Europe 18e siècle
Filippo Abbiati était un peintre italien de la période baroque, né en 1640 et décédé en 1715 à Milan. Élève de Carlo Francesco Nuvolone et Antonio Busca, il a été profondément influencé par la peinture lombarde du début du XVIIe siècle et a ensuite été exposé au baroque romain et aux premières manifestations du rococo. Abbiati a principalement travaillé à Milan, où il a produit de nombreuses œuvres, notamment des fresques dans l'église de Sant'Alessandro et des peintures pour d'autres églises locales.
Parmi ses œuvres notables, on compte les fresques de l'église Sant'Alessandro à Milan, réalisées entre 1683 et 1696 en collaboration avec Federico Bianchi. Ces œuvres sont considérées comme ses chefs-d'œuvre, bien qu'il soit difficile de distinguer les contributions spécifiques de chaque artiste dans certains cas. Abbiati a également peint plusieurs scènes de la vie de Saint Laurent pour la cathédrale de Novara et des œuvres pour l'église de Sant'Antonio à Milan autour de 1700.
Ses élèves, dont Alessandro Magnasco, ont continué à propager son style et ses techniques. Malgré son influence et sa production prolifique, peu de détails sur sa vie personnelle sont connus, et beaucoup de ses œuvres ont été perdues ou sont non documentées après son décès.
Les œuvres de Filippo Abbiati sont présentes dans plusieurs collections importantes, notamment à la Pinacoteca di Brera à Milan et dans d'autres institutions en Italie et en Suisse.
Ivan Akimovitch Akimov (еn russe: Иван Акимович Акимов) étant typographe pour le Sénat gouvernant, Akimov a démontré très tôt un vif intérêt pour la peinture, ce qui l'a conduit à intégrer l'Académie impériale des Beaux-Arts dès l'âge de dix ans. Après des études fructueuses, marquées par l'obtention de plusieurs médailles, il a poursuivi sa formation en Italie, étudiant notamment à l'Accademia di Belle Arti di Bologna, avant de se déplacer sans autorisation à Rome pour suivre les cours de Pompeo Battoni, grâce à une recommandation d'un noble russe résidant en Italie.
De retour à Saint-Pétersbourg, Akimov a intégré l'enseignement à l'Académie des Beaux-Arts, devenant professeur puis directeur. Il a également occupé le poste de directeur de la Manufacture impériale de tapisseries et a donné des leçons de dessin aux filles du tsar Paul Ier. Bien qu'il ne soit pas considéré comme un artiste de premier plan, son talent pédagogique a eu un impact significatif sur la peinture historique russe. Parmi ses étudiants les plus remarquables figurent Andrey Ivanovich Ivanov, Vasily Shebuyev et Alexei Yegorov. Akimov a également contribué à la fondation de l'historiographie de l'art russe.
Ses œuvres, telles que "Prométhée créant une statue sur l'ordre de Minerve", "Le baptême de la princesse Olga à Constantinople" et "Les Novgorodiens renversant Perun", témoignent de son apport à la peinture historique et classique russe. Certaines de ses œuvres sont conservées au Musée russe, illustrant son importance dans l'histoire de l'art russe.
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Fiodor Alekseïev (en russe : Фёдор Яковлевич Алексеев) était un peintre russe, connu pour ses paysages urbains et ses vues architecturales. Né en 1753, Alekseïev s'est spécialisé dans la représentation des villes russes, notamment Saint-Pétersbourg et Moscou. Ses œuvres sont caractérisées par une précision remarquable et une attention méticuleuse aux détails.
En tant qu'artiste, Alekseïev a apporté une contribution significative à la culture russe en documentant l'architecture et les paysages urbains de son époque. Ses peintures offrent un aperçu précieux de la vie urbaine et des structures architecturales du XVIIIe siècle en Russie. Les œuvres d'Alekseïev sont non seulement artistiquement impressionnantes, mais elles sont également historiquement importantes.
Certaines de ses œuvres les plus célèbres sont exposées dans des musées prestigieux, tels que le Musée Russe de Saint-Pétersbourg. Ses paysages urbains continuent d'inspirer et de fasciner les amateurs d'art et les historiens.
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Alexeï Petrovitch Antropov (en russe : Алексей Петрович Антропов) était un artiste russe de renom, spécialisé dans la peinture. Né dans une Russie où l'art commençait à s'épanouir, Antropov est surtout connu pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes, notamment dans le domaine du portrait.
Antropov était un peintre exceptionnel, dont le talent a grandement influencé le développement de l'art russe. Ses œuvres sont appréciées pour leur technique précise et leur capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une profondeur et une sensibilité remarquables. Artiste de la cour, ses portraits de membres de la famille impériale et de hauts dignitaires reflètent un style unique qui combine réalisme et éléments stylistiques de l'époque.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte les portraits de l'impératrice Catherine la Grande, exposés dans de prestigieux musées tels que la Galerie Tretiakov et le Musée Russe. Ces tableaux ne sont pas seulement des chefs-d'œuvre artistiques, mais aussi d'importantes pièces historiques qui offrent un aperçu de la cour impériale russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Antropov représente un investissement précieux et un trésor culturel. Ses peintures sont un témoignage éloquent de l'art du XVIIIe siècle en Russie, marquant une période significative dans l'histoire de l'art du pays.
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Ivan Petrovitch Argounov (en russe: Иван Петрович Аргунов) était un artiste russe de grande renommée, spécialisé dans le portrait. Né dans une famille de serfs, Argounov a su s'élever au-delà de sa condition pour devenir l'un des peintres les plus respectés de sa génération. Sa capacité à capturer l'essence et la noblesse de ses sujets, malgré sa propre origine modeste, témoigne de son talent exceptionnel et de son importance dans l'art russe.
Argounov est particulièrement connu pour ses portraits détaillés de la noblesse et des figures importantes de son époque, qui sont aujourd'hui exposés dans des musées et des galeries à travers la Russie. Ces œuvres se distinguent par leur réalisme saisissant et leur attention méticuleuse aux détails, qualités qui font d'Argounov un maître incontesté de l'art du portrait.
L'un des aspects remarquables de son travail est sa capacité à transmettre l'individualité et l'humanité de ses sujets, faisant de chaque portrait une fenêtre sur l'âme. Cette approche humaniste, combinée à une technique impeccable, place Argounov parmi les figures les plus influentes de la culture artistique russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Ivan Petrovitch Argounov offre un aperçu fascinant de l'art et de la société russes du XVIIIe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Ivan Petrovitch Argounov. Cette souscription est une opportunité unique de rester informé des dernières découvertes et offres concernant ce peintre emblématique.
Benito Rodríguez Blanes, décédé en 1737, était un prêtre et peintre baroque espagnol, actif à Grenade. Né dans cette ville même, il fut un disciple éminent d'Alonso Cano, sous l'influence duquel il développa son style artistique unique.
Rodríguez Blanes a combiné sa vocation religieuse avec sa passion pour la peinture, deux aspects qui se reflètent clairement dans ses œuvres. Ses tableaux, principalement des peintures religieuses, sont appréciés pour leur délicatesse et leur expression spirituelle. Parmi ses œuvres notables, on trouve plusieurs peintures de la Vierge situées dans des lieux prestigieux tels que la sacristie de l'église de San Justo y Pastor à Grenade, ainsi que dans la paroisse de la Magdalena. De plus, son œuvre « Santo Dominico » (Saint Thomas d'Aquin ou San Luis Beltrán), un magnifique exemple de son art, est exposé au Musée des Beaux-Arts de Grenade.
La contribution de Rodríguez Blanes à l'art de l'École de Grenade est significative. Il a su capter l'essence du baroque espagnol tout en y apportant sa touche personnelle, marquée par une spiritualité profonde et une technique raffinée. Sa capacité à fusionner ses convictions religieuses avec son art fait de lui un artiste unique et respecté de son époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Benito Rodríguez Blanes représente une exploration fascinante de la culture et de l'art baroque de l'École de Grenade. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Benito Rodríguez Blanes, inscrivez-vous dès maintenant. Cela garantira que vous restez informé des dernières découvertes et opportunités concernant cet artiste remarquable.
Vladimir Loukich Borovikovski (en russe: Владимир Лукич Боровиковский) était un artiste russe d'origine ukrainienne, célèbre pour son rôle prédominant dans le portrait au tournant du XIXe siècle. Né en 1757 à Mirgorod, en Ukraine, il a vécu jusqu'à l'âge de 31 ans avant de déménager à Saint-Pétersbourg, suite à l'invitation de l'impératrice Catherine II qui fut impressionnée par ses œuvres. Borovikovski a bénéficié des leçons privées des peintres Johann Baptist von Lampi et Dmitry Levitzky, ce qui a marqué le début de sa carrière professionnelle en tant que portraitiste. Sa réputation s'est consolidée lorsque, en 1795, il a été nommé académicien, grâce à ses portraits intimes de membres de la famille impériale, de courtisans et d'aristocrates, parmi lesquels on compte environ 500 œuvres, avec 400 ayant survécu jusqu'à aujourd'hui.
Le style de Borovikovski mélangeait le classicisme et le sentimentalisme, capturant l'ideal de beauté de son époque et la diversité des émotions intérieures de ses sujets. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des portraits de Catherine II, d'Elisabeth Alexeievna, et du prince Kurakin, ainsi que des œuvres religieuses importantes réalisées vers la fin de sa vie, comme l'iconostase de l'église du cimetière de Smolensky et plusieurs icônes pour la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg.
En dépit de son succès, la vie personnelle de Borovikovski a été marquée par des défis, notamment son manque de reconnaissance à la cour impériale dans ses dernières années, ce qui l'a éloigné de la peinture de portraits et l'a conduit vers la peinture d'icônes et la vie mystique. Il est décédé subitement d'une crise cardiaque en 1825, laissant derrière lui un héritage artistique qui continue d'inspirer.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire russe, l'œuvre de Borovikovski offre un aperçu fascinant de l'ère sentimentale et de la société russe à l'aube du XIXe siècle. Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Vladimir Loukich Borovikovski.
André-Charles Boulle, ébéniste, fondeur, ciseleur, doreur et dessinateur français du XVIIe et XVIIIe siècles, est une figure emblématique de l'art et de la culture européenne. Né à Paris, sa renommée en tant qu'Artiste et Peintre dans le domaine de l'ébénisterie, et plus précisément de la marqueterie de métal et d'écaille, lui a valu le titre de « l'ébéniste du roi » sous le règne de Louis XIV. Sa technique, désormais connue sous le nom de marqueterie Boulle, consiste à incruster dans le bois des motifs élaborés en écaille de tortue et en laiton, créant des œuvres d'une beauté et d'une complexité inégalées.
Le talent de Boulle a rapidement captivé l'aristocratie et la bourgeoisie de son époque, notamment grâce à la commande royale de l'estrade de la petite chambre de la reine Marie-Thérèse à Versailles en 1672, marquant le début de sa longue et fructueuse relation avec la cour de France. Sa résidence et son atelier dans le Louvre, attribués par Jean-Baptiste Colbert, soulignent son statut privilégié et l'exemption des contraintes des corporations parisiennes, lui permettant une liberté de création et une production artistique prolifique.
Boulle a perfectionné l'art de la marqueterie, une technique qu'il n'a pas inventée mais qu'il a considérablement améliorée. Cette technique consiste à découper un motif dans les deux matériaux simultanément, permettant d'obtenir deux panneaux correspondants, l'un en cuivre sur fond d'écaille de tortue, et l'autre en écaille de tortue sur fond de cuivre. Les innovations de Boulle ne se limitaient pas à la marqueterie; il a également introduit l'utilisation du bronze dans ses meubles pour protéger les parties les plus fragiles et créer de nouveaux types de meubles, comme le commode révolutionnaire pour la chambre à coucher de Louis XIV au Trianon en 1708.
Son atelier a été un centre d'innovation, employant une grande équipe pour la création de meubles décorés avec une marqueterie florale complexe, utilisant du bois, du métal, de l'écaille de tortue et de l'ivoire. Bien que Boulle ait passé son atelier à ses fils en 1715, il a continué à travailler et à influencer le design des meubles jusqu'à bien après sa mort.
Les œuvres de Boulle, y compris les cabinets, les horloges monumentales, et les bureaux, sont exposées dans des musées et des collections privées à travers le monde, témoignant de son influence durable dans l'art du meuble français. Sa capacité à allier fonctionnalité et esthétique majestueuse a établi un nouveau standard dans la conception de meubles, faisant de lui une figure incontournable pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
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Richard Brompton était un peintre de portraits anglais, né vers 1734 et décédé en 1783. Il a été formé sous la tutelle de Benjamin Wilson avant de partir pour l'Italie où il a étudié avec Anton Raphael Mengs à Rome. C'est là qu'il a rencontré le comte de Northampton, qui l'a introduit à des cercles influents et a favorisé sa carrière artistique. Brompton a vécu une période à Venise, où il a peint des œuvres notables, y compris des portraits du Duc d'York et de ses compagnons.
Après son retour en Angleterre, Richard Brompton a continué à travailler comme portraitiste et a même été président de la Society of Artists entre 1779 et 1780. Ses difficultés financières l'ont finalement conduit à accepter une invitation de la part de l'impératrice de Russie, pour qui il est devenu peintre de la cour à Saint-Pétersbourg jusqu'à sa mort en 1783.
Parmi ses œuvres les plus remarquables figurent des portraits de personnalités telles que le Prince de Galles et William Pitt, le 1er comte de Chatham. Ces œuvres sont des exemples précieux de son style et technique en peinture de portraits, conservées dans des institutions comme le National Maritime Museum et le National Portrait Gallery.
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Louis Caravaque était un peintre portraitiste français, reconnu pour son influence marquante dans l'art russe du début du XVIIIe siècle. Né en 1684 à Marseille, il s'est d'abord formé dans l'atelier de son père, un décorateur spécialisé dans la peinture de navires. En 1715, son talent pour les portraits attire l'attention à Paris, ce qui lui vaut un contrat pour la Russie où il deviendra peintre de la cour sous Pierre le Grand.
Caravaque s'est installé à Saint-Pétersbourg où il a vécu jusqu'à sa mort en 1754. Il a eu l'honneur de peindre des portraits importants pour la famille impériale russe, y compris Pierre le Grand et la future impératrice Elisabeth. Ses œuvres sont célèbres pour leur réalisme et leur finesse, reflétant les traits et les émotions de ses sujets avec une grande précision.
Parmi ses œuvres les plus notables, on trouve le portrait de Pierre le Grand à la bataille de Poltava et ceux des princesses Anna Petrovna et Elizaveta Petrovna. Ces portraits sont aujourd'hui conservés au Musée Russe et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.
Pour ceux intéressés par l'histoire de l'art russe et l'impact des artistes occidentaux comme Caravaque, une visite à ces musées ou une exploration de leurs collections en ligne pourrait s'avérer enrichissante. Pour ceux qui collectionnent ou s'intéressent spécifiquement à l'œuvre de Caravaque, restez informés des nouvelles acquisitions et événements d'enchères en vous inscrivant à des mises à jour. Ces informations vous aideront à ne pas manquer les opportunités d'acquérir des œuvres de ce maître de la peinture portraitiste française en Russie.
Mikhail Chibanov (еn russe : Михаил Шибанов) était un artiste russe actif pendant les années 1780, notamment connu pour ses portraits et ses scènes de genre. Né serf, Chibanov travaillait pour le prince Grigory Potemkin et a reçu des commandes de personnages nobles, y compris de l'impératrice elle-même. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent le portrait du comte Alexander Dmitriev-Mamonov et celui de l'impératrice Catherine II en robe de voyage, datés respectivement de 1785 et 1787.
Ses peintures de genre, comme "Le repas des paysans" et "La célébration de l'accord de mariage", reflètent la vie quotidienne et sont conservées à la galerie Tretiakov à Moscou. Chibanov est décédé après 1798, bien que la date exacte de sa mort ne soit pas documentée.
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Stepan Semyonovitch Chtchoukine (еn russe : Степан Семёнович Щукин) était un artiste et peintre de portraits russe, réputé pour ses œuvres à l'aquarelle et ses portraits minutieux. Né à Moscou en 1754 et décédé à Saint-Pétersbourg en 1828, Chtchoukine a commencé ses études d'art sous la tutelle de Dmitry Levitzky à l'Académie impériale des arts. Après une période de formation à l'Académie de Peinture et de Sculpture à Paris, il retourne en Russie où il devient professeur de portrait à l'Académie.
Ses contributions à l'art russe sont indéniables, ayant peint des figures emblématiques telles que le tsar Paul I et d'autres membres de la haute société. Chtchoukine a été promu académicien et a finalement obtenu le titre de Conseiller à l'Académie, influençant de nombreux étudiants, dont Vasily Tropinin.
Ses œuvres sont présentes dans de prestigieuses collections et musées, reflétant son importance dans l'histoire de l'art russe. Les connaisseurs d'art et les collectionneurs apprécient particulièrement la finesse de ses portraits et son style unique.
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Jacques-Louis David, peintre français né le 30 août 1748 à Paris et mort le 29 décembre 1825 à Bruxelles, est considéré comme le précurseur du mouvement néoclassique en peinture. Sa vie a été marquée par une profonde implication dans les bouleversements politiques de son époque, notamment pendant la Révolution française et l'ère napoléonienne. Son œuvre est une célébration du classicisme, inspirée de l'antiquité grecque et romaine, visant à revitaliser l'art par un retour à la grandeur classique.
Dès son plus jeune âge, David manifeste un vif intérêt pour le dessin, bien que la pression familiale le pousse d'abord à poursuivre une carrière d'architecte. Il suit les cours de François Boucher puis de Joseph-Marie Vienne, qui marque la transition du style rococo au néoclassicisme. Sa détermination lui permet de remporter le prestigieux prix de Rome, qui lui donne l'occasion d'étudier les chefs-d'œuvre de l'Antiquité et de la Renaissance italienne.
David est devenu une figure centrale de la peinture française, influençant de nombreux artistes tels que François Gérard, Georges Rouget et Jean-Auguste-Dominique Ingres. Ses œuvres majeures, telles que Le serment d'Horace, La mort de Marat et Le rite de Napoléon, illustrent sa capacité à transmettre le pouvoir émotionnel et moral de ses sujets tout en servant les idéaux politiques de son époque. Sa capacité à insuffler à ses œuvres un réalisme saisissant tout en restant fidèle à l'esthétique classique a révolutionné la peinture d'histoire et le portrait, faisant de lui un peintre célèbre tant pour ses compositions historiques que pour ses portraits intimes.
Après la chute de Napoléon, David, marqué par son passé révolutionnaire et impérial, choisit de s'exiler à Bruxelles, où il continue à travailler jusqu'à sa mort. Son héritage est conservé dans les collections des plus grands musées d'Europe et des États-Unis, notamment le Louvre, témoignant de son influence indélébile sur l'art et la culture européenne.
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George Dawe était un artiste britannique spécialisé dans le portrait, célèbre pour sa série de portraits de généraux russes commandée par l'empereur Alexandre Ier. Né à Londres en 1781, un talent précoce pour l'art s'est manifesté chez lui, initialement formé par son père, un graveur renommé. Après des études à la Royal Academy of Arts, une reconnaissance rapide a été acquise et il a été élu membre de l'Académie en 1814.
Sa carrière a pris une tournure internationale lors de l'installation à Saint-Pétersbourg en 1819, où plus de 300 portraits pour la galerie militaire du Palais d'Hiver ont été produits, devenant un personnage célèbre dans les cercles intellectuels russes et européens. Parmi les œuvres les plus notables figurent celles de figures militaires éminentes telles que Michail Kutuzov et Pavel Petrovitch von der Pahlen, ainsi que des portraits de la famille impériale russe.
Le retour en Angleterre a eu lieu à la fin de la vie de Dawe, où il est décédé en 1829. Bien que la popularité ait diminué après sa mort en Angleterre, une figure respectée reste en Russie, où le travail continue d'être exposé à l'Hermitage.
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Francisco José de Goya y Lucientes, né le 30 mars 1746 à Fuendetodos et mort le 16 avril 1828 à Bordeaux, est un peintre et graveur espagnol dont l'œuvre a marqué une transition majeure dans l'art européen. Réputé pour son approche avant-gardiste, Goya est considéré comme l'un des derniers grands maîtres de la peinture classique ainsi que l'un des premiers modernes. Son travail, profondément ancré dans les bouleversements sociaux et politiques de son époque, notamment les guerres napoléoniennes, offre une critique audacieuse de la société. Ses œuvres les plus célèbres, telles que "La Maja nue", "La famille de Charles IV", "Le 3 mai 1808" et la série d'estampes "Les Désastres de la guerre", illustrent son habileté à capturer tant la beauté que la brutalité de la condition humaine.
D'abord influencé par le baroque tardif et le rococo lors de ses années de formation, Goya a par la suite embrassé le néoclassicisme, s'inspirant de ses voyages en Italie. Cependant, c'est son évolution vers un style plus sombre et plus expressif, initiée après une maladie grave en 1793 qui l'a laissé sourd, qui définit la période la plus remarquable de sa carrière. Cette transformation stylistique est manifeste dans ses "peintures noires", des œuvres qui préfigurent le romantisme et l'expressionnisme.
Nommé peintre de la cour sous Charles III, puis promu peintre du roi sous Charles IV, Goya a immortalisé la famille royale dans des portraits qui révèlent un œil critique sous une apparence de formalité. Ces œuvres, combinées à sa série "Caprichos", démontrent son intérêt pour les thèmes sociaux, politiques et fantastiques, explorant les profondeurs de la psyché humaine et de la société espagnole de son époque.
Les collectionneurs et les experts en art et antiquités reconnaissent en Goya non seulement un témoin privilégié de son temps mais également un pionnier dont l'influence se perpétue dans l'art contemporain. Ses œuvres, dispersées dans des musées du monde entier, notamment au Musée du Prado à Madrid, continuent d'inspirer et de fasciner par leur puissance et leur modernité.
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Jean Balthasar de la Traverse était un peintre français du XVIIIe siècle, spécialisé dans les portraits et les scènes historiques. Né en 1752, il a étudié à Paris sous la direction de maîtres renommés avant de partir pour la Russie en 1773. Devenu peintre de cour à Saint-Pétersbourg, il a réalisé des œuvres remarquables pour la noblesse russe.
Ses peintures se caractérisent par une grande précision et une vivacité exceptionnelle, ce qui lui a valu une reconnaissance durable. Parmi ses œuvres célèbres, on trouve des portraits de figures historiques et des scènes de la vie quotidienne, conservées dans des musées tels que l'Hermitage.
De la Traverse est également connu pour ses contributions aux collections royales et privées, où son talent pour capturer l'essence de ses sujets est particulièrement apprécié. Son héritage artistique continue d'influencer les générations d'artistes et d'amateurs d'art.
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José de Mora est un sculpteur espagnol du baroque, né à Baza, Granada, le 1er mars 1642 et mort à Granada le 25 octobre 1724. Fils du sculpteur Bernardo de Mora, il a été formé dans l'atelier de son père, aux côtés de Pedro de Mena et Alonso Cano, ce dernier ayant une influence déterminante sur lui. Après le décès de Cano, en 1669, José de Mora se rend à Madrid où il travaille avec Sebastián de Herrera Barnuevo, un autre disciple de Cano. En 1672, il devient sculpteur de la cour de Charles II jusqu'en 1680, année où il retourne définitivement à Granada. Sa vie personnelle fut marquée par une profonde solitude après le décès de sa femme, n'ayant pas eu d'enfants, ce qui l'a conduit dans un état de mélancolie et d'aliénation, reflété dans ses œuvres empreintes d'un sentiment profond et d'une sensibilité infinie.
Ses œuvres majeures incluent le "Cristo de la Misericordia" (1688), situé à l'église de San José à Granada, et la "Virgen de los Dolores" (1671), à l'église de Santa Ana, également à Granada. José de Mora est reconnu pour son style émotionnel et expressif, caractéristique de l'imaginerie religieuse espagnole du XVIIe siècle, marquant ainsi de façon significative le baroque espagnol. Sa technique, influencée par Alonso Cano, se distingue par une expressivité mesurée et une policromie minimaliste, reflétant une austérité personnelle tout en démontrant une grande efficacité artistique.
En mars 2024, une œuvre attribuée à José de Mora, représentant Saint François d’Assise, a été mise aux enchères à Madrid, témoignant de l'intérêt continu pour son travail et sa contribution à l'art baroque espagnol.
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Alexandre Ivanovitch Dmitriev-Mamonov (еn russe : Александр Иванович Дмитриев-Мамонов) était un général-major russe, né en 1788 à Saint-Pétersbourg. Il a servi dans l'armée russe pendant les guerres napoléoniennes et a participé à de nombreuses batailles importantes. Dmitriev-Mamonov était également un artiste reconnu, particulièrement pour ses peintures de bataille.
En tant que mécène, il a fondé l'Association pour l'encouragement des artistes et a soutenu des talents tels que Karl Briullov. Ses œuvres, dont des aquarelles et des dessins de scènes de guerre, sont exposées dans des musées prestigieux comme l'Ermitage.
Il est mort en 1836 à Moscou et est enterré au monastère de Donskoï.
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Piotr Semenovich Drozhdin (еn russe : Пётр Семёнович Дрождин) était un artiste russe, reconnu pour son travail dans le portrait et la peinture religieuse. Originaire de Tver, il a commencé sa carrière artistique dans l'atelier d'icônes de la Laure de la Trinité-Saint-Serge, avant de poursuivre ses études à l'Académie des arts sous la direction d'A. Antropov et D. Levitsky. En 1785, il a été reconnu comme académicien grâce à son portrait formel du baron P. F. Baltica, directeur de l'Académie des arts.
Drozhdin est surtout célèbre pour ses portraits officiels et ses copies de peintures de personnages importants de la Russie, ainsi que pour ses œuvres religieuses à la cathédrale de la Trinité du monastère Alexandre Nevski. Ses œuvres sont exposées dans plusieurs musées importants tels que le Musée russe, la Galerie Tretiakov, et d'autres musées à Tver et Yaroslavl.
Parmi ses œuvres les plus célèbres figure le "portrait du peintre A. P. Antropov avec son fils devant le portrait de l'épouse" réalisé en 1776, qui témoigne de son habileté technique et artistique.
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Alexeï Egorov (en russe : Алексей Егорович Егоров) était un peintre et dessinateur russe, réputé pour son enseignement en histoire de la peinture à l'Académie russe des Beaux-Arts. Capturé jeune par les Cosaques et d'origine possible kalmyke, il a été formé à l'Académie Impériale des Arts sous la tutelle d'Ivan Akimov et Grigori Ougrioumov, avant d'acquérir une renommée en Italie pour son talent artistique, notamment auprès de Vincenzo Camuccini.
Son influence sur l'art russe est notable, ayant encadré des artistes tels que Bryullov et Bassin. Parmi ses œuvres les plus connues figurent « Le Saint Siméon le Dieu-receveur », « La Sainte Famille » et « La Torture du Sauveur », exposées au Musée Russe et dans la collection de la princesse Tenisheva.
Alexeï Egorov était profondément attaché à la peinture religieuse, privilégiant les thèmes bibliques à la peinture de portraits, bien qu'il ait réalisé des portraits de figures notables, y compris la princesse Avdotia Golitsina. Sa vie a été marquée par un dévouement à l'enseignement, un profond attachement à la foi orthodoxe, et une fin de carrière abrupte à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, suite à un désaccord avec l'empereur Nicolas Ier.
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Vigilius Eriksen était un peintre danois, renommé pour ses portraits royaux. Né à Copenhague, il devint le portraitiste officiel du roi Christian VI de Danemark. Au-delà de la cour danoise, Eriksen s'est également distingué à la cour impériale de Russie, peignant des figures telles que Catherine la Grande durant son séjour de 15 ans à Saint-Pétersbourg entre 1757 et 1772.
La capacité d'Eriksen à capturer l'essence de ses sujets avec une fidélité remarquable lui a valu une réputation considérable au sein de l'aristocratie européenne. Son oeuvre comprend des portraits emblématiques tels que celui de Catherine II sur un socle de porphyre, vêtue de brocart d'argent et de manteau impérial, une pièce maîtresse de la représentation du pouvoir et de l'autorité.
Ses travaux sont exposés dans divers musées, dont le Rosenborg Castle à Copenhague, où l'on trouve des portraits de la reine douairière Juliana Maria et de la princesse Caroline Mathilde. Après une carrière fructueuse, Eriksen est retourné au Danemark, continuant à peindre l'élite jusqu'à sa mort en 1782.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Vigilius Eriksen offrent un aperçu fascinant de la portraiture royale et impériale du XVIIIe siècle. Pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes d'œuvres et les événements d'enchères liés à Vigilius Eriksen, inscrivez-vous ici. Votre abonnement vous alertera uniquement sur les événements pertinents, sans superflu.
Jean-Honoré Fragonard, peintre emblématique français né en 1732 à Grasse et décédé en 1806 à Paris, est reconnu pour son apport majeur au style rococo. Sa formation artistique, débutée auprès de maîtres comme Jean Siméon Chardin et François Boucher, lui a permis de remporter le prestigieux Prix de Rome en 1752, qui a marqué le début d'une illustre carrière centrée sur les portraits, les paysages, et surtout les scènes galantes et érotiques, prisées par la Cour de Louis XV. Son œuvre, célébrée pour son exubérance et sa délicatesse, comprend des tableaux célèbres tels que « La Liseuse », « Les Hasards Heureux de l'Escarpolette » et « Le Verrou », illustrant son penchant pour le libertinage artistique et les sujets romantiques.
Jean-Honoré Fragonard a su innover dans l'art de la peinture par l'utilisation de techniques qui privilégient la rapidité d'exécution et un moindre mélange des couleurs, créant ainsi des surfaces picturales vibrantes d'énergie et de génie. Cette approche a été particulièrement appréciée par les collectionneurs de son époque pour son caractère novateur et sa capacité à capturer l'essence du « feu » et du « génie ». Parmi ses réalisations notables, la série de peintures de panneaux pour Madame du Barry et ses dessins, comme ceux réalisés lors de son voyage en Italie avec le fermier général Pierre Jacques Onésyme Bergeret de Grancourt, témoignent de sa maîtrise inégalée du médium de la craie rouge et de sa vision enchantée de la nature.
Sa carrière ultérieure a été marquée par une tentative de transition vers le style néoclassique, bien que cette évolution ait été entravée par les changements de goûts de l'époque. Après la Révolution française, Jean-Honoré Fragonard s'est vu confier des postes administratifs au Louvre, mais son œuvre a progressivement été oubliée, le conduisant à une fin de vie dans l'obscurité.
Pour les passionnés d'art, de culture, et d'histoire, ainsi que les collectionneurs et experts en antiquités, l'œuvre de Fragonard reste un témoignage précieux de la richesse de l'art rococo français. Pour rester informé sur les ventes de produits et événements d'enchères liés à Jean-Honoré Fragonard, inscrivez-vous aux mises à jour. Cette inscription vous garantit un accès exclusif aux opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique.
Kirill Ivanovitch Golovatchevskiï (еn russe : Кирилл Иванович Головачевский), né le 27 mai 1735 près de Chernigov et décédé le 27 juillet 1823 à Saint-Pétersbourg, était un artiste russe de renom. Initialement membre du chœur de la cour, il fut reconverti en élève de l'artiste russe I. P. Argunov après que sa voix eut mué. Dès lors, sa carrière artistique prit son essor.
En 1762, il fut nommé professeur associé et obtint le titre d'académicien en 1765, bénéficiant de conditions particulièrement favorables à l'Académie. Sa carrière fut marquée par un long service comme inspecteur de l'Académie, de 1771 à 1773 puis de 1783 à 1823, période durant laquelle il fut très apprécié en tant qu'enseignant. Malgré un talent considéré comme moyen, les œuvres de ses débuts révèlent une réelle dévotion pour les arts, ce qui lui valut une place d'honneur dans l'histoire de l'art russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités désireux de rester informés des ventes et des événements d'enchères liés à Kirill Ivanovitch Golovatchevskiï, inscrivez-vous à nos mises à jour. Restez connecté pour ne manquer aucune opportunité.
Georg Christoph Grooth, né le 21 janvier 1716 à Stuttgart et décédé le 8 octobre 1749 à Saint-Pétersbourg, était un artiste peintre allemand réputé pour ses portraits à la cour impériale de Russie. Avant son départ pour la Russie, Grooth a été formé à Dresde et a travaillé brièvement à Gdańsk. En 1741, il s'installe en Russie, où il devient rapidement le peintre de cour d'Élisabeth de Russie, peignant des portraits emblématiques de l'aristocratie russe.
Son œuvre la plus célèbre est probablement le portrait équestre de l'impératrice Élisabeth, habillée en uniforme de colonel du régiment Preobrazhensky, qui symbolise son autorité sur les terres et les mers russes. Grooth a également joué un rôle clé dans la décoration des cérémonies d'État et a été nommé premier inspecteur officiel des galeries d'art à Saint-Pétersbourg, une position qui l'a amené à superviser et restaurer les collections impériales de peintures.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections, notamment au Musée Russe et à la Galerie Tretiakov. Grooth a eu une influence notable sur les artistes russes de l'époque, formant des peintres comme Ivan Argounov.
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Johann Friedrich Grooth (еn russe : Иван Фёдорович Гроот), également connu sous le nom de Ivan Fedorovich Groot, était un peintre allemand né en 1717 à Stuttgart et décédé en 1801 à Saint-Pétersbourg. Spécialisé dans la peinture animalière, Grooth est reconnu pour ses œuvres minutieusement détaillées représentant des scènes de la vie animale, souvent exécutées avec une précision baroque. Parmi ses œuvres célèbres, on trouve "Les Perroquets" de 1766 et "Le Chat et le Lièvre mort" de 1777, toutes deux conservées à la Galerie Tretiakov.
Il s'installe en Russie en 1743 et y vit jusqu'à sa mort, ayant une influence notable sur l'art local. Grooth a enseigné à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg dès 1765 et a été honoré en tant qu'académicien pour son tableau "Un aigle attaquant un tétras" en 1763. Il a également été conseiller de l'Académie et peintre de cour.
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Georg Gsell était un artiste suisse du Baroque, consultant artistique et marchand d'art, réputé pour son influence dans l'art européen et russe du début du XVIIIe siècle. Né à Saint-Gall, il s'est installé à Amsterdam avant d'être recruté par Pierre le Grand en 1716 pour se rendre en Russie. Là, il est devenu le premier conservateur de la galerie d'art impériale fondée en 1720. Sa femme, Maria-Dorothea Merian, fut également une conservatrice reconnue.
Gsell est surtout connu pour son travail de catalogage de la Kunstkamera, dont le manuscrit a été redécouvert récemment, offrant un aperçu précieux de la collection initiale de ce musée. Sa contribution à la culture et à l'art russe est notable, consolidant le pont entre les influences artistiques occidentales et russes de l'époque.
Ses œuvres, principalement des portraits et des scènes de nature morte, reflètent l'élégance et la précision du style baroque. Certaines de ses œuvres ont été présentées et vendues lors de diverses enchères, soulignant son importance historique et artistique continue.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire artistique de Georg Gsell, et souhaitant recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et événements d'enchères liés à ses œuvres, inscrivez-vous pour des alertes spécifiques à cet artiste. Ce service vous tiendra informé des dernières opportunités de collectionner ses œuvres uniques et influentes.
Feodosiï Ivanovitch Ianenko (еn russe : Феодосий Иванович Яненко), artiste peintre russe du XVIIIe siècle, a marqué son époque par ses œuvres religieuses et ses portraits. Né en 1762, Ianenko a été formé à l'Académie impériale des beaux-arts sous la tutelle de Gabriel Ignatievich Kozlov. Il s'est distingué rapidement par son talent, notamment en 1795, lorsqu'il fut reconnu pour ses études de la figure humaine nue, une réalisation qui lui a valu le titre d'académicien deux ans plus tard.
L'une de ses œuvres les plus célèbres, "Voyageurs dans la tempête", conservée au musée de l'Académie, illustre son habileté à capturer l'intensité des expressions humaines et la fureur de la nature. Outre ses tableaux de scènes dramatiques, Ianenko a largement contribué à la décoration de la cathédrale Kazan à Saint-Pétersbourg, où ses œuvres religieuses reflètent son profond sens de la spiritualité et son attention aux détails iconographiques.
Son talent pour le portrait est également reconnu dans le portrait de l'empereur Paul I, exposé à la galerie Tretiakov. Cette œuvre démontre sa capacité à transmettre l'autorité et la complexité du personnage représenté. Les contributions de Ianenko à l'art russe restent influentes; ses tableaux sont exposés dans des institutions de renom telles que la galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
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Andreï Ivanovitch Ivanov (en russe : Андрей Иванович Иванов) était un peintre russe éminent, reconnu pour ses contributions significatives à l'école classique du début du XIXe siècle. Il est célèbre pour ses peintures historiques, religieuses et mythologiques, où il a souvent exprimé des thèmes de citoyenneté et de patriotisme. Parmi ses œuvres notables, on retrouve des sujets bibliques et des représentations de l'histoire russe et ancienne.
Ivanov a également été un éducateur influent, formant de nombreux élèves, y compris son propre fils, Alexandre Andreïevitch Ivanov, ainsi que Karl Bryullov. Son dévouement à l'enseignement et son impact sur ses élèves ont laissé une empreinte durable sur l'art russe.
Son adhésion à l'académisme se manifeste clairement dans ses œuvres, qui sont caractérisées par un dessin académique rigoureux et une coloration subtile. Il a contribué de manière significative à la peinture religieuse, créant des iconostases et des icônes pour diverses églises à Saint-Pétersbourg, Varsovie, Pékin et Tbilissi.
Les contributions d'Ivanov à la culture et à l'art ne se limitent pas à ses peintures; il a participé à la création de médailles et à la décoration de la cathédrale Notre-Dame-de-Kazan de Saint-Pétersbourg. Son œuvre continue d'être une source d'inspiration et d'admiration pour les collectionneurs, les experts en art et les antiquaires.
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Mikhaïl Matveïevitch Ivanov (еn russe : Михаил Матвеевич Иванов) était un peintre russe, né en 1748 à Novgorod et décédé le 16 août 1823 à Saint-Pétersbourg. Connu pour ses paysages, il a été un représentant éminent de la peinture russe du XVIIIe siècle, formé à l'Académie impériale des Beaux-Arts jusqu'en 1770.
Ivanov s'est spécialisé dans les scènes historiques et maritimes. Parmi ses œuvres notables figurent "La flotte de la mer Noire traversant le détroit du Bosphore" et "Pierre Ier le Grand lors de la Bataille du Prut". Ces pièces démontrent son talent pour capturer des moments clés de l'histoire russe avec un grand souci du détail et de la composition.
Ses œuvres sont reconnues pour leur précision historique et leur beauté esthétique, illustrant des événements marquants et des paysages maritimes majestueux. Ivanov a également travaillé à l'Académie impériale des Beaux-Arts, contribuant à l'éducation artistique de nombreuses générations de peintres russes.
Les créations de Mikhaïl Matveïevitch Ivanov continuent d'être exposées dans divers musées en Russie et à l'étranger, célébrant son héritage artistique et historique. Pour rester informé des ventes et événements de mise aux enchères concernant Ivanov, inscrivez-vous à notre liste de diffusion dédiée aux amateurs d'art et de culture.
Joaquim Juncosa, peintre baroque espagnol et moine de l'ordre des Chartreux, est né à Cornudella en 1631 et décédé à Rome en 1708. Reconnu pour son style sobre, ses œuvres reflètent l'influence de la peinture romaine et sa maîtrise du dessin.
Sa carrière a débuté par des commandes de monastères et de résidences privées, marquée par des toiles mythologiques impressionnantes pour le marquis de la Guardia. En 1660, il s'est joint au monastère des Chartreux de Scala Dei, devenant une figure centrale de l'école d'Escaladei. Ses fresques et tableaux, bien que plusieurs aient été perdus lors des troubles du XIXe et XXe siècle, continuent de susciter l'admiration.
Ses œuvres, préservées dans des institutions telles que l'Académie des Beaux-Arts de Sant Jordi et le Musée du Prado, témoignent de son talent exceptionnel. Les douze toiles du "Mystères du Rosaire" au monastère de Valldemossa en sont des exemples notables.
Pour les collectionneurs et experts en art, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements liés à l'œuvre de Juncosa, garantissant ainsi l'accès à des informations exclusives et précieuses.
Ermolaï Dementievitch Kamejenkov (еn russe : Ермолай Дементьевич Камеженков) était un artiste peintre russe, célèbre pour ses portraits et ses contributions significatives à la peinture de son époque. Né en 1757 dans le gouvernorat de Tver, alors partie de l'Empire russe, Kamejenkov a débuté sa formation en peinture d'icônes avant de poursuivre ses études à Saint-Pétersbourg sous la tutelle de G. I. Kozlov. Sa carrière a pris un tournant décisif lorsque l'impératrice Catherine II a découvert son talent, ce qui a mené à sa libération du servage en 1785.
Kamejenkov a été nommé académicien par l'Académie Impériale des Arts grâce à ses œuvres remarquables comme le "Portrait d'un jeune homme" et le "Portrait d'un membre honoraire libre de l'Académie des Arts, I.-F. Grotte". Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans des institutions prestigieuses telles que le Musée russe et la galerie Tretiakov.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Portrait de I.-F. Grotte" (1780), "Portrait d'un inconnu en robe violette" (1790), et "Portrait jumelé de F. F. Vadkovsky avec sa femme" (1789). Ces portraits illustrent non seulement son habileté technique mais aussi sa capacité à capturer l'essence et le statut social de ses sujets.
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Oreste Adamovitch Kiprensky (en russe : Орест Адамович Кипренский) était un artiste russe et pionnier du romantisme, célèbre pour son talent en portrait peinture et dessin. Il a vécu à divers endroits, y compris Moscou, Tver, Saint-Pétersbourg, et a passé de nombreuses années en Italie où il a rencontré et épousé Anne Maria Falcucci.
Oreste Kiprensky est reconnu pour ses portraits intimes et expressifs qui capturent l'essence de ses sujets, y compris des figures célèbres comme Aleksandr Pouchkin. Son travail illustre la transition vers le romantisme dans l'art russe, intégrant émotion et individualisme.
Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve les portraits de personnages de la guerre de 1812, réalisés principalement au crayon, capturant l'esprit d'une époque héroïque de la Russie. Oreste Kiprensky est également célèbre pour ses portraits réalisés pendant son séjour en Italie, qui ont continué à lui apporter une reconnaissance significative.
Pour ceux passionnés par l'art et l'histoire de Oreste Kiprensky et désirant rester informés sur les ventes et les événements liés à ses œuvres, nous vous invitons à vous inscrire à notre newsletter. Cela vous garantira de recevoir les dernières actualités et opportunités en lien avec le patrimoine de ce maître du portrait romantique.
Mina Loukitch Kolokolnikov (en russe : Мина Лукич Колокольников) était un peintre russe, connu pour son implication dans la peinture de portraits et d'icônes durant le 18ème siècle. Né vers 1707 dans le village de Kravotyn, dans la province de Tver, Kolokolnikov était un serf du monastère de Pafnutievo-Borovsky. Il a appris l'art de la peinture de portrait auprès d'Ivan Nikitich Nikitin et Louis Caravaque, et la peinture d'icônes avec Vasily Vasilevsky.
Au début des années 1740, il devint l'un des peintres principaux de Saint-Pétersbourg, où il dirigeait un atelier avec environ vingt élèves. Kolokolnikov a également participé à la décoration du palais de Tsarskoïe Selo et à divers projets à Moscou, Saint-Pétersbourg et Kiev. Parmi ses œuvres notables, on retrouve le portrait du prince Meshchersky en 1756 et diverses icônes pour des églises et des temples.
Ses frères, Ivan, Fedot, Mikhail et un autre Ivan (souvent appelé le plus jeune), étaient également peintres, ce qui souligne l'influence artistique familiale dans l'art russe de l'époque. En plus de son travail en peinture, Kolokolnikov a contribué significativement à la culture artistique de son époque, influençant ainsi les générations futures d'artistes russes.
Pour les passionnés d'art et collectionneurs, ne manquez pas les mises à jour sur les nouvelles œuvres et événements d'enchères liés à Mina Loukitch Kolokolnikov. Inscrivez-vous dès maintenant pour rester informé des dernières découvertes et acquisitions dans le domaine de cet illustre artiste. Votre abonnement vous permettra de recevoir exclusivement des alertes concernant les ventes de produits et les événements d'enchères.
Louis Jean-François Lagrenée était un peintre, dessinateur et graveur français, né en 1725 à Paris et décédé en 1805. Élève de Carle Vanloo, il a remporté le Prix de Rome en 1749, ce qui lui a permis d'étudier à Rome de 1750 à 1754, où il a été influencé par les maîtres de l'école bolonaise du XVIIe siècle. À son retour en France, Lagrenée s'est fait connaître par ses peintures classiques et mythologiques et a été très apprécié par ses contemporains, bien que le critique Denis Diderot ait noté que son talent était mieux adapté aux tableaux de petit format.
Ses œuvres sont conservées dans plusieurs musées prestigieux, notamment le Musée du Louvre à Paris où l'on peut admirer 'L'Enlèvement de Déjanire par le centaure Nessus' et 'Psyché surprend l'Amour endormi'. Il a également contribué à la décoration du château de Versailles avec des œuvres telles que 'Cérès ou l'Agriculture'.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art, je vous encourage à vous inscrire à nos mises à jour pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Louis Jean-François Lagrenée. Restez au courant des opportunités uniques d'acquérir des œuvres de cet artiste illustre.
Johann Baptist Lampi le Jeune était un peintre autrichien spécialisé dans le portrait, célèbre pour son œuvre au sein de la cour impériale de Russie et plus tard à Vienne. Né le 4 mars 1775 à Trente, il a été formé principalement par son père, Johann Baptist Lampi l'Aîné, avant de compléter ses études à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne sous la tutelle de Hubert Maurer et Heinrich Friedrich Füger. En 1791, il rejoint son père et son frère à Saint-Pétersbourg, invités par Catherine la Grande, où Johann devient un membre influent de l'Académie impériale des arts.
Durant son séjour en Russie, il a peint de nombreux portraits de figures emblématiques de l'époque, ce qui lui a valu une renommée considérable. Après treize ans, il retourne à Vienne où il continue de travailler pour la cour autrichienne. Ses œuvres sont aujourd'hui visibles dans plusieurs musées de renom tels que la Galerie Belvédère, le Musée de Vienne, et la Galerie Tretiakov.
Pour les passionnés de l'art du portrait et de l'histoire de l'art européen, l'œuvre de Lampi offre un aperçu fascinant des courants artistiques de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle.
Pour rester informé des dernières ventes et événements d'enchères relatifs à Johann Baptist Lampi le Jeune, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit un accès exclusif aux nouvelles et aux opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique. N'attendez plus, rejoignez notre communauté d'experts et collectionneurs d'art dès aujourd'hui !
Dmitri Grigorievitch Levitski (en russe: Дмитрий Григорьевич Левицкий) etait un artiste ukrainien-russe et académicien, célèbre pour ses portraits pendant l'ère de Catherine la Grande. Né à Kiev dans une famille de prêtre, son père, également peintre amateur et graveur, fut son premier enseignant. Après avoir déménagé à Saint-Pétersbourg, il devint élève d'Alexeï Antropov et se fit connaître grâce à ses talents exceptionnels en peinture de portrait.
Levitski est devenu académicien en 1770 après avoir exposé six de ses portraits à l'Académie Impériale des Arts, ce qui lui a valu une grande renommée et des commandes constantes de la cour tsariste. Parmi ses œuvres les plus connues figurent des portraits de Catherine II, E.N. Khrushchev, E.N. Khovanskaya, Maria Dyakova, et N.I. Novikov. Il est particulièrement reconnu pour avoir capturé l'esprit de l'élite de l'époque avec une technique impeccable, combinant une précision réaliste à une sensibilité artistique qui transcende le temps.
Malgré sa renommée, Levitski a connu des difficultés financières et est décédé dans la pauvreté en 1822. Ses portraits du Smolny Institute, représentant les jeunes filles de l'aristocratie dans diverses activités, montrent son habileté à infuser ses sujets d'un caractère vivant et naturel, tout en dépeignant leurs traits de caractère de manière expressive.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Levitski offre un aperçu précieux de la culture et de la société russes du XVIIIe siècle. Son héritage perdure à travers ses portraits, conservés dans les musées et collections du monde entier.
Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Dmitri Grigorievitch Levitski, inscrivez-vous dès maintenant. Cette souscription vous garantit l'accès aux informations les plus récentes concernant les œuvres de cet artiste remarquable.
Anton Pavlovitch Lossenko (еn russe: Антон Павлович Лосенко) était un peintre néoclassique russe d'origine ukrainienne, connu pour ses œuvres historiques et ses portraits. Né à Hlukhiv dans l'Empire russe, Lossenko a perdu ses parents jeune et a été envoyé à Saint-Pétersbourg où il a montré un talent précoce pour la peinture. Après une formation initiale sous la tutelle d'Ivan Argunov, il a été admis à l'Académie impériale des beaux-arts, d'où il a ensuite poursuivi ses études à Paris et à Rome, s'immergeant dans le néoclassicisme sous la direction de maîtres comme Jean II Restout.
De retour à Saint-Pétersbourg, Lossenko a peint des œuvres majeures telles que "Vladimir et Rogneda", qui lui a valu une position académique à l'Académie. En tant que professeur et directeur, il a grandement influencé le mouvement historique impérial russe en peinture, formant des figures notables telles qu'Ivan Akimov et Grigory Ugryumov. Parmi ses contributions durables figurent également un manuel sur les proportions humaines, utilisé jusqu'au milieu du 19e siècle.
Lossenko est considéré comme l'un des piliers de la peinture historique en Russie, avec ses œuvres préservées dans des institutions telles que le Musée russe de Saint-Pétersbourg. Son héritage perdure à travers ses élèves et son influence sur l'éducation artistique dans l'Empire russe.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Anton Pavlovitch Lossenko. Restez informé des opportunités uniques de posséder une partie de l'histoire de l'art.
Andreï Efimovitch Martynov (en russe : Андрей Ефимович Мартынов) était un peintre et aquarelliste russe, connu pour ses paysages et scènes de genre. Né en 1768 à Saint-Pétersbourg, il a étudié à l'Académie impériale des Beaux-Arts où il s'est distingué par son talent exceptionnel.
Martynov est reconnu pour ses peintures détaillées et ses aquarelles, capturant avec précision les paysages russes et italiens. Sa maîtrise des techniques de peinture a fait de lui une figure importante de l'art russe du XVIIIe siècle. Il a voyagé en Europe, enrichissant son style avec des influences occidentales.
Parmi ses œuvres célèbres, on trouve des aquarelles exposées au Musée Russe de Saint-Pétersbourg et au Musée de l'Ermitage. Ces pièces montrent son habileté à marier la précision technique avec une sensibilité artistique unique.
Pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Andreï Efimovitch Martynov, inscrivez-vous à notre newsletter. Vous recevrez des alertes sur les nouvelles ventes de ses œuvres et d'autres événements culturels.
Andreï Matveïevitch Matveïev (en russe : Андрей Матвеевич Матвеев) était un artiste russe du XVIIIe siècle, né à Novgorod en 1701 et décédé le 23 avril 1739 à Saint-Pétersbourg. Reconnu comme l'un des premiers peintres modernes de portraits en Russie, il a contribué à établir ce genre artistique dans son pays. Le tsar Pierre le Grand, ayant découvert son talent, l'a envoyé se former en Europe. De 1716 à 1727, Matveïev a étudié aux Pays-Bas et en Flandre, notamment sous la tutelle de Carel de Moor à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers.
À son retour en Russie, Matveïev a occupé le poste de premier artiste de la cour à Saint-Pétersbourg et a dirigé une équipe de peintres travaillant sur divers projets architecturaux, notamment les intérieurs de la cathédrale Pierre-et-Paul. Malgré une carrière prometteuse, il est décédé prématurément à l'âge de 38 ans, épuisé par le volume de travail. Son œuvre la plus répliquée est un autoportrait avec sa femme, démontrant son aptitude à capter la psychologie et l'intimité humaine dans ses peintures.
Pour plus d'informations et pour vous tenir informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Andreï Matveïevitch Matveïev, inscrivez-vous à nos mises à jour.
Leontiï Semionovitch Miropolskiï (еn russe : Леонтий Семёнович Миропольский), une figure énigmatique de l'art russe, reste largement méconnu du grand public. Artiste et intellectuel, ses œuvres et son influence traversent pourtant le temps, marquant profondément la culture russe.
Miropolskiï, souvent associé à la peinture et la philosophie, a contribué de manière significative à ces domaines, bien que peu de ses œuvres soient exposées dans les grands musées. Son approche unique, mélangeant techniques traditionnelles et visions modernistes, lui confère une place particulière parmi les artistes de son époque.
Ses travaux les plus célèbres, bien que rarement vus, incluent des portraits et des paysages qui captivent par leur intensité et leur expressivité. L'influence de Miropolskiï est surtout ressentie par ceux qui étudient ses méthodes et ses écrits, lesquels continuent d'inspirer les nouvelles générations d'artistes et de penseurs.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, rester informé des événements liés à Leontiï Semionovitch Miropolskiï peut être d'une grande valeur. Inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour concernant les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères relatifs à cet artiste unique.
Alessandro Molinari, né le 5 janvier 1772 à Berlin et décédé le 20 janvier 1831 à Dresde, était un peintre portraitiste d'origine allemande avec des ancêtres italiens. Très réputé pour ses portraits de la noblesse russe et polonaise, Molinari a laissé une empreinte significative dans l'histoire de l'art européen. Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Berlin, il a voyagé à travers l'Europe, travaillant à Rome, Vienne, et Saint-Pétersbourg, où il a été particulièrement apprécié par l'aristocratie russe pour sa maîtrise des techniques artistiques européennes.
Son œuvre comprend des portraits remarquables qui sont exposés dans de grands musées tels que le Musée de l'Ermitage, la Galerie Tretiakov, le Musée Russe et le Musée Pouchkine. Ces œuvres témoignent de son habileté à capturer l'essence et la dignité de ses sujets, contribuant ainsi à l'importance historique et artistique de son travail.
Pour ceux intéressés par l'art du portrait européen et les interactions culturelles entre l'Allemagne, l'Italie et la Russie à l'époque, l'étude des œuvres de Molinari offre des perspectives enrichissantes. Ses tableaux sont des fenêtres sur l'élite européenne de son temps et sur les styles artistiques qui traversaient les frontières nationales.
Jean-Laurent Mosnier était un peintre et miniaturiste français, né à Paris en 1743 et décédé à Saint-Pétersbourg en 1808. Sous l'Ancien Régime, il fut peintre de cour, capturant l'élégance et la finesse de la royauté française, incluant une célèbre peinture de Marie-Antoinette réalisée en 1776. Suite à la Révolution française, Mosnier a émigré en Angleterre puis a voyagé à travers l'Europe, travaillant à Hambourg et finalement à Saint-Pétersbourg où il a continué à peindre des portraits de figures notables de l'époque.
Mosnier est reconnu pour ses portraits miniatures détaillés qui sont souvent comparés à ceux d'Alexandre Roslin pour leur finesse dans la représentation des tissus, notamment de la soie. Ses œuvres incluent des portraits de figures emblématiques telles que Louis XVI et l'empereur Alexandre I de Russie. Ses miniatures sont si précieuses qu'elles font partie de la collection du Louvre, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
Parmi ses œuvres notables, figurent des portraits exposés dans des musées tels que le Musée du Louvre à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York. Ces institutions conservent plusieurs de ses miniatures, soulignant son apport significatif à l'art du portrait durant les périodes troublées de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Jean-Laurent Mosnier représente non seulement une fenêtre sur l'histoire artistique, mais aussi une opportunité d'investissement dans des pièces de collection de grande valeur. Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Jean-Laurent Mosnier, vous pouvez vous inscrire à nos mises à jour.
Ivan Nikitich Nikitine (en russe : Иван Никитич Никитин) était un peintre russe, célèbre pour ses portraits et ses peintures de batailles. Né vers 1690 à Moscou dans une famille de prêtre orthodoxe, Nikitine a reçu ses premières leçons artistiques de l'artiste néerlandais Schwonbek à l'atelier de gravure de l'Arsenal du Kremlin. Transféré à Saint-Pétersbourg en 1711, il est devenu le peintre de cour préféré de Pierre le Grand après avoir étudié l'art de la peinture à Florence et à Venise avec son frère Roman Nikitine entre 1716 et 1720.
Nikitine est considéré comme le premier peintre de bataille notable de Russie avec des œuvres comme les peintures de la Bataille de Poltava et de la Bataille de Kulikovo. Parmi ses portraits les plus célèbres figurent ceux de Pierre le Grand, du comte G. I. Golovkin et du baron S. G. Stroganoff, exposés principalement au Musée Russe de Saint-Pétersbourg et à la Galerie Tretiakov à Moscou.
Sa carrière a été tumultueuse; après la mort de Pierre le Grand en 1725, il a continué à travailler à la cour jusqu'à son arrestation en 1732 pour la distribution de pamphlets contre le vice-procureur du Synode, Feofan Prokopovich. Après avoir été torturé et exilé à Tobolsk, il fut gracié en 1740, mais mourut en 1742 lors de son retour à Saint-Pétersbourg.
Pour rester informé des ventes de produits et événements d'enchères liés à Ivan Nikitich Nikitine, inscrivez-vous à nos mises à jour.
Józef Oleszkiewicz était un peintre polono-lituanien, né en 1777 à Šiluva et décédé le 5 octobre 1830 à Saint-Pétersbourg. Reconnu principalement pour ses portraits, il a aussi marqué par son comportement excentrique et son style de vie peu conventionnel. Oleszkiewicz a commencé ses études à l'Université de Vilnius en 1797, aidé financièrement par le comte Aleksander Chodkiewicz. Il a ensuite poursuivi sa formation à l'École des Beaux-Arts de Paris, où il a étudié sous la direction de Jean-Simon Berthélemy et Jacques-Louis David.
Au cours de sa carrière, il a peint de nombreux portraits de nobles et d'académiciens, ainsi que des œuvres historiques, allégoriques et religieuses. Parmi ses œuvres les plus notables figurent le portrait de la Tsarine Maria Feodorovna et des compositions comme "Antiochus et Stratonice". Il a été nommé académicien par l'Académie Impériale des Beaux-Arts en 1812 grâce à son tableau représentant la Tsarine s'occupant des pauvres.
En plus de ses talents artistiques, Oleszkiewicz était un franc-maçon éminent et s'intéressait à la théosophie, au mysticisme et au paranormal. Il était également végétarien et défenseur des droits des animaux, vivant dans une maison remplie de chats et distribuant la majeure partie de ses revenus aux pauvres.
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Aleksander Orłowski (еn russe : Александр Осипович Орловский) était un peintre et dessinateur polonais, né à Varsovie le 9 mars 1777 et décédé à Saint-Pétersbourg le 13 mars 1832. Reconnu comme pionnier de la lithographie dans l'Empire russe, Orłowski est célèbre pour ses esquisses de la vie quotidienne en Pologne et en Russie ainsi que pour ses scènes de batailles historiques.
Issu d'une famille noble appauvrie, son talent artistique fut rapidement reconnu et financé par des mécènes tels que la princesse Izabela Czartoryska et le prince Józef Poniatowski. Après avoir combattu dans l'insurrection de Kościuszko, Orłowski a approfondi ses études artistiques et a voyagé pour capturer les cultures et les paysages de la Russie.
Durant sa carrière, il a également produit des portraits et des caricatures qui reflètent un esprit vif et critique. Son œuvre inclut des aquarelles de scènes militaires et des illustrations pour des uniformes de l'armée impériale, témoignant de son intégration dans les cercles artistiques et littéraires russes de l'époque. Il fréquentait des figures littéraires comme Pouchkine et Viazemsky.
Orłowski est resté actif jusqu'à la fin de sa vie, malgré les difficultés financières après la mort de son mécène, le Grand-Duc Konstantin Pavlovich. Il est décédé en 1832 après une période de maladie et de précarité économique. Ses œuvres restent exposées dans de nombreux musées, capturant l'esprit des époques qu'il a traversées.
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Grigoriï Silovitch Ostrovski (еn russe : Григорий Силович Островский) était un artiste russe spécialisé dans le portrait provincial du XVIIIe et début du XIXe siècle. Reconnu pour son adhésion au mouvement du "parsun", Ostrovski excelle dans la représentation réaliste et psychologique de ses sujets, utilisant souvent un fond vert sourd qui devint sa signature stylistique. Sa redécouverte dans les années 1970, suite à la restauration de ses œuvres signées, souligne l'importance historique et culturelle de son travail.
Les œuvres de Ostrovski, bien que peu nombreuses — environ quinze portraits connus — sont des fenêtres précieuses sur l'époque et la société provinciale russe de son temps. Chacun de ses tableaux offre une étude minutieuse des détails, reflétant non seulement l'apparence mais aussi le caractère intérieur de ses modèles. Ces portraits sont aujourd'hui des objets de grande valeur pour les collectionneurs et les historiens de l'art.
Les experts et amateurs d'art antique reconnaîtront dans ses peintures une opportunité d'explorer les racines du portraitisme russe et d'apprécier l'unicité de chaque pièce créée par Ostrovski. Cela montre combien les marchés d'art et les expositions peuvent bénéficier de la redécouverte d'artistes comme Ostrovski, dont l'œuvre enrichit notre compréhension de l'histoire artistique.
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Augustin Christian Ritt était un artiste russe, reconnu pour ses miniatures peintes sur ivoire, œuvrant à la fin du 18ème siècle. Ses portraits détaillés de la noblesse européenne illustrent un style raffiné et une précision remarquable, lui ayant valu une grande notoriété. Ses œuvres, notamment des portraits de membres influents de la société de son époque, sont hautement valorisées lors des enchères, atteignant souvent des sommes importantes.
Ritt est célèbre pour ses miniatures qui saisissent avec précision l'essence de ses sujets. Ces pièces sont généralement encadrées de métaux précieux et sont considérées comme de précieux objets d'art et d'histoire. Le marché actuel continue de valoriser ses œuvres, qui se vendent à des prix élevés lors des enchères.
Les œuvres de Ritt sont présentes dans diverses collections privées et musées, démontrant la pérennité et l'attrait de son art à travers le temps. Sa technique méticuleuse et son style distinct sont constamment étudiés et appréciés par des experts et collectionneurs d'art internationaux.
Pour les amateurs et collectionneurs d'art, il est crucial de rester au courant des nouvelles ventes et événements d'enchères concernant les œuvres de Augustin Christian Ritt. Il est recommandé de s'inscrire aux mises à jour pour ne jamais manquer une opportunité d'acquérir une pièce de cet artiste illustre.
Fedor Stepanovitch Rokotov (en russe: Фёдор Степа́нович Ро́котов) était un artiste russe de renom, spécialisé dans l'art du portrait. Né dans les années 1730s et décédé en 1808, Rokotov est considéré comme l'un des plus grands peintres de l'ère russe du XVIIIe siècle. Sa capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une profondeur émotionnelle et une finesse technique est ce qui le distingue de ses contemporains.
Au cours de sa carrière, Rokotov a peint de nombreux portraits de figures de la noblesse et de la haute société russe, devenant ainsi une figure emblématique dans le monde de l'art et de la culture russes. Ses œuvres sont réputées pour la richesse de leurs détails, l'utilisation subtile de la lumière et de la couleur, ainsi que pour le réalisme saisissant des expressions de ses sujets. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve le portrait de Catherine II de Russie, exposé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, témoignant de sa maîtrise artistique et de sa contribution au patrimoine culturel russe.
Les œuvres de Rokotov sont présentes dans les collections de nombreux musées prestigieux à travers le monde, y compris le Musée Russe de Saint-Pétersbourg et la Galerie Tretiakov à Moscou. Ces institutions conservent avec soin les témoignages de son talent exceptionnel, permettant aux amateurs d'art et aux collectionneurs d'apprécier son génie.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, les portraits de Rokotov offrent une fenêtre unique sur l'âme de la Russie du XVIIIe siècle, combinant beauté esthétique, richesse historique et excellence technique. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à l'œuvre de Fedor Stepanovich Rokotov. Cette inscription vous garantit l'accès à des informations exclusives sur les opportunités d'acquérir des pièces de cet artiste extraordinaire.
Alexander Roslin était un artiste suédois, spécialisé dans la peinture de portraits, reconnu pour sa capacité exceptionnelle à reproduire les tissus luxueux et les bijoux brillants. Né à Malmö en 1718, il s'est formé à Stockholm avant de s'établir à Paris en 1752, où il est rapidement devenu un portraitiste prisé de la haute société française. Roslin a voyagé à travers l'Europe, peignant des membres de la noblesse et des cours royales, notamment à Saint-Pétersbourg et en Suède.
Son œuvre illustre une maîtrise de l'art rococo, avec un penchant pour les portraits qui non seulement capturent l'élégance mais aussi la personnalité de ses sujets. Parmi ses travaux les plus célèbres figurent des portraits de Catherine II de Russie et de Gustave III de Suède. Ses portraits sont exposés dans plusieurs musées de renom, y compris au Nationalmuseum à Stockholm.
Si vous êtes collectionneur ou simplement passionné par les œuvres d'Alexander Roslin, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à ses œuvres.
Pietro Antonio Rotari était un artiste italien de la période baroque, né à Vérone le 30 septembre 1707. Reconnu principalement pour ses portraits, Rotari a acquis une grande demande comme portraitiste auprès des familles royales à Dresde et à Saint-Pétersbourg. Sa renommée est particulièrement liée à ses études de caractère, réalisant des portraits idéalisés de jeunes femmes exprimant une gamme d'émotions subtiles.
Rotari a eu un parcours artistique marqué par des influences diverses, ayant étudié sous la tutelle d'Antonio Balestra à Vérone avant de se déplacer à Venise, puis à Rome où il a été influencé par des maîtres comme Francesco Trevisani et peut-être indirectement par les œuvres de Liotard lors de son séjour à Vienne. En 1756, il est invité à la cour de Russie par l'impératrice Élisabeth où il reste jusqu'à sa mort en 1762. Là, il peint des centaines de portraits, connus sous le nom de "têtes de caractère", qui ornent encore aujourd'hui les palais impériaux et les demeures aristocratiques russes.
Ses œuvres sont présentes dans plusieurs collections importantes à travers le monde, y compris dans des lieux comme le Cabinet des Muses à Peterhof près de Saint-Pétersbourg, témoignant de son style rococo internationalisé. Rotari a également laissé un impact durable en tant qu'enseignant, ayant fondé une académie privée de peinture à Saint-Pétersbourg, formant des artistes russes qui continueront à influencer le style artistique local.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'impact de Pietro Antonio Rotari, en particulier les collectionneurs et les experts en art et antiquités, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Rotari.
Francisco Salzillo y Alcaraz était un sculpteur espagnol du XVIIIe siècle, particulièrement reconnu pour son œuvre dans le style baroque, axée sur des thèmes religieux. Né à Murcie, il a hérité de l'atelier de son père, lui-même sculpteur d'origine italienne, ce qui a éveillé sa passion pour l'art de la sculpture dès son plus jeune âge. Salzillo a transformé l'art baroque en intégrant des éléments du rococo et du néoclassicisme, faisant de lui un maître dans l'utilisation de la couleur et dans l'étude de la nature. Sa capacité à capturer l'essence spirituelle et émotionnelle de ses sujets religieux lui a valu une grande admiration et respect.
Salzillo est particulièrement célèbre pour ses processions de la Semaine Sainte à Murcie, notamment son "Belén" (Nativité) exposé au Musée Salzillo, qui démontre son habileté exceptionnelle dans la représentation détaillée de scènes religieuses et de la vie quotidienne du XVIIIe siècle. Malgré l'offre de travailler à Madrid, Salzillo a choisi de rester à Murcie, où il a continué à produire des œuvres significatives pour les églises et les couvents locaux. Sa contribution à l'art et à la culture de Murcie reste inestimable, ses œuvres continuant d'attirer les visiteurs du monde entier.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art de Francisco Salzillo y Alcaraz et souhaitent rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cela vous permettra de ne manquer aucune occasion de découvrir ou d'acquérir des pièces liées à cet artiste exceptionnel.
Alexandre Ivanovitch Sauerweid (еn russe : Александр Иванович Зауервейд) était un peintre balte-allemand, né le 19 février 1783 dans le duché de Courlande et mort le 25 octobre 1844 à Saint-Pétersbourg. Connu pour ses scènes de batailles, il a enseigné la peinture de bataille à l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg.
Sauerweid a étudié à l'Académie des beaux-arts de Dresde de 1806 à 1812, et a gagné en popularité grâce à ses portraits de chevaux commandés par Napoléon. En 1814, il s'installe à Saint-Pétersbourg à l'invitation du tsar Alexandre Ier, où il devient le premier peintre de l'état-major général en 1825. Ses œuvres étaient principalement exposées dans les palais impériaux.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "La Bataille de Leipzig" et "L'attaque de la forteresse de Varna". La majorité de ses peintures sont conservées dans les musées russes et européens, soulignant son influence durable dans le domaine de la peinture de bataille.
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Johann Gottfried Tannauer était un artiste allemand né en 1680 en Saxe et décédé entre 1733 et 1737 à Saint-Pétersbourg. Initialement horloger puis musicien, Tannauer se tourna vers la peinture après avoir étudié avec Sebastiano Bombelli à Venise. Il copia également les œuvres de Rubens lors de son séjour en Hollande.
Invité en Russie par Pierre Ier en 1711, Tannauer y devint peintre de cour, réalisant des portraits, des peintures historiques et des miniatures. Ses œuvres sont caractérisées par la dynamique baroque tardive européenne, avec un style imposant et majestueux. Il a peint de nombreux membres de la cour royale russe, incluant Pierre le Grand, pour qui il a réalisé plusieurs portraits marquants, tels que ceux exposés lors de la bataille de Poltava et sur son lit de mort.
Ses portraits sont réputés pour leur caractère concret et crédible, notamment ceux de Catherine I, du prince Alexandre Menchikov, et de Fyodor Apraksin, exposés dans diverses institutions telles que le Musée Russe et le Palais Pavlovsk à Saint-Pétersbourg.
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Salvatore Tonci était un artiste italien né à Rome en janvier 1756 et décédé à Moscou en décembre 1844. Bien qu'initialement actif en Italie, il a passé la majeure partie de sa carrière en Russie, notamment à Saint-Pétersbourg et à Moscou. Tonci était non seulement peintre, mais aussi musicien, chanteur et poète amateur. Il est surtout connu pour ses portraits réalisés dans le style romantique précoce, qui lui ont permis d'entrer dans les cercles de la haute société russe.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, on compte des portraits de figures emblématiques telles que l'Empereur Paul Ier et le poète Gavrila Derzhavin. En plus de ses talents artistiques, Tonci a contribué à la fondation de l'École d'Architecture de Moscou et a enseigné pendant vingt-cinq ans à l'École de Peinture, de Sculpture et d'Architecture de Moscou.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'histoire de Salvatore Tonci, restez informés des ventes et des événements d'enchères en vous inscrivant à nos mises à jour. Cela garantira que vous ne manquerez aucune nouvelle opportunité liée à cet artiste remarquable.
Stefano Torelli était un artiste italien, né à Bologne en 1712. Spécialisé dans la peinture, Torelli a étudié sous la tutelle de son père, Felice Torelli, et de Francesco Solimena. Sa carrière a pris un tournant significatif lorsqu'il fut invité à Dresde par le futur roi de Pologne, Auguste III, en 1740, où il a réalisé des peintures d'autel et des décorations de plafond, beaucoup détruites durant la guerre de Sept Ans.
Parmi ses œuvres, Torelli est célèbre pour ses contributions à la cour de Russie, notamment des portraits et des peintures de plafond au palais royal. Ses tableaux les plus remarquables incluent des portraits de Catherine II et de la comtesse Anna Alexeevna Tchernysheva, exposés respectivement au Musée Russe et à l'Hermitage.
Les tableaux de Torelli sont un témoignage de l'élégance du style rococo, caractérisé par une finesse et une expressivité dramatique, faisant de lui une figure notable de cette période artistique en Italie et en Europe. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans des institutions prestigieuses, soulignant son héritage durable dans le monde de l'art.
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Vassili Andreïevich Tropinine (en russe : Василий Андреевич Тропинин) était un peintre romantique russe. Il a passé une grande partie de sa vie en tant que serf, n'obtenant sa liberté qu'à l'âge de 47 ans. Après sa libération en 1823, il s'est installé à Moscou où il a vécu jusqu'à sa mort. Tropinine est surtout connu pour ses portraits et ses scènes de genre, avec des œuvres telles que « La Dentellière » et le « Portrait d'Alexandre Pouchkine » parmi ses réalisations les plus célèbres.
Vassili Tropinine a été formé à l'Académie russe des beaux-arts jusqu'en 1804 et, malgré les restrictions de sa condition de serf, il a réussi à devenir un portraitiste établi. Il a peint plus de 3 000 portraits au cours de sa carrière, marquant une contribution significative à l'art russe du XIXe siècle. Ses œuvres sont caractérisées par leur réalisme et leur sensibilité, capturant l'essence de ses sujets avec une grande finesse.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, les œuvres de Tropinine offrent un aperçu précieux de la culture et de la société russes de son époque. Son talent pour le portrait et sa capacité à saisir l'humanité de ses sujets restent largement admirés. Si vous souhaitez rester informé des ventes et des événements liés à Vassili Andreïevitch Tropinine, envisagez de vous inscrire pour recevoir des mises à jour spécifiques à ce domaine.
Joseph Mallord William Turner, peintre britannique né en 1775 et décédé en 1851, est considéré comme l'un des plus grands maîtres de la peinture romantique, particulièrement reconnu pour ses paysages expressifs et ses marines tumultueuses. Sa carrière, marquée par une évolution stylistique remarquable, l'a établi comme un pionnier dans l'exploration de la lumière, de la couleur et de l'atmosphère.
Dès son enfance, William Turner a montré un talent précoce pour le dessin, encouragé par son père. Il a été admis à la Royal Academy of Art à l'âge de 14 ans, où il a commencé à exposer ses œuvres. Sa formation initiale en architecture a influencé son approche de la peinture, mais c'est dans le paysage qu'il a trouvé sa véritable vocation, parcourant la Grande-Bretagne pour capturer ses vues avec une précision topographique qui évoluerait vers une expression plus personnelle et émotionnelle dans ses œuvres ultérieures.
William Turner était fasciné par les forces de la nature, souvent représentées dans ses œuvres avec une intensité dramatique. Il a également exprimé des thèmes historiques et contemporains à travers ses paysages, utilisant la peinture pour explorer des questions sociales et politiques de son temps. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent « The Fighting Temeraire », « Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour's Mouth » et « Rain, Steam, and Speed – The Great Western Railway », qui démontrent sa maîtrise dans la capture de l'énergie et du mouvement.
William Turner a laissé un héritage durable, non seulement à travers ses peintures mais aussi grâce à sa générosité envers la postérité, ayant légué une grande partie de son œuvre à la nation britannique. Ses contributions à l'art sont conservées et exposées dans des institutions telles que la Tate Britain et la National Gallery à Londres, offrant aux générations futures la possibilité d'apprécier son génie.
Pour ceux qui souhaitent explorer plus avant l'univers de Joseph Mallord William Turner et recevoir des mises à jour sur les expositions et les ventes aux enchères concernant son œuvre, nous vous encourageons à vous inscrire à notre newsletter. Cette souscription vous permettra d'être informé des dernières actualités et des opportunités uniques liées à ce peintre exceptionnel.
Alexandre Grigorievitch Varnek (еn russe: Александр Григорьевич Варнек) était un peintre russe réputé pour ses portraits de personnalités de la société russe. Formé par Dmitri Levitski et Stepan Chtchoukine à l'Académie Impériale des Arts, Varnek a passé une période à l'étranger avant de revenir comme professeur et conseiller à l'Académie.
Alexandre Varnek était particulièrement apprécié pour son dessin maîtrisé, sa coloration harmonieuse, sa capacité à capturer une ressemblance fidèle et son exécution consciencieuse. Parmi ses œuvres notables, on retrouve des portraits tels que celui de Madame Khatova, le portrait grandeur nature du comte Alexandre Stroganov, et celui de l'ancien président de l'Académie, Alexey Olenin. Varnek a également peint des icônes, notamment de l'Annonciation et des Quatre Évangélistes, pour la chapelle de l'Académie des Arts.
Ses œuvres ont été reconnues et appréciées de son vivant, lui valant le surnom de "van Dyck russe". Varnek a passé la majeure partie de sa carrière à Saint-Pétersbourg, liant sa vie et son œuvre à l'Académie des Arts de cette ville. Il a été une figure marquante du portraitisme russe, laissant derrière lui un héritage durable dans l'art russe.
Pour ceux intéressés par Alexandre Grigorievitch Varnek et désirant recevoir des mises à jour sur les ventes de ses œuvres et les événements d'enchères, vous pouvez vous inscrire à notre newsletter. Cela vous permettra de rester informé des dernières actualités et opportunités liées à son œuvre et à son influence dans le domaine de l'art et de la culture russes.
Alexei Gavrilovich Venetsianov (еn russe : Алексей Гаврилович Венецианов), né le 18 février 1780 à Moscou, était un peintre russe connu pour ses œuvres représentant la vie paysanne et les gens ordinaires. Issu d'une famille de marchands, Venetsianov s'installe à Saint-Pétersbourg au début du XIXe siècle pour entamer sa carrière artistique. Il commence par copier des œuvres de l'Ermitage et par peindre des portraits d'amis. En 1811, l'Académie des arts lui décerne le titre d'académicien pour deux de ses œuvres, dont un autoportrait.
Venetsianov a marqué l'art en étant le premier à représenter la vie paysanne dans la peinture russe, et ce sujet lui a valu un grand succès, notamment lors de l'exposition de 1824. Ses tableaux tels que Moisson, À l'aire de battage et Jeune fille aux bleuets dépeignent la vie rurale avec des détails saisissants. Ces œuvres sont non seulement remarquables d'un point de vue esthétique, mais également importantes pour leur approche réaliste et humaniste.
Venetsianov aspirait à devenir professeur à l'Académie des arts, mais sa candidature n'a pas été approuvée par les académiciens, principalement en raison de son manque de formation académique. Cela ne l'empêche pas de fonder sa propre école de peinture, où enseignent essentiellement des jeunes issus de milieux modestes, voire des serfs. Le tsar Nicolas Ier, désireux de soutenir les tendances nationales, exprime son approbation à l'égard de l'artiste et le nomme peintre de la cour, ce qui lui apporte le soutien financier nécessaire au maintien de l'école.
Venetsianov meurt tragiquement dans un accident en 1847. Son œuvre continue de fasciner les amateurs d'art et les collectionneurs, illustrant un chapitre unique et important de l'histoire de l'art russe. Nous invitons les amateurs d'art et les collectionneurs intéressés par l'œuvre de Venetsianov à s'abonner à notre lettre d'information pour être informés des nouvelles ventes et des événements liés à cet artiste exceptionnel.
Pour ceux qui sont captivés par l'œuvre d'Alexeï Gavrilovitch Venetsianov et désireux de découvrir davantage sur ses peintures et son héritage dans l'art russe, nous vous encourageons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour exclusives. En vous abonnant, vous serez informés des dernières ventes de produits et des événements de vente aux enchères liés à cet artiste exceptionnel. Cette opportunité est idéale pour les collectionneurs d'art et les experts en antiquités, offrant un accès privilégié à des informations et des occasions uniques.
N'attendez plus pour enrichir votre connaissance de l'art et pour saisir l'occasion d'ajouter à votre collection des œuvres d'un des pionniers de la peinture de genre paysan russe. Inscrivez-vous dès aujourd'hui pour ne manquer aucune nouveauté liée à Alexeï Gavrilovitch Venetsianov.
Élisabeth Vigée Le Brun était une artiste française renommée pour son talent exceptionnel en peinture de portraits, surtout pendant la période tumultueuse de la fin du XVIIIe siècle. Née à Paris en 1755, elle a développé très tôt un intérêt pour l'art, encouragée par son père, également peintre. Son œuvre comprend plus de 660 portraits et 200 paysages, et ses travaux sont exposés dans de grands musées internationaux tels que le Louvre à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York.
Vigée Le Brun est particulièrement connue pour ses portraits de l'aristocratie européenne, y compris de nombreuses représentations de Marie-Antoinette. Elle a gagné une reconnaissance considérable en tant que femme peintre dans un domaine dominé par les hommes. En 1783, grâce à l'intervention de Marie-Antoinette, elle est admise à l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture, une institution qui acceptait rarement les femmes à cette époque.
Au début de la Révolution française, sa proximité avec la royauté l'a forcée à s'exiler, période durant laquelle elle a continué à travailler et à réussir en Italie, en Autriche, et en Russie, avant de revenir en France. Elle a laissé derrière elle non seulement un héritage artistique remarquable mais aussi des mémoires détaillés qui offrent un aperçu fascinant de la culture européenne de l'époque.
Ses peintures sont remarquables pour leur sensibilité et leur compréhension des sujets, traits qui la distinguent encore aujourd'hui comme une figure majeure de l'art du portrait du XVIIIe siècle.
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Jean-Louis Voille était un peintre français, né en 1744 à Paris. Spécialisé dans les portraits, il est surtout reconnu pour son œuvre lors de son séjour en Russie où, dès les années 1780, il devint peintre de cour sous le règne de Paul Ier de Russie. Ses portraits, réputés pour leur délicatesse et leur tact, évitent les passions fortes, présentant ses sujets sous un jour apaisé et harmonieux.
Son talent se manifeste clairement dans ses œuvres comme le portrait d'Elisaveta Alexandrovna Demidov, née Stroganov, et celui du comte Paul Alexandrovich Stroganoff, où il capture la sophistication et l'élégance de l'aristocratie russe de son époque. Après le coup d'État de Napoléon Bonaparte, Voille retourna en France avant de repartir pour Saint-Pétersbourg, témoignant ainsi de sa carrière influencée par les bouleversements politiques de son temps.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Voille offre un aperçu précieux de la culture et de la société russes de la fin du XVIIIe siècle, tout en illustrant la finesse de l'art rococo français. Ses tableaux sont conservés dans divers musées et collections à travers le monde, permettant de continuer à apprécier son art raffiné.
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Johann Karl Ferdinand von Kügelgen était un peintre allemand, né le 6 février 1772 à Bacharach et décédé le 9 janvier 1832 à Tallinn. Connu pour ses paysages et ses peintures historiques, Kügelgen a étudié la peinture à Rome et a travaillé à la cour de Saint-Pétersbourg. Il est particulièrement réputé pour ses représentations de la Crimée et de l'Estonie, qui capturent la beauté et l'atmosphère des lieux.
Ses œuvres se distinguent par leur utilisation magistrale de la lumière et des couleurs, créant des scènes vibrantes et détaillées. Les peintures de Kügelgen sont exposées dans des musées en Russie et en Europe du Nord, attestant de son influence et de sa renommée dans le monde de l'art.
Parmi ses œuvres célèbres, on trouve des vues pittoresques de la Crimée et des paysages urbains de Tallinn, témoignant de son talent à immortaliser la nature et l'architecture. Kügelgen est également connu pour ses portraits, qui montrent un profond sens de la psychologie et du caractère.
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Johann Baptist von Lampi était un artiste peintre historique et portraitiste austro-italien, né en 1751 à Romeno, en Italie. Spécialisé dans la peinture de portraits, il a acquis une grande renommée en Europe, notamment pour ses œuvres commandées par des membres de la royauté et de l'aristocratie européenne. Après avoir vécu et travaillé en Pologne et en Russie, il s'est établi en Russie à la demande de l'impératrice Catherine la Grande, qui lui a offert un anoblissement héréditaire.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve les portraits de l'empereur Stanisław II August de Pologne, de Catherine la Grande et de nombreux autres dignitaires de l'époque. Ces tableaux sont aujourd'hui exposés dans des musées de renom tels que le Musée national de Varsovie et le Palais de Łazienki.
Lampi a également laissé un héritage familial dans les arts, ses fils ayant poursuivi sa tradition artistique. Johann Baptist le jeune, en particulier, a également acquis une certaine notoriété en peinture, principalement en Russie.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'histoire de Johann Baptist von Lampi, des inscriptions à des mises à jour sur les ventes de ses œuvres et les événements d'enchères peuvent être une excellente manière de rester informé. N'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir ces informations exclusivement liées à Lampi et à son art.
Johann Heinrich Wedekind était un peintre balte-allemand, né le 15 août 1674 à Reval (aujourd'hui Tallinn, Estonie) et décédé le 8 octobre 1736 à Saint-Pétersbourg, Russie. Il a travaillé principalement en Suède et en Russie, notamment pour Pierre le Grand, contribuant à établir la peinture de portrait laïque en Russie.
Wedekind a commencé sa carrière en étudiant avec Ernst Wilhelm Londicer avant de travailler à Lübeck et à Riga. Après le décès de Londicer, il retourne à Reval, où il devient citoyen et rejoint un atelier local. À partir de 1698, il exprime le désir de devenir peintre de cour à Stockholm et y travaille jusqu'en 1719, peignant de nombreux nobles, hommes d'État et figures militaires suédoises. Il est notamment connu pour ses portraits répétitifs du roi Charles XII, variant principalement dans les vêtements et les arrière-plans.
En 1720, il déménage à Saint-Pétersbourg où il réalise plusieurs commandes pour le tsar Pierre le Grand et devient peintre de la cour avec la citoyenneté russe. Il peint également la tsarine Catherine et la princesse Anna. Vers la fin de sa vie, il enseigne le dessin à l'École du Corps des Cadets jusqu'à sa mort en 1736.
La plupart de ses œuvres étant privées et certaines ayant été dispersées après la Révolution d'Octobre, ses peintures sont aujourd'hui principalement conservées dans des collections privées et des musées provinciaux, à l'exception de quelques-unes qui restent à Saint-Pétersbourg.
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Adam Weisweiler était un ébéniste français d'origine allemande, célèbre pour ses créations de meubles raffinés à la fin du XVIIIe siècle. Ses œuvres, caractérisées par une élégance et une finesse exceptionnelles, reflètent le goût et l'art de vivre de l'époque. Weisweiler s'est distingué dans l'art du mobilier grâce à son habileté à intégrer des éléments décoratifs variés, tels que les bronzes dorés, les plaques de porcelaine et les incrustations de pierres précieuses, dans ses créations.
Reconnu pour sa maîtrise des styles Louis XVI et Directoire, Adam Weisweiler a su s'adapter aux goûts changeants de sa clientèle, composée de la noblesse et de la haute bourgeoisie. Ses pièces les plus célèbres comprennent des tables, des secrétaires, et des cabinets, souvent ornés de motifs floraux et géométriques délicats, qui témoignent de son art exceptionnel.
Les œuvres de Weisweiler sont conservées dans les plus grands musées du monde, tels que le Louvre à Paris et le Metropolitan Museum of Art à New York, où elles continuent d'inspirer admiration et étude. Elles représentent non seulement le summum de l'artisanat d'art de leur époque, mais servent également de témoignage de la richesse culturelle et artistique de la fin du XVIIIe siècle.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, Adam Weisweiler demeure une figure emblématique de l'histoire de l'art mobilier français. Ses créations, alliant technique et esthétique, restent très recherchées lors de ventes aux enchères et d'expositions. Pour rester informé des dernières ventes et événements d'enchères liés à Adam Weisweiler, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cette souscription vous garantira l'accès aux informations les plus récentes concernant les pièces disponibles et les opportunités à ne pas manquer dans cet univers d'art et de culture.