Scénographes Art contemporain
Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo (еn russe : Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло) était un artiste russe, connu pour sa contribution au mouvement constructiviste et à l'avant-garde russe. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est fait remarquer par son talent exceptionnel en peinture et en scénographie.
Andrienko-Netchitaïlo a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg avant de s'établir à Paris, où il a intégré des éléments cubistes et abstraits dans son travail. Ses œuvres se distinguent par l'utilisation innovante des formes géométriques et des couleurs vives, caractéristiques du constructivisme.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures exposées au Musée national d'art moderne à Paris et dans plusieurs collections privées à travers le monde. Sa contribution à l'art de la scénographie a également marqué l'histoire du théâtre, notamment avec ses décors pour des ballets et des opéras.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo reste une figure incontournable. Abonnez-vous à notre newsletter pour être informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères concernant ses œuvres.
Boris Izraïlevitch Anisfeld (еn russe: Борис Израилевич Анисфельд), né en 1878 en Bessarabie et mort en 1973 aux États-Unis, était un artiste symboliste et scénographe de renom. D'origine russe, il a vécu une grande partie de sa vie en Amérique. Issu d'une famille juive aisée, Anisfeld a montré un intérêt précoce pour l'art plutôt que pour la musique, contrairement aux souhaits familiaux. Formé à l'école des Beaux-Arts d'Odessa puis à l'académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il a étudié sous la tutelle de maîtres tels que Répine, mais son travail a été fortement influencé par le symbolisme, se distinguant dans des expositions dès le début du XXe siècle.
Anisfeld a été reconnu pour son travail de scénographe, notamment pour les ballets russes, où ses conceptions ont contribué à révolutionner la scénographie théâtrale de l'époque. Il a travaillé avec des figures emblématiques telles que Diaghilev et a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux, de Paris à New York. Sa première exposition personnelle aux États-Unis a eu lieu juste avant la Révolution d'Octobre, marquant le début de sa carrière définitive en Amérique, où il a continué à influencer le monde de l'opéra et de la peinture.
Au-delà de ses contributions à la scénographie, Anisfeld était un peintre talentueux dont les œuvres ont été exposées et collectionnées à l'international. Ses tableaux, imprégnés de symbolisme, montrent une préférence pour les compositions fantastiques et colorées, souvent inspirées de la mythologie, de la nature et de la culture slave.
Pour ceux passionnés par l'art et la scénographie, l'œuvre de Boris Izraïlevitch Anisfeld offre une source d'inspiration intarissable. Ses contributions au monde de l'art sont conservées dans des collections publiques et privées à travers le monde. Pour en savoir plus sur cet artiste exceptionnel, visitez des sites comme Wikipedia ou le catalogue raisonné d'Anisfeld.
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Anatoliï Afanassievitch Arapov (еn russe: Анатолий Афанасьевич Арапов) était un artiste russe et soviétique du début du XXe siècle, reconnu pour ses talents en peinture, arts graphiques, ainsi que pour son travail dans le théâtre et le cinéma. Né le 21 novembre 1876 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédé le 22 décembre 1949 à Moscou, URSS, Arapov a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe grâce à sa participation à la création de films populaires des années 1920-1930 et ses mises en scène dans les principaux théâtres des grandes villes de l'Empire russe, puis de l'URSS.
Son œuvre picturale, évoluant du Symbolisme et du Constructivisme au Réalisme socialiste, couvre une variété de genres incluant le portrait, la nature morte, et le paysage, notamment des vues de parcs anciens et d'architecture russe antique. En tant qu'étudiant, il s'est initialement intéressé à l'art appliqué, au livre et au théâtre, participant à la conception de festivités féériques pour le théâtre national « buffoon ». Sa participation aux expositions "Rose bleue", "Couronne", "Toison d'or", et à l'exposition "Rose écarlate", où il était représenté par son œuvre "Le parc Lefortovo", souligne son implication active dans les cercles artistiques de son époque.
Arapov a également travaillé activement dans le domaine du théâtre dès 1905, concevant des productions dans des théâtres renommés à Moscou et Saint-Pétersbourg. Après 1917, il s'est engagé dans la conception de productions théâtrales dans toute la Russie.
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Christian Ludwig Attersee, né Christian Ludwig, est un artiste médiatique autrichien vivant à Vienne et à Semmering, en Basse-Autriche.
L'artiste a pris son deuxième prénom, Attersee, de la région où il a passé sa jeunesse. Il a étudié à l'Académie des arts appliqués de Vienne et son travail s'est caractérisé très tôt par une sexualisation flamboyante. Il est connu non seulement comme artiste visuel, mais aussi comme musicien, écrivain, artiste de l'objet, designer, scénographe et réalisateur. Dans les années 1960 et 1970, il a également créé des séries sur les thèmes de la nourriture, des objets quotidiens, de la beauté et des cosmétiques.
Attersee est surtout connu comme l'un des principaux représentants de la peinture objective en Europe au cours des 50 dernières années. Dans la seconde moitié des années 70, il est devenu le fondateur de la "nouvelle peinture autrichienne". De 1990 à 2009, Atterse a occupé une chaire à l'université des arts appliqués de Vienne.
Stanislav Gennadievitch Babikov (еn russe: Станислав Геннадьевич Бабиков) était un artiste soviétique et turkmène du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, publiciste, scénographe, ainsi que comme fils et élève de Gennady Babikov, le fondateur du genre du paysage industriel turkmène.
Stanislav Babikov est considéré comme un continuateur des idées du cézannisme russe. Il était membre du groupe informel turkmène "Sept", qui cherchait à synthétiser les éléments nationaux et le modernisme occidental dans l'art. Le maître était également l'auteur d'articles sur les beaux-arts. Son style reflète l'influence de la nature et du climat du Turkménistan et se caractérise par des couleurs vives et expressives.
Margit Balla est une artiste hongroise, graphiste, illustratrice, réalisatrice de films, scénographe et costumière.
Elle a étudié la typographie à l'Académie des arts appliqués de Budapest, réalisant principalement des affiches et des illustrations de livres, puis travaillant de plus en plus avec des graphiques picturaux. Dans ses affiches, Margit Balla combine des impressions d'anciennes gravures avec des tendances contemporaines telles que le pop art. Ses compositions figuratives sont facilement reconnaissables à son style de dessin surréaliste particulier.
Depuis 2000, Margit Balla travaille comme conceptrice de production pour le théâtre de marionnettes de Budapest.
Tilo Baumgärtel est un artiste allemand qui vit et travaille à Leipzig.
Ses peintures remontent aux œuvres du réalisme social et aux affiches de propagande de grand format. L'artiste travaille avec différents supports et techniques. Outre la peinture, il utilise également la lithographie, les dessins sur papier et la vidéo. L'espace pictural et la création de paysages parfois surréalistes sont l'un de ses thèmes centraux.
Tilo Baumgärtel travaille également avec des théâtres, développant des décors et des vidéos sur la scénographie.
Elena Mikhaïlovna Beboutova (еn russe: Елена Михайловна Бебутова) était une artiste russe et soviétique d'origine géorgienne et arménienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et scénographe.
Elena Béboutova est passée d'une fascination pour le cubisme et le futurisme dans ses premières œuvres à un style plus décoratif et réaliste. En 1917, elle a commencé à travailler à la décoration de spectacles dans divers théâtres de Russie et a organisé une exposition personnelle à Moscou en 1923. De retour en URSS après des voyages d'affaires à Berlin et à Paris, elle devient l'un des membres fondateurs de la société "Four Arts". Son travail au théâtre était étroitement lié aux activités de mise en scène de son frère Valery Bkebutova, leur dernière collaboration étant une production d'Hamlet au théâtre biélorusse de Vitebsk en 1946 et 1955.
Bebоutova est également connue comme modèle pour les portraits réalisés par son mari Pavel Kuznetsov.
Sylvano Bussotti était un compositeur, peintre, metteur en scène d'opéra, décorateur et costumier italien.
Silvano a appris à jouer du violon dès son plus jeune âge, a étudié l'harmonie et le contrepoint au conservatoire Cherubini de Florence et a suivi les cours de plusieurs professeurs. Outre la musique, il aimait dessiner et peindre. Ses premières œuvres, influencées par Luigi Dallapiccola et Roberto Lupi, sont écrites selon la technique dodécaphonique d'avant-garde, et il utilise aussi largement la méthode aléatoire. Bussotti a participé à des concerts "anti-musique", pour lesquels il a créé des œuvres sans aucun son.
L'œuvre de Bussotti comprend de nombreuses pièces pour divers ensembles vocaux, instrumentaux et mixtes. En 1963, il a cofondé le Groupe des 70 (Florence). Entre 1968 et 2001, il a travaillé comme metteur en scène, costumier et scénographe dans les principaux opéras d'Italie : La Scala, La Fenice, Massimo (Palerme), Reggio (Turin), etc. Au total, il a créé une quarantaine de productions d'opéra.
Les expositions artistiques de Bussotti sont organisées dans plusieurs pays du monde. Bussotti est également connu pour ses partitions graphiques extravagantes, dans lesquelles il s'exprime en tant qu'artiste, mais qui masquent la nature significative de ses réalisations musicales.
Vasiliï Ivanovitch Choukhaev (еn russe: Василий Иванович Шухаев) était un artiste russe et soviétique, né le 24 janvier 1887 à Moscou et décédé le 14 avril 1973 à Tbilissi. Reconnu pour ses contributions en tant que peintre, graphiste, scénographe, et enseignant, Choukhaev a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art de la fin du XIXe siècle jusqu'à la première moitié du XXe siècle. Il a passé 15 ans en exil, période durant laquelle il a continué à enrichir son œuvre artistique.
L'œuvre de Choukhaev englobe un éventail de genres, y compris le portrait, le paysage, la nature morte, et la scène de genre, marqués par une prédilection pour le néoclassicisme et la stylisation. Parmi ses contributions notables, on compte la réalisation de fresques murales pour des demeures privées à Moscou, en Europe, et au Maroc, ainsi que la conception de décors pour des pièces de théâtre à Paris. Son travail ne se limite pas à la peinture ; il a également contribué au monde du théâtre en tant que scénographe.
Fondateur de l'atelier St. Luke, un syndicat professionnel pour les peintres, Choukhaev a joué un rôle crucial dans le développement artistique de son époque. Ses œuvres ont traversé les frontières, et son influence se fait sentir bien au-delà de sa Russie natale, touchant des pays comme la Géorgie, l'Italie, la France, et le Maroc.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Vasiliï Ivanovitch Choukhaev représentent une fenêtre sur l'histoire de l'art russe et soviétique, offrant des perspectives uniques sur l'évolution des tendances artistiques au XXe siècle. Son héritage continue d'inspirer et de fasciner, illustrant la richesse de la culture et de l'art.
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Fabrizio Clerici était un peintre, dessinateur, illustrateur, scénographe et architecte italien.
Clerici a obtenu un diplôme d'architecte et a été fortement influencé par les monuments antiques, la peinture et l'architecture de la Renaissance et du Baroque. En 1943, Clerici a organisé sa première exposition personnelle à la Galleria dell'Arte Cairola de Milan, présentant des dessins, des aquarelles, des lithographies et des gravures. Ses premières illustrations de livres datent de la même époque.
En 1947, Clerici entame une carrière prolifique au théâtre, au ballet et à l'opéra en faisant ses débuts en tant que décorateur dans une production de la pièce de George Bernard Shaw, Mrs Warren's Profession. L'année suivante, il participe pour la première fois à la Biennale de Venise. Il y rencontre Salvador Dalí et conçoit les décors et les costumes d'Orphée d'Igor Stravinsky au théâtre La Fenice. En 1949, il réalise de grandes peintures architecturales fantaisistes.
La suite de la vie de l'artiste aux multiples facettes Fabrizio Clerici a été riche en travaux dans les domaines artistiques les plus divers, en succès créatifs et en expositions. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées aux États-Unis, dont le MoMA et le musée Guggenheim, ainsi qu'en France, notamment au Centre Pompidou.
Frantisek Emler était un peintre, dessinateur, graphiste, illustrateur et scénographe tchèque.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague, a été élève de l'Académie des beaux-arts de Rome, puis de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Emler a peint des natures mortes et des portraits, mais surtout des paysages. Il a conçu les décors de plusieurs opéras et productions théâtrales et a également illustré plusieurs livres.
Tsugouharu Foujita était un artiste français du XXe siècle d'origine japonaise. Il est connu pour son style unique, combinant des éléments de la peinture et de la gravure japonaises avec le réalisme européen.
Foujita a créé un large éventail d'œuvres dans des genres variés, notamment des nus, des images de chats, des portraits de femmes et d'enfants et des autoportraits. Plus tard, il s'est converti au catholicisme et a commencé à peindre des tableaux sur des thèmes religieux. L'artiste était internationalement reconnu et ses œuvres ont été exposées dans de nombreux pays du monde. Son œuvre se caractérise par la perfection de la technique picturale, la virtuosité du dessin et une atmosphère de raffinement. Le maître a également fait preuve de talent dans les domaines du graphisme, de la photographie, de la céramique, du théâtre, du cinéma et du stylisme. Les prix de ses peintures étaient comparables à ceux des œuvres de Picasso.
Ilya Sergueïevitch Glazounov (en russe : Илья́ Серге́евич Глазуно́в) était un artiste soviétique et russe originaire de Saint-Pétersbourg, connu pour sa peinture. Il a fondé l'Académie russe de peinture, de sculpture et d'architecture à Moscou, où il a également servi en tant que recteur jusqu'à sa mort. Glazounov est célèbre pour ses œuvres à thèmes historiques ou religieux, notamment "La Russie éternelle", "Le Mystère du XXe siècle", "La Ruine du Temple la nuit de Pâques", et ses illustrations pour les œuvres de Fiodor Dostoïevski.
Durant les années 1970, Glazounov a joué un rôle clé dans la protestation contre le plan général de restauration de Moscou, qui menaçait de détruire une partie du centre historique de la ville. Cette action a mené à l'annulation du projet et à la création d'un comité civil pour surveiller d'autres plans de reconstruction. Il a également été l'un des principaux défenseurs de la restauration de la Cathédrale du Christ-Sauveur et l'un des cofondateurs de la Société panrusse pour la protection des monuments historiques et culturels (VOOPIiK). Glazounov est décédé d'une insuffisance cardiaque le 9 juillet 2017, à l'âge de 87 ans.
Parmi ses honneurs, Glazounov a reçu le titre de cavalier complet de l'Ordre "Pour le mérite de la Patrie" et a été nommé Artiste du peuple de l'URSS. En 1984, un astéroïde mineur, 3616 Glazunov, a été nommé en son honneur par l'astronome soviétique Lyudmila Zhuravleva. Glazounov reste une figure marquante de l'art russe, révéré pour son immense contribution à l'art national et à l'éducation.
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Tatiana Nikolaevna Glebova (еn russe: Татьяна Николаевна Глебова) était une artiste soviétique du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste et a laissé un riche héritage créatif caractérisé par la profondeur et la diversité des thèmes et des styles.
Tatiana Glebova a abordé trois thèmes principaux dans son art. Le premier est la vie urbaine, reflétée par des scènes de genre décrivant les événements de la rue et la vie quotidienne. Le deuxième est l'intérêt pour la nature intérieure de l'homme, qui s'exprime dans des portraits et des représentations de transformations intérieures. Le troisième concerne les thèmes mystiques et religieux, notamment les icônes, le symbolisme et la géométrie spirituelle. Ses dernières œuvres se concentrent sur la nature et développent le symbolisme de la couleur et de la forme.
Jörg Immendorff était un peintre et sculpteur allemand, scénographe et décorateur, membre du mouvement artistique New Wild.
Immendorff peignait par cycles qui duraient souvent des années et étaient de nature politique. Sa série de seize grandes peintures "Café Deutschland" (1977-1984) est célèbre. Dans ces tableaux colorés, de nombreuses discothèques symbolisent le conflit entre l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest.
Immendorff a préparé plusieurs productions théâtrales et a conçu les décors des opéras Electra et The Rider's Progress. Les 25 peintures d'Immendorf ont été sélectionnées en 2006 pour la bible illustrée.
Konstantine Fiodorovitch Iouon (en russe : Константин Фёдорович Юон) était un artiste peintre russe de renom, célèbre pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes. Né en 1875, Iouon a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l'essence de la Russie dans ses œuvres.
Spécialisé dans la peinture paysagère et les scènes urbaines, Iouon avait un don particulier pour représenter la lumière et l'atmosphère, donnant à ses œuvres une qualité presque magique. Ses tableaux, qui illustrent souvent des paysages russes idylliques et des scènes de la vie quotidienne, sont appréciés pour leur technique précise et leur sensibilité poétique.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons "Le Nouveau Planète" et "L'Hiver. Troïka." Ces peintures sont exposées dans des musées de renom, tels que la Galerie Tretiakov à Moscou, offrant aux amateurs d'art et aux collectionneurs l'opportunité d'admirer de près le génie de Iouon.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Konstantine Iouon représente un investissement culturel et historique significatif. Son approche unique de la peinture et son impact sur l'art russe continuent d'inspirer et d'influencer les générations d'artistes.
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Muriel Köhler-Docmac, née Tamschick, alias Muche, est une artiste, designer et scénographe allemande qui vit et travaille à Stuttgart.
Elle a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'université du design de Karlsruhe, avec une spécialisation en scénographie, puis au lycée Eberhardt-Ludwig de Stuttgart. Muriel Köhler-Docmac a notamment conçu des espaces commerciaux et travaillé à la scénographie, au stylisme et à l'illustration de divers clips musicaux et publicités en Allemagne et à l'étranger. Elle a également créé la décoration intérieure de l'Académie de théâtre de Munich.
L'artiste travaille avec différentes techniques : elle peint, pulvérise de la peinture, crée des collages et colle des matériaux sur des surfaces. Elle utilise des feuilles perforées, des pochoirs autodécoupés ou même un tapis de douche pour appliquer ses mailles. Des références au street art, au graffiti et à la bande dessinée sont également visibles dans ses œuvres, ainsi que des éléments de caricature, d'illustration et de pop art. Muche a participé à de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger avec ses peintures.
Jakob Kolding est un artiste et scénographe danois et allemand.
Diplômé de l'Académie royale danoise des beaux-arts, il vit et travaille à Berlin, en Allemagne.
En utilisant des sources allant des canons historiques des arts visuels, de la littérature et du théâtre à la musique pop, au hip-hop, à la science-fiction, à l'imagerie urbaine et à la culture contemporaine, Kolding a créé son propre vocabulaire visuel à l'aide de la technique du collage. En construisant couche après couche, il donne vie à un monde aussi complexe qu'esthétiquement beau. La scénographie de Kolding se transforme en collages tridimensionnels qui s'étendent à tout l'espace qu'ils occupent, créant ainsi un monde entier.
Sergeï Iakovlevitch Lagoutin (еn russe: Сергей Яковлевич Лагутин) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, scénographe, enseignant et théoricien de l'art.
Sergeï Lagoutin a commencé sa carrière en 1934, alors qu'il servait dans l'armée, où il a participé pour la première fois à une exposition d'artistes militaires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a conçu des spectacles de théâtre et a travaillé dans des théâtres en Allemagne de l'Est et en URSS. Parmi ses contributions au domaine de l'art, on peut citer l'élaboration du programme et de la méthodologie d'enseignement de la composition adoptés par toutes les écoles d'art de Russie.
Mikhaïl Fiodorovitch Larionov (en russe : Михаил Фёдорович Ларионов) était un artiste russe de renom, dont l'œuvre a marqué l'art moderne. Né en 1881, Larionov a été une figure de proue de l'avant-garde russe, explorant et révolutionnant divers styles artistiques, notamment le primitivisme, le cubisme et le futurisme, avant de développer avec sa compagne Natalia Gontcharova le rayonnisme, premier mouvement d'art abstrait en Russie.
Son travail se distingue par une audace de couleur et une dynamique de forme qui cherchaient à capturer l'énergie et le mouvement, reflétant ainsi la rapidité et les changements de la société moderne. Larionov n'a pas seulement contribué à l'art par ses œuvres; il a également joué un rôle crucial dans l'organisation d'expositions d'avant-garde, favorisant ainsi la diffusion des nouvelles idées artistiques.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on retrouve des peintures qui sont aujourd'hui exposées dans des musées et des galeries prestigieuses à travers le monde, telles que le Musée Russe de Saint-Pétersbourg, la Galerie Tretiakov à Moscou, et le Centre Pompidou à Paris. Ces pièces témoignent de l'importance de Larionov dans l'évolution de l'art du XXe siècle et continuent d'inspirer artistes, collectionneurs et experts en art.
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Andras Markos est un abstractionniste, graphiste et artiste de performance roumain, hongrois et allemand.
Andras a étudié les beaux-arts à l'Académie roumaine des beaux-arts, puis a travaillé pendant de nombreuses années comme graphiste, est devenu conservateur de l'art ecclésiastique médiéval et concepteur de production pour le théâtre d'État hongrois.
En 1980, Markos émigre en Allemagne et travaille également à Vienne. En 1981, les expositions d'Andras ont voyagé à travers l'Europe et l'Amérique, et il s'est imposé comme un artiste de renommée internationale. Il a également fondé plusieurs galeries d'art.
L'œuvre de Markos est basée sur l'expressionnisme abstrait et l'art conceptuel. Il travaille souvent sur des séries thématiques et incorpore des mots et des idées calligraphiques ainsi que des collages dans ses images. Marcos a utilisé de nombreuses techniques, notamment la peinture sur toile et sur papier, la lithographie, la sérigraphie, la gravure et la céramique.
Togrul Narimanbekov (en russe : Тогрул Фарман оглы Нариманбеков) un artiste azerbaïdjanais renommé, s'est distingué par sa peinture vibrant et colorée qui transcende les normes du réalisme socialiste. Né à Bakou en 1930, il a débuté ses études artistiques à l'École d'État d'Art d'Azerbaïdjan avant de se spécialiser en peinture monumentale et décorative à l'Institut d'État des Beaux-Arts de Lituanie. Narimanbekov a également étudié le chant classique, enrichissant son expression artistique à travers diverses disciplines.
Son œuvre, influencée par les tensions culturelles et politiques de son temps, illustre une fusion de l'Est et de l'Ouest. Après avoir vécu à Moscou, Narimanbekov s'est installé à Paris en 1993, où il a continué à développer son style distinctif, caractérisé par une palette de couleurs audacieuse et une représentation presque mystique des thèmes traditionnels azerbaïdjanais. Ses tableaux sont exposés dans des musées et des galeries du monde entier, incluant le Musée d'Art Moderne de France et le Grand Palais à Paris.
Tout au long de sa carrière, il a été récompensé par plusieurs distinctions prestigieuses telles que l'artiste du peuple de l'URSS et de l'Azerbaïdjan, et il a été lauréat du Prix d'État de l'URSS. Après sa mort en 2013, son héritage artistique continue d'être célébré à travers des expositions et des rétrospectives.
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August Ohm était un peintre, dessinateur et scénographe allemand.
Après avoir été l'élève de son père, le peintre Wilhelm Ohm (1905-1965), il étudie à la Werkkunstschule de Hambourg (dessinateur et costumier) et à l'université de Hambourg, ainsi qu'à l'université libre de Berlin (histoire de l'art). L'artiste se réfère constamment aux modèles historiques de la peinture occidentale.
August Ohm est connu pour une série de visages antiques intitulée "Peintures de l'Antiquité", ainsi que pour des portraits inspirés de peintures de Lucas Cranach. Il a également créé des illustrations de l'Apocalypse, des peintures du désert afghan, des thèmes urbains, des "peintures de Novalis" et bien d'autres. Depuis les années 1970, August Ohm a également constitué une importante collection sur l'histoire du costume. Depuis 1982, l'artiste vit et travaille à Hambourg et possède un second atelier à Florence.
Yuri Ivanovitch Pimenov (en russe : Юрий Иванович Пименов) était un peintre, décorateur de théâtre, affichiste et écrivain soviétique, né le 26 novembre 1903 à Moscou et décédé le 6 septembre 1977 dans la même ville. Considéré comme le maître de l'impressionnisme soviétique, Pimenov a su marier réalisme et impressionnisme tout au long de sa carrière, reflétant ainsi les dynamiques sociales et culturelles de son époque. Ses œuvres les plus célèbres incluent "Les Invalides de guerre", "Nouvelle Moscou", "Route du front" et "Mariage dans la rue de demain", témoignant de son engagement à capturer l'essence de la vie soviétique et son évolution.
Pimenov a été fortement influencé par les Impressionnistes, notamment lors de ses visites à la galerie Schchoukine où il pouvait admirer les œuvres de Monet et Degas. Il a débuté son éducation artistique à l'école de dessin de Zamoskvoretskaya et a poursuivi à l'atelier de Sergey Malyutin avant d'intégrer les Ateliers d'art et techniques supérieurs d'État (VHUTEMAS) en 1920.
Sa carrière a pris un tournant notable lorsqu'il a rejoint la Société des peintres à chevalet (OST) en 1925, qui prônait un art révolutionnaire réfléchissant la vie de la jeune URSS. Cependant, suite à des critiques et une maladie grave dans les années 30, Pimenov a traversé une période de doute créatif avant de revenir à un art plus lyrique et élégant, se concentrant sur la beauté de la vie quotidienne soviétique et la nature.
Parmi ses réalisations, on note son influence dans le domaine théâtral et cinématographique, ses nombreuses décorations et son rôle d'enseignant à l'Académie des arts de l'URSS, où il a été élu académicien en 1962. Pimenov a été décoré de l'Ordre de Lénine et a reçu le titre d'Artiste du peuple de l'URSS en 1970.
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Günther Uecker est un artiste allemand appartenant au Groupe ZERO qui s'est fait connaître pour ses travaux dans la peinture et la sculpture. Il est particulièrement renommé pour avoir travaillé avec des clous qu'il fixe sur des panneaux ou ses sculptures. Une part de son œuvre fait corps avec l'art cinétique.
Theofiel Agnes van de Kerckhove était un peintre, graphiste, décorateur et scénographe belge.
Il a étudié la peinture à l'Académie d'Anvers, où il a également suivi les cours des sculpteurs Dekkers, Claessens et Dupont, et a rejoint l'association d'artistes Rupelgouw à Boom en 1936. Van de Kerckhove a travaillé comme scénographe à l'opéra de Lille et a vécu quelque temps en Allemagne. Il y travaille avec Albert Servaes, qu'il a rencontré à l'académie. Dans les années 1950, van de Kerckhove est conservateur au Rokokshuis et l'un des scénographes de la télévision belge.
Ulla von Brandenburg est une artiste médiatique et scénographe allemande qui vit et travaille à Paris.
Ulla a étudié la scénographie en Allemagne à l'université d'art et de design de Karlsruhe et les beaux-arts à l'université des beaux-arts de Hambourg. Ses projets sont réalisés à travers une combinaison de films en noir et blanc, d'installations, de performances, de dessins et de peintures, de peintures murales, de théâtre et de vidéos.
Le théâtre est au cœur du travail de l'artiste. Elle s'inspire souvent des formes représentatives de la fin du XIXe siècle et du début du modernisme. Ulla von Brandenburg exprime son amour des tissus et des draperies dans la création de rideaux, où les références aux productions théâtrales classiques, à Arlequin et aux thèmes de la bouffonnerie sont évidentes.
Gustav Wunderwald est un peintre et scénographe allemand, représentant du mouvement des nouveaux objets.
Wunderwald a étudié la peinture dans l'atelier de Wilhelm Kuhn à Cologne et a travaillé comme décorateur à Gotha. Depuis 1912, Wunderwald est scénographe à la Deutsche Oper de Berlin. En tant que peintre, Wunderwald a réalisé environ 200 tableaux de différents genres.