Аrtistes graphique 20e siècle
Jenny Fikentscher (née Nottebohm) était une peintre et graphiste allemande associée au mouvement Art nouveau. Elle a étudié à l'École des femmes peintres de Karlsruhe et est devenue plus tard membre de la colonie d'artistes de Grötzingen. Fikentscher a épousé le peintre animalier Otto Fikentscher et a élevé cinq enfants dans un foyer artistique non conventionnel. Elle était connue pour ses motifs botaniques et ses lithographies, représentant souvent des plantes locales. Fikentscher a également créé des images de collection pour la chocolaterie Stollwerck. Malgré son âge, elle a continué à vendre les produits de son jardin et était une figure bien connue à Karlsruhe.
Maximilian Volochine (en russe: Максимилиа́н Алекса́ндрович Воло́шин) était un artiste et poète symboliste russe, connu pour son engagement profond envers la paix et son rejet du matérialisme, ce qui se reflète dans sa vie et son œuvre. Né à Kiev et ayant passé une grande partie de sa jeunesse en Crimée, à Koktebel, il est particulièrement lié à cette région, dont il capture l'esprit à travers ses poèmes et aquarelles, créant un monde semi-mythique inspiré par le paysage et l'histoire locale.
Volochine a joué un rôle important durant les années tumultueuses de la Révolution russe et de la guerre civile, en offrant refuge à la fois aux Bolcheviks et aux membres de la Garde blanche dans sa maison de Koktebel, défendant ainsi ses convictions pacifistes et son idéal d'unité humaine au-delà des divisions politiques. Sa maison est devenue un salon littéraire où se réunissaient des écrivains de divers horizons.
En tant que peintre, Volochine était reconnu pour ses aquarelles, représentant non pas une Crimée géographiquement précise, mais une vision idéalisée et synthétique, mêlant souvenirs et influences de diverses cultures, notamment de l'Espagne et de la Grèce. Ses œuvres d'art, aujourd'hui dispersées dans des musées et collections privées à travers le monde, témoignent de son approche panthéiste et de sa quête d'une beauté transcendante.
Les poèmes de Volochine, imprégnés d'une profonde réflexion philosophique et d'un engagement envers des idéaux humanistes, continuent d'être célébrés pour leur capacité à capturer l'essence de l'histoire russe et la complexité de l'expérience humaine. Sa poésie a été mise en musique et demeure une source d'inspiration pour les artistes et penseurs contemporains.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Maximilian Volochine offre une fenêtre unique sur l'âme russe et sur l'importance de l'art et de la poésie dans la quête de vérité et de beauté. Ses contributions à la culture et à la peinture, ainsi que son héritage en tant que figure de la paix, continuent d'influencer et d'inspirer.
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Jan Leth Aagensen est un artiste danois. Il s'est fait un nom en tant que lithographe et s'est ensuite fait connaître pour ses sculptures.
Jan Leth a été formé à l'Académie royale danoise des beaux-arts sous la direction du professeur Søren Hjort Nielsen de 1965 à 1969. Sa première exposition a eu lieu en 1961 à Kunstnernes Forårudstilling (Exposition de printemps des artistes). Il est membre de plusieurs groupes artistiques : Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, l'Association de l'Académie royale danoise des beaux-arts et l'Association des artistes graveurs danois.
Jan Leth a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, présentant des peintures, des sculptures, des dessins et des installations au Danemark et à l'étranger. Au cours de sa vie, il a reçu de nombreux prix et bourses. L'État danois lui a accordé une bourse économique à vie en 1998. Son travail est représenté dans les collections de galeries au Danemark et à l'étranger.
Pavel Iefimovitch Ab (en russe : Павел Ефимович Аб) était un artiste russe, reconnu pour son travail approfondi dans les arts visuels, spécialement dans la peinture et la création de dioramas historiques. Né le 22 novembre 1902 à Orel, il a étudié à l'école d'art d'Orel sous la direction de G. I. Redina, puis à l'Institut des Beaux-Arts de Leningrad où il a été influencé par des maîtres tels que Kuzma Petrov-Vodkin et Alexander Savinov. Ab est surtout connu pour ses œuvres qui capturent des moments significatifs de la culture soviétique et russe, telles que "La parole de Lénine aux chantiers navals de l'Amirauté" et "Surveillance de la patrie".
Au cours de sa carrière, ses œuvres ont été régulièrement présentées dans diverses expositions depuis 1934, et plusieurs de ses peintures sont conservées dans des musées de renom. Ab a également contribué à l'art soviétique par son implication dans la création de dioramas pour le Musée de l'histoire de Leningrad et pour des expositions nationales.
Les travaux de Pavel Iefimovitch Ab ont aussi été présents sur le marché de l'art, où ses œuvres ont été vendues aux enchères, témoignant de leur importance et de leur valeur continue dans le domaine artistique et culturel.
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Vilmos Aba-Novák était un peintre et artiste graphique hongrois, célèbre pour ses peintures monumentales modernes. Né à Budapest, il a étudié à l'École des Beaux-Arts de Budapest et a passé du temps dans des colonies d'artistes à Szolnok et à Baia Mare, en Roumanie. Aba-Novák est particulièrement reconnu pour ses fresques dans des églises et autres bâtiments publics, telles que celles de l'église de Jászszentandrás et le Heroes' Gate à Szeged. Ses œuvres reflètent une combinaison dynamique de l'expressionnisme avec un intérêt marqué pour la Renaissance italienne, utilisant des couleurs vives et une composition classique pour explorer des thèmes sociaux courants et des scènes de la vie quotidienne.
Aba-Novák a également enseigné à l'École des Beaux-Arts de Budapest jusqu'à sa mort en 1941. Ses peintures, souvent peuplées de personnages de la vie quotidienne, montrent un mélange unique d'humour et de critique sociale, avec des portraits expressifs et des paysages vivants. Il a reçu plusieurs prix prestigieux, dont le Grand Prix au Salon des Artistes Français en 1937 et à la Biennale de Venise en 1940.
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Pacita Abad, une artiste philippine-américaine, était célèbre pour ses peintures vibrantes et colorées et sa technique de "trapunto", qui impliquait la couture et le rembourrage de ses toiles pour leur donner un effet tridimensionnel. Née en 1946 à Basco, Batanes, aux Philippines, Abad a eu une carrière artistique dynamique et variée, exposant dans plus de 60 expositions personnelles et 70 expositions collectives à travers le monde. Ses œuvres ont été reconnues pour leur utilisation audacieuse de la couleur et des matériaux mixtes, y compris des textiles traditionnels, des miroirs, des perles et des coquillages.
Abad a voyagé à travers plus de 80 pays, ce qui a eu un impact significatif sur son art, lui permettant de s'inspirer de différentes cultures et traditions visuelles. Elle a souvent intégré des éléments de ces cultures dans ses œuvres, reflétant son engagement envers la diversité culturelle et la compréhension interculturelle. Ses voyages et son art étaient également motivés par un désir profond de plaider en faveur des personnes marginalisées et des problématiques sociales, comme l'expérience des immigrants et les injustices sociales.
Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le San Francisco Museum of Modern Art et le Brooklyn Museum. Abad est décédée en 2004 à Singapour après une lutte contre le cancer du poumon, mais son héritage perdure à travers ses œuvres vibrantes et son impact sur l'art contemporain.
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Magdalena Abakanowicz était une artiste polonaise, reconnue principalement pour ses sculptures en fibres et ses installations extérieures massives. Née en 1930 à Falenty près de Varsovie, elle a survécu à l'occupation nazie et a vécu sous le régime communiste, périodes pendant lesquelles elle a développé une approche unique de l'art, influencée par les restrictions politiques et sociales de son temps. Abakanowicz a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie où elle a été contrainte de suivre les principes du réalisme socialiste, avant de se tourner vers la sculpture textile dans les années 1960.
Elle est célèbre pour ses œuvres comme "War Games", une série de sculptures monumentales évoquant des thèmes de destruction et de survie, et "4 Seated Figures", des sculptures qui explorent la condition humaine à travers des figures anonymes et incomplètes, reflétant son expérience personnelle et collective du trauma et de la résilience. Ses œuvres sont exposées dans des musées et des espaces publics partout dans le monde, notamment au Parc Grant à Chicago et au Jardin des sculptures de la National Gallery of Art à Washington, DC.
Abakanowicz a également été honorée de nombreux prix tout au long de sa carrière, affirmant son influence dans le monde de l'art contemporain jusqu'à son décès en 2017. Ses sculptures restent des témoignages puissants des impacts de l'histoire sur l'expression individuelle et collective.
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Peter Ackermann était un peintre et graphiste allemand. Il est devenu connu pour son aliénation des sujets architecturaux. Ackermann était un représentant du réalisme fantastique. Le sujet de prédilection de son travail était l'architecture italienne classique, qu'il dessinait sur place. Il a assemblé des colonnes, des portails et des murs avec des pièces de machines, des ruines et des parties désolées de la ville, qui ont été entassées de manière menaçante et donc aliénées. Dans ses gravures, il a montré des références aux techniques des maîtres anciens, sa conception picturale est comparée à celle de Giovanni Battista Piranesi et de Canaletto.
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Hans Peter Adamski est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Berlin et à Dresde.
Il a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et a été professeur et doyen de l'Université des beaux-arts de Dresde. Adamski est l'un des principaux représentants du mouvement Neue Wilden ("Nouveaux sauvages") des années 1980. Outre la peinture, il travaille le dessin, la sculpture, le papier, le tissu et le plâtre.
Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Yaacov Agam est un artiste israélien né le 11 mai 1928 à Rishon LeZion, en Palestine (aujourd'hui Israël). Il est considéré comme un pionnier de l'art optique et cinétique, se distinguant par ses œuvres tridimensionnelles qui invitent à la réflexion sur le temps, le progrès et le rôle du spectateur. Agam a acquis une renommée internationale depuis sa première exposition solo en 1953, et ses œuvres sont collectionnées dans le monde entier.
L'approche révolutionnaire d'Agam repose sur la participation du spectateur, transformant l'acte de visionner en une expérience dynamique et changeante. Ses réalisations incluent des peintures mobiles, des sculptures et des installations spatiales qui démontrent son intérêt pour la transformation et la perception visuelle. Par ses innovations, Agam a contribué de manière significative à l'art moderne, en particulier dans les domaines de l'art optique et cinétique.
Agam a également été reconnu pour son utilisation de couleurs vives et de formes géométriques, créant des œuvres qui changent d'aspect selon l'angle de vue du spectateur. Cette interaction unique avec le public souligne la nature éphémère et subjective de la perception. En outre, l'Agamographie, une technique qu'il a développée, utilise un objectif lenticulaire pour créer des images qui semblent changer lorsqu'on les regarde sous différents angles.
Le Musée d'Art Yaacov Agam, ouvert en 2017 à Rishon LeZion, son lieu de naissance, est dédié à son œuvre et à l'art en mouvement, soulignant son importance dans l'histoire de l'art israélien et international. Les œuvres d'Agam sont présentes dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Musée Hirshhorn et le Jardin de Sculptures à Washington, D.C., témoignant de son impact durable sur l'art contemporain.
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Abdul Ghani Ahmad est un artiste malaisien contemporain. Il est connu comme aquarelliste travaillant dans les styles du réalisme et de l'abstraction.
Abdul Ghani Ahmad crée des paysages et des paysages ruraux ainsi que des abstractions. Son travail se caractérise par une précision et un détail photographiques. Parmi les œuvres les plus connues de l'artiste figurent les séries Pristine Nature, Journey et Flora of Malaysia. Il a également produit une série de cartes postales représentant des vues de la Malaisie.
Ahmad est membre de plusieurs organisations artistiques, dont la Confédération des aquarellistes asiatiques et l'Union des artistes malaisiens.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Abdul Qadir Al Rassam était un peintre irakien de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste et est considéré comme le fondateur de la peinture irakienne moderne.
Al Rassam, militaire de formation, a étudié le dessin à l'école militaire d'Istanbul. De retour en Irak, il a créé des paysages, des portraits et des peintures murales. Son œuvre se caractérise par sa précision historique et ethnographique. Selon les critiques, le maître a contribué à l'influence de l'école académique européenne sur la scène artistique irakienne.
Saadi Al-Kaabi est un artiste contemporain né à Najaf/Irak qui a organisé de nombreuses expositions personnelles et participé à plusieurs expositions à Bagdad, Paris, Rome, New York, Moscou, Stockholm, Berlin, Prague, Pékin, Ankara et tous les pays arabes.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Anni Albers, née Annelise Fleischmann, est une artiste textile américaine d'origine allemande, designer, lithographe et théoricienne de l'art, qui a participé au mouvement du Bauhaus et a enseigné au Black Mountain College. Anni Albers est une des rares femmes du Bauhaus à avoir rencontré de son vivant le succès professionnel et la reconnaissance.
Yuri Albert est un artiste, théoricien de l'art et éducateur russe contemporain, membre du cercle conceptuel de Moscou. Il vit et travaille actuellement à Moscou et à Cologne.
Les œuvres de Yuri Albert font partie des collections de grandes institutions russes et internationales.
Joachim Albrecht est un peintre allemand, l'un des plus brillants représentants du mouvement de la construction concrète de la seconde moitié du siècle dernier.
Albrecht a étudié à l'école d'art de Königsberg. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a servi comme soldat et a été fait prisonnier. En 1953, il réalise ses premières impressions au pochoir et en 1957, il devient membre du Deutscher Künstlerbund. Influencé par Auguste Erben et Victor Vasarely, Albrecht développe son propre style au début des années 1960.
Wobbe Alkema est un artiste, graphiste, architecte, designer et sculpteur néerlandais. Il est connu pour ses œuvres abstraites et géométriques, qui combinent souvent des éléments du constructivisme et de De Stijl.
Alkema a suivi une formation d'architecte et s'est ensuite tourné vers l'art, étudiant à l'Académie des beaux-arts de Groningue. Dans les années 1920, il a participé au collectif d'artistes De Ploeg, qui était actif dans le nord des Pays-Bas et promouvait l'art et la culture modernistes.
Tout au long de sa carrière, Alkema a continué à explorer les principes de l'abstraction et de la géométrie dans son travail. Ses peintures présentent souvent des formes géométriques simples, telles que des carrés, des cercles et des triangles, disposées dans des compositions complexes qui suggèrent le mouvement et la profondeur. Il s'intéresse également à l'interaction des couleurs, utilisant des teintes vives et audacieuses pour créer des contrastes dynamiques et de l'harmonie.
Outre la peinture, Alkema a créé un certain nombre d'œuvres sculpturales, notamment des reliefs abstraits et des sculptures autoportantes. Il a également conçu des meubles et d'autres objets fonctionnels, appliquant ses principes d'abstraction et de forme géométrique à des objets de la vie quotidienne.
Les œuvres d'Alkema font partie des collections de plusieurs musées aux Pays-Bas, dont le Groninger Museum et le Stedelijk Museum d'Amsterdam. Il est considéré comme une figure importante dans le développement de l'art abstrait aux Pays-Bas, et son œuvre continue d'être admirée pour son utilisation innovante de la forme et de la couleur.
Julio Uruguay Alpuy était un peintre, sculpteur et muraliste uruguayen. Au début de sa carrière, Alpuy a fait partie du Taller Torres-García (École du Sud) et du mouvement de l'art constructif. Si ses premières œuvres ont été largement influencées par les théories de Torres-García sur ce qu'il appelle l'universalisme constructif, Alpuy s'est inspiré d'une grande variété de cultures et de mythes pour créer des œuvres qui brisent les frontières de la grille constructive. En outre, ses études en Europe et en Amérique latine ont contribué à développer un intérêt pour le cubisme et les mythes qui ont influencé ses œuvres ultérieures. Alpuy a eu une carrière prolifique et ses œuvres sont exposées dans le monde entier.
Charles Henry Alston était un artiste américain du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre graphique et muraliste, mais aussi comme sculpteur, illustrateur et éducateur, qui a vécu et travaillé dans le quartier de Harlem à New York.
Charles Alston était un activiste de la "Renaissance de Harlem". Il est devenu le premier directeur afro-américain du US Federal Art Project. L'artiste a réalisé des peintures murales pour l'hôpital de Harlem ainsi que pour un certain nombre de bâtiments culturels et administratifs de la ville de New York. Alston est l'auteur d'un buste de Martin Luther King, Jr. qui a été la première représentation d'un Afro-Américain à être exposée à la Maison Blanche à Washington, DC.
John Altoon est un artiste américain, représentant de l'expressionnisme abstrait. Il a été une figure importante de l'art de Los Angeles dans les années 1950 et 1960.
Il a étudié à l'Otis Art Institute et a suivi simultanément les cours du Los Angeles Art Centre College of Design. Connu pour ses œuvres figuratives, il était membre du groupe Ferus avec Edward Kienholz et Robert Irwin. Il a souffert de schizophrénie dès son plus jeune âge et, dans ses crises de dépression et de paranoïa, a détruit certaines de ses œuvres.
Alo Altripp (de son vrai nom Friedrich Schlüssel) était un peintre et graphiste allemand de la Nouvelle Objectivité. Il est aujourd'hui considéré, avec Otto Ritschl, comme l'un des plus importants peintres de Wiesbaden du XXe siècle.
Friedel Anderson est un peintre allemand de paysages, d'architecture et d'objets.
L'œuvre artistique de Friedel Anderson couvre un large éventail de techniques et de motifs, des paysages peints devant la nature, des vues de villes et de ports aux portraits et aux natures mortes. Ses paysages se concentrent d'abord sur les régions nordiques. Plus tard, des voyages réguliers en Europe (Italie, France, Angleterre) et en Afrique élargissent les thèmes de ses tableaux de voyage et de paysage. Anderson trouve d'autres points forts de son travail dans la navigation, le monde du travail industriel, ainsi que dans les espaces culturels et naturels autour des ports, des rivières et des ruines industrielles. Les intérieurs et les natures mortes font également partie des motifs importants d'Anderson.
Nikolaï Andreïev (еn russe: Николай Андреевич Андреев) était un artiste et sculpteur russe né en 1873 à Moscou et décédé dans la même ville en 1932. Il est particulièrement reconnu pour son travail dans le domaine de la sculpture et du graphisme.
Andreïev a contribué significativement à l'art de la période soviétique, marquant l'histoire du portrait graphique soviétique avec des œuvres représentant des figures importantes comme F. E. Dzerzhinskii, M. Gorky, et K. S. Stanislavsky. Son implication dans le design théâtral, notamment pour le Théâtre d'Art de Moscou à partir de 1913, souligne son influence dans diverses formes d'art visuel.
Sa créativité a joué un rôle crucial dans l'évolution du réalisme socialiste, travaillant en collaboration avec son frère Viatcheslav Andreevich de 1919 à 1928. Parmi ses œuvres notables, on retrouve le Mémorial de Nikolaï Vassilievitch Gogol à Moscou et le Mémorial d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky, témoignant de son héritage durable dans l'art russe.
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Valeriï Vladimirovitch Androsov (еn russe: Валерий Владимирович Андросов) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme sculpteur, architecte, designer, peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Androsov crée des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que des œuvres fantastiques. Il est également connu comme l'auteur d'une vaste collection d'ex-libris qui reflètent fidèlement le caractère et les intérêts des propriétaires de livres. À différentes périodes, il a été artiste en chef du Mosstroiplastmass Combine et directeur de la Mytishchi Picture Gallery. Il a également créé des monuments à la mémoire des victimes de la Grande Guerre patriotique et des pilotes de l'aéroclub de Mytishchi, démontrant ainsi ses compétences dans diverses directions artistiques.
Vladislav Leopoldovitch Anisovitch (еn russe: Владислав Леопольдович Анисович) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vladislav Anisovitch a participé à diverses expositions depuis 1935. Son œuvre comprend des portraits, des compositions historiques et de genre, ainsi que des paysages. Parmi les tableaux célèbres de l'artiste figurent "Le passage du détachement de K. Voroshilov de Lugansk à Tsaritsyn", "L'assaut sur Perekop" et d'autres. Le maître a enseigné à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad.
Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays, y compris au Musée national russe.
Albert Samuel Anker était un peintre, peintre gestuel et graphiste suisse.
Albert a étudié à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a exposé ses œuvres aux Salons de Paris, où il a reçu une médaille d'or en 1866. Anker a peint de nombreux portraits réalistes et des scènes de genre de la vie suisse ordinaire. Dans beaucoup d'entre eux, il a représenté des enfants, y compris les siens. Grâce à ses tableaux, Albert Anker était le peintre de genre le plus populaire de la Suisse du XIXe siècle. Il a également décoré plus de 500 assiettes en faïence pour le céramiste alsacien Theodor Deck.
Anker a été membre du Grand Conseil du canton de Berne, a initié la création du musée de la ville et a eu le grade d'officier de la Légion d'honneur.
Georges Annenkov (en russe: Юрий Павлович Анненков), artiste franco-russe né le 11 juillet 1889 et décédé le 12 juillet 1974, a marqué de son empreinte le monde de la peinture et du cinéma. Né à Petropavlovsk dans l'Empire russe, il a commencé ses études à l'Université de Saint-Pétersbourg avant de poursuivre son apprentissage artistique à Paris, où il a travaillé dans les ateliers de Maurice Denis et Félix Vallotton. Annenkov est particulièrement reconnu pour ses contributions en tant qu'illustrateur de livres, notamment pour "Les Douze" d'Alexandre Blok et pour ses portraits de figures marquantes de l'art russe.
Après avoir quitté l'Union soviétique en 1924, il s'est établi à Paris et a continué à travailler comme artiste, en se spécialisant dans le costume et la scénographie pour le cinéma. Parmi ses œuvres cinématographiques, on note sa collaboration avec Friedrich Wilhelm Murnau sur "Faust" et avec Max Ophüls sur "Madame de...", pour lequel il a été nommé à l'Oscar de la meilleure création de costumes.
Annenkov a également laissé une empreinte significative dans le monde de l'art avec des œuvres comme "Portrait d'Elena Annenkova", "Illustration pour le poème 'Les Douze' d'Alexandre Blok", et "Portrait de Maxim Gorky", témoignant de son talent dans diverses formes d'art, de la peinture à la scénographie.
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Adam Antes était un peintre, sculpteur et graphiste allemand. Il a principalement travaillé comme portraitiste recherché et a également conçu un avion à aile unique.
Adam Antes s'est inspiré des styles d'Auguste Rodin, de Bernhard Hoetger et de Wilhelm Lehmbruck. De temps en temps, il se tourne vers le graphisme. Son œuvre a fait partie de la sculpture du concours artistique des Jeux olympiques d'été de 1932.
Evgeniia Petrovna Antipova (еn russe: Евгения Петровна Антипова) était une peintre russe renommée pour ses compositions de genres, portraits, paysages et natures mortes. Utilisant principalement des huiles et des aquarelles, Antipova avait un penchant pour les vergers de pommes et les paysages de Crimée.
Formée à l'Institut des Beaux-Arts Repin, elle a ensuite épousé l'artiste Victor Teterin et a participé à de nombreuses expositions tout au long de sa vie, y compris des expositions personnelles à Saint-Pétersbourg. Son travail a été exposé et apprécié non seulement en Russie mais également en France, en Allemagne, aux États-Unis et au Royaume-Uni, faisant d'elle une figure notable de l'École de Leningrad.
Ses œuvres sont présentes dans des collections publiques et privées à travers le monde, notamment au Musée Russe d'État, témoignant de son impact et de sa reconnaissance dans le monde de l'art.
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Fiodor Vassilievitch Antonov (еn russe: Фёдор Васильевич Антонов) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, artiste textile, enseignant et professeur.
Fiodor Antonov a créé des paysages, des portraits et des compositions thématiques. Dans ses œuvres de genre, il immortalise la vie et le quotidien de la jeunesse soviétique, ainsi que la formation de l'industrie en URSS. Pendant la Grande Guerre patriotique, l'artiste a réalisé des portraits de héros, ainsi que des affiches à la forme picturale simple et directe. Les œuvres d'Antonov font partie de plusieurs collections de musées, dont la galerie Tretiakov, le musée russe et de nombreuses collections privées.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Anatoliï Afanassievitch Arapov (еn russe: Анатолий Афанасьевич Арапов) était un artiste russe et soviétique du début du XXe siècle, reconnu pour ses talents en peinture, arts graphiques, ainsi que pour son travail dans le théâtre et le cinéma. Né le 21 novembre 1876 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédé le 22 décembre 1949 à Moscou, URSS, Arapov a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe grâce à sa participation à la création de films populaires des années 1920-1930 et ses mises en scène dans les principaux théâtres des grandes villes de l'Empire russe, puis de l'URSS.
Son œuvre picturale, évoluant du Symbolisme et du Constructivisme au Réalisme socialiste, couvre une variété de genres incluant le portrait, la nature morte, et le paysage, notamment des vues de parcs anciens et d'architecture russe antique. En tant qu'étudiant, il s'est initialement intéressé à l'art appliqué, au livre et au théâtre, participant à la conception de festivités féériques pour le théâtre national « buffoon ». Sa participation aux expositions "Rose bleue", "Couronne", "Toison d'or", et à l'exposition "Rose écarlate", où il était représenté par son œuvre "Le parc Lefortovo", souligne son implication active dans les cercles artistiques de son époque.
Arapov a également travaillé activement dans le domaine du théâtre dès 1905, concevant des productions dans des théâtres renommés à Moscou et Saint-Pétersbourg. Après 1917, il s'est engagé dans la conception de productions théâtrales dans toute la Russie.
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Avigdor Arikha est un peintre et graveur figuratif franco-israélien.
Dans les années 1950, il pratique une peinture abstraite, qu'il abandonnera après une dizaine d'années au profit du dessin, de la gravure et de l'illustration figuratives. Peintre de portraits, il est aussi polémiste, dirigeant ses traits verbaux contre l'éclairage des tableaux dans les expositions et musées, contre la tyrannie des modes et des courants artistiques, et exposant, plus positivement, sa conception de l'œuvre d'art dans des articles réunis dans un livre en 1991.
Carl Johann Arnold était un peintre, dessinateur et artiste graphique allemand.
Il était le fils et l'apprenti du dessinateur et fabricant de papiers peints, paysagiste et portraitiste, lithographe et décorateur Carl Heinrich Arnold (1793-1874). Il étudie d'abord à l'Académie de Kassel, puis à Berlin.
Il a peint des tableaux d'animaux, des toiles d'événements historiques ainsi que de nombreux portraits. Il a notamment peint de nombreux portraits de l'empereur allemand Guillaume II, pour lequel il aurait été nommé peintre de la cour royale de Prusse. Arnold a également réalisé des dessins, des gravures et des lithographies qui ont été publiés dans les magazines populaires de l'époque.
Christian Arnold était un peintre et un artiste graphique allemand. Il est surtout connu pour ses peintures de paysages qui représentent souvent les régions rurales et côtières du nord de l'Allemagne.
Arnold a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et a ensuite enseigné à l'École des arts et métiers de Brême. Son œuvre est fortement influencée par le mouvement expressionniste allemand et il utilise souvent des couleurs vives et des coups de pinceau épais pour créer un sentiment d'intensité émotionnelle dans ses peintures.
Outre ses paysages, Arnold a également réalisé de nombreux portraits, natures mortes et œuvres religieuses. Il a travaillé sur différents supports, notamment la peinture à l'huile, l'aquarelle et la gravure.
Les œuvres d'Arnold ont été largement exposées au cours de sa vie et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à l'art. Aujourd'hui, ses peintures sont conservées dans des collections du monde entier, notamment à la National Gallery de Berlin et à la Kunsthalle de Brême.
Gerd Arntz était un dessinateur et graphiste allemand. Ses premiers travaux célèbres furent produits dans les années 1920, lorsque Arntz, qui était politiquement orienté à gauche et visait une amélioration de la structure sociale, intégra le Groupe des artistes progressistes. Son ambition était de produire une représentation graphique des rapports sociaux, et plus particulièrement de ceux qui concernent la guerre et le capitalisme. Son art était destiné à agir directement sur la société, au moyen d'un style directement constructiviste. Cette volonté de représentation critique des rapports sociaux conduisit Arntz à travailler à un symbolisme censé être universellement compréhensible. En particulier, il réfléchit à la mise en place d'un langage d'images aisément interprétable, qu'il élabora en collaboration avec le philosophe et économiste viennois Otto Neurath.
Jean Arp, né Hans Peter Wilhelm Arp, est un poète, peintre, graphiste et sculpteur allemand et français. Il est l'un des fondateurs du mouvement Dada à Zurich.
Arp a utilisé des formes abstraites dans son travail et a expérimenté différents matériaux tels que le bois, le métal et la pierre. Il était également connu pour ses œuvres poétiques, dans lesquelles il appliquait une méthode de sélection aléatoire des mots, appelée "méthode du désordre". Arp pensait que cette méthode l'aidait à exprimer ses pensées avec plus de précision et d'originalité. L'influence d'Arp sur les arts est encore significative aujourd'hui.
Helen Ashbee est une artiste, sculptrice et joaillière britannique. Fille du célèbre architecte, designer et réformateur social Charles Robert Ashbee.
Helen Ashbee était designer textile et après la mort de son mari, le peintre italien Francesco Cristofanetti, elle trouve sa véritable activité à Paris - la "sculpture abstraite" et les bijoux qui s'y rapportent, pour lesquels elle a toujours fait de nombreux dessins préparatoires.
Eranoui Archakovna Aslamazian (еn russe: Ерануи Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique et russe d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste.
Eranoui Aslamazian a créé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Elle s'est également essayée à la conception de pièces de théâtre, à la gravure et à la céramique. Artiste orientaliste, elle faisait partie de l'élite artistique soviétique à Leningrad et à Moscou. Avec le soutien des autorités de l'Union soviétique, elle a voyagé dans le monde entier, visitant de nombreux pays. Ses œuvres sont exposées dans les musées de Londres, Sofia, Berlin, Saint-Pétersbourg, Venise, Tokyo et Delhi.
Mariam Arshaki Aslamazian (en russe : Мариам Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique d'origine arménienne, née le 20 octobre 1907 à Alexandropol, aujourd'hui Gyumri, et décédée le 16 juillet 2006 à Moscou. Reconnue pour ses peintures vibrantes et colorées, elle a été nommée Artiste du peuple de la RSS d'Arménie en 1965 et Artiste du peuple de l'Union soviétique en 1990. Ses œuvres sont souvent comparées à celles de Frida Kahlo en raison de leur palette moderne et de leur style personnel éclectique.
Aslamazian a étudié auprès de figures de proue de l'avant-garde russe et a absorbé les meilleures traditions de la peinture moderne et académique russe et européenne. Elle a également incorporé des éléments de l'art arménien dans son travail, ce qui lui a permis de créer des peintures à la fois modernes et profondément enracinées dans la tradition arménienne. Ses œuvres comprennent des portraits, des paysages, et des natures mortes, où elle exprime souvent des motifs ethnographiques avec une emphase sur l'exotisme oriental.
Aslamazian a également travaillé dans le domaine de la céramique décorative, qui a gagné en popularité dans les années 1960. Ses céramiques reflètent son sens de la modernité tout en restant fidèles à la tradition nationale.
Son talent et sa carrière ont été célébrés à l'international, notamment lors de voyages officiels en Inde où elle a contribué à renforcer les liens diplomatiques entre l'URSS et l'Inde. Ses œuvres sont exposées de manière permanente dans la Galerie des sœurs Aslamazian dans sa ville natale et dans des collections comme la Galerie nationale d'Arménie.
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Aslan, de son vrai nom Alain Gourdon, est un artiste, illustrateur et sculpteur français. Il est surtout connu en France pour ses œuvres de pin-up. Il a étudié à l'École nationale des beaux-arts de Paris.
Aslan est également l'auteur de bustes et de statues de nombreuses personnes célèbres (acteurs, hommes politiques, chanteurs). Ses œuvres sont souvent caractérisées par la grâce, le courage et l'ardeur. Aslan transmet magistralement la beauté et la profondeur émotionnelle du corps féminin, en jouant avec les lignes, les formes et la lumière. Ses compositions suscitent souvent des sentiments contradictoires : elles sont à la fois élégantes et provocantes, évoquant un dialogue entre l'érotisme et l'art.
Le travail d'Aslan comporte un élément surréaliste qui lui confère un air de mystère et de singularité. Il combine sans peine réalité et fantaisie, créant un monde plein d'images imprévisibles et mystiques.
Maurice Asselin est un peintre et graveur français rattaché à l'École de Paris.
Maurice Asselin est surtout connu pour ses natures mortes et ses nus. Un autre thème récurrent dans son travail est la maternité, qui a atteint de rares niveaux de délicatesse. Il se consacra également avec habileté à l'aquarelle et à la peinture de paysages de sa bien-aimée Bretagne.
Zinaida Antonovna Astapovitch-Botcharova (en russe: Зинаида Антоновна Астапович-Бочарова) était une artiste russe, soviétique et biélorusse du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et enseignante.
Zinaida Astapovitch-Botcharova a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de l'affiche de propagande ainsi que de l'illustration de livres, principalement pour des livres de contes de fées. Elle a peint à l'aquarelle, à l'huile, au crayon, au fusain, à la gouache et au pastel. Une grande partie de son travail des années 1930 et 1940 a été perdue lors de l'évacuation de l'artiste de Leningrad assiégée.
Pablo Atchugarry est un artiste uruguayen, surtout connu pour son art sculptural abstrait. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections importantes, tant privées que publiques, et il a organisé plus de cent expositions individuelles et collectives dans le monde entier.
Pour chaque sculpture, Atchugarry choisit personnellement un bloc approprié et s'implique activement dans la sculpture, avec une aide minimale des assistants. Il travaille le marbre blanc de Carrare de Toscane, la pierre grise de Bardiglio, le noir de Belgique et le rose du Portugal. En plus de la pierre, il utilise le bronze patiné, la céramique et, plus rarement, divers types de bois.
