Portrait Art contemporain
Piotr Yakovlevitch Anourine (еn russe: Петр Яковлевич Анурин) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, auteur de paysages lyriques, représentant souvent l'architecture des anciennes villes russes.
Piotr Anourine était surnommé "l'artiste du printemps" par ses contemporains en raison de ses sujets, de son style et de sa technique de peinture. Le printemps était une période spéciale pour le maître, durant laquelle il a créé de nombreuses toiles, telles que "Le printemps", "La dernière neige" et d'autres. Le thème principal de ses œuvres dans les dernières années de sa vie était le paysage de la Russie centrale.
Les œuvres de l'artiste se trouvent dans diverses galeries d'art et collections privées dans de nombreux pays, dont la Russie, l'Angleterre, l'Allemagne, la France, Israël et la Chine.
Gigi Porceddu est un sculpteur italien autodidacte qui travaille presque exclusivement avec la pierre de rivière de Sardaigne dans un style naïf qui lui est propre. Enfant, il a commencé à créer des figures à partir de la campagne environnante, en utilisant seulement un couteau et un tournevis, et il utilise toujours des outils simples pour travailler sur ses sculptures.
Porceddu reproduit les visages du sud de la Sardaigne sous forme de caricatures, mais le but de ce projet est en fait de décrire et de préserver la génétique des Sardes.
L'un des sujets préférés de Porceddu est celui des fonctionnaires, dont les images caricaturales ont plus d'une fois conduit à des conflits entre l'artiste et eux.
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Nuria Farre Abejon est une artiste hyperréaliste espagnole qui vit et travaille à Barcelone, en Espagne.
Ses œuvres, souvent hyperréalistes, tournent autour de sujets qui la préoccupent en tant que jeune femme : l'anxiété, la mélancolie, la famille, les souvenirs et l'identité. Au début, Nuria créait des peintures translucides à travers lesquelles elle représentait la dualité entre la vie et la mort. Plus tard, elle a exploré l'autoportrait et aujourd'hui, Nuria tente d'explorer son présent à travers des photographies tirées d'un album de famille, grâce auxquelles elle crée d'intéressants collages visuels à l'huile.
Abdoulaye Diarrassouba, plus connu sous le nom d'Aboudia, est un artiste contemporain américano-ivoirien.
Aboudia a commencé sa carrière artistique très tôt et a attiré l'attention pour son style expressif et émotionnel. Son travail reflète les réalités complexes de la ville et les expériences des résidents locaux pendant les crises politiques et sociales. Le peintre utilise souvent des couleurs vives, des traits grossiers et des formes abstraites pour exprimer la violence, le chaos et l'espoir présents dans la vie de ses sujets.
Le style artistique d'Aboudia mélange des éléments de graffiti, d'art de la rue, de peinture folklorique africaine et d'art contemporain.
Viktor Achotovitch Abramian (еn russe: Виктор Ашотович Абрамян) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Viktor Abramian a réalisé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à des expositions dès le début des années 1970 à Leningrad. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Blockade Weekdays", "Still Life with a Centennial", "Leningrad. 1942. Femmes de garde dans la ville assiégée", "Jeunes invités" et autres.
Les œuvres d'Abramian se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et dans de nombreux autres pays.
Evgeniia Mikhaïlovna Adamova (еn russe: Евгения Михайловна Адамова) était une artiste soviétique de la seconde moitié du vingtième siècle. Elle est connue comme peintre, artiste du peuple de la République socialiste soviétique de Turkménistan.
Evgeniia Adamova, qui a quitté l'Ukraine dans sa jeunesse pour s'installer au Turkménistan, a fait ses études à l'école d'art d'Ashgabat. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle s'est exprimée de manière créative en tant qu'affichiste au sein de l'agence TurkmenTAG. L'artiste a créé des peintures thématiques consacrées à la vie du peuple turkmène et des portraits. Elle a été vice-présidente de l'Union des artistes du Turkménistan.
Hans Peter Adamski est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Berlin et à Dresde.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a été professeur et doyen de l'Université des beaux-arts de Dresde. Adamski est l'un des principaux représentants du mouvement Neue Wilden ("Nouveaux sauvages") des années 1980. Outre la peinture, il travaille le dessin, la sculpture, le papier, le tissu et le plâtre.
Marc Adrian est un artiste conceptuel et réalisateur autrichien.
Adrian a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Vienne. À partir de 1953, il s'est intéressé au cinéma, à la cinétique, aux interférences rythmiques, aux problèmes de structures optiques, etc. Adrian est considéré comme l'un des pionniers de l'art médiatique orienté vers le cinéma. Il s'est spécialisé dans les objets cinétiques, l'anti-cinéma et l'art informatique.
Marc Adrian a enseigné dans plusieurs universités européennes et a donné des conférences à des étudiants américains.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Tamam Al-Akhal est un artiste et éducateur palestinien vivant en Jordanie. Elle a étudié au Collège des Beaux-Arts du Caire. De 1957 à 1960, elle enseigne l'art au Makassed Girls College de Beyrouth. En 1959, elle épouse Ismail Shammout. Al-Akhal a exposé en Égypte, au Liban, à Jérusalem, en Jordanie, aux États-Unis, au Koweït, en Angleterre, en Chine, au Maroc, à Berlin, à Paris, à Rome et à Vienne. Elle a donné une série de conférences à la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie en 2009. Son art est apparu sur plus d'une douzaine de couvertures de Palestinian Affairs, un magazine publié par l'Organisation de libération de la Palestine. Elle a également dirigé la section Arts et patrimoine de l'OLP. Avec son mari, elle a peint une série de grandes peintures murales intitulées "Palestine : l'Exode et l'Odyssée".
Abdul Qadir Al Rassam était un peintre irakien de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste et est considéré comme le fondateur de la peinture irakienne moderne.
Al Rassam, militaire de formation, a étudié le dessin à l'école militaire d'Istanbul. De retour en Irak, il a créé des paysages, des portraits et des peintures murales. Son œuvre se caractérise par sa précision historique et ethnographique. Selon les critiques, le maître a contribué à l'influence de l'école académique européenne sur la scène artistique irakienne.
Saadi Al-Kaabi est un artiste contemporain né à Najaf/Irak qui a organisé de nombreuses expositions personnelles et participé à plusieurs expositions à Bagdad, Paris, Rome, New York, Moscou, Stockholm, Berlin, Prague, Pékin, Ankara et tous les pays arabes.
Ismail Al-Sheikhly est un artiste irakien contemporain. Il appartenait à l'un des premiers groupes artistiques à apparaître en Irak, "La Société primitive", fondé en 1950. Le groupe a ensuite changé son nom en "Les Pionniers" et l'a conservé jusque dans les années 1970. Certaines de ses œuvres sont influencées par le cubisme, un mouvement qui a gagné en popularité tout au long des années 1950 et qui était le style artistique préféré de l'un des contemporains importants d'Al-Sheikhly, Hafiz Drubi. Les premières œuvres d'Al Sheikhly sont inspirées de la vie des villages irakiens, bien que ses œuvres ultérieures soient davantage axées sur des combinaisons de couleurs abstraites et des arrière-plans obscurcis. La femme est un thème central de son travail. Peintes en groupe assez souvent, les femmes d'Al Sheikhly sont profilées avec des visages ovales et des corps génériques et semblent toujours être dans des états d'aller et venir, que ce soit à la mosquée, aux souks ou pour effectuer une tâche domestique.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Piotr Filippovitch Alberti (еn russe: Пётр Филиппович Альберти) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Piotr Alberti a réalisé des portraits, des paysages et des peintures de genre. Il expose activement depuis 1951 à Leningrad, présentant ses œuvres aux côtés des maîtres de son temps. L'artiste avait une écriture large et des couleurs vives, un trait expressif et utilisait des techniques variées. Il accorde une attention particulière à l'étude de la nature. À la fin de sa carrière, il se passionne pour les natures mortes avec des motifs favoris comme les pivoines et les pastèques.
Les œuvres d'Alberti sont conservées dans des musées et des collections du monde entier.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Richard Aldrich est un artiste conceptuel et peintre américain contemporain basé à Brooklyn qui a exposé à la Biennale de Whitney en 2010. Aldrich a obtenu son diplôme BFA de l'Université d'État de l'Ohio en 1998. Bien que principalement abstraites et décontractées, les peintures d'Aldrich trahissent également une sensibilité littéraire distincte, même s'il cible ce qu'il a appelé l'essentiel "unwordliness of experience". Il aborde sa propre histoire personnelle et la manière dont les humains organisent l'information à travers le langage formel de la peinture, citant librement divers tropes esthétiques avec humour et irrévérence. Aldrich est surtout connu pour ses compositions lâches et abstraites, se déplaçant librement de la création de marques gestuelles, de l'impression basée sur du texte et de la découpe de la toile pour révéler des barres de civière en dessous.
Valeriï Vladimirovitch Androsov (еn russe: Валерий Владимирович Андросов) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme sculpteur, architecte, designer, peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Androsov crée des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que des œuvres fantastiques. Il est également connu comme l'auteur d'une vaste collection d'ex-libris qui reflètent fidèlement le caractère et les intérêts des propriétaires de livres. À différentes périodes, il a été artiste en chef du Mosstroiplastmass Combine et directeur de la Mytishchi Picture Gallery. Il a également créé des monuments à la mémoire des victimes de la Grande Guerre patriotique et des pilotes de l'aéroclub de Mytishchi, démontrant ainsi ses compétences dans diverses directions artistiques.
Boris Izraïlevitch Anisfeld (еn russe: Борис Израилевич Анисфельд), né en 1878 en Bessarabie et mort en 1973 aux États-Unis, était un artiste symboliste et scénographe de renom. D'origine russe, il a vécu une grande partie de sa vie en Amérique. Issu d'une famille juive aisée, Anisfeld a montré un intérêt précoce pour l'art plutôt que pour la musique, contrairement aux souhaits familiaux. Formé à l'école des Beaux-Arts d'Odessa puis à l'académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il a étudié sous la tutelle de maîtres tels que Répine, mais son travail a été fortement influencé par le symbolisme, se distinguant dans des expositions dès le début du XXe siècle.
Anisfeld a été reconnu pour son travail de scénographe, notamment pour les ballets russes, où ses conceptions ont contribué à révolutionner la scénographie théâtrale de l'époque. Il a travaillé avec des figures emblématiques telles que Diaghilev et a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux, de Paris à New York. Sa première exposition personnelle aux États-Unis a eu lieu juste avant la Révolution d'Octobre, marquant le début de sa carrière définitive en Amérique, où il a continué à influencer le monde de l'opéra et de la peinture.
Au-delà de ses contributions à la scénographie, Anisfeld était un peintre talentueux dont les œuvres ont été exposées et collectionnées à l'international. Ses tableaux, imprégnés de symbolisme, montrent une préférence pour les compositions fantastiques et colorées, souvent inspirées de la mythologie, de la nature et de la culture slave.
Pour ceux passionnés par l'art et la scénographie, l'œuvre de Boris Izraïlevitch Anisfeld offre une source d'inspiration intarissable. Ses contributions au monde de l'art sont conservées dans des collections publiques et privées à travers le monde. Pour en savoir plus sur cet artiste exceptionnel, visitez des sites comme Wikipedia ou le catalogue raisonné d'Anisfeld.
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Vladislav Leopoldovitch Anisovitch (еn russe: Владислав Леопольдович Анисович) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vladislav Anisovitch a participé à diverses expositions depuis 1935. Son œuvre comprend des portraits, des compositions historiques et de genre, ainsi que des paysages. Parmi les tableaux célèbres de l'artiste figurent "Le passage du détachement de K. Voroshilov de Lugansk à Tsaritsyn", "L'assaut sur Perekop" et d'autres. Le maître a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad.
Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays, y compris au Musée national russe.
Horst Antes est un peintre, graphiste et sculpteur allemand, pionnier de la nouvelle peinture figurative en Allemagne.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Karlsruhe de 1957 à 1959 et y a été professeur.
Antes est devenu célèbre pour sa représentation du Kopffüßler (pied-tête), qui est un thème récurrent dans ses peintures, sculptures et œuvres graphiques depuis le début des années 1960. L'œuvre d'Antes est représentée dans plusieurs grandes collections à Berlin, Hambourg, Cologne et ailleurs en Allemagne.
Evgeniia Petrovna Antipova (еn russe: Евгения Петровна Антипова) était une peintre russe renommée pour ses compositions de genres, portraits, paysages et natures mortes. Utilisant principalement des huiles et des aquarelles, Antipova avait un penchant pour les vergers de pommes et les paysages de Crimée.
Formée à l'Institut des Beaux-Arts Repin, elle a ensuite épousé l'artiste Victor Teterin et a participé à de nombreuses expositions tout au long de sa vie, y compris des expositions personnelles à Saint-Pétersbourg. Son travail a été exposé et apprécié non seulement en Russie mais également en France, en Allemagne, aux États-Unis et au Royaume-Uni, faisant d'elle une figure notable de l'École de Leningrad.
Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées à travers le monde, notamment au Musée Russe d'État, témoignant de son impact et de sa reconnaissance dans le monde de l'art.
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Fiodor Vassilievitch Antonov (еn russe: Фёдор Васильевич Антонов) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, artiste textile, enseignant et professeur.
Fiodor Antonov a créé des paysages, des portraits et des compositions thématiques. Dans ses œuvres de genre, il immortalise la vie et le quotidien de la jeunesse soviétique, ainsi que la formation de l'industrie en URSS. Pendant la Grande Guerre patriotique, l'artiste a réalisé des portraits de héros, ainsi que des affiches à la forme picturale simple et directe. Les œuvres d'Antonov font partie de plusieurs collections de musées, dont la galerie Tretiakov, le musée russe et de nombreuses collections privées.
Anatoliï Afanassievitch Arapov (еn russe: Анатолий Афанасьевич Арапов) était un artiste russe et soviétique du début du XXe siècle, reconnu pour ses talents en peinture, arts graphiques, ainsi que pour son travail dans le théâtre et le cinéma. Né le 21 novembre 1876 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédé le 22 décembre 1949 à Moscou, URSS, Arapov a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe grâce à sa participation à la création de films populaires des années 1920-1930 et ses mises en scène dans les principaux théâtres des grandes villes de l'Empire russe, puis de l'URSS.
Son œuvre picturale, évoluant du Symbolisme et du Constructivisme au Réalisme socialiste, couvre une variété de genres incluant le portrait, la nature morte, et le paysage, notamment des vues de parcs anciens et d'architecture russe antique. En tant qu'étudiant, il s'est initialement intéressé à l'art appliqué, au livre et au théâtre, participant à la conception de festivités féériques pour le théâtre national « buffoon ». Sa participation aux expositions "Rose bleue", "Couronne", "Toison d'or", et à l'exposition "Rose écarlate", où il était représenté par son œuvre "Le parc Lefortovo", souligne son implication active dans les cercles artistiques de son époque.
Arapov a également travaillé activement dans le domaine du théâtre dès 1905, concevant des productions dans des théâtres renommés à Moscou et Saint-Pétersbourg. Après 1917, il s'est engagé dans la conception de productions théâtrales dans toute la Russie.
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Diane Arbus est une photographe de rue américaine.
Elle reste célèbre pour ses portraits de rue effectués au reflex 6x6 bi-objectifs équipé d’une torche à lampes flash au magnésium de forte puissance, sa photographie des Jumelles identiques et celle de l’Enfant à la grenade dans Central Park.
Elle a aussi réalisé un projet sur une communauté de personnes handicapées mentales.
Kurt Ard était un illustrateur, peintre et graveur danois. Il est devenu internationalement célèbre pour ses couvertures narratives publiées dans des magazines populaires des années 1950 à 1970, notamment le Family Journal, le Saturday Evening Post et le Reader's Digest. Ard a commencé sa carrière dans divers petits journaux et a travaillé dans la même tradition réaliste que son modèle, illustrateur et peintre, Norman Rockwell. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Kurt a eu du mal à exécuter les commandes de commission. Sa peinture, sa réputation et son succès n'ont cessé de croître dans les années d'après-guerre. Ses illustrations sont rapidement apparues dans de grandes publications européennes, et il a ensuite acquis une renommée internationale. Au cours de sa carrière, Ard a vendu plus de 1000 illustrations aux meilleurs magazines européens et à des publications américaines telles que McCalls, Good Housekeeping et Redbook. Aujourd'hui, Kurt continue de créer des peintures figuratives, paysagères et marines exceptionnelles avec une authenticité sans compromis, capturant le charme, la beauté et la puissance de ces divers sujets. Son travail est particulièrement remarquable pour sa lumière brillante et ses détails précis.
Eranoui Archakovna Aslamazian (еn russe: Ерануи Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique et russe d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste.
Eranoui Aslamazian a créé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Elle s'est également essayée à la conception de pièces de théâtre, à la gravure et à la céramique. Artiste orientaliste, elle faisait partie de l'élite artistique soviétique à Leningrad et à Moscou. Avec le soutien des autorités de l'Union soviétique, elle a voyagé dans le monde entier, visitant de nombreux pays. Ses œuvres sont exposées dans les musées de Londres, Sofia, Berlin, Saint-Pétersbourg, Venise, Tokyo et Delhi.
Mariam Arshaki Aslamazian (en russe : Мариам Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique d'origine arménienne, née le 20 octobre 1907 à Alexandropol, aujourd'hui Gyumri, et décédée le 16 juillet 2006 à Moscou. Reconnue pour ses peintures vibrantes et colorées, elle a été nommée Artiste du peuple de la RSS d'Arménie en 1965 et Artiste du peuple de l'Union soviétique en 1990. Ses œuvres sont souvent comparées à celles de Frida Kahlo en raison de leur palette moderne et de leur style personnel éclectique.
Aslamazian a étudié auprès de figures de proue de l'avant-garde russe et a absorbé les meilleures traditions de la peinture moderne et académique russe et européenne. Elle a également incorporé des éléments de l'art arménien dans son travail, ce qui lui a permis de créer des peintures à la fois modernes et profondément enracinées dans la tradition arménienne. Ses œuvres comprennent des portraits, des paysages, et des natures mortes, où elle exprime souvent des motifs ethnographiques avec une emphase sur l'exotisme oriental.
Aslamazian a également travaillé dans le domaine de la céramique décorative, qui a gagné en popularité dans les années 1960. Ses céramiques reflètent son sens de la modernité tout en restant fidèles à la tradition nationale.
Son talent et sa carrière ont été célébrés à l'international, notamment lors de voyages officiels en Inde où elle a contribué à renforcer les liens diplomatiques entre l'URSS et l'Inde. Ses œuvres sont exposées de manière permanente dans la Galerie des sœurs Aslamazian dans sa ville natale et dans des collections comme la Galerie nationale d'Arménie.
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Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Christian Ludwig Attersee, né Christian Ludwig, est un artiste médiatique autrichien vivant à Vienne et à Semmering, en Basse-Autriche.
L'artiste a pris son deuxième prénom, Attersee, de la région où il a passé sa jeunesse. Il a étudié à l'Académie des arts appliqués de Vienne et son travail s'est caractérisé très tôt par une sexualisation flamboyante. Il est connu non seulement comme artiste visuel, mais aussi comme musicien, écrivain, artiste de l'objet, designer, scénographe et réalisateur. Dans les années 1960 et 1970, il a également créé des séries sur les thèmes de la nourriture, des objets quotidiens, de la beauté et des cosmétiques.
Attersee est surtout connu comme l'un des principaux représentants de la peinture objective en Europe au cours des 50 dernières années. Dans la seconde moitié des années 70, il est devenu le fondateur de la "nouvelle peinture autrichienne". De 1990 à 2009, Atterse a occupé une chaire à l'université des arts appliqués de Vienne.
Frank Auerbach est un peintre anglais. Son travail est constitué essentiellement de portraits de femmes, de groupes et de paysages urbains autour de son atelier londonien situé à Camden Town. Il appartient au groupe de peintres dit de «l'École de Londres», avec Francis Bacon, Lucian Freud, Leon Kossoff et Michael Andrews.
Edgar Augustin était un peintre et sculpteur allemand.
Augustin a étudié la sculpture à Münster avec Karl Ehlers, puis a été l'élève du maître Gustav Zeitz à Hambourg. Son œuvre comprend des représentations figuratives partiellement abstraites en bronze, en bois et en plâtre, ainsi que des peintures, des dessins et des graphiques. Certaines des sculptures d'Edgar Augustin se trouvent dans des espaces publics à Hambourg et dans d'autres villes.
Edgar Augustin était membre de l'Académie libre des arts de Hambourg et de l'Association spéciale des artistes en Allemagne. Dans la seconde moitié du XXe siècle, Augustin a été l'un des pionniers de la sculpture figurative sur bois, dont il est considéré comme le plus important représentant.
Robert Petrosovitch Avakian (еn russe: Роберт Петросович Авакян) était un artiste soviétique et ouzbek d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, sculpteur et enseignant.
Robert Аvakian a reçu une formation en peinture, mais il est surtout connu comme auteur de sculptures monumentales. Il a travaillé activement à Tachkent, participant à de nombreuses expositions, y compris des concours internationaux de sculpture. Le maître a également laissé son empreinte dans des villes ouzbèkes telles que Bukhara, Nukus et Yangibazar, où il a créé d'importantes œuvres monumentales.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
Philip Aziz est un artiste et enseignant canadien d'origine grecque et libanaise. Il est reconnu pour son travail à la détrempe à l'œuf, une technique populaire à la Renaissance.
Philip Aziz a été professeur de dessin à l'université de Yale, d'histoire de l'art à l'université de Western Ontario et a été résident et conférencier à l'Institut d'études humanistes d'Aspen.
Aziz a peint des portraits commandés par le premier ministre conservateur de l'Ontario John Robarts, le gouverneur général Georges Vanier et son épouse, le célèbre photographe canadien Yusuf Karsh et la mezzo-soprano Risa Stevens, star de l'opéra.
Gennadiï Fiodorovitch Babikov (еn russe: Геннадий Фёдорович Бабиков) était un artiste soviétique et turkmène du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, aquarelliste, maître du paysage et de la nature morte et est considéré comme le fondateur du genre du paysage industriel turkmène, représentant de l'école académique russe de peinture en Asie centrale.
Gennadiï Babikov a participé à la Grande Guerre patriotique et a réalisé au front plus de 100 portraits graphiques de ses compagnons d'armes. L'artiste était célèbre pour ses linogravures et a également développé un style de nature morte, appelé "Babikov's" au Turkménistan.
Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier.
Stanislav Gennadievitch Babikov (еn russe: Станислав Геннадьевич Бабиков) était un artiste soviétique et turkmène du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, publiciste, scénographe, ainsi que comme fils et élève de Gennady Babikov, le fondateur du genre du paysage industriel turkmène.
Stanislav Babikov est considéré comme un continuateur des idées du cézannisme russe. Il était membre du groupe informel turkmène "Sept", qui cherchait à synthétiser les éléments nationaux et le modernisme occidental dans l'art. Le maître était également l'auteur d'articles sur les beaux-arts. Son style reflète l'influence de la nature et du climat du Turkménistan et se caractérise par des couleurs vives et expressives.
Karl Otto Bachmann, peintre, graphiste et illustrateur suisse, a débuté sa carrière artistique à Lucerne avant de s'installer à Zurich et de poursuivre une activité indépendante. Il réalise une percée en 1943 avec la publication de son portfolio « Faust ». Bachmann s'est inspiré de ses voyages à travers l'Europe, rejoignant souvent des troupes de cirque pour gagner de l'argent et des idées créatives. Ses peintures se caractérisent par des décors imaginatifs et virtuels, avec des thèmes tournant autour de la scène, du carnaval et du cirque. Les lignes élégantes, les couleurs délicates et les compositions harmonieuses de Bachmann ont fait de lui un illustrateur de livres respecté. Il a participé activement à de nombreuses expositions tout au long de sa vie, tant au niveau national qu'international.
Rudi Baerwind est un peintre allemand. Profondément influencé par l'expressionnisme allemand, son travail évolue après une phase surréaliste vers l'informel, puis se rapproche du style international qui l'apparente de fait à Georg Baselitz ou Markus Lüpertz.
Sattar Bahlulzade (еn russe: Саттар Бахлул оглы Бахлулзаде) était un paysagiste azerbaïdjanais soviétique du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, paysagiste et caricaturiste.
Bahlulzade a créé des paysages lyriques faisant l'éloge de la nature azerbaïdjanaise, caractérisés par le réalisme et le détail. En tant que peintre paysagiste classique, il est surtout célèbre pour sa deuxième période de création (1940-1960). Les peintures de l'artiste étaient étroitement liées aux traditions de l'art azerbaïdjanais et, dans les dernières années de sa vie, l'influence du néo-impressionnisme s'est fait sentir. Bahlulzade a également réalisé des œuvres graphiques, notamment des natures mortes.
Les musées du monde entier conservent environ 150 peintures et 30 œuvres graphiques de cet artiste.
Leonid Fiodorovitch Balaklav (еn russe: Леонид Фёдорович Балаклав) est un artiste soviétique et israélien contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et dessinateur.
Leonid Balaklav a commencé sa carrière à Kishinev, puis s'est installé à Kiev, où il a travaillé sur des films scientifiques. En 1987, au festival du film de Tokyo, il reçoit une médaille d'or pour ses œuvres animées. En 1989, il s'installe en Israël, où il se fait connaître pour ses portraits, ses paysages lyriques et ses œuvres sur des thèmes religieux. Son travail est souvent associé à l'identité juive et ses peintures sont connues pour leur intimité et leurs détails. Il utilise des peintures à l'huile sur bois pour créer ses œuvres.
Irina Mikhaïlovna Baldina (еn russe: Ирина Михайловна Балдина) était une artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Elle est connue comme peintre, représentante de l'école de Leningrad.
Irina Baldina a participé à des expositions à Leningrad à partir de 1952. Son œuvre couvre une variété de genres, notamment des portraits, des paysages, des natures mortes et des compositions de genre. De 1960 à 1980, ses œuvres se caractérisent par les thèmes de la modernité, de la nature et des habitants de Zaonezhye. Son style se distingue par ses larges coups de pinceau, son caractère décoratif et son habileté à transmettre les couleurs de la nature nordique.
Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment en Russie, en France, aux États-Unis, au Japon et dans d'autres pays.
Stephan Balkenhol est un artiste allemand connu pour ses sculptures représentant la forme humaine. Basé en France et en Allemagne, il est spécialisé dans les sculptures en bois, les reliefs, les dessins et les techniques graphiques telles que la lithographie, la gravure sur bois et les pochoirs. Son style particulier se caractérise par des sculptures en bois grossièrement taillées et peintes de manière vibrante, représentant souvent des personnes, des animaux et des architectures.
Les sujets de Balkenhol sont dépourvus d'émotions et regardent souvent dans le vide, ce qui leur confère une aura distante et énigmatique. Le bois est son principal médium, les bois les plus tendres permettant d'obtenir des détails précis sur les visages tout en conservant les imperfections telles que les ébréchures, les nœuds et les marques d'outils. L'artiste ajoute de la peinture comme touche finale, accentuant l'anatomie et la vitalité. Les surfaces texturées sous la couche de peinture amplifient le sens de la vie dans les œuvres de Balkenhol.
Vladimir Davidovitch Baranov-Rossine (en russe: Владимир Давидович Баранов-Россине) était un artiste ukrainien, russe et français d'origine juive, connu pour son rôle important dans le mouvement avant-gardiste du Cubo-Futurisme et en tant qu'inventeur. Né à Kherson dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), il a étudié à l'École de la Société pour l'encouragement des arts à Saint-Pétersbourg et à l'Académie impériale des beaux-arts de la même ville. Dès 1908, il exposait avec le groupe Zveno (Le Lien) à Kiev, et en 1910, il s'installa à Paris, devenant résident de la colonie d'artistes La Ruche, aux côtés de figures comme Alexander Archipenko et Sonia Delaunay-Terk.
Baranov-Rossine est reconnu pour son exploration des liens entre l'art et la technologie, notamment à travers l'invention du piano optophonique, un instrument capable de produire des sons et des lumières colorées simultanément. Cette invention illustre son intérêt pour la synthèse des arts et son engagement dans l'avant-garde artistique. En plus de son travail dans le domaine de l'art, Baranov-Rossine a également appliqué ses compétences à des innovations pratiques, telles que la caméléon, une technique de camouflage militaire, et le "photochromomètre", un appareil permettant de déterminer les qualités des pierres précieuses. Il a même perfectionné une machine à préparer, stériliser et distribuer des boissons gazeuses, le "Multiperco", qui a reçu plusieurs prix techniques.
L'art de Baranov-Rossine est représenté dans des collections et des expositions à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Malheureusement, sa vie a pris fin tragiquement lorsqu'il a été déporté et assassiné à Auschwitz en 1944 par les nazis.
Pour ceux qui sont fascinés par la contribution de Baranov-Rossine à l'art moderne et son exploration pionnière de l'intersection entre l'art et la technologie, l'inscription aux mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre peut offrir des occasions uniques d'appréciation et de collection.
Issa Abasovitch Barkhanoev (еn russe: Исса Абасович Барханоев) était un artiste ingouche soviétique et russe du dernier quart du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, dessinateur, paysagiste, peintre de genre et poète, un artiste autodidacte.
Issa Barkhanoev a créé plus de 500 peintures au cours de sa carrière, dans lesquelles, selon les critiques, il a habilement transmis ses pensées et sentiments profonds par le biais d'images et de symboles, et ces œuvres d'art personnifient la spiritualité et la philosophie de la vie. Les œuvres de cet artiste folklorique se trouvent dans les musées de la République d'Ingouchie et dans des collections privées.
Hernan Bas est un artiste américain.
De sa peinture, se dégage une atmosphère poétique où le surnaturel se conjugue avec une peinture réaliste dans une composition équilibrée. Les figures s’estompent dans une lumière et une obscurité alternante qui transforment la narration en une allégorie mystérieuse.
Ses peintures représentent essentiellement des images de jeunes hommes dont la dialectique du désir et de la sexualité détermine, selon lui, l’identité d’un jeune homme. Il cherche à dépeindre l’émotion, la grâce et la fantaisie. Pour ce faire, il s’inspire de la mythologie, de la mode et de la culture pop. En utilisant la peinture à l'eau et à l’huile sur du papier de vélin, il parvient à créer une impression floue alternée d’épaisse couche de peinture et de toile vierge. Hernan Bas fait partie des jeunes artistes très prometteurs de la scène artistique de Miami.
Tilo Baumgärtel est un artiste allemand qui vit et travaille à Leipzig.
Ses peintures remontent aux œuvres du réalisme social et aux affiches de propagande de grand format. L'artiste travaille avec différents supports et techniques. Outre la peinture, il utilise également la lithographie, les dessins sur papier et la vidéo. L'espace pictural et la création de paysages parfois surréalistes sont l'un de ses thèmes centraux.
Tilo Baumgärtel travaille également avec des théâtres, développant des décors et des vidéos sur la scénographie.
Mike Bayne est un artiste canadien contemporain qui crée des peintures photoréalistes miniatures de scènes nord-américaines négligées, souvent de sa ville natale. Capturant chaque détail de ses photographies de travail, il reproduit son sujet non seulement en termes d'images, mais souvent aussi à l'échelle, en imitant la taille de photographies réelles imprimées dans le commerce. Ses représentations d'architecture et de véhicules rendent des environnements enfermés dans un moment, dépourvus de personnes et de mouvement. Visuellement, ses œuvres sont à la fois brusquement réalistes et pourtant délibérément inorganiques. Il a obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université Concordia et a participé à de nombreuses expositions collectives aux États-Unis et au Canada. Son travail fait partie de la collection du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de l'Ontario, du musée Nerman, etc. Bayne a également été récipiendaire du prix Kingston pour le portrait en 2011.
Elena Mikhaïlovna Beboutova (еn russe: Елена Михайловна Бебутова) était une artiste russe et soviétique d'origine géorgienne et arménienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et scénographe.
Elena Béboutova est passée d'une fascination pour le cubisme et le futurisme dans ses premières œuvres à un style plus décoratif et réaliste. En 1917, elle a commencé à travailler à la décoration de spectacles dans divers théâtres de Russie et a organisé une exposition personnelle à Moscou en 1923. De retour en URSS après des voyages d'affaires à Berlin et à Paris, elle devient l'un des membres fondateurs de la société "Four Arts". Son travail au théâtre était étroitement lié aux activités de mise en scène de son frère Valery Bkebutova, leur dernière collaboration étant une production d'Hamlet au théâtre biélorusse de Vitebsk en 1946 et 1955.
Bebоutova est également connue comme modèle pour les portraits réalisés par son mari Pavel Kuznetsov.
Wolfram Beck était un sculpteur, dessinateur et peintre allemand qui travaillait le bois, l'acier, le bronze, l'acrylique et la pierre. Formé à l'École de culture artistique de Berlin, il a d'abord réalisé de grandes œuvres organiques en bois, des portraits en buste et des torses en argile et en pierre. Dans les années 1970, Beck a créé des constructions strictement géométriques et aériennes à partir de composants mécaniques et électroniques, qui pouvaient être déplacés par des moteurs ou à la main. Il a également créé des objets en métal et en acrylique aux accents colorés et à l'aspect fragile. Les œuvres de Beck figurent dans les collections d'Axel Springer, d'Egon Eiermann et d'autres.
Viktoriia Markovna Belakovskaia (еn russe: Виктория Марковна Белаковская) était une artiste soviétique russe du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de peinture de Leningrad.
Viktoriia Belakovskaia a participé à des expositions d'artistes de Leningrad dès le début des années 1930. Son œuvre couvre différents genres, notamment des portraits, des compositions de genre, des natures mortes et des paysages. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Pioneer Girl" (1931), "Self-Portrait with a Cigarette" (1936), "Leningrad Landscape" (1953), "Spring Flowers. Nature morte" (1961), une série de paysages de l'Altaï, de la Crimée, de Kiev et autres.
Les œuvres de l'artiste font partie des collections de musées en Russie, en Grande-Bretagne, aux États-Unis, en France et dans d'autres pays.
Leland Bell, peintre américain né le 17 septembre 1922 et décédé le 18 septembre 1991, fut une figure marquante de l'art du XXe siècle. Autodidacte, sa passion pour la peinture et son engagement envers les artistes qu'il admirait, tels que Karl Knaths, Jean Arp, et Piet Mondrian, ont fortement influencé le milieu artistique. Son travail initial comme gardien au Museum of Non-Objective Art (devenu plus tard le Guggenheim) lui permit de côtoyer de près les œuvres qui allaient orienter sa carrière. Au fil des années, il développa une amitié avec Jean Hélion, qui l'amena à privilégier un style plus figuratif, marquant ainsi une transition dans son œuvre vers un art représentatif enrichi par l'abstraction.
Les autoportraits de Bell, réputés pour leur intensité et leur profondeur psychologique, témoignent de sa maîtrise technique et de son habileté à capturer l'essence de son sujet. L'un de ses autoportraits les plus connus, "Standing self-portrait" (1979), illustre non seulement sa capacité à se représenter avec une grande puissance émotionnelle mais incorpore également des éléments personnels, tels que ses passions pour la peinture et le jazz, illustrant ainsi la complexité de son identité artistique et personnelle.
Bell était également reconnu pour son enseignement et ses conférences, partageant sa vision artistique avec les générations futures. Il a enseigné dans de prestigieuses institutions telles que la Parsons School of Design et l'Université de Yale, affirmant son rôle de mentor influent dans le domaine de l'art visuel. Ses œuvres, caractérisées par des lignes de contour noires, des plans de couleur audacieux, et une composition dynamique, reflètent une quête constante de poésie visuelle, au-delà des tendances de la nouveauté.
Bell a bénéficié de plusieurs résidences d'artistes à MacDowell, affirmant son engagement envers la communauté artistique et son développement personnel. Ces séjours ont non seulement permis à Bell de se consacrer pleinement à sa pratique mais aussi de s'entourer d'une communauté d'artistes partageant les mêmes idées, enrichissant ainsi sa démarche créative.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Leland Bell reste un témoignage puissant de la capacité de l'art à transcender les frontières stylistiques, en offrant une vision unique qui mélange habilement abstraction et figuration. Son legs continue d'inspirer et d'influencer le monde de l'art contemporain.
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Iouriï Vladimirovitch Belov (еn russe: Юрий Владимирович Белов) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad, qui a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de la nature morte et de la peinture historique.
Iouriï Belov participe activement à des expositions depuis 1954. Dans les années 1960-1980, le thème principal de son travail était les images de Lénine et l'histoire du mouvement révolutionnaire. Le style de l'artiste évolue d'un objectivisme strict à un style plus décoratif et impressionniste.
Les œuvres du maître se trouvent dans des musées en Russie, en France, aux États-Unis, en Allemagne et dans d'autres pays, ainsi que dans des collections privées.
Vilmos-József Istvanovich Berets (еn russe: Вильмош-Йожеф Иштванович Берец) était un artiste soviétique ukrainien d'origine hongroise de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et historien de l'art.
Berets a créé des œuvres principalement en graphisme de chevalet, parmi ses œuvres les plus remarquables figurent des paysages à l'aquarelle. Depuis 1950, il participe activement à des expositions d'art. Il est également l'auteur d'articles sur la théorie de l'art, ainsi que d'études sur divers artistes, notamment sur l'œuvre d'artistes de Transcarpatie, au cours desquelles il a rassemblé de nombreux documents d'archives sur l'histoire de l'école de peinture locale.
Werner Berges est un artiste contemporain allemand du Pop Art et un graphiste.
Ce qui le caractérise, ce sont les couleurs vives et les contours nets, l'utilisation de la peinture par points et les rayures qui donnent à ses œuvres le caractère de reproductions. Les héros de ses tableaux sont des stars de la pop et du cinéma, des femmes de la publicité et des mannequins photo, dont Werner Berges souligne les poses érotiques et les regards captivants par une puissante combinaison de couleurs, de points, de rayures et de collages. Son dessin est basé sur un "cadre graphique" existant indépendamment de la superposition des couleurs sur la toile. L'artiste tente de se montrer totalement indépendant et impartial par rapport à ce qu'il a créé et ne signe son œuvre qu'au verso de la toile.