Frau im Spiegel, puis pour Bunte et Vogue.
Où qu'elle se trouve - au ski à Saint-Moritz, sur un yacht, lors de fêtes et de mariages, en Europe et en Amérique - Maria photographie tous ceux qui l'entourent : Onassis et Maria Callas, le prince Charles, Gianni Agnelli, Romy Schneider, Luciano Pavarotti, la reine mère ou le roi Juan Carlos. Au cours de sa vie, elle a photographié de nombreuses célébrités mondiales. Au moment de son centenaire, Maria avait plus de 300 000 de ses photos dans ses archives.
Maria n'a jamais pris de photos impudiques ou offensantes de ses amis. La princesse Caroline de Monaco a dit un jour en plaisantant : "Vous n'êtes pas une paparazzi, vous êtes une mamarazzi", d'où le surnom de Marianne Sayn-Wittgenstein-Sayn.
Marianne "Manni" Sayn-Wittgenstein-Sayn, de son vrai nom Maria Anna Sayn-Wittgenstein-Sayn, née Mayr-Melnhof, est une princesse douairière et une photographe autrichienne.
Du côté maternel, Maria est une descendante directe de l'impératrice Marie-Thérèse, ce qui lui a permis de côtoyer l'aristocratie, le monde des affaires, la politique et les arts. Après la mort de son mari en 1962, Lilly Palmer et Karl Lagerfeld l'ont encouragée à se lancer dans la photographie. Elle travaille bientôt pour le magazine Frau im Spiegel, puis pour Bunte et Vogue.
Où qu'elle se trouve - au ski à Saint-Moritz, sur un yacht, lors de fêtes et de mariages, en Europe et en Amérique - Maria photographie tous ceux qui l'entourent : Onassis et Maria Callas, le prince Charles, Gianni Agnelli, Romy Schneider, Luciano Pavarotti, la reine mère ou le roi Juan Carlos. Au cours de sa vie, elle a photographié de nombreuses célébrités mondiales. Au moment de son centenaire, Maria avait plus de 300 000 de ses photos dans ses archives.
Maria n'a jamais pris de photos impudiques ou offensantes de ses amis. La princesse Caroline de Monaco a dit un jour en plaisantant : "Vous n'êtes pas une paparazzi, vous êtes une mamarazzi", d'où le surnom de Marianne Sayn-Wittgenstein-Sayn.
Marianne "Manni" Sayn-Wittgenstein-Sayn, de son vrai nom Maria Anna Sayn-Wittgenstein-Sayn, née Mayr-Melnhof, est une princesse douairière et une photographe autrichienne.
Du côté maternel, Maria est une descendante directe de l'impératrice Marie-Thérèse, ce qui lui a permis de côtoyer l'aristocratie, le monde des affaires, la politique et les arts. Après la mort de son mari en 1962, Lilly Palmer et Karl Lagerfeld l'ont encouragée à se lancer dans la photographie. Elle travaille bientôt pour le magazine Frau im Spiegel, puis pour Bunte et Vogue.
Où qu'elle se trouve - au ski à Saint-Moritz, sur un yacht, lors de fêtes et de mariages, en Europe et en Amérique - Maria photographie tous ceux qui l'entourent : Onassis et Maria Callas, le prince Charles, Gianni Agnelli, Romy Schneider, Luciano Pavarotti, la reine mère ou le roi Juan Carlos. Au cours de sa vie, elle a photographié de nombreuses célébrités mondiales. Au moment de son centenaire, Maria avait plus de 300 000 de ses photos dans ses archives.
Maria n'a jamais pris de photos impudiques ou offensantes de ses amis. La princesse Caroline de Monaco a dit un jour en plaisantant : "Vous n'êtes pas une paparazzi, vous êtes une mamarazzi", d'où le surnom de Marianne Sayn-Wittgenstein-Sayn.