Portraitistes 21e siècle
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Viktor Achotovitch Abramian (еn russe: Виктор Ашотович Абрамян) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Viktor Abramian a réalisé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Il a participé à des expositions dès le début des années 1970 à Leningrad. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Blockade Weekdays", "Still Life with a Centennial", "Leningrad. 1942. Femmes de garde dans la ville assiégée", "Jeunes invités" et autres.
Les œuvres d'Abramian se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et dans de nombreux autres pays.
Angelo Accardi est un artiste italien contemporain. Il a grandi entouré d'art moderne et traditionnel. Bien qu'il ait étudié les beaux-arts à l'Académie des beaux-arts de Naples, il n'a jamais terminé sa formation. Angelo Accardi illustre des visions surréalistes de la vie quotidienne sous des décors réalistes de paysages urbains et naturels. Il n'y a jamais un seul sens, mais toute une histoire derrière chaque tableau. Ironique, saisissant et ludique, la perspective unique et le style avant-gardiste d'Accardi sont le résultat de ses diverses inspirations.
John Ronald Craigie Aitchison était un peintre écossais. Il est surtout connu pour ses nombreuses peintures de la Crucifixion, dont l'une est accrochée derrière l'autel de la salle capitulaire de la cathédrale de Liverpool, ses paysages italiens et ses portraits (principalement d'hommes noirs ou de chiens). Son style simple aux couleurs vives et enfantines défie toute description, et il a été comparé aux coloristes écossais, aux primitivistes ou aux artistes naïfs, bien que Brian Sewell l'ait rejeté comme "un peintre de bagatelles trop considérées".
La fascination qu'il a exercée tout au long de sa carrière pour la crucifixion a été déclenchée par une visite au Christ de Saint-Jean de la Croix de Salvador Dalí en 1951, après son acquisition par la Kelvingrove Gallery.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Tamam Al-Akhal est un artiste et éducateur palestinien vivant en Jordanie. Elle a étudié au Collège des Beaux-Arts du Caire. De 1957 à 1960, elle enseigne l'art au Makassed Girls College de Beyrouth. En 1959, elle épouse Ismail Shammout. Al-Akhal a exposé en Égypte, au Liban, à Jérusalem, en Jordanie, aux États-Unis, au Koweït, en Angleterre, en Chine, au Maroc, à Berlin, à Paris, à Rome et à Vienne. Elle a donné une série de conférences à la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie en 2009. Son art est apparu sur plus d'une douzaine de couvertures de Palestinian Affairs, un magazine publié par l'Organisation de libération de la Palestine. Elle a également dirigé la section Arts et patrimoine de l'OLP. Avec son mari, elle a peint une série de grandes peintures murales intitulées "Palestine : l'Exode et l'Odyssée".
Saadi Al-Kaabi est un artiste contemporain né à Najaf/Irak qui a organisé de nombreuses expositions personnelles et participé à plusieurs expositions à Bagdad, Paris, Rome, New York, Moscou, Stockholm, Berlin, Prague, Pékin, Ankara et tous les pays arabes.
Ismail Al-Sheikhly est un artiste irakien contemporain. Il appartenait à l'un des premiers groupes artistiques à apparaître en Irak, "La Société primitive", fondé en 1950. Le groupe a ensuite changé son nom en "Les Pionniers" et l'a conservé jusque dans les années 1970. Certaines de ses œuvres sont influencées par le cubisme, un mouvement qui a gagné en popularité tout au long des années 1950 et qui était le style artistique préféré de l'un des contemporains importants d'Al-Sheikhly, Hafiz Drubi. Les premières œuvres d'Al Sheikhly sont inspirées de la vie des villages irakiens, bien que ses œuvres ultérieures soient davantage axées sur des combinaisons de couleurs abstraites et des arrière-plans obscurcis. La femme est un thème central de son travail. Peintes en groupe assez souvent, les femmes d'Al Sheikhly sont profilées avec des visages ovales et des corps génériques et semblent toujours être dans des états d'aller et venir, que ce soit à la mosquée, aux souks ou pour effectuer une tâche domestique.
Manuel Álvarez Bravo était un photographe visionnaire mexicain dont l'œuvre illustre de manière saisissante l'héritage culturel de l'Amérique latine. Son point de vue unique sur la vie et ses superbes compétences photographiques ont inspiré des générations de photographes dans le monde entier.
Alvarez Bravo était connu pour ses expérimentations sur la lumière et les ombres, la composition et la forme. Ses photographies surréalistes sont souvent empreintes de mystère et d'énigme, tout en reflétant les difficultés et les contradictions de la société mexicaine de la première moitié du XXe siècle.
L'œuvre d'Alvarez Bravo associe merveilleusement la beauté esthétique à un contexte social profond. Son œuvre n'est pas seulement une source d'inspiration par sa beauté, mais aussi un rappel de l'importance de la préservation du patrimoine culturel et de l'histoire des peuples.
Roby Dwi Antono est un artiste visuel qui crée principalement des peintures surréalistes ainsi que des sculptures et des gravures. Son œuvre ouvre un portail vers un autre univers où se côtoient vaisseaux spatiaux, extraterrestres, dinosaures et créatures aux traits humains. Ces créations surréalistes, qui ne vivaient autrefois que dans l'imagination de Dwi Antono, prennent vie dans un nouveau royaume sur sa toile. Inspirées par ses souvenirs d'enfance et son amour pour les films de fiction, ses peintures sont laissées à l'interprétation du spectateur.
Kurt Ard était un illustrateur, peintre et graveur danois. Il est devenu internationalement célèbre pour ses couvertures narratives publiées dans des magazines populaires des années 1950 à 1970, notamment le Family Journal, le Saturday Evening Post et le Reader's Digest. Ard a commencé sa carrière dans divers petits journaux et a travaillé dans la même tradition réaliste que son modèle, illustrateur et peintre, Norman Rockwell. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Kurt a eu du mal à exécuter les commandes de commission. Sa peinture, sa réputation et son succès n'ont cessé de croître dans les années d'après-guerre. Ses illustrations sont rapidement apparues dans de grandes publications européennes, et il a ensuite acquis une renommée internationale. Au cours de sa carrière, Ard a vendu plus de 1000 illustrations aux meilleurs magazines européens et à des publications américaines telles que McCalls, Good Housekeeping et Redbook. Aujourd'hui, Kurt continue de créer des peintures figuratives, paysagères et marines exceptionnelles avec une authenticité sans compromis, capturant le charme, la beauté et la puissance de ces divers sujets. Son travail est particulièrement remarquable pour sa lumière brillante et ses détails précis.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
Irina Mikhaïlovna Baldina (еn russe: Ирина Михайловна Балдина) était une artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Elle est connue comme peintre, représentante de l'école de Leningrad.
Irina Baldina a participé à des expositions à Leningrad à partir de 1952. Son œuvre couvre une variété de genres, notamment des portraits, des paysages, des natures mortes et des compositions de genre. De 1960 à 1980, ses œuvres se caractérisent par les thèmes de la modernité, de la nature et des habitants de Zaonezhye. Son style se distingue par ses larges coups de pinceau, son caractère décoratif et son habileté à transmettre les couleurs de la nature nordique.
Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment en Russie, en France, aux États-Unis, au Japon et dans d'autres pays.
Mike Bayne est un artiste canadien contemporain qui crée des peintures photoréalistes miniatures de scènes nord-américaines négligées, souvent de sa ville natale. Capturant chaque détail de ses photographies de travail, il reproduit son sujet non seulement en termes d'images, mais souvent aussi à l'échelle, en imitant la taille de photographies réelles imprimées dans le commerce. Ses représentations d'architecture et de véhicules rendent des environnements enfermés dans un moment, dépourvus de personnes et de mouvement. Visuellement, ses œuvres sont à la fois brusquement réalistes et pourtant délibérément inorganiques. Il a obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université Concordia et a participé à de nombreuses expositions collectives aux États-Unis et au Canada. Son travail fait partie de la collection du Musée des beaux-arts du Canada, du Musée des beaux-arts de l'Ontario, du musée Nerman, etc. Bayne a également été récipiendaire du prix Kingston pour le portrait en 2011.
Iouriï Vladimirovitch Belov (еn russe: Юрий Владимирович Белов) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad, qui a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de la nature morte et de la peinture historique.
Iouriï Belov participe activement à des expositions depuis 1954. Dans les années 1960-1980, le thème principal de son travail était les images de Lénine et l'histoire du mouvement révolutionnaire. Le style de l'artiste évolue d'un objectivisme strict à un style plus décoratif et impressionniste.
Les œuvres du maître se trouvent dans des musées en Russie, en France, aux États-Unis, en Allemagne et dans d'autres pays, ainsi que dans des collections privées.
Arne Besser est un artiste contemporain américain. Il a reçu une formation d'artiste à l'Art Center School de Los Angeles. Il y étudie avec John Audubon Tyler et Lorser Feidelsson. L'approche de Beser en matière de photoréalisme consiste à tirer du paysage urbain et de la nature une image succincte de la réalité. Ses scènes de ville dépeignent la vie de la rue new-yorkaise animée par des commerçants et des commerçants, des prostituées et des junkies à la recherche d'une solution. Ces images visuelles iconisent les dessous de la vie urbaine d'une manière qui élève ce point de vue à un niveau presque mythique.
Boris Georgievitch Birger (еn russe: Борис Георгиевич Биргер) était un artiste soviétique d'origine juive de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme portraitiste, représentant de "l'art non officiel" et adepte du symbolisme.
Boris Birger a développé son propre style de portrait, reconnaissable à son colorisme. Il a souvent représenté des représentants de l'intelligentsia créative libérale et a été exclu à deux reprises de l'Union des artistes de l'URSS en raison de ses critiques à l'égard de la politique culturelle officielle.
Dans les années 1970, son travail a été reconnu à l'étranger, notamment en Allemagne, et il a vécu dans ce pays à partir de 1990.
Otmar Blaser est un artiste contemporain allemand. En 1967, il étudie à la Werkkunstschule avec le professeur Holweck. En 1968, il voyage à travers l'Europe, le Moyen-Orient, le Canada et l'Amérique. De 1970 à 1976, il étudie à l'Université des Arts de Berlin. En 1975, il était étudiant à la maîtrise avec le professeur Bachmann, en 1976, il était assistant du professeur Kapitsky à l'Institut de communication visuelle et de design. En 1977, il a été chargé de cours à la Volkshochschule Berlin-Neukölln, collaborant en freelance avec le Theatertreffen Berlin.
Olga Borisovna Bogaevskaia (еn russe: Ольга Борисовна Богаевская) était une artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste, enseignante et représentante de l'école de Leningrad.
Au début de sa carrière, Olga Bogaevskaia enseigne la peinture à l'école secondaire d'art de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad et participe à des expositions. Ses œuvres, remarquables par leur colorisme peu commun, comprennent des portraits d'enfants, des natures mortes d'intérieur et d'extérieur. Dans les années 1950-1960, elle était déjà considérée comme l'une des principales artistes de Leningrad.
Ses œuvres figurent dans de nombreux musées et collections privées du monde entier, notamment au Musée national russe et à la Galerie nationale Tretiakov. Bogaevskaia a également exposé avec succès à l'étranger, notamment en France.
François Boisrond est un peintre français contemporain. Il étudie de 1977 à 1980 à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. En 1981, il s'engage dans le mouvement de la Figuration Libre. Inspiré par les produits visuels (produits publicitaires, affiches, autocollants, jeux vidéo…), les personnages de dessins animés, et par l'utilisation de la peinture acrylique, les œuvres de François Boisrond sont colorées, figuratives et énigmatiques, et ses formes simplifiées sont souvent soulignées de noir. Il met en scène principalement des personnages, souvent symboliques dans des situations quotidiennes, mais il dépeint aussi des paysages urbains, maritimes ou ruraux. Par ailleurs, Boisrond crée des affiches humanitaires et publicitaires. Depuis les années 1990, l'artiste s'intéresse à un public imaginaire et au quotidien qui envahit chacun d'entre nous.
Vasiliï Pavlovitch Borisenkov (еn russe: Василий Павлович Борисенков) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant, représentant de l'école de peinture de Leningrad.
Vasiliï Borisenkov a participé activement aux expositions d'art de Leningrad depuis 1954. Il est l'auteur de peintures de genre et de bataille, de paysages et de portraits. Parmi ses œuvres célèbres figurent les tableaux "Conversation difficile", "Printemps", "Strelna. Le début de l'été" et bien d'autres. Les œuvres du maître se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie et à l'étranger.
David Fielding Gough Boyd est un peintre et sculpteur australien et membre de la dynastie Boyd. En 1946, il travaille avec son frère Guy à la Poterie Martin Boyd à Sydney. Il a également établi une poterie à Londres au début des années 1950 et a continué à travailler principalement dans la poterie jusqu'au milieu des années 1960. Boyd et sa femme sont devenus largement connus comme les principaux potiers d'Australie. Ils ont introduit de nouvelles techniques d'émaillage et l'utilisation du tour de potier pour créer des figures sculptées.
La carrière de Boyd en tant qu'artiste a commencé en 1957 avec une série de peintures symboliques d'explorateurs australiens qui ont suscité beaucoup de controverse à l'époque alors qu'elles se concentraient sur l'histoire tragique des aborigènes de Tasmanie. En 1958, il expose une série de peintures basées sur des épisodes histologiques des études de Burke et Wills, Bass et Flinders. Il rejoint le Groupe des Antipodes dans les années 1950. En 1966, Boyd a découvert une technique qu'il a appelée sfumato après que de Vinci ait utilisé le mot pour décrire les dégradés de tons fumés dans la peinture. La méthode de Boyd a obtenu cet effet avec une nouvelle technique utilisant une flamme de bougie.
Jason Brooks est un artiste britannique contemporain connu pour ses illustrations de mode et ses portraits. Né en 1969, il a étudié à la Chelsea School of Art et à la Central Saint Martins de Londres. Son travail a été publié dans des publications telles que Vogue, Elle et The New Yorker.
Jason Brooks a travaillé avec des marques de mode telles que Chanel, L'Oréal et Christian Dior. Outre son travail commercial, il a exposé ses œuvres dans des galeries du monde entier, notamment à la Saatchi Gallery de Londres et au Musée d'art moderne de Tokyo.
James Brown est un peintre, sculpteur, dessinateur et graphiste américain. Il travaille entre Paris et Oaxaca de Juárez (Mexique). Il a atteint le sommet de sa reconnaissance dans les années 1980 avec une peinture semi-figurative et proche de l'art rupestre. Son travail a évolué au fil des ans, mais il maintient toujours l'équilibre entre tradition et modernisme, attachant une grande importance au fait-main. Il mêle dans ses œuvres des motifs de l'art tribal et des intérêts spirituels. Une grande partie de son travail est non-réaliste, mais contient des scènes ou des objets ou des signes de visages reconnaissables. La ligne entre la représentation et l’abstraction est souvent difficile à cerner dans son travail. Outre les peintures et sculptures, Brown a également produit des séries de gravures à divers moments de sa carrière, et dans les années 1990, il a commencé à utiliser massivement la technique du collage. Le dessin et d'autres œuvres uniques sur papier ont joué un rôle important dans son développement artistique et dans sa production.
Zlata Nikolaevna Byzova (еn russe: Злата Николаевна Бызова) était une artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Elle est connue comme peintre, représentante de l'école de Leningrad, célèbre pour ses compositions de genre, ses portraits, ses paysages et ses études d'après nature.
Zlata Byzova a connu un succès particulier dans les portraits-types provinciaux et les esquisses du Vieux Ladoga des années 1960-1970. Ses œuvres ont été présentées avec succès lors d'expositions et de ventes aux enchères de peinture russe en France en 1989-1992.
Les œuvres de l'artiste se trouvent dans des musées et des collections privées en Russie, en Finlande, en Allemagne, en France et dans d'autres pays.
Thomas Calloway Lea III était un muraliste, illustrateur, peintre, correspondant de guerre, écrivain et historien américain. Une grande partie de son œuvre littéraire et romanesque est centrée sur le Texas, le centre-nord du Mexique et son expérience de la Seconde Guerre mondiale dans le Pacifique Sud et en Asie. Deux de ses romans les plus populaires, The Brave Bulls et The Wonderful Country, sont considérés comme des classiques de la littérature du sud-ouest américain.
Gueorgui Gueorguievitch Chichkine (russe : Георгий Георгиевич Шишкин), un artiste-peintre russe né en 1948 à Iekaterinbourg, est réputé pour son habileté à capturer l'essence de la culture russe à travers ses œuvres. Il a étudié et enseigné à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts et d'Architecture de Iekaterinbourg, marquant le début de sa carrière artistique par une opposition au réalisme socialiste. Chichkine a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux à travers le monde, y compris le Musée d'État Russe de Saint-Pétersbourg et à Monaco, où il réside depuis 1998.
Son œuvre comprend des peintures à l'huile, des pastels et des portraits, avec des pièces célèbres telles que "Rêves Russes", "Tribute to Diaghilev", et "L'attente", qui ont été exposées dans des galeries et collections de renommée internationale. De plus, il a été invité à concevoir des timbres-poste pour Monaco, illustrant des événements culturels et des personnalités monégasques.
Les œuvres de Chichkine se trouvent dans des collections privées et des musées dans le monde entier, attestant de son influence et de son importance dans l'art contemporain. Sa contribution à l'art a été reconnue par de nombreux prix et par les critiques, soulignant son talent et son originalité dans l'expression artistique.
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Alexandre Maksovitch Chilov (еn russe : Александр Максович Шилов) est un artiste-peintre et portraitiste soviétique et russe, dont le talent a été reconnu par de hautes distinctions étatiques, y compris le titre d'Artiste du Peuple de l'URSS. Ses œuvres, caractérisées par un réalisme élevé et un souci du détail, constituent une part importante du patrimoine culturel de la Russie.
Dès ses années d'étudiant, Chilov a commencé à attirer l'attention sur son art, devenant rapidement célèbre pour ses portraits de figures éminentes du parti et de la culture. Il a créé des portraits de genre dédiés à des gens ordinaires et à des modèles, qui charment les spectateurs par leur sincérité et leur chaleur.
Dans son travail, Chilov a suivi les traditions du réalisme, cherchant à capturer avec précision et détail les personnes, leurs émotions et leur environnement. Malgré certaines critiques concernant la statique et le caractère conventionnel de ses œuvres, l'art de Chilov reste populaire et apprécié d'un large public, lui valant le statut de phénomène de la culture de masse.
Certaines de ses œuvres les plus emblématiques, dont "Le Vieux Tailleur" et "La Floraison de la Rhododendron", sont exposées à la Galerie Tretiakov, où chacun peut apprécier de près son talent et l'unicité de son approche de la peinture.
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Pierre Courtens est un peintre français d'origine belge. En 1942 il entre à l’Académie des beaux-arts de Saint-Josse-ten-Noode, ayant comme professeur le peintre Jacques Maes. Il étudie également l'art décoratif monumental chez Anto-Carte, suit les cours à l'Académie supérieure du Royaume de Belgique à Anvers en eaux-fortes et gravures sur bois (Cours Broccas). Il est notamment célèbre pour les portraits qu'il fit d'Antonin Artaud, qu'il rencontra en 1946.
Ray Austin Crooke était un artiste australien connu pour ses vues sereines sur les insulaires et les paysages océaniques, dont beaucoup sont basés sur l'art de Paul Gauguin. Il remporte le prix Archibald en 1969 avec un portrait de George Johnston. Son tableau L'Offrande (1971) fait partie de la collection du Musée du Vatican. Beaucoup de ses œuvres se trouvent dans des galeries australiennes. Il a été nommé membre de l'Ordre d'Australie lors de l'Australia Day Honours de 1993, "en reconnaissance de ses services aux arts, en particulier en tant que paysagiste".
Ronnie Cutrone était un artiste pop américain connu pour ses peintures à grande échelle de certains des personnages de dessins animés préférés des États-Unis, tels que Felix the Cat, Pink Panther et Woody Woodpecker. Les peintures de Cutrone sont colorées, vivantes et moins difficiles que celles de ses contemporains. En tant qu'assistant d'Andy Warhol à l'usine au sommet du bâtiment Decker de 1972 à 1980, Cutrone a travaillé avec Warhol sur des peintures, des gravures, des films et d'autres concepts, cooptant finalement les premières œuvres de Warhol (avant 1960) ainsi que des œuvres de Roy Lichtenstein. et d'autres, jusqu'à finalement distiller ces myriades d'influences dans le style que quelques critiques ont finalement qualifié de "Post-Pop". Avec Kenny Scharf, Cutrone a relancé la bande dessinée en peinture. En utilisant des personnages de bandes dessinées établis tels que Woody Woodpecker et Félix le chat, Cutrone a reformulé les thèmes de l'originalité et de la paternité, ainsi que du goût bas et des beaux-arts, ce qui le rend directement redevable au Pop Art du début des années soixante.
Robert Henry Dickerson était un peintre figuratif australien et ancien membre du groupe d'artistes Antipodeans. Dickerson est l'un des artistes figuratifs les plus reconnus d'Australie et fait partie d'une génération d'artistes influents qui comprend Ray Crooke, Charles Blackman, Laurence Hope, Margaret Olley et Inge King. Dickerson était un artiste autodidacte qui a refusé d'aller à l'école d'art. Son art a été décrit comme un clair-obscur anguleux et à contraste élevé et exécuté dans une gamme de matériaux, notamment la peinture, les pastels, les fusains et d'autres supports graphiques. L'inspiration pour son art est venue de la vie quotidienne et il a puisé dans les thèmes de la solitude, de la vulnérabilité et de l'isolement. Des personnages solitaires avec de longs nez et des yeux fantaisistes, souvent détournés, figuraient en grande partie dans son travail.
Philip-Lorca diCorcia est un photographe et artiste américain. Il est connu pour ses photographies mises en scène et cinématographiques qui brouillent souvent la frontière entre la réalité et la fiction.
Le travail de DiCorcia se caractérise par l'utilisation de décors et d'éclairages élaborés, qu'il utilise pour créer des images à la fois belles et troublantes. Bon nombre de ses photographies mettent en scène des personnes ordinaires, et il utilise souvent des étrangers comme sujets, ce qui renforce le sentiment de mystère et de voyeurisme dans son travail.
DiCorcia a reçu de nombreux prix et son travail a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier. Il a également été chargé de créer des photographies pour un large éventail de clients, notamment des magazines de mode et des campagnes publicitaires.
L'héritage de DiCorcia en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations d'artistes. Ses techniques innovantes et son approche de la photographie ont contribué à redéfinir le médium et ont eu un impact significatif sur l'art et la culture contemporains.
Georg Dinz est un artiste autrichien contemporain. Après des études à l'Université des Arts Appliqués de Vienne, Dienz vit et travaille comme scénographe et scénographe dans la scène punk viennoise. Peu de temps après la chute du mur, Dienz s'installe à Berlin, où il participe à divers projets artistiques dans la période sauvage de l'après-réunification. Aujourd'hui, il se concentre sur la peinture libre dans son atelier de l'ancien quartier des artistes berlinois de Prenzlauer Berg. Les œuvres de Georg Dienz se caractérisent stylistiquement par une application de peinture plate et claire et peuvent être qualifiées de "réalisme réduit".
Vladimir Yefimovich Dubosarsky (еn russe: Влади́мир Ефи́мович Дубоса́рский) est un artiste russe. De 1994 à 2014, il a travaillé en duo avec Aleksandr Vinogradov (еn russe: Александр Виноградов).
Il a étudié à l'École d'art de Moscou en mémoire de 1905, puis à l'Institut d'art d'État de Moscou portant le nom de V. I. Surikov. Depuis 1994, il est membre de l'Union des artistes de Moscou et membre correspondant de l'Académie russe des arts.
Jeanne Dunning est une photographe américaine dont le travail est centré sur la corporéité et la physicalité humaine sous des formes abstraites. Dunning a obtenu son baccalauréat ès arts de l'Oberlin College et sa maîtrise en beaux-arts de la School of the Art Institute of Chicago. De là, elle a ouvert sa première exposition à la Feature Gallery de Chicago en 1987. Au début des années 1990, Dunning a créé une série de photographies pour une exposition intitulée "Directions" qui visait à brouiller les lignes entre réalité et fiction. L'exposition était exposée au Hirshhorn Museum de Washington. Le travail de Dunning fait partie des collections permanentes de l'Art Institute of Chicago, du Whitney Museum of American Art, du Museum of Contemporary Art de Chicago, du Museum of Contemporary Photography et du Museum of Modern Art de New York.
Marcel Dzama est un artiste contemporain de Winnipeg, Manitoba, Canada qui vit et travaille actuellement à New York. Son travail a été exposé internationalement, en particulier ses dessins à l'encre et à l'aquarelle. Dzama travaille beaucoup dans la sculpture, la peinture, le collage et le cinéma. L'artiste est également connu pour ses dioramas complexes et ses polyptyques à grande échelle qui puisent dans ses talents à travers une gamme de médias. Dzama travaille dans plusieurs disciplines pour donner vie à sa distribution de figures humaines, d'animaux et d'hybrides imaginaires, et a développé une réputation internationale et suit pour son art qui dépeint des mondes fantaisistes et anachroniques.
Simon English est un artiste britannique contemporain. Il est surtout connu pour ses « dessins peints » à grande et à petite échelle dans lesquels il mêle ses images et ses mots distinctifs. Il se déplace légèrement entre un dessin serré et une application ludique et bâclée de la couleur et de la ligne. La langue est primordiale avec des réflexions diaristiques entrecoupées de paroles de chansons, de poésie et de doublures humoristiques. Se décrivant comme « automatique », son travail a la spontanéité d'un flux de conscience, explorant les thèmes de l'amour et de la perte, ainsi que la culture gay et populaire. Simon English vit et travaille à Londres. Il a émergé sur la scène artistique londonienne en 1994 avec une exposition de peintures à la Saatchi Gallery dans le cadre de Young British Art III. Simon a exposé internationalement dans de nombreuses institutions.
Albert Ennemoser est un artiste autrichien contemporain. J'ai beaucoup voyagé à travers l'Europe, les États-Unis, l'Afrique et l'Asie. En 1972, il immigre en Irlande, puis en Écosse. Il a étudié la peinture à la Glasgow School of Art et au Jordanhill College of Education. A travaillé comme illustrateur pour BBC-TV-Scotland et comme designer pour NAEF en Suisse. Il a reçu plusieurs prix et a été directeur artistique du Tiroler Literaturwettbewerb für Jugendliche. Son travail a été exposé tant au niveau national qu'international.
Erro, de son vrai nom Guðmundur Guðmundsson, est un peintre islandais contemporain.
Erro a étudié la peinture aux académies d'art de Reykjavik et d'Oslo entre 1952 et 1954. Il s'installe ensuite en Italie, où il étudie l'art de la mosaïque à Florence et à Ravenne jusqu'en 1958.
Erro a participé à la Biennale de Venise en 1986. En 1989, il a fait don d'une grande partie de ses œuvres au musée d'art de Reykjavik.
Le style des peintures créées par Erro se situe à la frontière entre le surréalisme et le pop art. Le thème principal de ses peintures est la représentation de la civilisation moderne, de sa perfection technique et de son inhumanité. Il utilise également des techniques de bande dessinée et des thèmes de science-fiction dans son travail.
Hamed Ewais est un artiste égyptien. Ewais est diplômé de l'École des beaux-arts du Caire en 1944, plus tard, il a poursuivi ses études à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid, retournant enseigner à la Faculté des beaux-arts d'Alexandrie. Ewais était des fondateurs du Groupe d'Art Moderne en 1947 avec plusieurs artistes. En 1956, il reçoit le prix international Guggenheim. Influencé par des figures clés du muralisme mexicain comme Diego Rivera et David Alfaro Siqueiros, Ewais a choisi de travailler dans un style esthétique qui reflète ses penchants politiques socialistes. En tant que l'un des principaux peintres réalistes sociaux d'Égypte, Ewais a souligné le sort de la classe ouvrière du pays et a été un partisan du mouvement panarabe de Nasser.
Paula Figueiroa Rego est une artiste plasticienne britannico-portugaise, surtout connue pour sa peinture et ses gravures.
Le style de Paula Rego est passé de l'abstraction au figuratif, devenant de plus en plus réaliste. Elle travaille beaucoup le pastel et la gravure. De style réaliste et fantastique, voire cruel ou choquant, ses œuvres font souvent référence aux contes traditionnels de son enfance portugaise, aux thèmes féministes ou à des éléments autobiographiques.
Michael Fischer-Art, artiste né à Leipzig, adopte dans son art une approche socialement critique de l'environnement et associe son travail au « réalisme du marché ». Ses images sont des attaques colorées contre l'intellectualisme et la profondeur, tandis que ses sculptures attirent le regard et embellissent de nombreux endroits en Allemagne. Il crée également des portraits de célébrités dans le style pop art et entretient des contacts avec des représentants de la politique, des affaires et du show business.
Audrey L. Flack est une peintre et sculptrice américaine. Elle est une figure majeure du photoréalisme. Dans les années 1950 et 1960, elle réalise des œuvres abstraites. Dans les années 1970, elle se tourne vers l'hyperréalisme et le photoréalisme. Seule artiste femme du photoréalisme, elle explore les sujets féminins. Son travail est empli d'humanisme et d'émotions. Pour ses œuvres sur la seconde guerre mondiale, elle fait référence aux vanités de la peinture baroque et place des objets de la sphère féminine : plateaux d'argent, fruits, fleurs, bijoux, pâtisseries. Ces œuvres sont critiquées pour leur contenu féministe. Elle utilise pour ses peintures de natures mortes, des photographies en couleurs qu'elle prend elle-même. Elle fait allusion à la peinture baroque et référence aux œuvres de Tintoretto, Rembrandt, Rubens. À partir de 1983, Audrey Flack se concentre sur la sculpture. Elle s'inspire de la sculpture gréco-romaine, Renaissance, et baroque pour explorer les représentations du pouvoir féminin, à travers des déesses comme Islandia et Athéna ou des reines comme Catherine de Bragance.
Peter Flinsch est un peintre et dessinateur germano-québécois. Il est connu comme dessinateur au studio de la télévision de Radio-Canada.
Après la guerre Flinsch débute en 1945 comme peintre de scénographie à Leipzig dans la zone d'occupation soviétique, où il peint des portraits monumentaux de Karl Marx et autres figures emblématiques du soviétisme, ainsi qu'à Berlin. Il est ensuite dessinateur d’intérieur aux bureaux d’Air France à Munich.
En 1950, il s'établit à Paris, qu'il a connu avant la Guerre. En 1953, il émigre à Vancouver en Colombie-Britannique. Flinsch s’établit finalement à Montréal, pour travailler à la télévision de Radio Canada. Il y crée des décors d'émissions pour enfants, d'opéras, de pièces de théâtre, de téléromans et d'émissions variétés.
Après avoir pris sa retraite de Radio Canada en 1985, il commence à exposer ses propres œuvres, principalement du dessin, de la peinture et de la sculpture. Peter Flinsch aurait fait quelque 20 000 à 25 000 dessins. Son œuvre, qui s'étend sur plus de 50 ans, s'inscrit dans un style personnel s'inspirant de la tradition de l'expressionnisme allemand.
LaToya Ruby Frazier est une artiste américaine, qui utilise divers médias comme la photographie, la vidéo, la performance et l'installation pour explorer les thèmes de la justice sociale, du changement culturel et de l'expérience américaine. Son travail s'inscrit dans la tradition du documentaire social et de la photographie conceptuelle, s'attaquant à des questions urgentes liées à la vie quotidienne.
La série emblématique de Frazier, « The Notion of Family », explore l'impact de la dégradation environnementale et économique des villes ouvrières sur sa famille à Braddock. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses institutions aux États-Unis et en Europe et font partie de collections publiques prestigieuses comme le Museum of Modern Art à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris. Frazier est lauréate de plusieurs distinctions, dont une bourse de la Fondation MacArthur en 2015.
Son engagement envers les communautés défavorisées est également manifeste dans son travail sur la crise de l'eau à Flint, Michigan, où elle a choisi de mettre en lumière l'humanité et la résilience des habitants face à l'adversité. Frazier s'identifie à des figures influentes comme Gordon Parks, utilisant sa caméra comme une arme pour lutter contre l'injustice et documenter les histoires souvent ignorées des Américains marginalisés.
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Marianna Gartner est une artiste canadienne diplômée de l'université de Calgary, au Canada. Ses peintures s'inspirent souvent de sujets de photographies anciennes, mais en les manipulant, elle crée des scènes troublantes et agitées pour le spectateur d'aujourd'hui.