littérature : à l&
Léon Spilliaert était un artiste belge. Il est connu pour son style unique de symbolisme, la plupart de ses œuvres présentant des paysages oniriques, des natures mortes inquiétantes et des personnages énigmatiques.
Spilliaert a grandi dans une famille aisée et a d'abord étudié l'architecture avant de se tourner vers l'art. Il était en grande partie autodidacte et son travail était fortement influencé par le mouvement symboliste belge, ainsi que par les œuvres d'artistes tels que James Ensor et Edvard Munch.
Spilliaert était particulièrement intéressé par l'exploration des mystères de la psyché humaine, et nombre de ses œuvres reflètent un sentiment de malaise ou d'incertitude. Il utilisait souvent de forts contrastes d'ombre et de lumière pour créer un sentiment de drame et de tension dans ses œuvres, et son utilisation de la couleur était souvent sourde et atténuée.
Malgré son succès en tant qu'artiste, Spilliaert était un homme profondément privé, et il a rarement exposé ses œuvres de son vivant. Il a cependant continué à travailler tout au long de sa vie, produisant un grand nombre d'œuvres obsédantes et énigmatiques qui continuent à captiver le public aujourd'hui.
Léon Spilliaert était un artiste belge. Il est connu pour son style unique de symbolisme, la plupart de ses œuvres présentant des paysages oniriques, des natures mortes inquiétantes et des personnages énigmatiques.
Spilliaert a grandi dans une famille aisée et a d'abord étudié l'architecture avant de se tourner vers l'art. Il était en grande partie autodidacte et son travail était fortement influencé par le mouvement symboliste belge, ainsi que par les œuvres d'artistes tels que James Ensor et Edvard Munch.
Spilliaert était particulièrement intéressé par l'exploration des mystères de la psyché humaine, et nombre de ses œuvres reflètent un sentiment de malaise ou d'incertitude. Il utilisait souvent de forts contrastes d'ombre et de lumière pour créer un sentiment de drame et de tension dans ses œuvres, et son utilisation de la couleur était souvent sourde et atténuée.
Malgré son succès en tant qu'artiste, Spilliaert était un homme profondément privé, et il a rarement exposé ses œuvres de son vivant. Il a cependant continué à travailler tout au long de sa vie, produisant un grand nombre d'œuvres obsédantes et énigmatiques qui continuent à captiver le public aujourd'hui.
Domenico Zampieri, connu sous le nom de Domenichino, était un peintre baroque italien qui travaillait à Rome. Il a étudié à l'Accademia Carracci de Bologne et a ensuite été influencé par les œuvres d'Annibale Carracci et du Caravage.
Domenichino était connu pour son utilisation de couleurs vives, d'éclairages dramatiques et pour sa capacité à transmettre des émotions dans ses peintures. Il était particulièrement doué pour peindre des sujets religieux et ses œuvres représentent souvent des scènes de la vie du Christ, de la Vierge Marie et des saints. Il a également participé à la décoration à fresque d'églises et de plusieurs résidences papales, et a travaillé à la décoration du Palazzo Barberini à Rome.
Vincenzo Campi était un peintre italien remarquable de la Renaissance tardive. Appartenant à une famille influente d'artistes de Cremona, Campi a été formé sous la tutelle de son frère Giulio et a principalement peint des saints, des portraits, ainsi que des natures mortes de genre, influencé par Pieter Aertsen.
Vincenzo Campi est célèbre pour ses représentations détaillées de scènes de la vie quotidienne, en particulier des marchands et des mangeurs, telles que dans ses œuvres « The Fishmongers » et « The Ricotta Eaters ». Ces peintures dépeignent souvent des personnages du peuple mangeant des aliments considérés comme appropriés pour les classes inférieures, selon les standards de l'époque, comme le montre son œuvre "Fishmongers" où les sujets consomment des aliments tels que des haricots, du pain noir et des oignons verts.
Ses œuvres démontrent un intérêt pour la représentation réaliste de la nourriture et des objets du quotidien, un style qui deviendra plus tard caractéristique de la peinture de genre dans le nord de l'Italie. Le travail de Vincenzo Campi sur ces scènes quotidiennes a été vu comme une préfiguration du réalisme de Caravaggio.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve également "Christ in the House of Mary and Martha" et "The Crucifixion", qui témoignent de son habileté à fusionner le style maniériste lombard avec des éléments réalistes.
Les œuvres de Vincenzo Campi sont dispersées dans divers musées, comme la Pinacoteca di Brera à Milan, le Musée de La Roche-sur-Yon, le Musée des Beaux-Arts de Lyon et le Musée du Prado à Madrid. Elles restent une source précieuse pour les collectionneurs et les experts en art, offrant un aperçu unique de la peinture de genre de la Renaissance italienne.
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![[GIDE, André (1869-1951)]](/assets/image/picture_2932406/d2d06/ca67f0b0a719c7f232cd37f02a6aa93c1687420800jpg__fix_374_244.jpeg)
![[GIDE, André (1869-1951)]](https://veryimportantlot.com/assets/image/picture_2932406/d2d06/ca67f0b0a719c7f232cd37f02a6aa93c1687420800jpg__fix_374_244.jpeg)
Léon-Paul Fargue était un poète et romancier français, journaliste et publiciste.
Léon-Paul a étudié au lycée Henry IV à Paris et est devenu, dans sa jeunesse, membre du cercle symboliste associé au Mercure de France. Son premier recueil de poèmes est publié en 1912 et réédité en 1918. Après 1930, Fargue se consacre presque exclusivement au journalisme, écrivant des chroniques et des essais lyriques sur la vie parisienne.
L'œuvre de Léon Fargue englobe plusieurs mouvements littéraires et constitue une sorte de pont entre le symbolisme et le surréalisme. Ses œuvres ont également été associées aux dadaïstes et aux cubistes, mais il a suivi sa propre voie tout au long de sa vie. Fargue a fait partie des fondateurs de la Nouvelle Revue Française en 1912 et a participé au premier numéro de la revue surréaliste Littérature en 1919, et a été l'un des dirigeants de la revue expérimentale Commerce dans les années 1920. Farg était l'ami de nombreux écrivains, artistes et compositeurs, dont Pablo Picasso et Igor Stravinsky.
En 1937, Léon-Paul Fargue a été élu membre de l'Académie Mallarmé et, en 1946, il a obtenu le titre de Grand poète lauréat de Paris.
Gustav Stickley était un designer de meubles américain, un architecte et un chef de file du mouvement Arts and Crafts américain. Il est réputé pour sa contribution à la conception et à la production de meubles de haute qualité, fabriqués à la main, qui mettent l'accent sur la simplicité, la fonctionnalité et l'artisanat.
En 1898, il a créé sa propre entreprise de meubles, la Gustav Stickley Company, connue plus tard sous le nom de Craftsman Workshops. Les meubles conçus par Stickley sont devenus synonymes du style Craftsman, qui prône des pièces bien fabriquées et fonctionnelles.
L'un des meubles les plus emblématiques de Stickley est la chaise Morris, qui est devenue synonyme du mouvement Craftsman. La chaise Morris se caractérise par un dossier inclinable, des angles réglables et un rembourrage généralement coussiné.
Les meubles conçus par Stickley se caractérisent par une construction robuste, une menuiserie visible et l'utilisation de bois natifs d'Amérique. Il mettait l'accent sur la beauté des matériaux naturels et sur l'intégrité du travail de l'artisan. Les créations de Stickley étaient une réaction contre les meubles ornés et produits en série de l'époque, et il cherchait à ramener l'artisanat traditionnel et la simplicité.
