British and European Art
Joseph Edward Southall était un peintre britannique et le chef de file du Birmingham Group of Craftsmen Artists.
À l'âge de 21 ans, lors d'un voyage en France et en Italie, Southall est fasciné par les peintres italiens de la Renaissance. Il réalisa par la suite de nombreuses grandes peintures à la détrempe, représentant principalement des sujets mythologiques et religieux, qui furent exposées dans toute l'Europe ainsi qu'aux États-Unis. L'artiste a également peint des paysages et de nombreux portraits à l'aquarelle et à l'huile.
Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Southall s'engage davantage dans l'activisme anti-guerre, écrit des pamphlets et dessine des caricatures pour des livres et des magazines. Avec d'autres membres du groupe de Birmingham, Southall s'est également essayé à divers métiers, dont la peinture murale, la décoration de meubles, la dentelle, l'illustration de livres et l'estampe.
Joseph Edward Southall était un peintre britannique et le chef de file du Birmingham Group of Craftsmen Artists.
À l'âge de 21 ans, lors d'un voyage en France et en Italie, Southall est fasciné par les peintres italiens de la Renaissance. Il réalisa par la suite de nombreuses grandes peintures à la détrempe, représentant principalement des sujets mythologiques et religieux, qui furent exposées dans toute l'Europe ainsi qu'aux États-Unis. L'artiste a également peint des paysages et de nombreux portraits à l'aquarelle et à l'huile.
Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Southall s'engage davantage dans l'activisme anti-guerre, écrit des pamphlets et dessine des caricatures pour des livres et des magazines. Avec d'autres membres du groupe de Birmingham, Southall s'est également essayé à divers métiers, dont la peinture murale, la décoration de meubles, la dentelle, l'illustration de livres et l'estampe.
Joseph Edward Southall était un peintre britannique et le chef de file du Birmingham Group of Craftsmen Artists.
À l'âge de 21 ans, lors d'un voyage en France et en Italie, Southall est fasciné par les peintres italiens de la Renaissance. Il réalisa par la suite de nombreuses grandes peintures à la détrempe, représentant principalement des sujets mythologiques et religieux, qui furent exposées dans toute l'Europe ainsi qu'aux États-Unis. L'artiste a également peint des paysages et de nombreux portraits à l'aquarelle et à l'huile.
Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Southall s'engage davantage dans l'activisme anti-guerre, écrit des pamphlets et dessine des caricatures pour des livres et des magazines. Avec d'autres membres du groupe de Birmingham, Southall s'est également essayé à divers métiers, dont la peinture murale, la décoration de meubles, la dentelle, l'illustration de livres et l'estampe.
Joseph Edward Southall était un peintre britannique et le chef de file du Birmingham Group of Craftsmen Artists.
À l'âge de 21 ans, lors d'un voyage en France et en Italie, Southall est fasciné par les peintres italiens de la Renaissance. Il réalisa par la suite de nombreuses grandes peintures à la détrempe, représentant principalement des sujets mythologiques et religieux, qui furent exposées dans toute l'Europe ainsi qu'aux États-Unis. L'artiste a également peint des paysages et de nombreux portraits à l'aquarelle et à l'huile.
Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Southall s'engage davantage dans l'activisme anti-guerre, écrit des pamphlets et dessine des caricatures pour des livres et des magazines. Avec d'autres membres du groupe de Birmingham, Southall s'est également essayé à divers métiers, dont la peinture murale, la décoration de meubles, la dentelle, l'illustration de livres et l'estampe.
Eleanor Fortescue-Brickdale était une peintre, illustratrice et vitrailliste préraphaélite britannique.
Elle est entrée à l'école d'art de Crystal Palace à l'âge de 17 ans, puis a été admise à la Royal Academy of London, où elle a d'abord travaillé dans le domaine de l'illustration. En 1897, Eleanor a remporté un prix pour son tableau "Spring", ce qui lui a permis de commencer à travailler sur sa première grande peinture à l'huile, "The Pale Colour of True Love" (La couleur pâle de l'amour véritable). Le tableau est exposé à la Royal Academy en 1899.
En 1902, Eleanor Fortescue-Brickdale a été élue première femme membre de l'Institut des peintres à l'huile. Elle a illustré de nombreux livres, dont Royal Idylls de Tennyson en 1911. Elle enseigne à la Byam Shaw School of Art à Kensington. Pendant la Première Guerre mondiale, l'artiste conçoit des affiches pour les ministères et, plus tard, plusieurs vitraux commémoratifs et un mémorial dans la cathédrale de York. En 1919, elle devient membre de la Royal Society of Watercolour Painters.
Edmund Dulac est un artiste britannique et français, illustrateur de livres et graphiste.
Edmund dessine beaucoup depuis l'enfance et, après une formation d'avocat, décide de se lancer dans l'art : il étudie à l'Académie des beaux-arts de Toulouse et à l'Académie Julian. À l'âge de 22 ans, il s'installe à Londres et est chargé par l'éditeur J. M. Dent d'illustrer le roman "Jane Eyre" et d'autres œuvres des sœurs Brontë. Il devient alors un collaborateur régulier du Pall Mall Magazine et rejoint le London Sketch Club, où il rencontre les principaux illustrateurs de livres et de magazines de l'époque. Ces connaissances ouvrent une large voie au jeune artiste talentueux.
Dulac décore de ses images magiques de nombreuses éditions des contes d'Andersen, des œuvres de Shakespeare, d'Edgar Poe, d'Omar Khayyam et d'autres. En collaboration avec le célèbre animateur Walt Disney, il a participé au développement du type de Blanche-Neige, et son œuvre la plus célèbre est considérée comme l'image de la princesse Boudour.
Par la suite, Dulac a travaillé dans divers domaines : dessins de presse, costumes et décors de théâtre, médailles et même timbres-poste, notamment ceux émis pour commémorer le couronnement du roi George VI (1937), le début du règne de la reine Elizabeth II et les Jeux olympiques d'été (1948).
Aubrey Vincent Beardsley était un illustrateur et auteur anglais, célèbre pour ses dessins à l'encre noire influencés par les estampes japonaises, qui mettaient en avant le grotesque, le décadent et l'érotique. Durant sa brève carrière, Beardsley a laissé une marque indélébile sur l'art et la culture de la fin du XIXe siècle, devenant une figure de proue du mouvement Art Nouveau et de l'esthétisme britannique. Sa collaboration avec des magazines tels que The Yellow Book et The Savoy, ainsi que ses illustrations pour des œuvres comme Le Morte d'Arthur et les pièces d'Oscar Wilde, ont révolutionné l'illustration de l'époque par leur audace et leur originalité.
L'influence de Beardsley a été renforcée par son séjour à Paris, où il a découvert l'art de l'affiche de Henri de Toulouse-Lautrec et l'esthétique des estampes japonaises, qui ont profondément influencé son style unique. Ses œuvres, caractérisées par de forts contrastes entre zones sombres et claires et un sens aigu du détail, reflètent une fascination pour le morbide et l'érotique, souvent teintées d'humour noir et de satire sociale.
Son travail sur The Yellow Book, notamment, a marqué un tournant dans l'utilisation de la technologie de reproduction d'images de l'époque, permettant à Beardsley d'exploiter pleinement le potentiel dramatique du noir et blanc. Malgré les controverses et les scandales, notamment son association avec Oscar Wilde lors de son procès pour indécence, Beardsley a continué à explorer de nouveaux projets picturaux, affirmant sa liberté artistique face aux conventions bourgeoises de son temps.
La vie personnelle de Beardsley, marquée par sa santé fragile due à la tuberculose et sa conversion au catholicisme, ainsi que les spéculations autour de sa sexualité, a souvent été sujet à débat. Néanmoins, son approche unique de l'art, marquant un refus des normes victoriennes et une exploration audacieuse des thèmes de la décadence et de l'érotisme, lui confère une place de choix dans l'histoire de l'art.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art, la culture, et en particulier l'œuvre d'Aubrey Vincent Beardsley, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel. Cette souscription vous garantit un accès privilégié à des informations exclusives, sans jamais tomber dans l'excès ou le superflu.
Dante Gabriel Rossetti est un peintre, poète, traducteur et écrivain britannique.
Il fonda le préraphaélisme en 1848 avec William Holman Hunt et John Everett Millais et fut, plus tard, l’inspiration principale d’une seconde génération d’artistes et écrivains influencés par ce mouvement dont William Morris et Edward Burne-Jones. Son travail influença non seulement le Symbolisme européen et le mouvement esthétique. Le travail de Rossetti se caractérise par la sensualité de ses œuvres et la reprise de thèmes médiévaux. Son activité poétique fut au départ influencée par le travail de John Keats. Plus tard, ses poèmes se démarquèrent par la complexe liaison entre pensées et sentiments, tel qu’on peut particulièrement le voir dans son sonnet The House of Life (La maison de la vie). La poésie et les images sont étroitement liées dans le travail de Rossetti. Il écrit fréquemment des sonnets pour accompagner ses peintures, et illustre plusieurs poèmes comme ce fut le cas pour Goblin Market, écrit par sa sœur Christina Rossetti. La vie privée de l'artiste fut profondément liée à son œuvre, surtout dans ses relations avec ses modèles et muses Elizabeth Siddal, Fanny Cornforth et Jane Burden.
Sigmund Walter Hampel, né en 1867 à Vienne et décédé en 1949 à Nußdorf am Attersee, était un peintre et dessinateur autrichien renommé. Issu d'une famille de peintres sur verre, Hampel a acquis une compréhension approfondie du design, des matériaux et des techniques dans l'atelier de son père. Après avoir étudié les maîtres anciens à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne sous la tutelle d'August Eisenmenger et Heinrich von Angeli, il a rapidement développé une sensibilité délicate dans l'utilisation des couleurs et a perfectionné ses compétences techniques.
Durant sa carrière, Hampel a été membre du Hagenbund, une association d'artistes à Vienne, de 1900 à 1911. Il était reconnu comme un peintre symboliste autrichien de premier plan. Les artistes symbolistes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, dont Hampel faisait partie, exploraient les états émotionnels et spirituels dans leurs peintures, s'inspirant du romantisme.
L'une de ses œuvres notables, "The Vision" (Die Vision), réalisée vers 1905, illustre l'extase spirituelle chrétienne, évoquant Saint François d'Assise recevant les stigmates. Cette œuvre a été exposée à la Sécession viennoise en 1905 et est peinte avec une technique de pointillisme néo-impressionniste sur un panneau de bois lisse. Elle partage des affinités stylistiques et techniques avec les paysages peints par Gustav Klimt, le président fondateur de la Sécession. "The Vision" est actuellement conservée au Eskenazi Museum of Art de l'Université de l'Indiana.
Pour ceux qui souhaitent rester informés des dernières ventes de produits et événements d'enchères liés à Hampel, l'inscription aux mises à jour est recommandée.
Sigmund Walter Hampel, né en 1867 à Vienne et décédé en 1949 à Nußdorf am Attersee, était un peintre et dessinateur autrichien renommé. Issu d'une famille de peintres sur verre, Hampel a acquis une compréhension approfondie du design, des matériaux et des techniques dans l'atelier de son père. Après avoir étudié les maîtres anciens à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne sous la tutelle d'August Eisenmenger et Heinrich von Angeli, il a rapidement développé une sensibilité délicate dans l'utilisation des couleurs et a perfectionné ses compétences techniques.
Durant sa carrière, Hampel a été membre du Hagenbund, une association d'artistes à Vienne, de 1900 à 1911. Il était reconnu comme un peintre symboliste autrichien de premier plan. Les artistes symbolistes de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, dont Hampel faisait partie, exploraient les états émotionnels et spirituels dans leurs peintures, s'inspirant du romantisme.
L'une de ses œuvres notables, "The Vision" (Die Vision), réalisée vers 1905, illustre l'extase spirituelle chrétienne, évoquant Saint François d'Assise recevant les stigmates. Cette œuvre a été exposée à la Sécession viennoise en 1905 et est peinte avec une technique de pointillisme néo-impressionniste sur un panneau de bois lisse. Elle partage des affinités stylistiques et techniques avec les paysages peints par Gustav Klimt, le président fondateur de la Sécession. "The Vision" est actuellement conservée au Eskenazi Museum of Art de l'Université de l'Indiana.
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Gerald Leslie Brockhurst était un peintre et graveur britannique.
Il a étudié les œuvres des peintres italiens du 15ème siècle. Gerald Leslie Brockhurst a été grandement influencé par le travail de Piero della Francesca et de Leonardo da Vinci.
Dans les années 1930 et 1940, il est devenu célèbre en tant que portraitiste, peignant des personnalités mondaines telles que Marlene Dietrich et la duchesse de Windsor. Aujourd'hui, il est surtout connu pour ses petites gravures représentant de belles femmes idéalisées, dont beaucoup ont pour modèle sa première et sa deuxième épouse.
Vittorio Matteo Corcos est un peintre portraitiste italien.
En 1904, peintre renommé, il exécute en Allemagne le portrait de Guillaume II, de son épouse et de nombreuses personnalités allemandes. Marguerite de Savoie, épouse d'Humbert Ier d’Italie, Amélie d'Orléans, dernière reine du Portugal sont les autres têtes couronnées que Vittorio Matteo Corcos immortalise.
Son autoportrait est admis, en 1913, dans la collection des autoportraits du corridor de Vasari de la Galerie des Offices à Florence.
Alfred James Munnings est connu comme étant l'un des meilleurs peintres équestres britanniques et en tant qu'ennemi du modernisme. Engagé par la Canadian War Memorials Fund de Lord Beaverbrook, il a gagné plusieurs commissions prestigieuses après la Grande guerre, lesquelles l'ont rendu riche.
Alfred James Munnings est connu comme étant l'un des meilleurs peintres équestres britanniques et en tant qu'ennemi du modernisme. Engagé par la Canadian War Memorials Fund de Lord Beaverbrook, il a gagné plusieurs commissions prestigieuses après la Grande guerre, lesquelles l'ont rendu riche.
John Singer Sargent, artiste américain né en Italie, est célébré comme le peintre portraitiste prééminent de son époque, reconnu pour ses évoques du luxe de l'ère édouardienne. Sa formation à Paris, suivie d'une installation à Londres, a façonné une carrière marquée par des portraits de figures de la haute société et des œuvres influencées par l'Impressionnisme. Parmi ses œuvres les plus connues figure « Madame X », un portrait qui a provoqué un scandale lors de sa première exposition en 1884, mais qui est aujourd'hui reconnu pour son audace stylistique et technique.
Le talent de John Singer Sargent pour la peinture a été reconnu tant en Europe qu'en Amérique, lui valant une renommée internationale. Ses peintures murales et ses aquarelles ont également été largement appréciées, ce dernier genre devenant une source importante de soutien critique et financier dans ses dernières années. Sargent a choisi de se distancier du portrait traditionnel à partir de 1907, se concentrant davantage sur ses projets personnels et ses œuvres en aquarelle.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de John Singer Sargent offre un aperçu fascinant de la société de l'époque édouardienne et de l'évolution de la peinture portraitiste. Son approche innovante et sa technique impeccable continuent d'influencer et d'inspirer les artistes d'aujourd'hui.
Si vous êtes passionné par l'œuvre de John Singer Sargent et souhaitez rester informé des ventes d'œuvres et des événements liés à cet artiste, pensez à vous inscrire pour recevoir des mises à jour.
Frederic Leighton, un peintre et sculpteur britannique de l'époque victorienne, est célèbre pour ses œuvres qui dépeignent des sujets historiques, bibliques et classiques. Né à Scarborough en 1830, Leighton a été le premier peintre à recevoir un titre de noblesse, devenant baron Leighton de Stretton en 1896, un titre qui a existé pour une seule journée, jusqu'à sa mort d'angine de poitrine le lendemain.
Frederic Leighton, un artiste qui n'a jamais été marié et entouré de rumeurs sur sa vie privée, a laissé derrière lui un héritage artistique remarquable, y compris son domicile à Holland Park, transformé en musée, Leighton House Museum, qui abrite plusieurs de ses œuvres et collections. Parmi ses œuvres célèbres, on trouve "Cimabue's Celebrated Madonna" et "Flaming June", cette dernière étant une représentation énigmatique d'une femme endormie, enveloppée dans une robe orange translucide, évoquant la chaleur et la lumière du soleil.
Son engagement dans la communauté artistique était notable, non seulement en tant qu'artiste, mais aussi en tant que leader, ayant servi comme président de la Royal Academy. Malgré les changements dans la réception critique de son œuvre après sa mort, l'influence de Frederic Leighton sur l'art britannique reste indéniable, reflétant une fusion de l'académisme et des mouvements préraphaélites.
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George Frederic Watts était un peintre et sculpteur britannique, associé au mouvement symboliste. Reconnu pour sa devise « Je peins des idées, pas des choses », Watts a acquis une renommée de son vivant grâce à ses œuvres allégoriques telles que « Hope » et « Love and Life », conçues pour faire partie d'un cycle symbolique épique nommé « La Maison de la Vie ». Ces peintures visent à explorer les émotions et les aspirations humaines à travers des récits visuels profonds et emblématiques.
Inspiré par les grands maîtres tels que Michel-Ange et les peintres vénitiens, notamment Titien, Watts a aspiré à « affecter sérieusement l'esprit par la noblesse de la ligne et de la couleur », cherchant à doter son travail d'un objectif moral. Ses portraits de contemporains éminents tels que Gladstone, Tennyson et J. S. Mill, conservés à la National Portrait Gallery à Londres, ainsi que ses sculptures, dont la pièce équestre « Physical Energy », démontrent son habileté à capturer à la fois l'essence de ses sujets et une vision allégorique plus large de la condition humaine.
George Frederic Watts a également laissé un héritage à travers la Watts Gallery à Compton, près de Guildford, qui est entièrement consacrée à son travail, offrant un aperçu unique de sa vision artistique et de son impact sur l'art victorien et symboliste. Sa première épouse était l'actrice célèbre Ellen Terry, avec qui il a eu un mariage bref mais influent, illustrant la convergence des mondes artistiques et théâtraux de l'époque.
Pour ceux intéressés par l'art, la culture et l'histoire, et en particulier pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de George Frederic Watts offre un riche terrain d'exploration. Les allégories de Watts, pleines de symbolisme et de quête morale, continuent de fasciner et d'inspirer.
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