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Georg Kolbe était un sculpteur allemand de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme un maître du classicisme et du symbolisme. Pendant la majeure partie de sa carrière professionnelle, il a été un artiste sollicité par diverses autorités allemandes.
Malgré la forte influence des expressionnistes, Georg Kolbe a réussi à développer son propre style. Il a non seulement marqué la sculpture, mais il a également laissé un grand nombre de dessins et des centaines de gravures.
Sa biographie est étroitement liée à Berlin, où il a vécu pendant plus de 40 ans. Kolbe est nommé par l'Association des artistes de Berlin. L'ancien atelier de l'artiste abrite aujourd'hui un musée qui présente en permanence des expositions individuelles d'œuvres de sculpteurs contemporains renommés.
Joris Hendricus Laarman est un designer, artiste et entrepreneur néerlandais contemporain connu pour son approche interdisciplinaire qui combine l'art, le design et la technologie. Il est internationalement reconnu pour ses créations pionnières dans divers domaines, notamment la conception de meubles, l'architecture et les méthodes de production expérimentales.
Joris Laarman a étudié à l'Académie de design d'Eindhoven. Pendant ses études, il a cofondé un collectif de design expérimental appelé Lab, qui visait à remettre en question les méthodologies de design traditionnelles et à explorer les possibilités offertes par les technologies de production numériques.
Renée Sintenis est une sculptrice et graveuse allemande.
Renée Sintenis s'est essentiellement attachée à représenter la jeunesse, les animaux (chevaux, veaux, chèvres, ânes), ainsi que le sport et ses athlètes qu'elle saisit dans l'instantanéité de leurs attitudes caractéristiques.
En 1932, elle reçoit le prix Olympia pour The Runner Nurmi, une sculpture de 1926, achetée par le Gouvernement français pour le musée Rodin à Paris. L'œuvre est aujourd’hui conservée à la Alte Nationalgalerie.
C'est aussi en 1932 qu'elle crée la sculpture intitulée Berliner Bär, qui deviendra en 1951 l'Ours d'or remis chaque année comme récompense du meilleur film par la Berlinale. Un exemplaire de l'œuvre en bronze est offert à John F. Kennedy, lors de sa visite à Berlin-Ouest en 1963.
Heinrich Mathias Ernst Campendonk est un artiste peintre, graveur et dessinateur de vitrail allemand, rattaché à l'expressionnisme, membre pour un temps (de 1911 à 1912) du mouvement artistique munichois Der Blaue Reiter.
Jim Dine est un artiste américain, représentant du pop art, bien qu'il se considère comme lié à tort à ce mouvement. Peintre, sculpteur, graveur, illustrateur et poète, on le considère parfois comme faisant partie du mouvement Neo-Dada.
Andreas Gursky est un photographe allemand renommé pour ses photographies en grand format, souvent prises d'un point de vue élevé, qui mettent en lumière l'architecture et les paysages. Il est également professeur à la Kunstakademie Düsseldorf en Allemagne.
Andreas Gursky est connu pour ses œuvres qui figurent parmi les photographies les plus chères du marché de l'art. Par exemple, son œuvre Rhein II a été vendue pour 4,3 millions de dollars en 2011, un record à l'époque. Son travail se distingue par l'utilisation de la technologie numérique pour manipuler ses images, explorant des thèmes critiques de la modernité tels que la consommation, la production, et l'impact de la globalisation.
Ses œuvres sont exposées dans d'importants musées et collections privées à travers le monde. Andreas Gursky partage un studio à Düsseldorf avec d'autres photographes renommés, dans un bâtiment transformé en espace de travail et de vie par les architectes Herzog & de Meuron.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art contemporain et à la photographie, Andreas Gursky représente une figure incontournable dont l'influence et la méthodologie continuent d'inspirer et de fasciner.
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Willi Baumeister est un peintre et typographe allemand.
Willi Baumeister est influencé par le surréaliste abstrait Joan Miró.
Il fut membre de l'association des artistes allemands Deutscher Künstlerbund.
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Gerhard Marcks est un sculpteur allemand. Beaucoup de ses sculptures se trouvent sur l'espace public. La plus célèbre d'entre elles représente les Musiciens de Brême.
Karl Schmidt-Rottluff, peintre et graveur allemand de renom, s'est illustré comme l'un des pionniers de l'Expressionnisme à travers son engagement dans le groupe artistique Die Brücke. Né à Rottluff, près de Chemnitz, sa contribution au monde de l'art ne se limite pas seulement à ses œuvres vibrant de couleurs et d'abstractions, mais également à son influence sur les générations d'artistes qui l'ont suivi. Sa pratique artistique, marquée par une exploration audacieuse des formes et des couleurs, reflète une quête constante de nouvelles manières d'exprimer la complexité des émotions humaines et de la nature.
Au fil des années, Schmidt-Rottluff a été contraint de naviguer dans un contexte politique hostile, ses œuvres ayant été qualifiées de "dégénérées" par le régime nazi, entraînant la saisie de plusieurs de ses peintures des musées. Malgré ces épreuves, il a continué à enseigner et à exercer une influence significative sur l'art après-guerre en tant que professeur à l'Université des Arts de Berlin-Charlottenburg. Son héritage perdure notamment à travers le Brücke-Museum de Berlin, un édifice qu'il a aidé à fonder pour conserver et exposer les travaux des membres de Die Brücke.
Ses œuvres sont aujourd'hui dispersées dans des collections prestigieuses à travers le monde, telles que le Museum of Modern Art à New York, la Neue Galerie, et le Los Angeles County Museum of Art, témoignant de la portée et de la reconnaissance internationale de son talent. En outre, l'engagement de Schmidt-Rottluff à travers diverses périodes de sa vie, depuis ses étés passés à capter l'essence des paysages de la mer du Nord et de la Baltique jusqu'à son intérêt pour des formes simplifiées inspirées de sources non européennes, souligne la diversité et la profondeur de sa pratique artistique.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Karl Schmidt-Rottluff offre une fenêtre sur l'évolution de l'expressionnisme et sur les dynamiques culturelles et politiques du XXe siècle qui ont façonné l'art moderne. Son parcours artistique, marqué à la fois par l'innovation et par les défis, reste une source d'inspiration et un sujet d'étude important pour ceux qui s'intéressent à l'impact de l'art sur la société et vice versa.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Karl Schmidt-Rottluff, nous vous invitons à vous inscrire aux mises à jour. Cette souscription vous garantit l'accès à des informations exclusives sur les opportunités d'acquérir des œuvres de cet artiste emblématique et de participer à la préservation de son héritage artistique.
Marianne von Werefkin (en russe : Марианна Владимировна Верёвкина), née près de Moscou en 1860 dans une famille aristocratique russe, fut une artiste majeure de l'expressionnisme allemand. Élevée dans une atmosphère propice à l'art, elle étudia avec le célèbre peintre russe Ilya Repin. Après un accident de chasse qui l'obligea à réapprendre à peindre, Werefkin se plongea dans l'art européen lors de son traitement médical en Allemagne, ce qui marqua le début de sa carrière artistique en Occident. En 1896, elle s'installa à Munich avec Alexei Jawlensky, où elle devint le centre d'un groupe d'avant-garde international, explorant et discutant des nouveaux courants artistiques.
Au début du XXe siècle, Werefkin mit en pause sa carrière de peintre pour se consacrer à la théorie de l'art et au soutien de la carrière de Jawlensky. Cependant, elle reprit la peinture en 1906, influencée par le symbolisme et le fauvisme lors de ses séjours en France. Ses œuvres, réputées pour leur attention distinctive aux humeurs, émotions et mouvements, montrent souvent des figures humaines en lutte, mais aussi des scènes de cirque et des portraits de danseurs, reflétant toute la gamme de l'expérience humaine.
Werefkin cofonda la Neue Künstlervereinigung München (NKVM) en 1909, avant de participer à la création du groupe Der Blaue Reiter (Le Cavalier Bleu) en 1911, contribuant ainsi de manière significative au mouvement expressionniste. Après la Première Guerre mondiale, elle s'installa en Suisse, où elle continua à peindre et à participer à la vie artistique jusqu'à sa mort en 1938.
Ses œuvres sont exposées dans de prestigieux musées, tels que le Musée d'Art Moderne d'Ascona et la Fondazione Marianne Werefkin. L'une de ses ventes les plus notables fut celle de l'œuvre "Styx" chez Christie's à Londres en 2008, soulignant sa reconnaissance sur le marché de l'art.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Werefkin offre un témoignage unique de l'expressionnisme européen, marqué par une profonde introspection et une exploration audacieuse des couleurs et formes. Ses contributions théoriques et artistiques continuent d'inspirer et de fasciner.
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Gerhard Richter est un artiste peintre allemand dont l'œuvre est reconnue, depuis les années 1980, «comme une expérience artistique inédite et remarquable». Peintre polymorphe, il aborde tantôt des sujets figuratifs, tantôt produit des œuvres abstraites.
Horst Janssen était un artiste graphique, graveur, affichiste et illustrateur allemand. Il a réalisé de nombreux dessins, eaux-fortes, gravures sur bois, lithographies et gravures sur bois.
Oldenburg, la ville natale de Horst Janssen, possède un musée dédié à son héritage. Son œuvre est représentée internationalement dans de grands musées.
Jorinde Voigt est une artiste allemande contemporaine.
Kees van Dongen, peintre néerlandais naturalisé, est connu pour son appartenance au mouvement fauviste, caractérisé par l'utilisation audacieuse de couleurs vives. Né à Delphshaven en 1877, Van Dongen s'intéresse très tôt à l'art, ce qui le conduit à Paris où il s'immerge dans la scène artistique d'avant-garde. Sa rencontre avec des personnalités telles que Maurice de Vlaminck et Henri Matisse a marqué le début de la période du fauvisme, au cours de laquelle il a expérimenté la couleur et la forme pour exprimer ses émotions de manière plus directe.
Van Dongen est connu pour sa capacité à transmettre l'essence de ses sujets avec une intensité et une sensualité remarquables, souvent dans des portraits stylisés de femmes. Sa réputation s'est consolidée dans les années d'après-guerre, lorsqu'il est devenu le portraitiste préféré de la haute bourgeoisie française, grâce à son approche unique de l'allongement des figures et de l'exagération des ornements de ses modèles pour les flatter. Cette période a donné lieu à des portraits emblématiques de personnalités telles que Brigitte Bardot et d'autres célébrités de l'époque.
Parmi ses œuvres notables, citons Femme dans l'ombre (vers 1907), Loutteuses (1907-08), exposées au Musée national de Monaco, et Anita la danseuse (vers 1907-08) à la Galerie nationale du Danemark, qui témoignent de son évolution stylistique et de son influence sur l'art moderne.
Van Dongen a également joué un rôle social important à Paris dans les années 1920 et 1930, ses fêtes extravagantes attirant des stars de cinéma, des hommes politiques célèbres et des artistes, établissant son autorité non seulement en tant qu'artiste mais aussi en tant que figure centrale de la vie bohème de l'époque.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre de Kees van Dongen est un témoignage vivant de l'innovation et de l'expérimentation qui ont caractérisé l'art moderne du début du XXe siècle. Son utilisation révolutionnaire de la couleur et son approche unique du portrait restent une source précieuse d'inspiration et d'étude.
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![[PASCAL, Blaise (1623-1662)]](/assets/image/picture_3566746/5223e/92d07fa4acdc90b56eb25bd3efd98ffe1700607600jpg__fix_374_244.jpeg)
![[PASCAL, Blaise (1623-1662)]](https://veryimportantlot.com/assets/image/picture_3566746/5223e/92d07fa4acdc90b56eb25bd3efd98ffe1700607600jpg__fix_374_244.jpeg)
Marcel Lajos Breuer est un architecte et designer de mobilier qui fut un moderniste influent. L’un des pères du modernisme, Breuer eut un grand intérêt pour les constructions modulables et les formes simples.
Alexandre-François Desportes est un peintre français, spécialisé dans la peinture animalière (chiens essentiellement), la nature morte et les scènes de chasse.
Marc Chagall (en russe : Марк Захарович Шагал), né Moïche Chagal en 1887 à Liozna, Biélorussie, et décédé en 1985 à Saint-Paul-de-Vence, France, est un peintre et graveur qui s'est naturalisé français en 1937. Artiste inclassable, Chagall a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art, ne se rattachant à aucune école précise mais influençant les mouvements surréalistes et néo-primitivistes grâce à une œuvre profondément ancrée dans la tradition juive, la vie du shtetl et le folklore russe. Sa contribution artistique s'étend au-delà de la peinture sur toile pour embrasser la gravure, la sculpture, la céramique, la poésie, et même l'art du vitrail, illustrant sa capacité à transposer sa vision unique à travers divers médiums.
Le début de sa carrière artistique est marqué par son premier voyage à Paris en 1911, où il intègre rapidement l'avant-garde, se familiarisant avec le fauvisme et le cubisme et établissant des amitiés avec des artistes et écrivains de l'École de Paris. Ses premières œuvres majeures sont exposées au Salon des Indépendants et sa première exposition personnelle a lieu à Berlin en 1914. Cette période est cruciale pour le développement de son style unique, mêlant réalité psychique et modernisme.
Chagall est également reconnu pour ses contributions significatives dans le domaine du vitrail, ayant créé des œuvres pour les cathédrales de Reims et Metz, pour l'ONU, ainsi que les fenêtres de Jérusalem en Israël. Ses réalisations incluent également des peintures à grande échelle, telles que celles réalisées pour le plafond de l'Opéra de Paris, témoignant de sa maîtrise de la couleur et de sa capacité à évoquer l'émotion à travers ses œuvres.
Le Musée National Marc Chagall à Nice, inauguré en 1973 avec le soutien d'André Malraux, est dédié à ses œuvres inspirées par la religion, notamment une série de peintures illustrant le message biblique. Ce musée témoigne de l'importance de Chagall dans l'art du XXe siècle, abritant l'une des plus grandes collections de ses œuvres sur le thème religieux et spirituel.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Marc Chagall offre une plongée dans un univers où se mêlent rêve, tradition, et innovation artistique. Son approche multidisciplinaire et sa capacité à transmettre une vision profondément humaine et universelle à travers son art restent une source d'inspiration inépuisable.
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René Gruau était un artiste et illustrateur français, connu pour son travail dans le domaine de la mode, de la publicité et de l'illustration de magazines. Il est considéré comme l'un des illustrateurs de mode les plus influents du XXe siècle, et son style distinctif a eu un impact durable sur l'industrie de la mode.
Gruau est né en Italie et a passé la majeure partie de son enfance en France. Il a commencé sa carrière dans la publicité dans les années 1920, en travaillant pour l'agence J. Walter Thompson. Il s'est rapidement fait connaître pour son style élégant et sophistiqué, ainsi que pour sa capacité à capturer l'essence d'un produit ou d'une marque en une seule image.
Dans les années 1940, Gruau a commencé à travailler dans l'industrie de la mode, en produisant des illustrations pour des magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar et Elle. Il est devenu célèbre pour ses représentations glamour et sensuelles de femmes, qui capturent l'essence de l'élégance et de la sophistication de l'après-guerre.
Tout au long de sa carrière, Gruau a travaillé avec certains des plus grands noms de la mode, notamment Christian Dior, Yves Saint Laurent et Givenchy. Il a créé de nombreuses images emblématiques pour ces créateurs, notamment le célèbre tailleur "Bar" pour Dior et la robe "Mondrian" pour Saint Laurent.
Le travail de Gruau a été exposé dans des musées et des galeries du monde entier et a fait l'objet de plusieurs rétrospectives. Son influence est perceptible dans le travail de nombreux illustrateurs de mode contemporains, et son héritage continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes.
César Baldaccini, dit César, est un sculpteur français.
Il fait partie du mouvement des Nouveaux réalistes, né en 1960. Il est également le créateur du trophée en bronze de la cérémonie des César du cinéma français et du trophée du concours de cuisine le Bocuse d'or, abandonné depuis au profit d'une statue du cuisinier.
César Baldaccini, dit César, est un sculpteur français.
Il fait partie du mouvement des Nouveaux réalistes, né en 1960. Il est également le créateur du trophée en bronze de la cérémonie des César du cinéma français et du trophée du concours de cuisine le Bocuse d'or, abandonné depuis au profit d'une statue du cuisinier.
