Sculpteurs Art contemporain
Gigi Porceddu est un sculpteur italien autodidacte qui travaille presque exclusivement avec la pierre de rivière de Sardaigne dans un style naïf qui lui est propre. Enfant, il a commencé à créer des figures à partir de la campagne environnante, en utilisant seulement un couteau et un tournevis, et il utilise toujours des outils simples pour travailler sur ses sculptures.
Porceddu reproduit les visages du sud de la Sardaigne sous forme de caricatures, mais le but de ce projet est en fait de décrire et de préserver la génétique des Sardes.
L'un des sujets préférés de Porceddu est celui des fonctionnaires, dont les images caricaturales ont plus d'une fois conduit à des conflits entre l'artiste et eux.
Jan Leth Aagensen est un artiste danois. Il s'est fait un nom en tant que lithographe et s'est ensuite fait connaître pour ses sculptures.
Jan Leth a été formé à l'Académie royale danoise des beaux-arts sous la direction du professeur Søren Hjort Nielsen de 1965 à 1969. Sa première exposition a eu lieu en 1961 à Kunstnernes Forårudstilling (Exposition de printemps des artistes). Il est membre de plusieurs groupes artistiques : Decembristerne, Kunstnersamfundet og Foreningen Danske Grafikere, l'Association de l'Académie royale danoise des beaux-arts et l'Association des artistes graveurs danois.
Jan Leth a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives, présentant des peintures, des sculptures, des dessins et des installations au Danemark et à l'étranger. Au cours de sa vie, il a reçu de nombreux prix et bourses. L'État danois lui a accordé une bourse économique à vie en 1998. Son travail est représenté dans les collections de galeries au Danemark et à l'étranger.
Magdalena Abakanowicz était une artiste polonaise, reconnue principalement pour ses sculptures en fibres et ses installations extérieures massives. Née en 1930 à Falenty près de Varsovie, elle a survécu à l'occupation nazie et a vécu sous le régime communiste, périodes pendant lesquelles elle a développé une approche unique de l'art, influencée par les restrictions politiques et sociales de son temps. Abakanowicz a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie où elle a été contrainte de suivre les principes du réalisme socialiste, avant de se tourner vers la sculpture textile dans les années 1960.
Elle est célèbre pour ses œuvres comme "War Games", une série de sculptures monumentales évoquant des thèmes de destruction et de survie, et "4 Seated Figures", des sculptures qui explorent la condition humaine à travers des figures anonymes et incomplètes, reflétant son expérience personnelle et collective du trauma et de la résilience. Ses œuvres sont exposées dans des musées et des espaces publics partout dans le monde, notamment au Parc Grant à Chicago et au Jardin des sculptures de la National Gallery of Art à Washington, DC.
Abakanowicz a également été honorée de nombreux prix tout au long de sa carrière, affirmant son influence dans le monde de l'art contemporain jusqu'à son décès en 2017. Ses sculptures restent des témoignages puissants des impacts de l'histoire sur l'expression individuelle et collective.
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Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Yaacov Agam est un artiste israélien né le 11 mai 1928 à Rishon LeZion, en Palestine (aujourd'hui Israël). Il est considéré comme un pionnier de l'art optique et cinétique, se distinguant par ses œuvres tridimensionnelles qui invitent à la réflexion sur le temps, le progrès et le rôle du spectateur. Agam a acquis une renommée internationale depuis sa première exposition solo en 1953, et ses œuvres sont collectionnées dans le monde entier.
L'approche révolutionnaire d'Agam repose sur la participation du spectateur, transformant l'acte de visionner en une expérience dynamique et changeante. Ses réalisations incluent des peintures mobiles, des sculptures et des installations spatiales qui démontrent son intérêt pour la transformation et la perception visuelle. Par ses innovations, Agam a contribué de manière significative à l'art moderne, en particulier dans les domaines de l'art optique et cinétique.
Agam a également été reconnu pour son utilisation de couleurs vives et de formes géométriques, créant des œuvres qui changent d'aspect selon l'angle de vue du spectateur. Cette interaction unique avec le public souligne la nature éphémère et subjective de la perception. En outre, l'Agamographie, une technique qu'il a développée, utilise un objectif lenticulaire pour créer des images qui semblent changer lorsqu'on les regarde sous différents angles.
Le Musée d'Art Yaacov Agam, ouvert en 2017 à Rishon LeZion, son lieu de naissance, est dédié à son œuvre et à l'art en mouvement, soulignant son importance dans l'histoire de l'art israélien et international. Les œuvres d'Agam sont présentes dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, y compris le Museum of Modern Art à New York et le Musée Hirshhorn et le Jardin de Sculptures à Washington, D.C., témoignant de son impact durable sur l'art contemporain.
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Wolfram Aïchele était un artiste du Bade-Wurtemberg, dans le sud de l'Allemagne, fils du célèbre artiste animalier Erwin Aichele. Après une formation de sculpteur, il étudie l'art religieux et byzantin, s'inspirant de ses pèlerinages en Serbie, au Kosovo, en Macédoine et au Mont Athos. Aïchele s'est concentrée sur la peinture d'icônes à la détrempe à l'œuf, dans le but de faire revivre le style iconographique pur corrompu au XIXe siècle. Il s'installe ensuite à Paris, où il explore diverses influences telles que l'art populaire d'Europe de l'Est, les miniatures persanes et les artistes modernes comme Chagall et Klee. Le travail d'Aïchele est passé à un mélange unique d'art figuratif et abstrait, principalement exprimé à travers des aquarelles et des collages peints.
Yō Akiyama (秋山 陽) est un céramiste japonais basé à Kyoto. Il était une figure de proue tardive de Sōdeisha, un groupe d'artistes d'avant-garde du XXe siècle qui cherchait à redéfinir les conceptions de l'esthétique et de la finalité de la céramique moderne et contemporaine, en se concentrant sur les attributs sculpturaux plutôt que sur la stricte fonctionnalité. Akiyama a étudié directement auprès de Kazuo Yagi, l'un des fondateurs de Sōdeisha, pendant six ans. Akiyama est ensuite devenu professeur à l'Université municipale des arts et de la musique de Kyoto, où il est actuellement professeur émérite, ayant pris sa retraite en 2018. En tant qu'artiste, il travaille principalement avec la poterie noire, une technique qui consiste à cuire l'argile dans des conditions de basse température et de fumée pour créer un effet sombre. Ses œuvres, principalement à grande échelle, sont richement texturées et abstraites, mettant l'accent sur la matérialité terrestre de l'œuvre ainsi que sur sa forme.
Fanizani Akuda est un sculpteur autodidacte du Zimbabwe, né en Zambie.
Il travaillait comme tailleur de pierre dans une carrière lorsqu'il a mis la main sur un outil et créé sa première sculpture en pierre. Avec son style unique, Fanizani a su transmettre avec talent les émotions humaines dans la pierre. Ses œuvres sont reconnaissables aux yeux bridés, aux formes arrondies, aux visages joyeux et souriants. Ses thèmes de prédilection sont les familles heureuses et l'interaction entre les hommes et les animaux, souvent par paires ou en groupes. Fanizani aimait également sculpter des sifflets.
Grâce à Fanizani et à ses sculptures en pierre uniques, le Zimbabwe est aujourd'hui internationalement reconnu.
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Peter Alexander était un peintre, graveur et architecte américain. En tant que peintre, Peter Alexander a été influencé par le Light and Space Movement en Californie. Le thème principal de sa peinture était le jeu de la lumière et les effets de lumière sur et au-dessus de l'eau et des nuages. Dans ses peintures, il a traité des fantasmes sous-marins, des paysages marins chatoyants et des nuages sombres avec la lumière du soleil ou des éclairs. Il a eu sa première exposition personnelle en 1968 à la Robert Elkon Gallery de New York.
Charles Henry Alston était un artiste américain du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre graphique et muraliste, mais aussi comme sculpteur, illustrateur et éducateur, qui a vécu et travaillé dans le quartier de Harlem à New York.
Charles Alston était un activiste de la "Renaissance de Harlem". Il est devenu le premier directeur afro-américain du US Federal Art Project. L'artiste a réalisé des peintures murales pour l'hôpital de Harlem ainsi que pour un certain nombre de bâtiments culturels et administratifs de la ville de New York. Alston est l'auteur d'un buste de Martin Luther King, Jr. qui a été la première représentation d'un Afro-Américain à être exposée à la Maison Blanche à Washington, DC.
Harold Ambellan est un peintre et sculpteur américain.
Il a étudié la sculpture et les beaux-arts à Buffalo avant de s'installer à New York. La figure humaine est au cœur de l'œuvre d'Harold Ambellan. Il a créé des figures monumentales et a beaucoup peint, laissant des milliers de dessins. Ambellan a été l'un des participants au Federal Art Project de Roosevelt, qui a engagé des centaines d'artistes pendant la Grande Dépression, lesquels ont créé collectivement plus de 100 000 peintures et plus de 18 000 sculptures.
Ambellan est resté attaché à la figuration, tant dans ses sculptures que dans ses peintures. Il est élu président de la Sculptors Guild of America en 1941 et, la même année, ses œuvres sont exposées dans le cadre d'expositions collectives au Metropolitan Museum of Art de New York et à l'Academy of Fine Arts de Philadelphie.
En 1944, Ambellan participe à la libération de la Normandie au sein de la marine américaine, puis enseigne l'art tridimensionnel à la Workshop School de New York. En 1954, pour des raisons politiques, Ambellan s'installe en France et y reste jusqu'à la fin de sa vie, travaillant et exposant dans toute l'Europe.
Andreas Amrhein est un artiste contemporain allemand. Sa première exposition vérifiée était Arbeiten auf Papier "Blau" à la Galerie Michael Schultz à Berlin en 1994. Andreas Amrhein est le plus souvent exposé en Allemagne, mais a également eu des expositions en Autriche, en Chine et ailleurs.
El Anatsui, sculpteur ghanéen né le 4 février 1944, s'est taillé une place de choix avec ses installations emblématiques en forme de bouchon de bouteille. Son art fait le lien entre ses racines ghanéennes et sa carrière au Nigeria, et il est salué au niveau international pour son utilisation innovante de matériaux de la vie quotidienne. Les tapisseries métalliques à grande échelle d'Anatsui, méticuleusement assemblées à partir de capsules de bouteilles jetées et de fils de cuivre, sont le reflet d'une vie passée à explorer les matériaux et l'artisanat locaux.
Citoyen de la nation Ewe, la lignée d'El Anatsui est intimement liée à l'art ; il est le fils d'un maître tisserand de tissu Kente. Cet héritage transparaît dans son travail, tout comme sa formation artistique à l'université Kwame Nkrumah des sciences et technologies de Kumasi, au Ghana. Les sculptures d'Anatsui ne sont pas de simples œuvres d'art, mais des récits tissés à partir de bois, de métal et d'argile, chaque pièce étant chargée d'une histoire.
Les installations d'Anatsui témoignent de sa vision transformatrice : il réutilise des matériaux simples pour en faire des sculptures mutables qui trouvent un écho auprès d'un public international. Ses œuvres, souvent exposées dans des musées et des galeries prestigieux, sont plus que des sculptures ; ce sont des dialogues sur la durabilité et la culture, qui invitent les spectateurs à démêler les couches de sens qu'elles contiennent.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les connaisseurs d'art, les œuvres d'El Anatsui sont un mélange d'histoire, d'innovation et d'art, ce qui en fait des ajouts importants à toute collection. Pour être tenu au courant des dernières nouveautés d'El Anatsui et de ses créations envoûtantes, inscrivez-vous à notre lettre d'information.
Carl Andre est un artiste minimaliste américain connu pour ses œuvres sculpturales réalisées à partir de matériaux industriels tels que des plaques de métal, des briques et des blocs de béton. Il est une figure clé du mouvement artistique minimaliste des années 1960 et 1970, qui met l'accent sur l'utilisation de formes et de matériaux simplifiés.
Dans les années 1960, Andre a commencé à créer ses fameuses sculptures au sol, composées d'unités standardisées de métal, de bois ou d'autres matériaux, disposées selon des motifs géométriques simples directement sur le sol. Son travail a souvent été controversé, de nombreux critiques le jugeant trop simpliste, voire nihiliste. Cependant, les sculptures d'Andre ont également été célébrées pour leur beauté discrète et leur capacité à remettre en question les notions traditionnelles d'art et de sculpture.
Tout au long de sa carrière, Andre a exposé ses œuvres dans les principaux musées et galeries du monde entier. Andre continue de vivre et de travailler à New York, où il reste une figure influente du monde de l'art.
Constantin Andreou (grec : Κωνσταντίνος Ανδρέου ; portugais : Constantine Andreou) est un artiste et sculpteur grec d'origine brésilienne qui a connu une carrière très fructueuse pendant six décennies. Andreou a été salué par beaucoup comme une figure éminente de l'art international du XXe siècle.
Constantin Andreou a combattu dans l'armée grecque pendant la Seconde Guerre mondiale et a rejoint la résistance armée après l'occupation de la Grèce. À la fin de la guerre, Andreou a reçu une bourse du gouvernement français en 1945 et s'est installé à Paris. C'est là, en 1947, qu'il a développé une technique artistique innovante en soudant pour la première fois des plaques de laiton. Cette technique lui permet de trouver de nouvelles formes d'expression dans la sculpture et fait de lui un innovateur de son temps.
Pendant son séjour à Paris, l'artiste travaille un temps avec Le Corbusier. Les œuvres d'Andreou ont été exposées aux côtés de celles d'artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Henri Matisse et Max Ernst, ce qui témoigne de ses remarquables réalisations artistiques.
Valeriï Vladimirovitch Androsov (еn russe: Валерий Владимирович Андросов) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme sculpteur, architecte, designer, peintre, graphiste et enseignant.
Valeriï Androsov crée des paysages, des natures mortes et des portraits, ainsi que des œuvres fantastiques. Il est également connu comme l'auteur d'une vaste collection d'ex-libris qui reflètent fidèlement le caractère et les intérêts des propriétaires de livres. À différentes périodes, il a été artiste en chef du Mosstroiplastmass Combine et directeur de la Mytishchi Picture Gallery. Il a également créé des monuments à la mémoire des victimes de la Grande Guerre patriotique et des pilotes de l'aéroclub de Mytishchi, démontrant ainsi ses compétences dans diverses directions artistiques.
Horst Antes est un peintre, graphiste et sculpteur allemand, pionnier de la nouvelle peinture figurative en Allemagne.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Karlsruhe de 1957 à 1959 et y a été professeur.
Antes est devenu célèbre pour sa représentation du Kopffüßler (pied-tête), qui est un thème récurrent dans ses peintures, sculptures et œuvres graphiques depuis le début des années 1960. L'œuvre d'Antes est représentée dans plusieurs grandes collections à Berlin, Hambourg, Cologne et ailleurs en Allemagne.
Richard Anuszkiewicz était un artiste américain, pionnier de l'Op Art, reconnu pour ses explorations complexes de la couleur à travers des abstractions géométriques hardies, illuminées par des relations chromatiques incandescentes. Né en 1930, il a captivé le monde de l'art dès les années 1960, notamment lorsque le Museum of Modern Art (MoMA) a acquis l'une de ses œuvres. Ses études à l'Institut d'Art de Cleveland, puis à l'Université Yale sous la tutelle de Josef Albers, ont fortement influencé son approche de la couleur et de la forme.
Anuszkiewicz s'est éloigné de l'influence directe d'Albers et du réalisme de ses premières peintures pour développer un style abstrait où la couleur devenait le sujet principal. Ses œuvres, comme "Fluorescent Complement", ont joué un rôle clé dans les premières manifestations du mouvement Op Art en Amérique du Nord, se distinguant nettement de l'expressionnisme abstrait par leur intensité émotionnelle contrôlée et leurs constructions géométriques centralisées. Son travail a été exposé dans de nombreuses collections publiques à travers le monde et a reçu plusieurs distinctions au cours de sa carrière, soulignant son impact durable sur l'art moderne américain.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, s'abonner pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Richard Anuszkiewicz peut être une excellente manière de rester informé sur ce segment particulier du marché de l'art.
Armando, né Herman Dirk van Dodeweerd, était un peintre, sculpteur, poète, écrivain, violoniste, acteur, journaliste, réalisateur de films, de télévision et de théâtre néerlandais. Armando était son nom officiel ; son nom de naissance, le pseudonyme comme il l'appelait, n'existait plus pour lui. Il considérait lui-même son travail comme «Gesamtkunstwerk», basé sur ses expériences de la Seconde Guerre mondiale dans les environs du Kamp Amersfoort.
Alexandre Arrechea est né en 1970 à Trinidad (Cuba). Il commence sa carrière solo en 2003, après avoir fait partie pendant 12 ans du collectif d’art Los Carpinteros (les menuisiers). Considéré comme artiste pluridisciplinaire, Alexandre Arrechea travaille sur des sujets variés, et est connu pour avoir donné naissance à de nombreux projets tels que Ciudad Transportable (2000), El Jardin de la Desconfianza (2003-2005) ou encore Perpetual Free Entrance (2006).
Daniel Arsham est un artiste et sculpteur américain, co-fondateur et associé de la firme de design Snarkitecture. Vit et travaille à New York. Ses projets incluent des collaborations avec James Franco, Hajime Sorayama, Merce Cunningham, Heidi Slimane et Pharrell Williams. Il a également réalisé des commandes pour des marques telles que Calvin Klein et Louis Vuitton.
Aslan, de son vrai nom Alain Gourdon, est un artiste, illustrateur et sculpteur français. Il est surtout connu en France pour ses œuvres de pin-up. Il a étudié à l'École nationale des beaux-arts de Paris.
Aslan est également l'auteur de bustes et de statues de nombreuses personnes célèbres (acteurs, hommes politiques, chanteurs). Ses œuvres sont souvent caractérisées par la grâce, le courage et l'ardeur. Aslan transmet magistralement la beauté et la profondeur émotionnelle du corps féminin, en jouant avec les lignes, les formes et la lumière. Ses compositions suscitent souvent des sentiments contradictoires : elles sont à la fois élégantes et provocantes, évoquant un dialogue entre l'érotisme et l'art.
Le travail d'Aslan comporte un élément surréaliste qui lui confère un air de mystère et de singularité. Il combine sans peine réalité et fantaisie, créant un monde plein d'images imprévisibles et mystiques.
Pablo Atchugarry est un artiste uruguayen, surtout connu pour son art sculptural abstrait. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections importantes, tant privées que publiques, et il a organisé plus de cent expositions individuelles et collectives dans le monde entier.
Pour chaque sculpture, Atchugarry choisit personnellement un bloc approprié et s'implique activement dans la sculpture, avec une aide minimale des assistants. Il travaille le marbre blanc de Carrare de Toscane, la pierre grise de Bardiglio, le noir de Belgique et le rose du Portugal. En plus de la pierre, il utilise le bronze patiné, la céramique et, plus rarement, divers types de bois.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Tauba Auerbach est une artiste visuelle qui travaille dans de nombreuses disciplines, notamment la peinture, les livres d'artistes, la sculpture et le tissage. Elle vit et travaille à New York.
Étudiante en mathématiques et en physique depuis toujours, Tauba Auerbach s'intéresse à la structure et à la connectivité, de l'échelle microscopique à l'échelle universelle.
Edgar Augustin était un peintre et sculpteur allemand.
Augustin a étudié la sculpture à Münster avec Karl Ehlers, puis a été l'élève du maître Gustav Zeitz à Hambourg. Son œuvre comprend des représentations figuratives partiellement abstraites en bronze, en bois et en plâtre, ainsi que des peintures, des dessins et des graphiques. Certaines des sculptures d'Edgar Augustin se trouvent dans des espaces publics à Hambourg et dans d'autres villes.
Edgar Augustin était membre de l'Académie libre des arts de Hambourg et de l'Association spéciale des artistes en Allemagne. Dans la seconde moitié du XXe siècle, Augustin a été l'un des pionniers de la sculpture figurative sur bois, dont il est considéré comme le plus important représentant.
Robert Petrosovitch Avakian (еn russe: Роберт Петросович Авакян) était un artiste soviétique et ouzbek d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, sculpteur et enseignant.
Robert Аvakian a reçu une formation en peinture, mais il est surtout connu comme auteur de sculptures monumentales. Il a travaillé activement à Tachkent, participant à de nombreuses expositions, y compris des concours internationaux de sculpture. Le maître a également laissé son empreinte dans des villes ouzbèkes telles que Bukhara, Nukus et Yangibazar, où il a créé d'importantes œuvres monumentales.
Janis Avotins est un artiste letton né à Riga en 1981. Il a étudié à l'Académie d'art de Lettonie et au Royal College of Art de Londres. Avotins travaille sur différents supports, notamment la peinture, le dessin et la sculpture, et son travail se caractérise par une approche expérimentale de la forme et de la technique. Il a été reconnu pour ses expositions dans des galeries internationales, notamment les Serpentin Galleries à Londres et la Biennale de Venise.
Kenjiro Adzuma (japonais : 吾妻 兼治郎) est un sculpteur abstrait japonais connu pour son approche avant-gardiste et innovante de la sculpture et de l'installation, l'un des plus importants artistes japonais de l'après-Seconde Guerre mondiale. Il a également vécu et travaillé en Italie pendant de nombreuses années. Il a étudié la sculpture à la Graduate School of Art de l'université de Tokyo et à l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan, où il a suivi les cours de Marino Marini.
Kenjiro Adzuma est une figure clé du mouvement artistique japonais connu sous le nom de Mono-ha (School of Things) à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Les artistes du Mono-ha ont exploré la relation entre les matériaux naturels et industriels, les juxtaposant souvent pour créer des installations qui suscitent la réflexion.
Hans Matthäus Bachmayer était un peintre et sculpteur expressionniste allemand.
Bachmayer a créé des peintures expressives de grand format. Ses sculptures sont constituées de pièces de bois individuelles collées ensemble pour former des structures aux formes étranges. La coloration expressive des matériaux bruts a créé une tension intéressante entre la couleur et la forme.
Trisha Baga est une artiste américaine qui travaille sur différents supports, notamment des installations vidéo, des sculptures, des peintures et des installations audio. Elle est connue pour ses expériences avec la technologie et utilise souvent la voix et le corps dans son travail.
Ses œuvres sont souvent interactives et combinent différents éléments tels que des projections, des sons, des objets et des mouvements. Elle est également connue pour son utilisation d'éléments privés tels que les téléphones portables pour créer des œuvres d'art uniques et personnelles.
Trisha Baga puise dans l'héritage de la sculpture, de la peinture, de la musique, de la photographie et de la littérature. Parmi les sujets et les thèmes qu'elle explore figurent les événements contemporains, le culte des héros et des célébrités, et l'histoire collective. Les installations de Baghi comprennent souvent un film, composé de montages et de collages d'images et de photographies trouvées, empilées de manière à ce que certaines images en cachent d'autres ; les films sont projetés directement sur le mur, par-dessus des objets personnels et des déchets de son atelier, de manière à ce qu'ils projettent des ombres sur la projection.
Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de Los Angeles, au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise.
