Artistes 20e siècle
Piotr Yakovlevitch Anourine (еn russe: Петр Яковлевич Анурин) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, auteur de paysages lyriques, représentant souvent l'architecture des anciennes villes russes.
Piotr Anourine était surnommé "l'artiste du printemps" par ses contemporains en raison de ses sujets, de son style et de sa technique de peinture. Le printemps était une période spéciale pour le maître, durant laquelle il a créé de nombreuses toiles, telles que "Le printemps", "La dernière neige" et d'autres. Le thème principal de ses œuvres dans les dernières années de sa vie était le paysage de la Russie centrale.
Les œuvres de l'artiste se trouvent dans diverses galeries d'art et collections privées dans de nombreux pays, dont la Russie, l'Angleterre, l'Allemagne, la France, Israël et la Chine.
Jenny Fikentscher (née Nottebohm) était une peintre et graphiste allemande associée au mouvement Art nouveau. Elle a étudié à l'École des femmes peintres de Karlsruhe et est devenue plus tard membre de la colonie d'artistes de Grötzingen. Fikentscher a épousé le peintre animalier Otto Fikentscher et a élevé cinq enfants dans un foyer artistique non conventionnel. Elle était connue pour ses motifs botaniques et ses lithographies, représentant souvent des plantes locales. Fikentscher a également créé des images de collection pour la chocolaterie Stollwerck. Malgré son âge, elle a continué à vendre les produits de son jardin et était une figure bien connue à Karlsruhe.
Gigi Porceddu est un sculpteur italien autodidacte qui travaille presque exclusivement avec la pierre de rivière de Sardaigne dans un style naïf qui lui est propre. Enfant, il a commencé à créer des figures à partir de la campagne environnante, en utilisant seulement un couteau et un tournevis, et il utilise toujours des outils simples pour travailler sur ses sculptures.
Porceddu reproduit les visages du sud de la Sardaigne sous forme de caricatures, mais le but de ce projet est en fait de décrire et de préserver la génétique des Sardes.
L'un des sujets préférés de Porceddu est celui des fonctionnaires, dont les images caricaturales ont plus d'une fois conduit à des conflits entre l'artiste et eux.
Wilhelm Schmurr était un peintre allemand et co-fondateur du Sonderbund à Düsseldorf. Son style d'expression clair a été influencé par les préraphaélites, les symbolistes et les réalistes. Schmurr a reçu des prix et des médailles pour son travail, a enseigné à la Kunstakademie Düsseldorf et a été membre honoraire de diverses associations artistiques. Il a capturé les expériences de la Première Guerre mondiale dans des représentations apparemment mélancoliques de mendiants et de paysages arides. Après la guerre, il crée des scènes de vie simple et des natures mortes inspirées des agriculteurs.
Jan Leth Aagensen est un artiste danois. Il s'est fait un nom en tant que lithographe et s'est ensuite fait connaître pour ses sculptures.
Jan Leth a été formé à l'Académie royale danoise des beaux-arts sous la direction du professeur Søren Hjort Nielsen de 1965 à 1969. Sa première exposition a eu lieu en 1961 à Kunstnernes Forårudstilling (Exposition de printemps des artistes). Il est membre de plusieurs groupes artistiques : Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, l'Association de l'Académie royale danoise des beaux-arts et l'Association des artistes graveurs danois.
Jan Leth a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, présentant des peintures, des sculptures, des dessins et des installations au Danemark et à l'étranger. Au cours de sa vie, il a reçu de nombreux prix et bourses. L'État danois lui a accordé une bourse économique à vie en 1998. Son travail est représenté dans les collections de galeries au Danemark et à l'étranger.
Pacita Abad, une artiste philippine-américaine, était célèbre pour ses peintures vibrantes et colorées et sa technique de "trapunto", qui impliquait la couture et le rembourrage de ses toiles pour leur donner un effet tridimensionnel. Née en 1946 à Basco, Batanes, aux Philippines, Abad a eu une carrière artistique dynamique et variée, exposant dans plus de 60 expositions personnelles et 70 expositions collectives à travers le monde. Ses œuvres ont été reconnues pour leur utilisation audacieuse de la couleur et des matériaux mixtes, y compris des textiles traditionnels, des miroirs, des perles et des coquillages.
Abad a voyagé à travers plus de 80 pays, ce qui a eu un impact significatif sur son art, lui permettant de s'inspirer de différentes cultures et traditions visuelles. Elle a souvent intégré des éléments de ces cultures dans ses œuvres, reflétant son engagement envers la diversité culturelle et la compréhension interculturelle. Ses voyages et son art étaient également motivés par un désir profond de plaider en faveur des personnes marginalisées et des problématiques sociales, comme l'expérience des immigrants et les injustices sociales.
Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le San Francisco Museum of Modern Art et le Brooklyn Museum. Abad est décédée en 2004 à Singapour après une lutte contre le cancer du poumon, mais son héritage perdure à travers ses œuvres vibrantes et son impact sur l'art contemporain.
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Soultan Chamsoutdinovitch Abaev (еn russe : Султан Шамсутдинович Абаев), un artiste russe, est célèbre pour ses peintures qui reflètent profondément la culture et l'histoire de la Tchétchénie. Né en 1957, Abaev a vécu une jeunesse marquée par des événements historiques significatifs qui ont influencé son œuvre artistique. Après avoir servi dans l'armée soviétique et travaillé à l'usine Baltique, il a poursuivi ses rêves artistiques en étudiant à l'Académie des Beaux-Arts de Repin à partir de 1981, où il s'est spécialisé en peinture et enseignement.
Son travail a été reconnu et apprécié non seulement pour son aspect artistique mais aussi pour son engagement envers les questions sociales et culturelles de la Tchétchénie. Abaev a participé activement à la vie sociale et culturelle de Grozny après avoir obtenu son diplôme en 1987, organisant et participant à de nombreuses expositions.
Abaev est également honoré en tant qu'Artiste émérite de la Fédération de Russie pour ses contributions significatives aux arts visuels, spécialement dans le genre de l'art paysager. Ses œuvres se retrouvent dans des collections privées et ont été exposées dans diverses galeries, témoignant de leur valeur tant sur le plan artistique que culturel.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire de la Tchétchénie à travers le pinceau d'un de ses artistes emblématiques, les œuvres de Soultan Chamsoutdinovitch Abaev offrent une fenêtre unique sur les paysages et les narratives de cette région.
Mikhail Georgievitch Abakoumov (еn russe : Михаил Георгиевич Абакумов) était un artiste peintre russe post-soviétique né en 1948 à Kolomna. Il est reconnu pour ses œuvres dans lesquelles il capture l'essence de la Russie à travers des paysages et des scènes de genre profondément enracinées dans sa ville natale et ses environs. Abakoumov a fréquenté l'école d'art de Moscou Kalinina avant d'entrer à l'Académie des arts de l'URSS où il a été influencé par les académiciens A. P. et S. P. Tkachev et A. M. Gritsai.
Son travail est apprécié pour son approche réaliste et son attachement émotionnel à la Russie, ce qui lui a valu d'être nommé Artiste du peuple de Russie. Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections importantes, y compris la galerie Tretiakov et dans divers musées et galeries à travers la Russie et à l'étranger, comme en Allemagne, aux États-Unis, et en Corée du Sud.
Abakoumov a également été honoré en tant que citoyen d'honneur de Kolomna en 2003, ce qui témoigne de son impact profond sur sa communauté locale. Ses œuvres continuent d'être célébrées et exposées, attirant l'intérêt des collectionneurs et des experts en art du monde entier.
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Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Shafic Abboud, également connu sous le nom de Chafic Abboud, était un peintre libanais de renom dont le parcours artistique l'a conduit de Beyrouth à la scène artistique dynamique de Paris en 1947. Adoptant les mouvements modernistes et abstraits du milieu du XXe siècle, Abboud a perfectionné ses compétences dans les ateliers d'artistes éminents tels que Jean Metzinger et Fernand Léger. Cette exposition a influencé son passage de la peinture figurative et paysagère à ses abstractions personnelles colorées caractéristiques. Malgré ses années passées en France, Abboud est resté profondément lié à ses racines orientales, s'inspirant des contes oraux et des icônes byzantines.
La créativité d'Abboud s'étend à la céramique, à la terre cuite, aux tapis et à la lithographie. Son talent exceptionnel lui a valu une reconnaissance mondiale, avec des expositions dans des lieux prestigieux tels que le Mathaf de Doha et l'Institut du Monde Arabe de Paris. En mai 2012, le Beirut Exhibition Center a célébré son héritage artistique dans le cadre d'une exposition complète.
Margitta Abels est une artiste allemande connue pour ses peintures abstraites et ses œuvres mixtes.
Margitta Abels a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail.
L'œuvre de Margitta Abels se caractérise par l'utilisation de la couleur et de la texture pour créer des compositions complexes et stratifiées. Elle travaille souvent avec une variété de matériaux, dont la peinture acrylique, le fusain et des éléments de collage, et ses œuvres intègrent souvent des éléments texturaux tels que le sable et le tissu.
Alfred Aberdam était un artiste peintre polonais, reconnu pour son rôle significatif au sein de l'École de Paris. Né à Lviv, alors capitale de la Galicie dans l'Empire austro-hongrois, Aberdam a vécu des moments historiques qui ont marqué sa vie et son œuvre, notamment sa captivité en Sibérie durant la Première Guerre mondiale. Après la guerre, il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Kraków, avant de s'installer à Paris où sa carrière d'artiste a véritablement pris son envol.
Son œuvre est caractérisée par une peinture vibrant d'émotions, reflétant les expériences de sa vie tumultueuse. Aberdam a exposé dans des galeries parisiennes tout au long des années 1930 et 1940, et ses travaux ont été salués par la critique. Il a notamment participé à l'exposition de la Galerie des Beaux-Arts en 1949 et à des expositions personnelles à Paris à partir de 1952. L'appréciation de son travail a traversé les frontières, avec des expositions à Londres et Tel-Aviv.
Après sa mort, son talent a été célébré par une exposition rétrospective au Petit Palais de Genève en 1970, témoignant de la reconnaissance durable de son héritage artistique. Aujourd'hui, ses œuvres sont recherchées par les collectionneurs et experts en art, souvent mises en vente lors d'enchères prestigieuses.
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Anna Adelaïde Abrahams est une peintre de natures mortes. À partir de 1882, Anna Adelaïde Abrahams expose ses œuvres dans le cadre des expositions Levende Meesters (Maîtres vivants) à travers les Pays-Bas. En Europe, elle expose à Paris, Berlin, Düsseldorf et Bruxelles. Elle expose ses œuvres au Palais des Beaux-Arts lors de l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, dans l'Illinois. Anna Adelaïde Abrahams est membre de l'association artistique Ons Doel Is Schoonheid (Notre but est la beauté) et fait partie du conseil d'administration du Pulchri Studio.
Viktor Achotovitch Abramian (еn russe: Виктор Ашотович Абрамян) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Viktor Abramian a réalisé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à des expositions dès le début des années 1970 à Leningrad. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Blockade Weekdays", "Still Life with a Centennial", "Leningrad. 1942. Femmes de garde dans la ville assiégée", "Jeunes invités" et autres.
Les œuvres d'Abramian se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et dans de nombreux autres pays.
Ruth Davidson Abrams, peintre juive américaine, a laissé une empreinte durable dans le monde de l'art. En tant que directrice artistique de la Research Association of The New School et conférencière à la Parsons The New School for Design, elle a influencé les artistes en herbe.
Abrams a été reconnue pour ses peintures sur le thème de l'espace, notamment "There Are Unknown Elements in the Universe as Old as Mankind" (1962). Elle a participé activement à des cours d'art dirigés par des artistes influents comme Alexander Archipenko et William Zorach, connus pour leur approche abstraite. Bien que négligé à une époque dominée par les hommes, le talent d'Abrams est aujourd'hui reconnu. Ses documents sont conservés au musée de l'université de Yeshiva et aux archives d'art américain de la Smithsonian Institution. Elle a collaboré avec des artistes de renom tels que William Zorach, Alexander Archipenko et John D. Graham.
Memet Abseliamovitch Abseliamov (еn russe: Мемет Абселямович Абселямов) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle d'origine tatare de Crimée. Il est connu comme peintre paysagiste.
Memet Abseliamov est devenu célèbre en 1935 avec sa peinture de genre "Kolkhoznitsy Udarnitsy", qui a reçu le prix panrusse et a été acquise par le musée d'art populaire de Moscou. Au cours de sa vie au Tadjikistan, où il s'est rendu après la déportation des Tatars de Crimée, l'artiste a créé principalement des paysages, notamment les tableaux "Nuit en Crimée", "Cyprès de Crimée", "Gurzuf. Où A. Pouchkine s'est rendu", "Journée ensoleillée", "Printemps au Tadjikistan", "Le dernier rayon" et d'autres encore.
Il était membre d'associations créatives telles que "Krymkhudozhnik", l'Union des artistes de l'URSS, l'Union des artistes de la République socialiste soviétique du Tadjikistan.
Carla Accardi était une peintre abstractionniste italienne associée aux mouvements Arte Informel et Arte Povera et membre fondateur des groupes artistiques Forma (1947) et Continuità (1961). Elle a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Palerme et de Florence.
Carla Accardi était connue pour son utilisation innovante des matériaux et son exploration des formes géométriques et des couleurs vives. Elle a notamment introduit la technique de la "tela intrecciata" (toile entrelacée), dans laquelle elle utilise des bandes de toile colorée pour créer des compositions texturées et stratifiées.
L'œuvre d'Accardi présente souvent un sens du rythme et du mouvement, un arrangement dynamique de formes et de lignes. Ses compositions se caractérisent par un sens de l'équilibre et de l'harmonie et intègrent souvent des éléments de répétition et de symétrie.
Angelo Accardi est un artiste italien contemporain. Il a grandi entouré d'art moderne et traditionnel. Bien qu'il ait étudié les beaux-arts à l'Académie des beaux-arts de Naples, il n'a jamais terminé sa formation. Angelo Accardi illustre des visions surréalistes de la vie quotidienne sous des décors réalistes de paysages urbains et naturels. Il n'y a jamais un seul sens, mais toute une histoire derrière chaque tableau. Ironique, saisissant et ludique, la perspective unique et le style avant-gardiste d'Accardi sont le résultat de ses diverses inspirations.
Vito Acconci était un artiste, designer et architecte américain. Il est surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de l'art de la performance et pour ses installations provocantes qui explorent la relation entre le corps humain et l'espace.
Acconci a obtenu une licence en arts au Holy Cross College en 1962. Il a ensuite obtenu une maîtrise en beaux-arts à l'université de l'Iowa.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Acconci s'est fait connaître pour ses performances révolutionnaires, dans lesquelles l'artiste soumettait souvent son propre corps à diverses formes de stress physique et psychologique.
Dans les années 1980 et 1990, Acconci s'est tourné vers l'art de l'installation, créant des environnements immersifs qui remettent en question la perception qu'ont les spectateurs de l'espace et de leur propre corps. Il a également travaillé comme designer et architecte, créant des sculptures et des bâtiments publics dans le monde entier.
Les œuvres d'Acconci ont été exposées dans les plus grands musées et galeries du monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art contemporain, notamment la Skowhegan Medal for Sculpture en 1995.
Son héritage en tant qu'artiste influent et provocateur continue de se faire sentir dans le monde de l'art contemporain aujourd'hui.
Oswald Achenbach est un peintre prussien.
Peintre paysagiste, ses vues colorées rappellent son attirance pour la baie de Naples et les environs de Rome. Il a peint de nombreux paysages animés de petites figures, donnant un caractère anecdotique et doux à ses tableaux, notamment sa Scène dans un parc italien (Munich), et Crépuscule sur le Vésuve (Düsseldorf).
Peter Ackermann était un peintre et graphiste allemand. Il est devenu connu pour son aliénation des sujets architecturaux. Ackermann était un représentant du réalisme fantastique. Le sujet de prédilection de son travail était l'architecture italienne classique, qu'il dessinait sur place. Il a assemblé des colonnes, des portails et des murs avec des pièces de machines, des ruines et des parties désolées de la ville, qui ont été entassées de manière menaçante et donc aliénées. Dans ses gravures, il a montré des références aux techniques des maîtres anciens, sa conception picturale est comparée à celle de Giovanni Battista Piranesi et de Canaletto.
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Otto Ackermann était un peintre allemand du XIXe siècle, spécialisé dans les paysages. En 1897, il s'installe à Düsseldorf, où il restera jusqu'à sa mort. Il a peint principalement des paysages de Belgique et des Pays-Bas, et a également travaillé dans le domaine de la gravure sur les mêmes sujets. Il a été président de la société locale des peintres de Düsseldorf et est mentionné dans les journaux intimes d'Albert Herzfeld.
Julius Anton Adam était un peintre de genre et un animalier allemand spécialisé dans la représentation de chats et membre d'une famille influente de peintres munichois.
Julius Anton Adam a été l'élève du professeur Michael Echter puis de Wilhelm von Dietz à l'Académie des beaux-arts de Munich. Plus tard, il devint lui-même professeur.
Julius Adam le Jeune (en allemand : Julius Adam d. J.) était un peintre animalier allemand, surtout connu pour ses peintures de chatons, qui lui ont valu le surnom de Kittenadam. Son père, Julius Adam l'Ancien, était photographe et lithographe.
Heinrich Emil Adametz était un peintre expressionniste allemand.
Adametz a étudié à Hambourg et à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart. Influencé par l'expressionnisme, il peint des portraits, des paysages marins avec des bateaux et des natures mortes. Plus tard, les événements de la Seconde Guerre mondiale ont tellement affecté la famille de l'artiste qu'il n'a pu s'en remettre jusqu'à la fin de sa vie.
Valerio Adami est un peintre italien. Valerio Adami, le plus français des peintres italiens, est surtout connu pour ses célèbres aplats aux couleurs acidulées et ses formes cernées par un contour noir qui font penser à la ligne claire de la bande dessinée mais aussi aux vitraux des églises. Les principaux thèmes de ses peintures sont la littérature, les voyages, ainsi que les relations entre poésie, musique et peinture. Il a aussi entretenu dès ses débuts des rapports étroits avec les écrivains et les artistes de l'avant-garde internationale parisienne.
Evgeniia Mikhaïlovna Adamova (еn russe: Евгения Михайловна Адамова) était une artiste soviétique de la seconde moitié du vingtième siècle. Elle est connue comme peintre, artiste du peuple de la République socialiste soviétique de Turkménistan.
Evgeniia Adamova, qui a quitté l'Ukraine dans sa jeunesse pour s'installer au Turkménistan, a fait ses études à l'école d'art d'Ashgabat. Pendant la Grande Guerre patriotique, elle s'est exprimée de manière créative en tant qu'affichiste au sein de l'agence TurkmenTAG. L'artiste a créé des peintures thématiques consacrées à la vie du peuple turkmène et des portraits. Elle a été vice-présidente de l'Union des artistes du Turkménistan.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
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Richard Adams est un artiste et illustrateur britannique qui vit et travaille dans le Sussex.
Adams a obtenu un diplôme de graphisme à l'école polytechnique de Leicester et a d'abord travaillé comme illustrateur à Londres. Richard Adams crée toutes ses peintures à l'aide de pastels à la craie, puis les fixe et les imprègne d'un vernis spécial qui laisse une surface impénétrable. Il dépeint une variété de paysages anglais et de bords de mer, souvent peuplés de personnages et d'animaux excentriques, ainsi que des scènes domestiques amusantes. L'artiste réussit à transmettre l'humour et l'absurdité de la vie quotidienne dans un style anglais à la fois ancien et contemporain.
Les œuvres d'Adams sont régulièrement exposées à Londres et dans d'autres villes du Royaume-Uni, où elles sont très appréciées, et à l'étranger, à Sydney, Washington DC, Brême et Madrid.
Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art intéressé par les œuvres d'Ansel Adams, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce photographe emblématique.
Hans Peter Adamski est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Berlin et à Dresde.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a été professeur et doyen de l'Université des beaux-arts de Dresde. Adamski est l'un des principaux représentants du mouvement Neue Wilden ("Nouveaux sauvages") des années 1980. Outre la peinture, il travaille le dessin, la sculpture, le papier, le tissu et le plâtre.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Marc Adrian est un artiste conceptuel et réalisateur autrichien.
Adrian a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Vienne. À partir de 1953, il s'est intéressé au cinéma, à la cinétique, aux interférences rythmiques, aux problèmes de structures optiques, etc. Adrian est considéré comme l'un des pionniers de l'art médiatique orienté vers le cinéma. Il s'est spécialisé dans les objets cinétiques, l'anti-cinéma et l'art informatique.
Marc Adrian a enseigné dans plusieurs universités européennes et a donné des conférences à des étudiants américains.
Lucien Adrion était un peintre, dessinateur et graveur post-impressionniste français. Il est connu pour ses représentations de la campagne et des plages françaises, ainsi que de la vie parisienne, notamment des paysages, des natures mortes, des personnages et des points de repère.
Tout au long de sa carrière, Adrion a exposé ses œuvres aux Salons de Paris, où il a été loué pour sa capacité à saisir le mouvement et la fugacité de la vie urbaine.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Yaacov Agam est un artiste israélien né le 11 mai 1928 à Rishon LeZion, en Palestine (aujourd'hui Israël). Il est considéré comme un pionnier de l'art optique et cinétique, se distinguant par ses œuvres tridimensionnelles qui invitent à la réflexion sur le temps, le progrès et le rôle du spectateur. Agam a acquis une renommée internationale depuis sa première exposition solo en 1953, et ses œuvres sont collectionnées dans le monde entier.
L'approche révolutionnaire d'Agam repose sur la participation du spectateur, transformant l'acte de visionner en une expérience dynamique et changeante. Ses réalisations incluent des peintures mobiles, des sculptures et des installations spatiales qui démontrent son intérêt pour la transformation et la perception visuelle. Par ses innovations, Agam a contribué de manière significative à l'art moderne, en particulier dans les domaines de l'art optique et cinétique.
Agam a également été reconnu pour son utilisation de couleurs vives et de formes géométriques, créant des œuvres qui changent d'aspect selon l'angle de vue du spectateur. Cette interaction unique avec le public souligne la nature éphémère et subjective de la perception. En outre, l'Agamographie, une technique qu'il a développée, utilise un objectif lenticulaire pour créer des images qui semblent changer lorsqu'on les regarde sous différents angles.
Le Musée d'Art Yaacov Agam, ouvert en 2017 à Rishon LeZion, son lieu de naissance, est dédié à son œuvre et à l'art en mouvement, soulignant son importance dans l'histoire de l'art israélien et international. Les œuvres d'Agam sont présentes dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Musée Hirshhorn et le Jardin de Sculptures à Washington, D.C., témoignant de son impact durable sur l'art contemporain.
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Rudolf Alexander Agricola est un sculpteur allemand. Dans les années 1930, il étudie à Halle avec Gerhard Marcks et à Stedel avec Richard Scheibe. En 1937, il suit Richard Scheibe à Berlin en tant que maître sculpteur. Il y a travaillé jusqu'à la fin de la Seconde Guerre mondiale et a reçu plusieurs prix.
Rudolf Agricola est connu pour ses sculptures en bronze avec des figures pleines et des nus. Son travail a été influencé par Georg Kolbe et Aristide Maillol.
