installations et art vidéo
Artur Segal était un peintre roumain.
![[RIMBAUD, Arthur (1854-1891) & Paul VERLAINE (1844-1896)] - ...](/assets/image/picture_1077553/8de01/a474d9711db51328b7f4c9b2b8b1f5c81604358000jpg__fix_374_244.jpeg)
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Tracey Emin est une artiste britannique d'origine chypriote turque faisant partie du groupe des Young British Artists.
Joseph Kosuth est un artiste américain, un des chefs de file de l’art conceptuel aux États-Unis qu'il contribua à lancer dans le milieu des années 1960.
Parce qu'il voit dans l'œuvre d'art le but esthétique comme exercice esthétique, non comme art à proprement parler, Kosuth va vouloir séparer l'esthétique — c'est-à-dire le jugement de la perception du monde en général — de l'Art.
Michael Kelley est l'un des plus importants artistes plasticiens américains de la côte Ouest des États-Unis depuis 1980.
A. R. Penck, pseudonyme de Ralf Winkler, est un peintre, graveur et sculpteur allemand.
Ben Nicholson était un artiste britannique, né le 10 avril 1894 à Denham, Buckinghamshire, en Angleterre, et décédé le 6 février 1982 à Londres. Connu pour ses compositions abstraites, parfois en bas-relief, ainsi que pour ses paysages et natures mortes, Nicholson a joué un rôle de premier plan dans la promotion de l'art abstrait dans son pays. Issu d'une famille d'artistes, il s'est peu à peu éloigné de l'approche figurative pour embrasser l'abstraction, sous l'influence notable de ses rencontres avec des figures majeures de l'art moderne telles que Pablo Picasso, Piet Mondrian, et son mariage avec la sculptrice Barbara Hepworth.
Nicholson a également été influencé par le cubisme et le constructivisme, intégrant ces influences dans un style qui lui est propre, marqué par une prédilection pour les formes géométriques simples. En 1933, il réalise son premier relief en bois, marquant un tournant décisif vers l'abstraction. Son talent dans l'abstraction lui a valu de nombreux prix, dont le prestigieux prix Carnegie en 1952 et le premier prix de peinture Guggenheim International en 1956.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques, y compris la Tate Gallery, Tate St Ives, la Kettle's Yard Art Gallery à Cambridge, The Hepworth Wakefield, la Pallant House Gallery à Chichester, et le Pier Arts Centre à Stromness, Orkney.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Ben Nicholson demeure un témoignage captivant de l'évolution de l'art britannique au XXe siècle, offrant une fenêtre sur l'abstraction géométrique et son impact sur la scène artistique internationale. Pour rester informé des nouvelles ventes de produits et des événements d'enchères liés à Ben Nicholson, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette inscription vous permettra d'accéder exclusivement à des informations sur les nouvelles opportunités d'acquisition liées à son œuvre.
Theo van Doesburg, de son vrai nom Christian Emil Marie Küpper, artiste, architecte et sculpteur néerlandais, théoricien de l'art, cofondateur du groupe Style et du néoplasticisme.
Theo van Doesburg a organisé avec Piet Mondrian le mouvement d'art abstrait De Stijl. Les idées de van Duisburg reposent sur la tentative de réduire toutes les formes d'harmonie objective dans une œuvre d'art à certains éléments géométriques. Ces nouveaux principes ont rapidement eu un impact significatif sur le développement de l'architecture, de la littérature, du graphisme et de la musique.
Man Ray, né Emmanuel Radnitzky, est une figure emblématique de l'art du XXe siècle, connu pour son apport considérable aux mouvements Dada et Surréaliste. D'origine américaine, il a passé une grande partie de sa carrière à Paris, où il a exploré divers médias artistiques, se considérant avant tout comme un peintre, bien qu'il soit surtout célèbre pour ses photographies innovantes. L'influence de ses parents, travaillant dans la confection de vêtements, se retrouve dans son art, où mannequins, fers à repasser, machines à coudre et autres objets liés à la couture font régulièrement leur apparition, reflétant une fusion entre son héritage familial et son expression artistique.
Parmi ses œuvres les plus connues, "Le Violon d'Ingres" et "Les Larmes" (1932), sont des exemples marquants de son talent pour la photographie, tandis que "A l'heure de l'observatoire: Les Amoureux" illustre son penchant pour la peinture. Ces œuvres, et bien d'autres, sont conservées dans de prestigieux musées tels que le J. Paul Getty Museum à Los Angeles, témoignant de l'impact durable de Man Ray sur le monde de l'art.
Man Ray a débuté sa carrière artistique en se formant de manière autodidacte, tout en fréquentant des musées et en s'inspirant des maîtres anciens ainsi que de l'art avant-gardiste européen. Sa rencontre avec Marcel Duchamp a été déterminante, orientant son travail vers le mouvement et la représentation dynamique dans ses œuvres. Man Ray s'est également intéressé à l'expression cinématographique, comme en témoigne "Les Larmes", et a souvent intégré des éléments narratifs et cinématographiques dans son art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Man Ray représente un champ d'exploration riche en innovation et en expérimentation. Ses contributions aux mouvements Dada et Surréaliste, ainsi que sa capacité à transgresser les frontières entre les différents médias artistiques, continuent d'inspirer et d'influencer l'art contemporain.
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Toyen, née Marie Čermínová, était une éminente artiste tchèque connue pour sa contribution significative au mouvement surréaliste. Ses œuvres remettent en question les conventions et explorent les profondeurs du subconscient.
Toyen était connue pour son style unique et évocateur, combinant des éléments de fantaisie, d'érotisme et de rêve. Ses œuvres présentent souvent des figures énigmatiques, des paysages déformés et des motifs symboliques, exécutés avec des détails méticuleux et un sens du mystère. Elle a utilisé diverses techniques, notamment la peinture, le dessin et la gravure, démontrant ainsi sa polyvalence et ses compétences artistiques.
Tout au long de sa carrière, Toyen a collaboré avec d'autres artistes surréalistes, dont André Breton et Salvador Dalí. Elle a participé activement à des expositions surréalistes et contribué à diverses publications, démontrant ainsi sa vision artistique et sa position idéologique.
Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla, dit Wifredo Lam, est peintre cubain, promoteur d’une peinture métissée alliant modernisme occidental et symboles africains et caribéens créant ainsi un langage singulier et contemporain. Proche de Picasso, des surréalistes qui le reconnaissent comme l’un des leurs, il côtoiera également les Imaginistes, Phases, CoBrA.
Félix González-Torres est un artiste américain d'origine cubaine, influencé par le minimalisme et l'art conceptuel.
Il a grandi à Porto Rico avant de s'installer à New York en 1979 où il s’impose sur la scène artistique américaine à partir de 1990. Il fut par ailleurs présenté par la Andrea Rosen Gallery à New York, Jennifer Flay à Paris.
Anselm Kiefer est un artiste plasticien contemporain allemand, né le 8 mars 1945, reconnu pour son approche unique de la peinture et de la sculpture. Influencé par l'histoire et la culture de l'Allemagne, la France et la Suisse, Kiefer a étudié le droit et les langues avant de se consacrer pleinement à l'art, explorant divers matériaux dans ses œuvres, comme la paille, le verre, le bois et le plomb, pour exprimer des thèmes de mémoire, de perte et d'histoire allemande.
Son travail est marqué par une réflexion profonde sur le passé, en particulier l'histoire allemande et la période du nazisme, qu'il aborde de manière provocatrice, notamment dans ses premières œuvres photographiques où il reproduisait le salut nazi pour interroger le fascisme latent dans la société. Cette démarche artistique audacieuse lui a valu la reconnaissance dans le milieu artistique dès les années 1960.
Anselm Kiefer est aussi célèbre pour son utilisation de matériaux symboliques, comme le plomb, qu'il associe à l'alchimie, et la paille, représentant l'énergie et le cycle de la vie. Ses œuvres, souvent de grandes dimensions, explorent la relation entre ordre et chaos, et l'importance du contexte spatial pour la puissance de ses créations. Parmi ses œuvres notables, on trouve « Margarete » et « The High Priestess/Zweistromland », exposées respectivement au Centre Georges Pompidou à Paris et dans une collection privée.
En explorant les thèmes de la mémoire, de la perte et de l'histoire à travers des médiums et des matériaux variés, Anselm Kiefer invite à une réflexion sur la condition humaine et notre rapport au passé, offrant une perspective unique et profonde dans le monde de l'art contemporain.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Anselm Kiefer offre un dialogue riche avec l'histoire et la culture, utilisant l'art pour interroger et réfléchir sur notre passé collectif. Pour rester informés sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Anselm Kiefer, inscrivez-vous aux mises à jour spécifiques à cet artiste.
Willem de Kooning était un peintre et sculpteur néerlandais-américain, reconnu comme l'un des pionniers du mouvement de l'expressionnisme abstrait. Il est né le 24 avril 1904 à Rotterdam et a déménagé aux États-Unis en 1926. Il a pris la citoyenneté américaine en 1962, devenant ainsi une figure clé de la scène artistique de New York, aux côtés de ses contemporains comme Jackson Pollock.
De Kooning était connu pour ses peintures expressives et souvent chaotiques, combinant des éléments de l'abstraction et du figuratif. Sa série de tableaux « Woman », réalisée entre 1950 et 1953, est l'une de ses œuvres les plus célèbres, souvent exposée dans des musées comme le MoMA. Cette série a suscité la controverse pour ses représentations grotesques des figures féminines, mais elle a aussi marqué son succès international.
Le travail de de Kooning a été influencé par divers styles, dont le cubisme et le surréalisme, et ses techniques ont varié au fil du temps. Il a souvent travaillé sur papier et a expérimenté avec des textures et des formes différentes. Malgré ses succès, sa vie personnelle a été marquée par des luttes, notamment avec l'alcoolisme et la maladie d'Alzheimer, qui a finalement affecté sa mémoire à la fin de sa vie.
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Jean-Michel Basquiat est un artiste peintre américain.
Il devient très tôt un peintre d'avant-garde populaire et pionnier de la mouvance underground.
Jean-Paul Riopelle est un peintre, graveur et sculpteur québécois.
Joan Mitchell, artiste peintre américaine, est reconnue comme l'une des figures majeures de l'expressionnisme abstrait de la seconde génération. Née à Chicago en 1925, elle s'est imposée dans un mouvement artistique dominé par les hommes, grâce à son talent exceptionnel et à sa capacité à exprimer des tensions poétiques à travers ses œuvres. Son parcours artistique l'a amenée de Chicago à New York, puis en France, où elle a élu domicile et a continué à peindre jusqu'à sa mort en 1992. Mitchell est célèbre pour ses peintures expansives, souvent composées de plusieurs panneaux, qui captent l'essence du paysage, source d'inspiration primordiale de son œuvre.
Dès les années 1950, Joan Mitchell a été une participante active de l'école de New York, marquant l'histoire de l'art par sa participation à l'exposition de la 9e rue, organisée par Leo Castelli. Cette exposition a été un tournant, déplaçant le centre culturel du monde occidental de Paris à New York. Elle a établi sa réputation par des expositions solo régulières à la Stable Gallery à New York et a entretenu des relations professionnelles et personnelles importantes, notamment avec le peintre canadien Jean-Paul Riopelle.
Mitchell a décrit ses peintures comme des répétitions de sentiments inspirés par des paysages mémorisés, affirmant ne jamais pouvoir simplement "refléter" la nature mais plutôt chercher à peindre ce qu'elle lui laisse comme impression. Ses œuvres, caractérisées par un geste pictural expressif et souvent violent, reflètent son intérêt profond pour la musique, la poésie, les paysages, et les chiens, éléments constants de son univers créatif.
Les musées et collections du monde entier, comme le Whitney Museum of American Art, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, et le Museum of Modern Art, entre autres, ont acquis ses œuvres dès les années 1950. Joan Mitchell a également reçu plusieurs distinctions et récompenses tout au long de sa carrière, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris en 1991.
Après son décès, la Joan Mitchell Foundation a été créée conformément à ses volontés, dans le but de soutenir et de promouvoir l'œuvre des artistes individuels et de préserver l'héritage de Mitchell. Cette fondation témoigne de son engagement envers la communauté artistique et de son désir de soutenir les générations futures d'artistes.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre de Joan Mitchell, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de nouveaux produits et les événements d'enchères liés à cette artiste exceptionnelle. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de découvrir et d'acquérir des œuvres de Mitchell.
Jules Pascin, né Julius Mordecai Pincas, est un peintre et dessinateur américain d'origine bulgare. Il a étudié l'art à Vienne, Munich et Paris, où il s'est installé en 1905.
Pascin s'est fait connaître par ses portraits et ses nus, qui présentent souvent des figures allongées et des lignes fluides. Il est également connu pour son utilisation de l'aquarelle et ses représentations de la vie nocturne parisienne, des cafés et des maisons closes. Son œuvre est influencée par les fauves et les expressionnistes allemands.
Pascin était membre de la communauté artistique de Montparnasse à Paris, et il était ami avec de nombreux artistes et écrivains de premier plan de l'époque, dont Pablo Picasso, Henri Matisse et Ernest Hemingway. Il s'est marié deux fois, mais sa vie personnelle a été marquée par de nombreuses liaisons et une lutte contre l'alcoolisme.
Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections importantes, notamment au Museum of Modern Art de New York et à l'Art Institute of Chicago.
Marc Chagall (en russe : Марк Захарович Шагал), né Moïche Chagal en 1887 à Liozna, Biélorussie, et décédé en 1985 à Saint-Paul-de-Vence, France, est un peintre et graveur qui s'est naturalisé français en 1937. Artiste inclassable, Chagall a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art, ne se rattachant à aucune école précise mais influençant les mouvements surréalistes et néo-primitivistes grâce à une œuvre profondément ancrée dans la tradition juive, la vie du shtetl et le folklore russe. Sa contribution artistique s'étend au-delà de la peinture sur toile pour embrasser la gravure, la sculpture, la céramique, la poésie, et même l'art du vitrail, illustrant sa capacité à transposer sa vision unique à travers divers médiums.
Le début de sa carrière artistique est marqué par son premier voyage à Paris en 1911, où il intègre rapidement l'avant-garde, se familiarisant avec le fauvisme et le cubisme et établissant des amitiés avec des artistes et écrivains de l'École de Paris. Ses premières œuvres majeures sont exposées au Salon des Indépendants et sa première exposition personnelle a lieu à Berlin en 1914. Cette période est cruciale pour le développement de son style unique, mêlant réalité psychique et modernisme.
Chagall est également reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine du vitrail, ayant créé des œuvres pour les cathédrales de Reims et Metz, pour l'ONU, ainsi que les fenêtres de Jérusalem en Israël. Ses réalisations incluent également des peintures à grande échelle, telles que celles réalisées pour le plafond de l'Opéra de Paris, témoignant de sa maîtrise de la couleur et de sa capacité à évoquer l'émotion à travers ses œuvres.
Le Musée National Marc Chagall à Nice, inauguré en 1973 avec le soutien d'André Malraux, est dédié à ses œuvres inspirées par la religion, notamment une série de peintures illustrant le message biblique. Ce musée témoigne de l'importance de Chagall dans l'art du XXe siècle, abritant l'une des plus grandes collections de ses œuvres sur le thème religieux et spirituel.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Marc Chagall offre une plongée dans un univers où se mêlent rêve, tradition, et innovation artistique. Son approche multidisciplinaire et sa capacité à transmettre une vision profondément humaine et universelle à travers son art restent une source d'inspiration inépuisable.
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André Lhote était un peintre, sculpteur, théoricien de l'art et enseignant français. Il est surtout connu pour son association avec le cubisme, un mouvement artistique qu'il a contribué à développer tant par sa pratique que par ses écrits théoriques. André Lhote a fondé sa propre académie à Paris en 1922, où il a enseigné jusqu'à la fin de sa vie, influençant ainsi de nombreux jeunes artistes du monde entier.
Au début de sa carrière, André Lhote a été influencé par Gauguin et Cézanne et a d'abord travaillé dans un style fauviste avant de se tourner vers le cubisme. Il a rejoint le groupe Section d'Or en 1912 et a exposé au Salon de la Section d'Or. Ses contributions à l'art ne se limitent pas à la peinture; il a également écrit des traités importants sur la peinture de paysage et de figure, ainsi que sur la critique d'art.
Son œuvre est présente dans de nombreuses collections publiques, y compris celles de Tate, du Leicester Museum & Art Gallery, et du Glasgow Museums Resource Centre. André Lhote a également laissé un héritage significatif en tant que critique d'art et enseignant, avec des élèves qui sont devenus notables dans leurs propres droits.
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