cubist paintings
Roger de la Fresnaye était un peintre cubiste français.
Il a étudié à l'Académie Julian à Paris et a été fasciné par l'art de Paul Cézanne. Dans ses œuvres, Fresnaye synthétise la couleur lyrique avec les simplifications géométriques du cubisme.
Raoul Dufy, peintre français du mouvement Fauviste, est célèbre pour son style vibrant et décoratif. Né le 3 juin 1877 au Havre, Dufy a commencé par des études artistiques tout en travaillant. Il a été profondément influencé par le Fauvisme après avoir vu l'œuvre de Henri Matisse, "Luxe, Calme et Volupté", en 1905. Cette révélation a orienté ses intérêts vers ce mouvement, caractérisé par des couleurs vives et des contours audacieux.
Dufy a développé une approche distinctive vers 1920, après avoir expérimenté brièvement le cubisme. Sa technique impliquait des structures squelettiques, une perspective raccourcie, et l'utilisation de lavis de couleur appliqués rapidement, connue sous le nom de sténographique. Ses œuvres joyeuses, tant en huile qu'en aquarelle, représentent des scènes de l'époque, comme des régates, des vues pétillantes de la Côte d'Azur, des fêtes chics et des événements musicaux.
En plus de la peinture, Dufy était également un illustrateur et artiste commercial renommé. Il a peint des fresques pour des bâtiments publics et produit un nombre significatif de tapisseries et de designs en céramique. Ses créations étaient très demandées dans l'industrie textile, influençant la mode de l'époque.
Les œuvres de Dufy sont présentes dans de nombreuses collections publiques, telles que l'Art Institute of Chicago, le Musée d'Art Moderne de Paris, et la National Gallery of Art à Washington, D.C. Parmi ses œuvres notables figurent "Les Alliés" (1914) et "Regatta at Cowes" (1934).
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, la richesse et la diversité de l'œuvre de Dufy offrent un panorama fascinant de l'art moderne français. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Raoul Dufy, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir des pièces uniques et de saisir des opportunités exceptionnelles dans le monde de l'art.
Ivan Vassilievitch Klioune (en russe: Иван Васильевич Клюн) était un artiste russe de l'avant-garde, né en 1873 et décédé en 1943. Il se distingue par son association avec le mouvement Suprématiste, aux côtés de figures emblématiques comme Kazimir Malevitch. Klioune explore divers styles, notamment le Cubisme, le Purisme et le Suprématisme, se faisant connaître pour sa théorie de la couleur en peinture et ses contributions en tant que théoricien de l'art.
Au cours de sa carrière, Klioune participe à des expositions marquantes comme Tramway V et Exposition 0,10, et rejoint le groupe Supremus, dirigé par Malevitch. Il s'implique dans l'enseignement aux Ateliers supérieurs d’art et de technique (Vkhoutemas) et dirige le Bureau central des expositions du département des Beaux-Arts du Narkompros entre 1917 et 1921. Ses œuvres, caractérisées par l'utilisation de formes géométriques et des tons de terre typiques du Cubisme, expriment un intérêt profond pour la couleur et la forme, marquant ainsi une distinction nette avec le futurisme métallique de Malevitch.
Parmi ses œuvres, l'« Autoportrait à la scie » illustre son approche unique de l'analyse cubo-futuriste, où il fusionne le monde des objets avec celui des humains dans une composition dynamique. Klioune laisse une empreinte significative dans l'art moderne, non seulement par ses créations mais aussi par ses contributions théoriques sur la couleur et l'esthétique.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Klioune représente un chapitre fascinant de l'avant-garde russe, offrant un aperçu riche de l'expérimentation artistique du début du XXe siècle. Ses réalisations soulignent l'importance de l'exploration formelle et chromatique dans l'évolution de l'art moderne.
Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Ivan Vassilievitch Klioune, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit des informations exclusives sur les nouvelles découvertes et les opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste exceptionnel.
André Lhote était un peintre, sculpteur, théoricien de l'art et enseignant français. Il est surtout connu pour son association avec le cubisme, un mouvement artistique qu'il a contribué à développer tant par sa pratique que par ses écrits théoriques. André Lhote a fondé sa propre académie à Paris en 1922, où il a enseigné jusqu'à la fin de sa vie, influençant ainsi de nombreux jeunes artistes du monde entier.
Au début de sa carrière, André Lhote a été influencé par Gauguin et Cézanne et a d'abord travaillé dans un style fauviste avant de se tourner vers le cubisme. Il a rejoint le groupe Section d'Or en 1912 et a exposé au Salon de la Section d'Or. Ses contributions à l'art ne se limitent pas à la peinture; il a également écrit des traités importants sur la peinture de paysage et de figure, ainsi que sur la critique d'art.
Son œuvre est présente dans de nombreuses collections publiques, y compris celles de Tate, du Leicester Museum & Art Gallery, et du Glasgow Museums Resource Centre. André Lhote a également laissé un héritage significatif en tant que critique d'art et enseignant, avec des élèves qui sont devenus notables dans leurs propres droits.
Inscrivez-vous pour recevoir des informations exclusives sur les futures expositions, ventes et événements liés à l'œuvre d'André Lhote. Restez au courant des dernières actualités et opportunités dans le monde de l'art.
Jean Metzinger, né en 1883 et mort en 1956, est un peintre, théoricien, écrivain et poète français connu pour son rôle majeur dans le développement du cubisme aux côtés d'Albert Glazes. Issu d'une importante famille de militaires, Metzinger décide de suivre sa passion pour l'art et s'installe à Paris en 1903, où il commence à exposer ses œuvres. Ses premières influences artistiques sont le néo-impressionnisme de Georges Serat et Henri-Edmond Cross, avant de s'orienter vers un style cubiste caractérisé par une perspective mouvante, comme l'illustre notamment son œuvre Femme au chevalier.
Au fil des années, Metzinger expérimente le cubisme et en repousse les limites, introduisant plus de réalisme et d'éléments de la vie domestique et urbaine dans ses tableaux, marqués par des couleurs vives et une esthétique Art déco. Cette évolution a été soutenue par un contrat de quinze ans avec la Leonce Rosenberg Gallery, qui a donné à Metzinger la sécurité financière nécessaire pour poursuivre ses activités artistiques.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, Dancer in a Café et Two Nous in an Exotic Garden reflètent l'innovation et la diversité de son talent. Ces œuvres ont été exposées respectivement à la Albright-Knox Art Gallery à Buffalo, New York, et au Museo Thyssen-Bornemisza à Madrid.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art et antiquités, nous vous encourageons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes et enchères liées à Jean Metzinger. Grâce à cet abonnement, vous ne manquerez jamais une occasion de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste cubiste emblématique.
Jean Metzinger, né en 1883 et mort en 1956, est un peintre, théoricien, écrivain et poète français connu pour son rôle majeur dans le développement du cubisme aux côtés d'Albert Glazes. Issu d'une importante famille de militaires, Metzinger décide de suivre sa passion pour l'art et s'installe à Paris en 1903, où il commence à exposer ses œuvres. Ses premières influences artistiques sont le néo-impressionnisme de Georges Serat et Henri-Edmond Cross, avant de s'orienter vers un style cubiste caractérisé par une perspective mouvante, comme l'illustre notamment son œuvre Femme au chevalier.
Au fil des années, Metzinger expérimente le cubisme et en repousse les limites, introduisant plus de réalisme et d'éléments de la vie domestique et urbaine dans ses tableaux, marqués par des couleurs vives et une esthétique Art déco. Cette évolution a été soutenue par un contrat de quinze ans avec la Leonce Rosenberg Gallery, qui a donné à Metzinger la sécurité financière nécessaire pour poursuivre ses activités artistiques.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, Dancer in a Café et Two Nous in an Exotic Garden reflètent l'innovation et la diversité de son talent. Ces œuvres ont été exposées respectivement à la Albright-Knox Art Gallery à Buffalo, New York, et au Museo Thyssen-Bornemisza à Madrid.
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Joan Miró, peintre, sculpteur, graveur et céramiste catalan, est célèbre pour son style unique mêlant le surréalisme à des éléments d'art abstrait, de fauvisme et d'expressionnisme. Né à Barcelone le 20 avril 1893, Miró a suivi un parcours artistique remarquable, marqué par un rejet des méthodes de peinture conventionnelles et un intérêt profond pour le subconscient et l'esprit enfantin.
Dans sa jeunesse, Miró a fréquenté une école de commerce et d'art avant de se consacrer entièrement à l'art après un effondrement nerveux. Ses débuts artistiques à Barcelone ont été fortement influencés par le fauvisme et le cubisme, avant de s'installer à Paris dans les années 1920, où son œuvre a commencé à refléter les caractéristiques du surréalisme. Son tableau "La Ferme", peint en 1921, est une de ses œuvres les plus célèbres de cette période, acclamé pour sa représentation unique de l'Espagne.
Miró a reçu de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière, dont le Prix de l'imprimé à la Biennale de Venise en 1954, le Prix de la Fondation Guggenheim en 1959, et la Médaille d'or du ministère de la Culture espagnol en 1980. En reconnaissance de sa contribution artistique, deux fondations portant son nom ont été créées : la Fondation Joan-Miró à Barcelone en 1975 et la Fondation Pilar et Joan Miró à Palma de Majorque.
Le travail de Miró est exposé dans des musées et galeries du monde entier, y compris le Musée national d'art moderne à Paris, le musée d'art moderne de Lille, et le Museum of Modern Art à New York. Son héritage perdure grâce à son approche révolutionnaire de l'art, sa capacité à mêler poésie et peinture, et son engagement à renouveler constamment son médium.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, restez à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Joan Miró en vous inscrivant à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de ne manquer aucune occasion liée à l'œuvre de ce grand maître.
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Maurice de Vlaminck, peintre français, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, connu pour son rôle majeur dans le mouvement fauviste. Né à Paris en 1876, il s'est illustré par une utilisation audacieuse de la couleur et un style expressif qui défiait les conventions artistiques de son époque. Avec André Derain et Henri Matisse, il fut l'un des piliers du Fauvisme, mouvement caractérisé par l'emploi de couleurs pures et lumineuses. Cette approche novatrice a été particulièrement remarquée lors de l'exposition du Salon d'Automne de 1905, où le terme "fauves" a été utilisé pour la première fois pour décrire leur travail.
Vlaminck a également exploré d'autres régions et thèmes dans son œuvre, peignant des paysages le long de la Seine et réalisant des voyages à Londres et Marseille. Son travail a évolué au fil des ans, influencé par l'Impressionnisme et, plus tard, par Paul Cézanne, marquant une transition vers une palette plus monochromatique et des formes simplifiées. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve "Sur le zinc" et "L'homme a la pipe", ainsi que de nombreux paysages et natures mortes qui témoignent de sa capacité à capturer l'essence de son sujet avec intensité et émotion.
Les œuvres de Vlaminck sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, dont le Musée de l'Hermitage à Saint-Pétersbourg et l'Art Institute of Chicago, témoignant de son influence durable sur l'art moderne. Son approche révolutionnaire de la couleur et de la forme a ouvert la voie à de nouvelles générations d'artistes et continue d'inspirer les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs à la recherche d'œuvres marquantes de l'histoire de l'art, Maurice de Vlaminck demeure une source d'inspiration constante. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel, garantissant ainsi de ne rien manquer des dernières opportunités de découvrir et d'acquérir son art.
Man Ray, né Emmanuel Radnitzky, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, connu pour son apport considérable aux mouvements Dada et Surréaliste. D'origine américaine, il a passé une grande partie de sa carrière à Paris, où il a exploré divers médias artistiques, se considérant avant tout comme un peintre, bien qu'il soit surtout célèbre pour ses photographies innovantes. L'influence de ses parents, travaillant dans la confection de vêtements, se retrouve dans son art, où mannequins, fers à repasser, machines à coudre et autres objets liés à la couture font régulièrement leur apparition, reflétant une fusion entre son héritage familial et son expression artistique.
Parmi ses œuvres les plus connues, "Le Violon d'Ingres" et "Les Larmes" (1932), sont des exemples marquants de son talent pour la photographie, tandis que "A l'heure de l'observatoire: Les Amoureux" illustre son penchant pour la peinture. Ces œuvres, et bien d'autres, sont conservées dans de prestigieux musées tels que le J. Paul Getty Museum à Los Angeles, témoignant de l'impact durable de Man Ray sur le monde de l'art.
Man Ray a débuté sa carrière artistique en se formant de manière autodidacte, tout en fréquentant des musées et en s'inspirant des maîtres anciens ainsi que de l'art avant-gardiste européen. Sa rencontre avec Marcel Duchamp a été déterminante, orientant son travail vers le mouvement et la représentation dynamique dans ses œuvres. Man Ray s'est également intéressé à l'expression cinématographique, comme en témoigne "Les Larmes", et a souvent intégré des éléments narratifs et cinématographiques dans son art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Man Ray représente un champ d'exploration riche en innovation et en expérimentation. Ses contributions aux mouvements Dada et Surréaliste, ainsi que sa capacité à transgresser les frontières entre les différents médias artistiques, continuent d'inspirer et d'influencer l'art contemporain.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Man Ray. Cette souscription vous garantit un accès privilégié aux dernières informations et aux opportunités uniques dans le monde de l'art.
Marie Vassilieff est une artiste française née à Smolensk, en Russie. Elle s'est installée à Paris en 1905 pour étudier l'art et est devenue une figure importante de la communauté artistique de la ville. Peintre, sculpteur et designer, Vassilieff est connue pour sa participation aux mouvements artistiques cubiste et montparnassien.
En 1910, Vassilieff ouvre La Ruche, un complexe d'ateliers et une colonie d'artistes dans le 15e arrondissement de Paris. Le complexe se compose de petits ateliers bon marché loués à des artistes débutants et à des artistes plus établis qui ont besoin d'un endroit pour travailler. La Ruche devient rapidement un lieu de rencontre pour certains des artistes les plus importants de l'époque, dont Marc Chagall, Max Ernst et Amedeo Modigliani.
Pendant la Première Guerre mondiale, Vassilieff a travaillé comme infirmière et conductrice d'ambulance, et a reçu la Croix de guerre pour son service. Après la guerre, elle continue à travailler en tant qu'artiste et participe à plusieurs expositions, notamment au Salon d'Automne et au Salon des Indépendants.
Outre son travail artistique, Vassilieff était également connue pour son militantisme. Elle était membre du Parti communiste français et s'est impliquée dans diverses organisations socialistes et féministes.
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Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Auguste Herbin était un artiste français de peinture, connu pour ses contributions significatives au cubisme et à l'abstraction. Né à Quiévy en 1882, il a exploré l'art non figuratif à partir de 1917, devenant une figure influente pour les artistes français de la seconde moitié du XXe siècle. Son engagement dans les mouvements artistiques tels que l'Abstraction-Création et le Salon des Réalités Nouvelles a marqué l'évolution de son style vers une abstraction géométrique caractérisée par l'utilisation audacieuse de couleurs et de formes géométriques.
Au cours de sa carrière, Herbin a rencontré des figures majeures du cubisme telles que Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris, ce qui a influencé son orientation vers le langage cubiste. Malgré les défis, y compris un handicap survenu en 1953 qui l'a contraint à peindre de la main gauche, il a continué à œuvrer pour l'art abstrait, publiant même un traité, L'Art non-figuratif, non-objectif, qui explique sa théorie des couleurs et des correspondances entre l'écriture, la musique et les arts visuels.
Les œuvres d'Herbin sont présentes dans de nombreuses collections publiques à travers le monde, notamment au Museum de Fundatie à Zwolle, au Kröller-Müller Museum à Otterlo, aux National Galleries of Scotland, au Musée Matisse au Cateau-Cambrésis, et au KUNSTEN Museum of Modern Art Aalborg. Sa contribution au monde de l'art reste influente, et ses œuvres continuent d'être exposées dans des galeries et des musées internationaux, attestant de son importance dans le développement de l'art moderne et de l'abstraction.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art d'Auguste Herbin et souhaitent rester informés sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous garantit de ne manquer aucune occasion de découvrir ou d'acquérir des œuvres de cet artiste remarquable.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
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Paul Gauguin, artiste et peintre français, a marqué le monde de l'art par son style unique. Né à Paris en 1848, Gauguin a vécu une enfance privilégiée au Pérou avant de retourner en France où il a débuté sa carrière en tant que courtier en bourse. Cependant, c'est en peinture qu'il a trouvé sa véritable passion. Influencé par l'Impressionnisme, il a rapidement développé son propre style, caractérisé par l'utilisation audacieuse de la couleur et des thèmes symbolistes.
Gauguin est célèbre pour ses œuvres réalisées en Polynésie française, où il s'est installé dans l'espoir de s'échapper de la civilisation occidentale. Il a cherché à exprimer des états spirituels et émotionnels à travers ses œuvres, avec une approche primitive. Parmi ses œuvres les plus connues, citons « D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? », une pièce maîtresse qui illustre sa quête philosophique et spirituelle.
Le style de Gauguin a influencé de nombreux mouvements d'avant-garde au début du 20e siècle. Ses expérimentations artistiques, notamment dans le Synthétisme, ont marqué une rupture avec l'Impressionnisme et ont ouvert la voie à de nouveaux courants dans l'art moderne.
Pour les collectionneurs et experts en art, la vie et l'œuvre de Gauguin restent une source d'inspiration et d'étude. Ses peintures sont exposées dans les plus grands musées du monde, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
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Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
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Sonia Delaunay-Terk (en russe : Соня Делоне-Терк) était une peintre et designer franco-russe d'origine juive. Le nom de Sonia Terk, sous lequel elle est connue, lui a été donné en 1890 après son adoption par son oncle. Dans la littérature, elle est également appelée Sonia Delaunay. Elle est considérée comme une représentante de l'abstraction géométrique. Ses modèles artistiques incluent Vincent van Gogh et Paul Gauguin. À partir de 1912, elle développe avec son mari Robert Delaunay ce que l'on appelle l'orphisme.
Prunella Clough était une éminente artiste britannique.
