Peinture de paysage Photo noir et blanc
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Adams, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ses œuvres. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'évolution du marché et les nouvelles découvertes associées à cet artiste emblématique.
Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art intéressé par les œuvres d'Ansel Adams, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce photographe emblématique.
Nick Brandt est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies en noir et blanc d'animaux sauvages et de paysages d'Afrique.
Brandt a commencé sa carrière de photographe en travaillant comme réalisateur de clips musicaux dans les années 1990, avant de se tourner vers la photographie d'art. Son travail dépeint souvent les animaux d'Afrique de manière puissante et émotive, soulignant la beauté et la fragilité de ces créatures et de leurs habitats naturels.
Les photographies de Brandt ont été largement exposées et font partie des collections de nombreux grands musées, dont la National Portrait Gallery de Londres, le Museum of Fine Arts de Houston et le Smithsonian National Museum of African Art de Washington, D.C. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont "On This Earth", "A Shadow Falls" et "Across The Ravaged Land".
Outre ses photographies, M. Brandt est également le fondateur de la Big Life Foundation, une organisation à but non lucratif qui se consacre à la conservation de la faune et des écosystèmes en Afrique de l'Est. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies et son travail de conservation, notamment le prestigieux prix Wildlife Photographer of the Year.
Alvin Langdon Coburn était un photographe et artiste américain surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie picturale. Il était membre du mouvement Photo-Secession, un groupe de photographes qui cherchait à élever la photographie au rang d'art.
Coburn est né à Boston, dans le Massachusetts, et a grandi en Angleterre. Il a commencé à prendre des photos à l'âge de huit ans et a ensuite étudié la photographie à New York. Il est devenu l'un des principaux photographes de son époque et son travail a été largement exposé en Europe et aux États-Unis.
Coburn est peut-être surtout connu pour son utilisation novatrice du "vortographe", une technique qu'il a mise au point en 1917 et qui consiste à photographier des objets à travers une disposition triangulaire de miroirs. Les images qui en résultent sont très abstraites et géométriques, et anticipent le travail de nombreux artistes ultérieurs, y compris les surréalistes.
Outre son travail photographique, Coburn était également un peintre et un graveur accompli. Il a continué à travailler en tant qu'artiste tout au long de sa vie, et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les collections de nombreux grands musées à travers le monde.
Ori Gersht est un photographe et vidéaste israélien. Il est connu pour son utilisation de la photographie et de la vidéo pour explorer les thèmes de la mémoire, de l'histoire et du conflit.
Le travail de Gersht implique souvent l'utilisation de vidéos au ralenti et à grande vitesse, ce qui lui permet de capturer les moments éphémères et fugaces qui sont souvent négligés dans la vie quotidienne. Il utilise également toute une série de techniques photographiques, notamment des natures mortes et des paysages, pour créer des images à la fois belles et obsédantes.
Parmi les séries les plus célèbres de Gersht, citons "Time After Time", qui capture l'instant d'une fleur qui éclate, et "Liquidation", qui explore la destruction d'objets historiques. Il a également créé des installations vidéo qui examinent l'histoire et la mémoire de l'Holocauste.
Le travail de Gersht a été exposé dans les principaux musées et galeries du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie et de l'art vidéo. Il continue à produire de nouvelles œuvres et est largement considéré comme l'un des artistes contemporains les plus importants.
Johann Baptist Isenring était un peintre paysagiste et graveur suisse, l'un des premiers photographes de la Suisse du XIXe siècle.
Johann a étudié la peinture et l'aquatinte à l'Académie des beaux-arts de Munich, a ouvert un atelier à Saint-Gall en 1828 et a rapidement commencé à publier sa collection de lithographies de vues pittoresques des villes et villages les plus remarquables de Suisse.
En 1839, Isenring, fasciné par les découvertes de Niépce et de Daguerre, achète du matériel pour le "daguerréotype" et, un an plus tard, organise dans son atelier de Multtertor une exposition qui est probablement la première exposition photographique au monde. Isenring abandonne même la peinture pendant un certain temps et travaille comme photographe pendant deux ans, en s'installant à Munich. Il réalise des portraits, des photographies d'architecture, des reproductions de tableaux et met au point une méthode de coloration pour ses tirages, qu'il fait breveter en Amérique.
JR (Jean René) est le pseudonyme d'un photographe et artiste français qui ne donne pas son nom complet. Il vit et travaille à Paris et à New York.
Il se décrit comme un "photograffeur" (photographe et graffeur en un seul mot) et affirme que la rue est "la plus grande galerie du monde". Son travail consiste à afficher de grandes images en noir et blanc dans les espaces publics. JR travaille à l'intersection de la photographie, de l'art de la rue, de la production cinématographique et de l'activisme social. Au cours des deux dernières décennies, il a développé de nombreux projets publics dans des villes du monde entier, qu'il s'agisse de bâtiments dans les bidonvilles de Paris, de murs au Moyen-Orient et en Afrique ou de favelas au Brésil.
JR place des images photographiques à grande échelle dans des espaces publics. Il a commencé à réaliser des graffitis à l'adolescence dans les rues et sur les toits de Paris, ainsi que dans le métro. En 2007, il a attiré l'attention du monde entier en plaçant d'immenses photographies d'Israéliens et de Palestiniens face à face dans huit villes palestiniennes et israéliennes situées de part et d'autre de la barrière de séparation. Dans ses œuvres, le photographe aborde toujours des questions politiques et sociales d'actualité dans le monde. Par exemple, en 2019, JR a travaillé avec un groupe de détenus d'une prison de haute sécurité en Californie et a créé une œuvre grand format avec les portraits des détenus.
JR a parcouru de nombreuses villes avec son travail, participant à des expositions, il a collaboré avec des magazines et créé des films sur son travail. JR a également réalisé trois longs métrages documentaires, dont l'un, Women Heroes (2011), a été nommé aux Oscars. Au Festival de Cannes 2017, il a remporté l'Œil d'or du meilleur documentaire.
Werner Rohde, un photographe allemand, s'est distingué dans l'art photographique après s'être initié à la photographie en 1927 alors qu'il était étudiant en art à la Kunstgewerbeschule de Burg Giebichenstein à Halle. Sous l'influence d'Erwin Hahs et Hans Finsler et après avoir rencontré László Moholy-Nagy, il s'est lancé dans des expérimentations audacieuses avec les doubles expositions, les angles de caméra inhabituels et les effets d'éclairage. Son œuvre a été reconnue lors de l'exposition Film und Foto à Stuttgart en 1929 et ses photographies, particulièrement celles impliquant des interplays psychologiques entre le visage et le masque, comme dans son travail 'Karneval', sont considérées comme emblématiques de son style innovant.
Après la Seconde Guerre mondiale et une période de captivité, Werner Rohde a repris l'atelier de peinture sur verre de son père à Worpswede, où il a continué à travailler jusqu'à sa mort. Malgré son succès initial, sa carrière prometteuse a été interrompue par la guerre, et son œuvre photographique se limite principalement à une décennie. Ses impressions d'époque sont rares et ses œuvres sont précieusement conservées dans des institutions comme le Centre Pompidou et le MoMA, où elles restent des témoignages de son ingéniosité artistique.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art, et que vous souhaitez découvrir davantage sur l'héritage et les œuvres de Werner Rohde, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. Cette inscription vous permettra de rester informé sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable.
Alec Soth ist ein amerikanischer Fotograf. Er ist bekannt für seine großformatigen Farbfotografien, die sich häufig mit dem amerikanischen Leben, der Kultur und der Landschaft befassen.
Soth begann seine Karriere als Zeitungsfotograf, bevor er sich der Kunstfotografie zuwandte. Bekannt wurde er durch sein Projekt "Sleeping by the Mississippi", das Fotografien von Menschen und Orten entlang des Mississippi zeigt.
Im Laufe seiner Karriere hat Soth immer wieder Fotoprojekte produziert, die verschiedene Aspekte des amerikanischen Lebens erforschen, von Kleinstädten bis zu Vorstadtgemeinden. Er hat auch mehrere Bücher mit seinen Arbeiten veröffentlicht, darunter "Songbook", "Broken Manual" und "I Know How Furiously Your Heart is Beating".
Soths Werke wurden vielfach ausgestellt und sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Whitney Museum of American Art und das San Francisco Museum of Modern Art. Für seine Fotografie hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter ein Guggenheim-Stipendium, den Infinity Award des International Center of Photography und den Preis der Deutsche Börse Photography Foundation.
Jindřich Štyrský était un artiste, photographe, poète et écrivain tchèque. Il est surtout connu pour sa contribution au mouvement surréaliste en Tchécoslovaquie dans les années 1930 et au début des années 1940.
Štyrský a d'abord suivi une formation de peintre, mais il s'est rapidement intéressé à la photographie et a commencé à expérimenter ce médium au début des années 1920. Il s'est associé au groupe surréaliste tchèque au milieu des années 1930 et en est devenu l'une des figures de proue, aux côtés de son collègue artiste et écrivain Toyen.
Outre la photographie, Štyrský était également un écrivain et un poète prolifique. Il a publié plusieurs recueils de poésie.
Les photographies de Štyrský se caractérisent par leurs qualités surréalistes et oniriques, mettant souvent en scène des figures déformées et d'étranges juxtapositions d'objets. Il a également produit une série de photomontages, qui combinent différents éléments photographiques pour créer des images troublantes et énigmatiques.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Štyrský a été persécuté par le régime nazi pour son art et ses écrits. Depuis, son œuvre est reconnue pour sa contribution au surréalisme en Tchécoslovaquie et pour son mélange unique de photographie, de peinture et de littérature.
David Yarrow est un photographe, écologiste et auteur britannique.
Au début de sa carrière, Yarrow a photographié des stars du sport - à l'âge de 20 ans seulement, il a pris le cliché emblématique du footballeur Diego Maradona - mais il a ensuite trouvé sa voie. David Yarrow a réinventé la photographie animalière en faisant preuve d'une patience extraordinaire et, surtout, d'une attitude admirative. Les photos en noir et blanc de Yarrow avec des stars telles que Cindy Crawford et Cara Delevingne lui ont valu une popularité croissante auprès des collectionneurs. Il est aujourd'hui l'artiste photographe le plus vendu au monde.
Yarrow est également très actif dans ses actions caritatives en faveur de la faune et de la flore.