Photo noir et blanc
Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art intéressé par les œuvres d'Ansel Adams, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce photographe emblématique.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Adams, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ses œuvres. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'évolution du marché et les nouvelles découvertes associées à cet artiste emblématique.
Ike Altgens, né James William Altgens, était un photojournaliste américain, rédacteur photo et reporter pour l'Associated Press (AP).
Après avoir obtenu son diplôme à la North Dallas High School, James rejoint l'Associated Press, d'abord en tant que reporter, puis en 1940, il est affecté à l'équipe de photojournalisme. Il a servi dans les garde-côtes américains pendant la Seconde Guerre mondiale et est retourné à l'Associated Press en 1945 en tant que photographe, travaillant comme rédacteur et comme acteur et mannequin à temps partiel.
Le 22 novembre 1963, Altgens est chargé de photographier le président John F. Kennedy lors de sa visite à Dallas. Le destin a voulu qu'il prenne des photos historiques de l'assassinat de Kennedy, qui ont été publiées dans les journaux du monde entier le lendemain.
Altgens a quitté l'Associated Press en 1979, puis a travaillé dans le domaine de la publicité pour Ford Motor Company. Le 12 décembre 1995, James Altgens et sa femme ont été retrouvés morts dans différentes pièces de leur maison à Dallas. Selon l'enquête, la cause de leur décès est une intoxication au monoxyde de carbone due à une chaudière défectueuse.
Ellen Auerbach, née Ellen Rosenberg, est une photographe américaine d'origine juive allemande et un maître de la photographie d'avant-garde.
Ellen a étudié à l'école d'art de l'État de Baden et a poursuivi ses études à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart avant de rencontrer la photographe Greta Stern (1904-1999) à Berlin. Ensemble, elles ont ouvert Ringl+pit, un studio de photographie et de design spécialisé dans la publicité, la mode et le portrait. La photographe est surtout connue pour son travail de pionnière dans ce studio. Ellen, qui a également expérimenté le cinéma, a réalisé deux courts métrages en noir et blanc.
En 1933, Ellen émigre en Palestine et y ouvre un studio de portraits d'enfants. Quelques années plus tard, elle s'installe avec son mari Walter Auerbach aux États-Unis, où elle travaille dans une collection d'art privée, enseigne la photographie, réalise des films et des photographies pour étudier le comportement des enfants et travaille comme thérapeute pédagogique.
Les œuvres Ringl+pit et l'œuvre photographique d'Ellen Auerbach et de Greta Stern ont été redécouvertes dans les années 1980 et ont donné lieu à une série d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Allemagne.
Lillian Bassman est une photographe et artiste américaine.
Directrice artistique de magazines et photographe de mode, elle est devenue célèbre dans les années 1940 et 1950 pour ses portraits très contrastés et oniriques de mannequins aux allures de sylphides. Le style graphique unique de Bassman illustre la mystique et le glamour féminins, ainsi que l'audace d'une artiste qui brouille les frontières entre la photographie de mode et les beaux-arts. Alors qu'elle travaillait comme directrice artistique pour le magazine Bazaar en 1945, elle a contribué à lancer la carrière de nombreux photographes parmi les plus célèbres du siècle.
Bernd et Hilla Becher sont un couple de photographes allemands connus pour leurs photographies frontales d'installations industrielles.
Pour donner à leurs photos ce caractère de documentaire « objectif », elles sont toutes prises selon le même protocole immuable : une lumière neutre (ciel couvert) et chaque photo d'une même série est composée de manière identique (angle de vue et cadrage). Il faut ajouter à cela l'utilisation du noir et blanc, d'un téléobjectif pour éviter les déformations et d'une chambre Linhof 8x10, ainsi qu'une présentation spécifique des œuvres, conservées au cours des années.
Une caractéristique esthétique prédomine : les constructions photographiées apparaissent comme des formes géométriques ou tortueuses qui se répètent au long des séries. Ce phénomène de sérialité est caractéristique de la syntaxe photo-conceptuelle qu'ils mettent en pratique dans leur œuvre. Les photographies parfaitement neutres isolent ainsi l'infrastructure. On peut alors comparer les variations formelles entre les bâtiments photographiés, désignés comme des « sculptures anonymes », selon le titre de leur premier ouvrage publié en 1970.
Le travail des Becher joue un rôle dans le renforcement de l'intérêt public pour le patrimoine industriel.
Valérie Belin est une artiste plasticienne française, photographe. Elle vit et travaille à Paris.
Inspirée par différents courants artistiques minimalistes et conceptuels, Valérie Belin s’oriente très tôt vers la photographie, qu’elle choisit comme moyen d’expression plastique.
Dans cet esprit, c’est d’abord le medium photographique lui-même qui est le sujet principal de son œuvre. La lumière, la matière, le corps des choses et des êtres, ainsi que leurs représentations et leurs transformations par le medium photographique, constituent le terrain de ses investigations et l’univers de son propos artistique. Son travail, composé principalement de natures mortes et de portraits a évolué avec la prise en compte des codes propres au monde de l’image et de la représentation.
Erwin Blumenfeld est un photographe et artiste d'origine allemande, surtout connu pour ses photographies de mode et son travail expérimental au milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste, travaillant la peinture, le dessin et le collage.
Dans les années 1930, Blumenfeld a fui l'Allemagne et s'est installé à Paris, où il est devenu un photographe de mode à succès. Il a travaillé pour Vogue et d'autres magazines prestigieux, créant des images emblématiques de mannequins et de célébrités telles que Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor et Grace Kelly.
Blumenfeld était également connu pour son travail expérimental et avant-gardiste, qui faisait souvent appel à des techniques telles que le photomontage, la solarisation et les expositions multiples. Il considérait la photographie comme un moyen d'expression artistique et l'utilisait pour explorer des idées sur l'identité, la beauté et la nature de la réalité.
L'héritage de Blumenfeld en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer la mode et l'art contemporains. Ses techniques innovantes et son style particulier continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, et son œuvre est reconnue comme une contribution importante à l'histoire de la photographie.
Oliver Boberg est un artiste plasticien et professeur d'art. Il vit et travaille à Fürth et enseigne l'art au Ehrenbürg-Gymnasium de Forchheim.
Ses travaux portent sur les non-lieux dans notre environnement urbain direct. Ses œuvres se fondent sur de vastes archives photographiques dans lesquelles il sélectionne des détails, des couleurs et des structures qu'il assemble dans ses maquettes pour créer une architecture stéréotypée.
Guy Bourdin était un photographe et artiste français, surtout connu pour ses photographies de mode innovantes et provocantes du milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière en tant que peintre avant de se tourner vers la photographie.
Le style photographique de Bourdin se caractérise par l'utilisation de couleurs vives, d'images surréalistes et de thèmes provocateurs. Il a souvent intégré des éléments érotiques et violents dans son travail, remettant en question les idées traditionnelles sur la beauté et la féminité.
Les photographies de Bourdin ont été largement publiées dans des magazines de mode tels que Vogue, et il s'est fait connaître pour ses collaborations avec des créateurs de mode tels que Charles Jourdan et Issey Miyake. Son travail a eu une grande influence et il est considéré comme l'un des plus importants photographes de mode du XXe siècle.
L'héritage de Bourdin en tant qu'artiste et photographe continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes. Ses techniques innovantes et son esthétique audacieuse continuent de repousser les limites de la photographie de mode et ont eu un impact significatif sur l'art et la culture contemporains.
Margaret Bourke-White était une photographe et photojournaliste américaine. Elle a étudié la photographie à la Clarence H. White School of Photography. C'est là qu'elle a développé son style caractéristique en utilisant des angles dramatiques et de forts contrastes d'ombre et de lumière.
Burke-White a été l'une des premières femmes photographes à travailler pour le magazine Life, et ses images sont devenues synonymes de la couverture par le magazine d'événements mondiaux majeurs tels que la Seconde Guerre mondiale et la guerre de Corée. Elle a également été la première femme photographe à travailler dans les zones de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, où elle a capturé des images puissantes de la guerre et de son impact sur les civils.
Outre la photographie de guerre, Bourke-White a également documenté la Grande Dépression aux États-Unis et a été l'un des rares photographes à avoir accès à l'Union soviétique dans les années 1930, où elle a documenté l'industrialisation soviétique et la vie des gens ordinaires.
L'œuvre de Bourke-White était connue pour son impact puissant et son réalisme brutal. Elle a souvent risqué sa sécurité pour obtenir la photo parfaite et ses images continuent d'inspirer les photographes d'aujourd'hui. Elle a publié plusieurs ouvrages sur son travail, dont Eyes on Russia et Dear Fatherland, Rest in Peace.
Bourke-White a laissé derrière elle l'héritage d'une des plus grandes photojournalistes du XXe siècle.
Nick Brandt est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies en noir et blanc d'animaux sauvages et de paysages d'Afrique.
Brandt a commencé sa carrière de photographe en travaillant comme réalisateur de clips musicaux dans les années 1990, avant de se tourner vers la photographie d'art. Son travail dépeint souvent les animaux d'Afrique de manière puissante et émotive, soulignant la beauté et la fragilité de ces créatures et de leurs habitats naturels.
Les photographies de Brandt ont été largement exposées et font partie des collections de nombreux grands musées, dont la National Portrait Gallery de Londres, le Museum of Fine Arts de Houston et le Smithsonian National Museum of African Art de Washington, D.C. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont "On This Earth", "A Shadow Falls" et "Across The Ravaged Land".
Outre ses photographies, M. Brandt est également le fondateur de la Big Life Foundation, une organisation à but non lucratif qui se consacre à la conservation de la faune et des écosystèmes en Afrique de l'Est. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies et son travail de conservation, notamment le prestigieux prix Wildlife Photographer of the Year.
Robert Capa est un photographe et photojournaliste américain d'origine hongroise. Il est considéré comme l'un des plus grands photographes de guerre de tous les temps, connu pour ses images dramatiques de combats et de conflits. Frère aîné de Cornell Capa, il est un classique de la photographie documentaire.
Capa a commencé sa carrière de photographe au début des années 1930 et s'est rapidement fait connaître pour sa couverture de la guerre civile espagnole. Il a ensuite couvert de nombreux conflits majeurs, dont la Seconde Guerre mondiale, la première guerre d'Indochine et la guerre israélo-arabe.
L'une des photographies les plus célèbres de Robert Capa est Falling Soldier, prise pendant la guerre civile espagnole. La photo représente un soldat républicain qui tombe la tête la première après avoir été touché par une balle. L'authenticité de la photographie a fait l'objet de controverses pendant de nombreuses années, mais elle reste une image emblématique de la photographie de guerre.
Capa a également cofondé Magnum Photos, une coopérative de photographes indépendants créée en 1947. Depuis lors, Magnum Photos est devenue l'une des agences photographiques les plus prestigieuses et les plus influentes au monde.
Capa est mort en 1954 alors qu'il couvrait la première guerre d'Indochine, en marchant sur une mine. Son héritage en tant que photographe de guerre et photojournaliste continue d'inspirer des générations de photographes, et son travail reste un élément important de l'histoire de la photographie.
Cornell Capa était un photographe et photojournaliste américain, fondateur de l'International Center of Photography (ICP) à New York et frère cadet du célèbre correspondant de guerre Robert Capa.
Cornell Capa était connu pour son approche humaniste de la photographie, capturant souvent la vie et les luttes des gens ordinaires. Tout au long de sa carrière, il a couvert de nombreux événements importants, notamment la guerre civile espagnole, la Seconde Guerre mondiale et la guerre du Viêt Nam. Capa a également photographié de nombreuses personnes célèbres, dont John F. Kennedy, Marilyn Monroe et Pablo Picasso.
En 1974, Cornell Capa a fondé l'ICP, qui est devenu depuis l'une des principales institutions d'enseignement et d'exposition de la photographie dans le monde. La mission de l'ICP est de promouvoir la compréhension et l'appréciation de la photographie en tant que forme d'art et en tant que moyen de communication et de changement social.
Tout au long de sa carrière, Capa a reçu de nombreux prix et distinctions, dont la National Medal of Arts en 1988. Ses photographies continuent d'être exposées dans des galeries et des musées du monde entier et son héritage se perpétue à travers l'ICP.
Gitta Carell est le nom professionnel de Gitta Klein, une photographe italienne naturalisée, née en Hongrie, qui a connu la gloire entre 1930 et 1950. Connue pour ses portraits, elle était la photographe préférée de l'aristocratie et, malgré ses origines juives, elle a contribué à créer les images utilisées dans la propagande fasciste. Après la chute de Mussolini, elle est restée en Italie, bien que sa sphère d'influence ait considérablement diminué. À la fin des années 1960, elle a émigré en Israël, où elle est morte dans l'obscurité. Ses archives, conservées par la Fondation 3M, ont fait l'objet de nombreuses tournées en Europe et, au XXIe siècle, un regain d'intérêt s'est manifesté pour l'appréciation de ses compétences de technicienne.
Henri Cartier-Bresson était un photographe, photojournaliste et dessinateur français de renommée mondiale. Il est célèbre pour son concept de "l'instant décisif" en photographie, capturant des moments qui illustrent profondément la nature humaine et le monde autour de nous. Cartier-Bresson a cofondé l'agence Magnum Photos en 1947, révolutionnant la photographie de rue et le photojournalisme.
Sa formation artistique a commencé dans la peinture avant de se tourner vers la photographie, influencé par l'œuvre des surréalistes et des maîtres du cubisme comme André Lhote. Son travail reflète une fusion unique entre l'art, la photographie et le journalisme, influençant profondément les générations futures de photographes.
Les œuvres de Henri Cartier-Bresson sont préservées et exposées dans des institutions prestigieuses à travers le monde, telles que la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris, le Metropolitan Museum of Art, et la Victoria and Albert Museum, où ses photographies sont considérées comme des trésors nationaux.
Pour ceux qui sont passionnés par la photographie et l'art, suivre l'œuvre de Cartier-Bresson offre une perspective unique sur le XXe siècle et son héritage continue d'inspirer et de fasciner. Pour rester informé des expositions, des ventes et des événements liés à Henri Cartier-Bresson, envisagez de vous inscrire aux newsletters de la Fondation Henri Cartier-Bresson ou des musées qui conservent ses œuvres.
Lucien Clergue est un photographe français de la photographie en noir et blanc, premier photographe à être élu membre de l'Académie française des beaux-arts.
Lucien Clergue est l'un des photographes les plus célèbres de France et le fondateur du festival annuel d'Arles, qui est devenu un événement majeur dans le monde de la photographie d'art avec jusqu'à 100 000 participants. Ses œuvres photographiques renommées - études modernistes en noir et blanc de nus féminins, d'arlequins, d'animaux morts, de gitans et de tauromachie - sont considérées comme exemplaires de l'artiste photographe. Clergue est également connu pour son amitié avec Pablo Picasso, qui a duré une trentaine d'années, jusqu'à la mort de l'artiste.
Alvin Langdon Coburn était un photographe et artiste américain surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie picturale. Il était membre du mouvement Photo-Secession, un groupe de photographes qui cherchait à élever la photographie au rang d'art.
Coburn est né à Boston, dans le Massachusetts, et a grandi en Angleterre. Il a commencé à prendre des photos à l'âge de huit ans et a ensuite étudié la photographie à New York. Il est devenu l'un des principaux photographes de son époque et son travail a été largement exposé en Europe et aux États-Unis.
Coburn est peut-être surtout connu pour son utilisation novatrice du "vortographe", une technique qu'il a mise au point en 1917 et qui consiste à photographier des objets à travers une disposition triangulaire de miroirs. Les images qui en résultent sont très abstraites et géométriques, et anticipent le travail de nombreux artistes ultérieurs, y compris les surréalistes.
Outre son travail photographique, Coburn était également un peintre et un graveur accompli. Il a continué à travailler en tant qu'artiste tout au long de sa vie, et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les collections de nombreux grands musées à travers le monde.
Alfred Ehrhardt était un artiste allemand au talent universel. Il a été organiste et chef de chœur, puis professeur de musique et d'art dans une école de rattrapage, et enfin professeur d'art et peintre, avant de devenir photographe et réalisateur.
Après avoir passé le semestre d'hiver 1928-1929 au Bauhaus de Dessau, où il a été influencé de manière décisive par Josef Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee et Oskar Schlemmer, il a transposé le concept de pré-cours du Bauhaus à ses cours d'art avec les enfants et les jeunes, depuis la première classe jusqu'à l'Abitur. Fort de cette expérience, il est nommé en 1930 à la Landeskunstschule de Hambourg, où il crée le premier cours préliminaire de science des matériaux en dehors du Bauhaus. Après avoir été renvoyé de l'université par les national-socialistes en 1933 en raison de sa vision moderniste de l'art, il s'est tourné vers la photographie et le cinéma.
Alfred Ehrhardt est considéré comme un représentant exceptionnel de la nouvelle photographie objective. Après avoir publié plus de 20 livres de photos, il est devenu l'un des photographes les plus prospères parmi les anciens artistes du Bauhaus. Ses "films absolument artistiques", qui défient la modernité et s'inspirent de l'avant-garde des années 1920, le placent parmi les anciens maîtres du cinéma culturel et documentaire. Alfred Erhardt est considéré comme "le plus important créateur allemand de films culturels de l'après-guerre" et a reçu de nombreuses récompenses nationales et internationales pour plus de 50 films, dont quatre prix fédéraux du cinéma.
Alfred Eisenstaedt était un photographe et photojournaliste américain d'origine allemande. Il est surtout connu pour son travail de photographe pour le magazine Life, où il a capturé des images emblématiques de célébrités, de politiciens et de gens ordinaires.
Eisenstaedt a commencé sa carrière de photographe en Allemagne, en travaillant pour l'agence Pacific and Atlantic Photos à Berlin dans les années 1920. Il a émigré aux États-Unis en 1935 et a rejoint l'équipe du magazine Life en 1936, où il est resté jusqu'à ce que le magazine cesse de paraître en 1972.
Les images d'Eisenstaedt se distinguent par leur spontanéité et leur capacité à capturer l'essence de ses sujets. Il est peut-être le plus connu pour sa photographie "V-J Day in Times Square", qui représente un marin embrassant une infirmière pour célébrer la fin de la Seconde Guerre mondiale. Cette image est devenue l'une des photographies les plus emblématiques du XXe siècle.
Tout au long de sa carrière, Eisenstaedt a photographié un grand nombre des personnes les plus célèbres et les plus influentes de son époque, notamment Marilyn Monroe, Albert Einstein, Winston Churchill et John F. Kennedy. Son travail a été exposé dans les plus grands musées du monde et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à la photographie.
Elsa et Johanna sont un duo créatif d'artistes photographes et de cinéastes.
Elles ont été finalistes du Prix HSBC pour la photographie 2016 et ont remporté le deuxième Prix Picto de la mode 2017.
Le duo compte parmi ses clients des publications de renom telles que Le Temps, Boycott Magazine, L'Express 10, Crash Magazine, Etro, Boucheron et Apple.
Walker Evans est un photographe documentaire américain.
Promoteur d'une photographie vernaculaire, figure majeure de la photographie américaine du ХХe siècle, Walker Evans conservera de sa vocation littéraire le souci d'un regard attentif sur les villes et sur ceux qui y vivent.
Par sa portée humaniste et documentaire, l'œuvre qui marque très tôt sa différence avec les courants contemporains saura influencer toute une génération.
Arthur (Usher) Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, est un photographe et photo-journaliste américain célèbre pour ses photographies en noir et blanc de la vie nocturne, tout particulièrement celle de sa ville de prédilection, New York.
Ori Gersht est un photographe et vidéaste israélien. Il est connu pour son utilisation de la photographie et de la vidéo pour explorer les thèmes de la mémoire, de l'histoire et du conflit.
Le travail de Gersht implique souvent l'utilisation de vidéos au ralenti et à grande vitesse, ce qui lui permet de capturer les moments éphémères et fugaces qui sont souvent négligés dans la vie quotidienne. Il utilise également toute une série de techniques photographiques, notamment des natures mortes et des paysages, pour créer des images à la fois belles et obsédantes.
Parmi les séries les plus célèbres de Gersht, citons "Time After Time", qui capture l'instant d'une fleur qui éclate, et "Liquidation", qui explore la destruction d'objets historiques. Il a également créé des installations vidéo qui examinent l'histoire et la mémoire de l'Holocauste.
Le travail de Gersht a été exposé dans les principaux musées et galeries du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie et de l'art vidéo. Il continue à produire de nouvelles œuvres et est largement considéré comme l'un des artistes contemporains les plus importants.
Ormond Gigli était un photographe américain surtout connu pour ses photographies de mode et ses portraits. Il a commencé sa carrière en tant que photographe indépendant dans les années 1940, avant de devenir photographe attitré de plusieurs grandes publications, dont LIFE, Time et Harper's Bazaar.
Le travail de Gigli se caractérise par une utilisation frappante de la couleur et de la composition, mettant souvent en scène des mannequins dans des poses et des décors élaborés. L'une de ses images les plus célèbres est "Girls in the Windows", une photographie qu'il a prise en 1960 et qui montre des mannequins posant dans les fenêtres d'un immeuble de Manhattan voué à la démolition.
Tout au long de sa carrière, Gigli a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award de l'American Society of Media Photographers en 2003. Ses photographies ont été exposées dans des galeries et des musées du monde entier et font partie des collections de nombreuses grandes institutions, dont le Museum of Modern Art de New York et la National Portrait Gallery de Washington.
Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, célèbre pour son approche documentaire intime et crue de la vie, capturant des scènes de la sous-culture LGBT, d'intimité, et des moments personnels marqués par l'amour, la drogue, et la violence. Après avoir quitté son domicile familial à 13 ans, Goldin a trouvé une nouvelle famille parmi des amis partageant des expériences marginales, documentées notamment dans son œuvre la plus connue, « The Ballad of Sexual Dependency » (1986).
Ses photographies, souvent présentées sous forme de diaporamas, ne se contentent pas de capturer des images; elles racontent des histoires, explorant des thèmes tels que l'amour, le genre, la domesticité et la sexualité. Goldin elle-même voit la photographie comme un moyen d'empathie et d'amour, se concentrant sur les personnes qui l'émeuvent. Ses séries ultérieures élargissent son champ d'intérêt vers des paysages, des ciels, et continuent de refléter des thèmes intimes et personnels.
Son travail a été exposé dans des institutions prestigieuses comme le MoMA, où ses œuvres continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion. Goldin vit et travaille actuellement à New York, Paris et Londres, et continue d'être une voix influente dans le monde de l'art et de l'activisme, notamment à travers son groupe de plaidoyer P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now).
Pour ceux intéressés par l'art et l'antiquité, l'œuvre de Goldin offre un aperçu sans pareil de moments de vie capturés avec une sincérité brute. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Nan Goldin, n'hésitez pas à vous inscrire à notre newsletter. Cela vous permettra de rester informé sur l'accessibilité et la collecte de ses œuvres.
Heinrich Heidersberger était un photographe allemand qui a passé une grande partie de sa vie à Braunschweig et Wolfsburg (Basse-Saxe). Il est considéré comme l'un des pionniers de la photographie d'architecture et industrielle.
Bill Henson est un photographe australien. Il est connu pour ses photographies sombres et atmosphériques de la forme humaine, ainsi que pour ses paysages et ses intérieurs architecturaux.
Henson a commencé sa carrière de photographe dans les années 1970 et s'est fait connaître dans les années 1980 pour ses images sombres et énigmatiques d'adolescents. Son travail explore souvent les thèmes de la sexualité, du désir et du subconscient.
Tout au long de sa carrière, Henson a continué à produire des œuvres photographiques saisissantes qui repoussent les limites du portrait conventionnel et de la photographie de paysage. Il a beaucoup exposé, tant en Australie qu'à l'étranger, et ses œuvres figurent dans les collections de nombreux grands musées, dont la National Gallery of Australia, le Museum of Contemporary Art de Sydney et le Solomon R. Guggenheim Museum de New York.
Henson a également reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies, notamment la médaille du centenaire du gouvernement australien en 2001 et le titre d'officier de l'ordre d'Australie en 2019.
Todd Hido est un photographe et artiste américain. Il est surtout connu pour ses photographies sombres et atmosphériques de paysages et de maisons de banlieue, qui traduisent souvent un sentiment de solitude et d'isolement.
Le style photographique de Hido se caractérise par l'utilisation de couleurs sourdes, d'un éclairage doux et d'images floues. Il photographie souvent l'intérieur et l'extérieur des maisons la nuit, créant ainsi une atmosphère onirique et inquiétante. Son travail est également connu pour sa qualité cinématographique, et nombre de ses images évoquent l'ambiance d'un film noir.
Le travail de Hido a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, et ses photographies ont été publiées dans de nombreux livres et magazines. Il a reçu de nombreuses récompenses pour son travail, notamment une bourse de la National Endowment for the Arts.
L'héritage de Hido en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations de photographes et d'artistes. Son style mélancolique et évocateur a eu un impact significatif sur le domaine de la photographie contemporaine et a contribué à redéfinir la façon dont nous envisageons les paysages suburbains et le concept de maison.
Lewis W. Hine n'était pas un artiste au sens traditionnel du terme, mais plutôt un photographe et un documentariste social qui utilisait son appareil photo comme outil de changement social. Il est surtout connu pour son travail au début du XXe siècle, qui consistait à documenter les conditions de vie et de travail des enfants aux États-Unis.
Les photographies de Hine ont contribué à faire évoluer les lois sur le travail des enfants aux États-Unis, et ses images ont été utilisées comme preuves dans des procès et lors d'auditions au Congrès. Convaincu que la photographie pouvait être un puissant outil de réforme sociale, il a utilisé son appareil photo pour mettre en lumière les injustices et les difficultés rencontrées par les Américains de la classe ouvrière.
Outre son travail de photographe, Hine était également un enseignant et un défenseur des arts. Il a enseigné à l'Ethical Culture School de New York, où il a encouragé ses élèves à utiliser la photographie comme moyen de commentaire social.
L'héritage de Hine en tant que photographe et activiste social continue d'inspirer des générations d'artistes et de défenseurs de la justice sociale. Ses photographies sont considérées comme un témoignage historique précieux de la vie au début du XXe siècle, et son engagement à utiliser l'art comme moyen de changement social reste un exemple puissant du rôle que les artistes peuvent jouer dans l'évolution de la société.
Dennis Lee Hopper était bien plus qu'un acteur et réalisateur américain emblématique ; il était aussi un photographe passionné dont le travail a capturé l'essence de diverses cultures et époques.
Sa carrière photographique a débuté dans les années 60, marquant une période où Hopper a exploré les limites de la contre-culture américaine. Ses photos vont au-delà de simples images ; elles racontent des histoires, dévoilant des couches profondes de ses sujets. Le travail photographique de Hopper est une exploration de l'intimité, des célébrités, des mouvements sociaux, et des scènes quotidiennes, capturant l'essence de chaque instant avec authenticité et sensibilité.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, les photographies de Hopper sont un témoignage précieux d'une époque révolue, offrant des perspectives uniques sur des moments et des personnalités qui ont façonné la culture américaine. Ses œuvres photographiques, comme celles présentées dans l'exposition « The Lost Album », révèlent un artiste qui a su immortaliser l'esprit de son temps avec un regard sincère et une approche brute.
Pour ceux intéressés par la photographie et l'héritage artistique de Dennis Hopper, nous vous encourageons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes d'œuvres d'art et les événements liés à ce créateur multidimensionnel. Restez connecté pour explorer l'univers fascinant de Hopper à travers ses clichés captivants et ses contributions indélébiles au monde de l'art et du cinéma.
Horst P. Horst, né Horst Paul Albert Bohrmann, était un photographe de mode germano-américain célèbre pour son travail élégant et sophistiqué, principalement en noir et blanc, bien qu'il ait également réalisé des photographies en couleur. Son approche unique de la photographie était caractérisée par une préparation minutieuse, l'utilisation stratégique de l'éclairage pour mettre en valeur ses sujets sans créer d'ombres encombrantes, et souvent, un cadre monochromatique pour accentuer un élément de mode coloré.
Parmi ses portraits les plus célèbres, on compte celui de Marlene Dietrich en 1942, qui, malgré ses réticences initiales concernant l'éclairage choisi par Horst, fut finalement conquis par le résultat et l'utilisa pour sa propre publicité. Dans les années 1960, encouragé par Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue, Horst a commencé à documenter le mode de vie de la haute société internationale, capturant des figures emblématiques telles que Consuelo Vanderbilt, Marella Agnelli, Gloria Guinness, et même Jacqueline Kennedy Onassis.
Son travail ne se limitait pas à la photographie de mode ; il a également exploré le nu masculin dans les années 1950, approchant le sujet avec un respect et une admiration qui rappellent les études classiques du corps humain. L'éclairage ciblé et la simplification des formes lui permettaient de transformer la peau en une surface lisse comme du marbre, évoquant les sculptures classiques.
Horst a contribué à populariser le surréalisme dans la photographie de mode, mélangeant art, mode et fantaisie, et collaborant avec des artistes surréalistes tels que Salvador Dali. Sa capacité à intégrer l'art moderne dans ses œuvres a aidé à démocratiser le surréalisme auprès d'un public plus large.
Après la Seconde Guerre mondiale, Horst s'est installé aux États-Unis, où il a continué à travailler pour Vogue jusqu'au début des années 1980, bien qu'il se soit progressivement tourné vers la photographie publicitaire en raison de l'évolution des goûts en matière de mode éditoriale. Dans les années 1960 et 1970, il s'est consacré à photographier l'élite internationale pour Vogue, Vanity Fair et House & Garden, laissant une empreinte durable sur le domaine de la photographie de mode et de style de vie.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'héritage de Horst P. Horst, y compris les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, son travail continue d'inspirer et d'attirer l'attention à travers des expositions et des publications. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Horst P. Horst, je vous invite à vous inscrire à nos mises à jour, garantissant des alertes uniquement en lien avec son œuvre.
Walde Huth, née Waldberta Huth, est une photographe allemande connue pour ses photos de rue et ses portraits de personnalités et de mannequins.
Diplômée de l'École nationale des arts appliqués de Weimar, elle est devenue photographe indépendante après la Seconde Guerre mondiale, réalisant des portraits et des photographies d'art. Walde Huth est principalement connue pour ses photos de mode des années 50, mais elle a également pris des photos uniques et des photos publicitaires, et a réalisé des portraits de contemporains célèbres. Ses photos de mode emblématiques ont été prises à Paris. Elle a photographié les mannequins les plus célèbres de son époque non pas en studio, mais en extérieur dans la ville, devant la tour Eiffel, le long de la Seine, en contraste avec l'architecture et la vie de la rue.
Walde Huth était une femme exceptionnelle, une artiste créative et une photographe polyvalente.
Johann Baptist Isenring était un peintre paysagiste et graveur suisse, l'un des premiers photographes de la Suisse du XIXe siècle.
Johann a étudié la peinture et l'aquatinte à l'Académie des beaux-arts de Munich, a ouvert un atelier à Saint-Gall en 1828 et a rapidement commencé à publier sa collection de lithographies de vues pittoresques des villes et villages les plus remarquables de Suisse.
En 1839, Isenring, fasciné par les découvertes de Niépce et de Daguerre, achète du matériel pour le "daguerréotype" et, un an plus tard, organise dans son atelier de Multtertor une exposition qui est probablement la première exposition photographique au monde. Isenring abandonne même la peinture pendant un certain temps et travaille comme photographe pendant deux ans, en s'installant à Munich. Il réalise des portraits, des photographies d'architecture, des reproductions de tableaux et met au point une méthode de coloration pour ses tirages, qu'il fait breveter en Amérique.
Robert Hill Jackson ou Bob Jackson est un photographe américain lauréat du prix Pulitzer.
Robert a étudié à la Southern Methodist University tout en se passionnant pour la photographie. Pendant son service dans la Garde nationale, il devient photographe pour un général de l'armée. En 1960, il commence à travailler comme reporter photographe pour le journal Dallas Times Herald.
Le 22 novembre 1963, Jackson est chargé de couvrir l'arrivée du président John F. Kennedy à Love Field et son cortège à travers la ville. Il assiste à l'assassinat de Kennedy, mais n'a pas le temps de le filmer. Deux jours plus tard, il a pu photographier l'assassinat de Lee Harvey Oswald, accusé d'avoir tué le président, par Jack Ruby dans le garage du commissariat de Dallas. Robert Jackson a reçu le prix Pulitzer de la photographie en 1964 pour ces photographies.
Colette Justine, plus connue sous le nom de Colette Lumière, est une artiste multimédia américaine d'origine tunisienne, connue pour son travail de pionnière dans le domaine de la performance et du street art, et pour son utilisation de la photographie pour créer des tableaux vivants. Elle est également connue pour son travail d'exploration des rôles masculins et féminins, l'utilisation de guises et de personas, et pour ses environnements en tissu souple, où elle apparaît souvent comme l'élément central.
Erika Kiffl est une photographe allemande. Erika Kiffl est principalement connue pour ses portraits d'artistes. Avant la Becher-Schule de Düsseldorf (comprenant les photographes Bernd et Hilla Becher, Andreas Gursky, Thomas Ruff), elle avait déjà remis en question les différences entre la photographie artistique de la documentaire.
Klaus Kinold est un photographe d'architecture allemand.
Klaus Kinold a étudié l'architecture à l'université technique de Karlsruhe avec Egon Eiermann, puis a décidé de ne pas construire mais de montrer l'architecture. Il a ouvert un studio de photographie d'architecture à Munich et a étudié la photographie panoramique. Pendant plus de 25 ans, Kinold a été rédacteur et illustrateur de la publication professionnelle suisse KS Neues, qui présentait des bâtiments en briques silicatées, et a donné des cours sur la photographie à l'Académie nationale des beaux-arts de Stuttgart.
En 1983, Klaus Kinold a réalisé sa première exposition personnelle à la galerie Rudolf Kieken de Cologne, suivie de nombreuses autres expositions prestigieuses. De 2019 à août 2020, le musée DKM de Duisbourg a conçu l'exposition "L'architecture à travers les yeux d'un photographe", qui présente le travail des architectes Carlo Scarpa, Rudolf Schwarz et Hans Döllgast.
Kinold a documenté presque tous les projets de ces célèbres architectes. Il était important pour le photographe que ses photographies, de préférence en noir et blanc, soient claires, objectives, rationnelles et factuelles dans leur présentation.
Helga Kneidl, née Claus, est une photographe allemande.
Helga a travaillé comme danseuse dans sa jeunesse et a épousé le scénographe Karl Kneidl en 1961. Elle a ensuite appris la photographie de théâtre à Zurich et a travaillé dans des théâtres en tant que photographe attitrée. Helga Kneidl s'est progressivement fait une réputation en réalisant des portraits de nombreuses personnes célèbres, et son travail a été publié dans des journaux et des magazines.
En mai 1973, Helga Kneidl a passé trois jours entiers avec l'actrice Romy Schneider à Paris, réalisant une série de portraits photographiques d'elle.
Depuis 1997, Helga Kneidl vit à Berlin et travaille principalement dans le domaine de la photographie de portrait.
Carl Christian Heinrich Kühn est un photographe autrichien du courant pictoraliste.
Créer des photographies dont la valeur artistique rivalise avec la peinture, telle est en effet la grande ambition d'Heinrich Kühn.
Contemporain des photographes d'avant-garde Alfred Stieglitz et Edward Steichen, il expérimente avec enthousiasme les nouvelles techniques d’impression photographique, particulièrement la gomme bichromatée, la platinotypie, la gommogravure, la photypie, le tirage et report à l'huile ou encore les autochromes, premier procédé photographique en couleur inventé par les frères Lumière.
Marie-Jo Lafontaine est une artiste contemporaine belge. Elle vit aujourd'hui à Bruxelles. Elle est connue pour ses installations multimédia, sculptures vidéo, installations photographiques et monochromes, créations sonores, environnements urbains. Son œuvre est d’une grande intensité plastique, esthétique et dramaturgique.
Annie Leibovitz est une photographe américaine. Elle est l'une des photographes portraitistes les plus connues et les plus appréciées au monde, et sa carrière s'étend sur plus de cinq décennies.
Annie Leibovitz a commencé sa carrière en tant que photographe pour le magazine Rolling Stone en 1970, où elle s'est rapidement fait une réputation pour ses portraits uniques et intimes de célébrités et de musiciens. Elle a ensuite travaillé pour les magazines Vanity Fair et Vogue, où elle a continué à photographier certaines des personnes les plus célèbres et les plus influentes de notre époque.
Le style particulier de Leibovitz consiste souvent à utiliser un éclairage dramatique, des couleurs vives et des poses provocantes pour capturer l'essence de ses sujets. Son travail a été exposé dans des musées et des galeries du monde entier, et elle a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie.
Parmi les photographies les plus célèbres de Leibovitz figurent le portrait de John Lennon et Yoko Ono, pris quelques heures avant la mort de Lennon, et la photo de couverture de Demi Moore enceinte pour Vanity Fair. Ses photographies sont souvent très recherchées et ont été présentées dans de nombreux livres et expositions.
Helen Levitt était une photographe américaine connue pour ses photographies de rue de la ville de New York. Levitt a commencé à prendre des photos dès l'adolescence et a ensuite travaillé pour l'agence photographique Photo League dans les années 1930 et 1940.
Le travail de Levitt consistait à capturer la vie quotidienne des gens ordinaires, en particulier des enfants, dans les quartiers de New York. Elle utilisait un petit appareil photo 35 mm pour prendre des clichés d'enfants jouant dans la rue, créant ainsi des images à la fois ludiques et poignantes. Son travail a souvent été comparé à celui d'autres photographes de rue, tels que Henri Cartier-Bresson et Walker Evans.
En plus de ses photographies, Levitt a également travaillé comme cinéaste et a créé plusieurs documentaires acclamés.
Les photographies de Levitt ont été exposées dans les plus grands musées du monde, notamment le Museum of Modern Art de New York et le San Francisco Museum of Modern Art. Elle a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment une bourse Guggenheim et une bourse de la National Endowment for the Arts.
Angela Lo Priore est une photographe portraitiste italienne qui vit et travaille à Rome et à Milan.
Les femmes sont l'un des principaux sujets des photographies d'Angela, mais la conception des décors joue un rôle important, en aidant à créer des sujets surréalistes.
Après avoir expérimenté différentes formes de photographie dans les domaines de l'architecture, de la publicité et de la mode, Angela Lo Priore a trouvé sa véritable expression artistique dans le portrait. Les portraits de stars et de divas italiennes et internationales sont ses œuvres les plus connues. Le résultat est le livre One Hundred Portraits, une galerie de cent portraits photographiques étonnants d'acteurs, d'actrices et de réalisateurs célèbres.
Christopher Makos est un photographe et artiste américain qui vit et travaille à New York.
Makos a beaucoup voyagé en Europe, étudiant l'architecture à Paris et le photographe Man Ray. En 1977, il a rencontré l'artiste médiatique et star du pop art Andy Warhol, avec qui il est resté ami depuis, voyageant avec lui et le photographiant abondamment. Makos a publié plusieurs livres très appréciés sur Warhol, qui l'a d'ailleurs qualifié de "photographe le plus moderne d'Amérique".
En plus de Warhol, Makos a réalisé des portraits photographiques de nombreuses stars de l'art, dont Elizabeth Taylor, Salvador Dali, John Lennon et Mick Jagger. Son travail a été publié par de nombreux magazines parmi les plus célèbres au monde.
Robert Mapplethorpe, un photographe américain né en 1946 à New York, est reconnu pour ses photographies austères de fleurs, célébrités et nus masculins, qui ont parfois suscité la controverse pour leurs thèmes explicitement homoérotiques et sadomasochistes. Robert Mapplethorpe a fréquenté l'Institut Pratt à Brooklyn, où il a étudié le dessin, la peinture et la sculpture, et s'est lancé dans la photographie avec un appareil Polaroid en 1970. Il est devenu célèbre pour ses portraits intimes et ses images explorant la scène S&M de New York, ainsi que pour ses natures mortes et ses compositions florales méticuleuses, notamment des orchidées et des callas.
Son œuvre a été exposée dans des galeries et des musées du monde entier, et il a été une figure marquante de l'art du XXe siècle. Mapplethorpe a établi la Fondation Robert Mapplethorpe en 1988 pour promouvoir la photographie, soutenir les musées qui exposent l'art photographique et financer la recherche médicale contre le VIH/sida. Malgré sa mort prématurée en 1989 des suites du sida, son héritage perdure à travers sa fondation et son impact durable sur l'art photographique.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, l'œuvre de Mapplethorpe offre une exploration profonde de la forme, de la sexualité et de l'esthétique. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Mapplethorpe, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette initiative vous permettra de suivre l'évolution de la disponibilité de ses œuvres sur le marché de l'art.
