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Ernst Wilhelm Nay est un peintre et graphiste allemand du modernisme classique. Il est considéré comme l'un des peintres les plus importants de l'art allemand d'après-guerre.
Pablo Ruiz Picasso, peintre et sculpteur espagnol, est célèbre pour avoir révolutionné le monde de l'art au XXe siècle. Né à Málaga le 25 octobre 1881, Picasso a passé la majeure partie de sa vie adulte en France, où il a déployé son talent dans divers domaines artistiques tels que la peinture, la sculpture, la gravure, la céramique et le design théâtral.
Dès son jeune âge, Picasso a montré un talent exceptionnel, se lançant dans un style naturaliste durant son enfance et son adolescence. Au début du XXe siècle, son style a évolué alors qu'il expérimentait différentes théories, techniques et idées. C'est notamment après 1906 que le travail de Henri Matisse a incité Picasso à explorer des styles plus radicaux, marquant le début d'une rivalité fructueuse entre les deux artistes. Les périodes de travail de Picasso sont souvent catégorisées, avec des phases comme la Période Bleue, la Période Rose, la Période Africaine, le Cubisme Analytique et le Cubisme Synthétique.
Picasso est surtout connu pour avoir co-fondé le mouvement Cubiste, ainsi que pour ses contributions majeures au Surréalisme. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons "Les Demoiselles d'Avignon" (1907), pionnière du Cubisme, et "Guernica" (1937), un puissant témoignage contre la guerre.
Exceptionnellement prolifique tout au long de sa vie, Picasso a acquis une renommée et une fortune immenses pour ses réalisations artistiques révolutionnaires. Aujourd'hui, ses œuvres continuent d'attirer des sommes considérables lors de ventes aux enchères, avec des records battus par des œuvres comme "Les Femmes d'Alger" (Version O) et "Le Rêve".
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, restez informés des dernières mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Pablo Ruiz Picasso en vous inscrivant à nos alertes. Abonnez-vous pour ne manquer aucune occasion de découvrir et d'acquérir des pièces liées à ce maître incontesté de l'art du XXe siècle.
Lazar Markovitch Lissitzky, mieux connu sous le nom d'El Lissitzky (en russe : Ла́зарь Ма́ркович Лиси́цкий), est une figure emblématique de l'avant-garde russe, dont l'influence s'étend au-delà des frontières de son pays natal pour marquer de son empreinte l'art et la culture du XXe siècle. Artiste, architecte, graphiste et photographe, Lissitzky a joué un rôle déterminant dans le développement de l'art abstrait et a contribué à l'émergence du constructivisme, mouvement qui cherchait à utiliser l'art comme un outil pour le changement social et technique.
Lissitzky est célèbre pour ses "Proun", abréviation de "Projet pour l'affirmation du nouveau" en russe, une série d'œuvres qui visaient à créer un langage artistique universel à travers l'abstraction. Ces œuvres, caractérisées par l'utilisation innovante de formes géométriques, de perspectives et de couleurs, visaient à transcender les barrières culturelles et à réinventer la manière dont l'espace et le volume sont perçus dans l'art.
Ses contributions ne se limitent pas uniquement à la peinture et au dessin; Lissitzky a également été un pionnier dans la conception de livres et d'expositions, influençant fortement le design graphique et la typographie modernes. Ses travaux ont été exposés dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son importance durable dans le domaine de l'art moderne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'El Lissitzky demeure une source d'inspiration et un témoignage de l'innovation artistique du XXe siècle. Si vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste révolutionnaire, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour spécifiques à El Lissitzky. Cette souscription vous permettra de découvrir les nouvelles acquisitions et les opportunités uniques liées à son œuvre.
Lazar Markovitch Lissitzky, mieux connu sous le nom d'El Lissitzky (en russe : Ла́зарь Ма́ркович Лиси́цкий), est une figure emblématique de l'avant-garde russe, dont l'influence s'étend au-delà des frontières de son pays natal pour marquer de son empreinte l'art et la culture du XXe siècle. Artiste, architecte, graphiste et photographe, Lissitzky a joué un rôle déterminant dans le développement de l'art abstrait et a contribué à l'émergence du constructivisme, mouvement qui cherchait à utiliser l'art comme un outil pour le changement social et technique.
Lissitzky est célèbre pour ses "Proun", abréviation de "Projet pour l'affirmation du nouveau" en russe, une série d'œuvres qui visaient à créer un langage artistique universel à travers l'abstraction. Ces œuvres, caractérisées par l'utilisation innovante de formes géométriques, de perspectives et de couleurs, visaient à transcender les barrières culturelles et à réinventer la manière dont l'espace et le volume sont perçus dans l'art.
Ses contributions ne se limitent pas uniquement à la peinture et au dessin; Lissitzky a également été un pionnier dans la conception de livres et d'expositions, influençant fortement le design graphique et la typographie modernes. Ses travaux ont été exposés dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son importance durable dans le domaine de l'art moderne.
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Lazar Markovitch Lissitzky, mieux connu sous le nom d'El Lissitzky (en russe : Ла́зарь Ма́ркович Лиси́цкий), est une figure emblématique de l'avant-garde russe, dont l'influence s'étend au-delà des frontières de son pays natal pour marquer de son empreinte l'art et la culture du XXe siècle. Artiste, architecte, graphiste et photographe, Lissitzky a joué un rôle déterminant dans le développement de l'art abstrait et a contribué à l'émergence du constructivisme, mouvement qui cherchait à utiliser l'art comme un outil pour le changement social et technique.
Lissitzky est célèbre pour ses "Proun", abréviation de "Projet pour l'affirmation du nouveau" en russe, une série d'œuvres qui visaient à créer un langage artistique universel à travers l'abstraction. Ces œuvres, caractérisées par l'utilisation innovante de formes géométriques, de perspectives et de couleurs, visaient à transcender les barrières culturelles et à réinventer la manière dont l'espace et le volume sont perçus dans l'art.
Ses contributions ne se limitent pas uniquement à la peinture et au dessin; Lissitzky a également été un pionnier dans la conception de livres et d'expositions, influençant fortement le design graphique et la typographie modernes. Ses travaux ont été exposés dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son importance durable dans le domaine de l'art moderne.
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Lazar Markovitch Lissitzky, mieux connu sous le nom d'El Lissitzky (en russe : Ла́зарь Ма́ркович Лиси́цкий), est une figure emblématique de l'avant-garde russe, dont l'influence s'étend au-delà des frontières de son pays natal pour marquer de son empreinte l'art et la culture du XXe siècle. Artiste, architecte, graphiste et photographe, Lissitzky a joué un rôle déterminant dans le développement de l'art abstrait et a contribué à l'émergence du constructivisme, mouvement qui cherchait à utiliser l'art comme un outil pour le changement social et technique.
Lissitzky est célèbre pour ses "Proun", abréviation de "Projet pour l'affirmation du nouveau" en russe, une série d'œuvres qui visaient à créer un langage artistique universel à travers l'abstraction. Ces œuvres, caractérisées par l'utilisation innovante de formes géométriques, de perspectives et de couleurs, visaient à transcender les barrières culturelles et à réinventer la manière dont l'espace et le volume sont perçus dans l'art.
Ses contributions ne se limitent pas uniquement à la peinture et au dessin; Lissitzky a également été un pionnier dans la conception de livres et d'expositions, influençant fortement le design graphique et la typographie modernes. Ses travaux ont été exposés dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment au Museum of Modern Art de New York et à la Galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son importance durable dans le domaine de l'art moderne.
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Salvador Dalí était un artiste espagnol révolutionnaire, célèbre pour ses contributions au surréalisme. Né à Figueres en Catalogne, Dalí a été formé aux Beaux-Arts à Madrid. Dès son jeune âge, il a été influencé par l'impressionnisme et les maîtres de la Renaissance, se tournant progressivement vers le cubisme et les mouvements d'avant-garde. Il a rejoint le groupe surréaliste en 1929, devenant rapidement l'un de ses principaux représentants.
Son œuvre la plus connue, "La Persistance de la Mémoire" réalisée en 1931, est l'un des tableaux surréalistes les plus célèbres. Vivant en France pendant la Guerre Civile espagnole, Dalí s'est ensuite rendu aux États-Unis où il a connu un succès commercial, avant de retourner en Espagne en 1948. Ses œuvres ont exploré des thèmes comme les rêves, le subconscient, la sexualité, la religion et la science, souvent marquées par un comportement public excentrique.
Dalí était aussi connu pour son "mysticisme nucléaire", un style développé après son retour au catholicisme, mêlant classicisme, mysticisme et découvertes scientifiques récentes. Ses talents s'étendaient à la peinture, aux arts graphiques, au cinéma, à la sculpture, au design et à la photographie, collaborant souvent avec d'autres artistes.
Deux musées majeurs sont dédiés à son travail : le Théâtre-Musée Dalí à Figueres en Espagne, et le Musée Salvador Dalí à St. Petersburg en Floride, USA. Ses œuvres sont également exposées dans des institutions de renom comme le Musée National Centro de Arte Reina Sofía à Madrid et le Museum of Modern Art à New York.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'héritage de Dalí reste une source inépuisable de fascination. Son approche unique de l'art, alliant compétences techniques, imagination débordante et un sens aigu de l'extravagance, continue d'inspirer et d'intriguer.
Si vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Salvador Dalí, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous tiendra au courant des dernières actualités et opportunités uniques liées à ce maître incontesté de l'art surréaliste.
John Angus Chamberlain est un artiste plasticien américain. Son travail, caractérisé par l'utilisation de fragments d'automobile écrasés et soudés, a acquis la célébrité dans les années 1960, considéré tantôt comme un essai de transposer en trois dimensions les recherches de l'expressionnisme abstrait, tantôt comme une composante du pop art.
Max Pechstein est un artiste allemand renommé qui a apporté une contribution majeure au mouvement expressionniste. Né en 1881, Pechstein a marqué l'histoire de l'art par son approche unique et sa technique de peinture colorée. L'un des fondateurs de Die Brücke, il a joué un rôle crucial dans le développement de l'expressionnisme en Allemagne, un mouvement caractérisé par l'utilisation audacieuse de la couleur et de la forme pour exprimer une émotion forte et une critique sociale.
L'œuvre de Pechstein se caractérise par une palette de couleurs vives et une variété de sujets allant de paysages idylliques à des scènes de la vie urbaine et rurale, en passant par des portraits intimes. Ses œuvres reflètent non seulement sa quête esthétique personnelle, mais aussi sa réaction aux bouleversements sociaux et politiques de son époque. Il a capturé l'essence de la condition humaine avec une intensité émotionnelle palpable, rendant son art universel et intemporel.
Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent des tableaux exposés dans des musées et des galeries du monde entier, ce qui témoigne de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Ses peintures sont conservées dans des institutions prestigieuses telles que le MoMA de New York et la Neue Nationalgalerie de Berlin, où elles continuent d'inspirer et de fasciner les amateurs d'art et les collectionneurs.
L'œuvre de Hermann Max Pechstein reste une source d'inspiration inépuisable pour les amateurs d'art et les collectionneurs. Son influence sur l'expressionnisme allemand et son héritage artistique sont indéniables. Pour ceux qui souhaitent approfondir l'univers fascinant de Pechstein et découvrir ses œuvres lors de ventes ou de ventes aux enchères, nous vous invitons à vous abonner à nos mises à jour. Cet abonnement vous permettra de ne manquer aucune occasion de vous rapprocher de l'univers de ce maître de l'expressionnisme.
Mark Tobey est un peintre abstrait américain.
Alexej von Jawlensky (en russe : Алексей Георгиевич Явленский), né en 1864 à Torzhok, Russie, et décédé en 1941 à Wiesbaden, Allemagne, était un peintre expressionniste d'origine russe qui a passé la majeure partie de sa carrière en Allemagne. Renommé pour ses portraits expressionnistes et la tonalité mystique de ses œuvres tardives représentant des visages abstraits, Jawlensky a contribué de manière significative à l'art moderne européen. Il était membre clé de l'Association des Nouveaux Artistes de Munich (Neue Künstlervereinigung München), du groupe Der Blaue Reiter, et, plus tard, de Die Blaue Vier (Les Quatre Bleus).
Sa rencontre avec Wassily Kandinsky et d'autres artistes allemands a été déterminante dans son parcours artistique. Ils ont ensemble fondé l'Association des Nouveaux Artistes de Munich en 1909, puis le groupe Der Blaue Reiter en 1912. Ces collaborations ont marqué un tournant dans l'évolution de l'expressionnisme en Allemagne.
Jawlensky a été fortement influencé par son séjour en France, où il a été exposé à l'œuvre de Paul Gauguin, Vincent van Gogh et les Fauves. Cette période a été essentielle pour le développement de son style unique, caractérisé par l'utilisation audacieuse de la couleur et une simplification formelle qui tire ses racines dans la spiritualité russe et l'expressionnisme.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons les séries "Têtes Mystiques" et "Visages du Sauveur", qui reflètent son intérêt pour la spiritualité et sont inspirées des icônes orthodoxes russes de son enfance. À la fin de sa vie, il a été contraint de réduire l'échelle de ses œuvres en raison de l'arthrite, avant de cesser complètement de peindre en 1937. Néanmoins, son influence perdure, comme en témoigne le prix Jawlensky, créé en sa mémoire et décerné tous les cinq ans par la ville de Wiesbaden.
Les œuvres de Jawlensky sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier, notamment au Museum Wiesbaden, qui détient la plus grande collection de ses travaux, soulignant ainsi son importance dans l'histoire de l'art européen.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre d'Alexej von Jawlensky, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable. Cela vous permettra de rester informé des opportunités uniques d'acquérir des œuvres de cet artiste influent.
Jasper Johns est un artiste américain renommé, célèbre pour ses contributions significatives à l'art contemporain, en particulier dans les domaines de la peinture et du dessin. Né en 1930, Johns est surtout connu pour ses drapeaux, cibles, chiffres, et cartes des États-Unis, des œuvres qui ont joué un rôle crucial dans le passage de l'expressionnisme abstrait au pop art et au néo-dadaïsme. Sa capacité à transformer des objets et des symboles quotidiens en art, en explorant les thèmes de la perception et de l'identité, a marqué une rupture significative avec les conventions artistiques de son époque.
L'œuvre de Johns se distingue par son utilisation innovante des matériaux et sa remise en question des frontières entre peinture et sculpture. Ses célèbres "Flag" (Drapeau) et "Target" (Cible) incarnent cette approche, où il emploie la technique de l'encaustique pour superposer peinture et objets trouvés, créant ainsi des textures et des dimensions riches. Ces travaux ne se contentent pas d'imiter la réalité; ils invitent le spectateur à réfléchir sur le processus de représentation et le rôle des symboles dans la culture.
Les œuvres de Johns sont exposées dans les plus prestigieuses institutions du monde, telles que le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, et la Tate Modern à Londres. Son impact sur l'art contemporain est indéniable, influençant des générations d'artistes par son exploration de l'objet d'art comme entité autonome et son interrogation sur la dualité de la signification et de la représentation.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités fascinés par le travail de Jasper Johns, s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique est une opportunité à ne pas manquer. Cette souscription vous garantit un accès privilégié à l'univers de Johns, vous permettant de rester informé des dernières acquisitions et des opportunités uniques d'enrichir votre collection.
Meret Oppenheim était une artiste suisse. Elle est surtout connue pour ses sculptures et objets surréalistes, qui mettent souvent en scène des objets quotidiens transformés par des combinaisons et des juxtapositions inattendues.
Oppenheim faisait partie du mouvement surréaliste, qui visait à libérer l'inconscient et à remettre en question les idées traditionnelles sur l'art et la réalité. Son œuvre la plus célèbre est "Object" (1936), une tasse à thé, une soucoupe et une cuillère recouvertes de fourrure, qui est devenue un symbole emblématique de l'art surréaliste.
L'œuvre d'Oppenheim explore souvent les thèmes du genre et de la sexualité, et elle s'intéresse à l'idée de transformer des objets quotidiens en œuvres d'art. Elle utilisait fréquemment des matériaux tels que la fourrure, le cuir et les plumes dans ses œuvres, ce qui ajoutait un élément tactile à ses sculptures.
Oppenheim était également une peintre et une photographe accomplie, et ses œuvres incorporaient souvent des éléments de ces deux médiums. Elle a ouvert la voie aux femmes dans le monde de l'art et a été l'une des rares artistes féminines à obtenir la reconnaissance du mouvement surréaliste, dominé par les hommes.
Aujourd'hui, l'œuvre d'Oppenheim est célébrée pour son esprit, son humour et son pouvoir subversif, et elle est considérée comme l'une des artistes les plus importantes du XXe siècle.
Horst Janssen était un artiste graphique, graveur, affichiste et illustrateur allemand. Il a réalisé de nombreux dessins, eaux-fortes, gravures sur bois, lithographies et gravures sur bois.
Oldenburg, la ville natale de Horst Janssen, possède un musée dédié à son héritage. Son œuvre est représentée internationalement dans de grands musées.
Joan Miró, peintre, sculpteur, graveur et céramiste catalan, est célèbre pour son style unique mêlant le surréalisme à des éléments d'art abstrait, de fauvisme et d'expressionnisme. Né à Barcelone le 20 avril 1893, Miró a suivi un parcours artistique remarquable, marqué par un rejet des méthodes de peinture conventionnelles et un intérêt profond pour le subconscient et l'esprit enfantin.
Dans sa jeunesse, Miró a fréquenté une école de commerce et d'art avant de se consacrer entièrement à l'art après un effondrement nerveux. Ses débuts artistiques à Barcelone ont été fortement influencés par le fauvisme et le cubisme, avant de s'installer à Paris dans les années 1920, où son œuvre a commencé à refléter les caractéristiques du surréalisme. Son tableau "La Ferme", peint en 1921, est une de ses œuvres les plus célèbres de cette période, acclamé pour sa représentation unique de l'Espagne.
Miró a reçu de nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière, dont le Prix de l'imprimé à la Biennale de Venise en 1954, le Prix de la Fondation Guggenheim en 1959, et la Médaille d'or du ministère de la Culture espagnol en 1980. En reconnaissance de sa contribution artistique, deux fondations portant son nom ont été créées : la Fondation Joan-Miró à Barcelone en 1975 et la Fondation Pilar et Joan Miró à Palma de Majorque.
Le travail de Miró est exposé dans des musées et galeries du monde entier, y compris le Musée national d'art moderne à Paris, le musée d'art moderne de Lille, et le Museum of Modern Art à New York. Son héritage perdure grâce à son approche révolutionnaire de l'art, sa capacité à mêler poésie et peinture, et son engagement à renouveler constamment son médium.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, restez à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Joan Miró en vous inscrivant à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de ne manquer aucune occasion liée à l'œuvre de ce grand maître.
Kurt Schwitters est un peintre, sculpteur et poète allemand qui a incarné l'esprit individualiste et anarchiste du mouvement dada, dont il fut l'un des principaux animateurs à Hanovre.
En parallèle à dada, il a créé un mouvement qu'il a appelé Merz. Il a exercé une influence importante sur les néo-dadas américains, Robert Rauschenberg en particulier, qui lui a emprunté l'idée de ses combine-paintings et ses collages.
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Serge Poliakoff est un peintre français d'origine russe appartenant à la nouvelle École de Paris.
Christian Rohlfs est un peintre allemand. Il est un des principaux représentants de l’expressionnisme dans son pays.
Klaus Fussmann est un peintre et graphiste allemand contemporain. De 1957 à 1961, il étudie à l'école Folkwang d'Essen et de 1962 à 1966 à l'Académie des beaux-arts de Berlin. De 1974 à 2005, Klaus Fußmann a occupé un poste de professeur à l'Université des Arts de Berlin. En 2004, il a créé les peintures monumentales Vue de Berlin Mitte et Paysage dans l'Uckermark pour la salle Ullstein de l'Axel-Springer-Haus sur Rudi-Dutschke-Strasse à Berlin-Kreuzberg, et en 2005 la peinture monumentale du plafond Nuages dans la salle de Miroirs du Museum für Kunst und Business à Hambourg. Klaus Fussmann est membre de l'Académie libre des arts de Hambourg depuis 1989 et membre de l'Association allemande des artistes. D'importantes présentations de son travail ont lieu en 1972 à la Nouvelle Galerie Nationale de Berlin, 1982 à la Mathildenhöhe de Darmstadt, 1988 à la Kunsthalle Emden, 1992 à la Kunsthalle Bremen, 2003 au Ostwall Museum de Dortmund. Lui et son travail ont reçu plusieurs prix. Les œuvres de Klaus Fussmann font partie des collections du musée Gunzenhauser de Chemnitz, de la Pinakothek der Moderne de Munich, du musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main et du musée national d'art et d'histoire culturelle du Schleswig-Holstein au château de Gottorf.
Julius Bissier est un peintre abstractionniste allemand, proche du mouvement de l'art informel, qui a débuté comme peintre de la Nouvelle Objectivité (Neue Sachlichkeit).
Pierre Alechinsky est un peintre et graveur belge naturalisé français.
Membre fondateur du groupe Cobra, son œuvre mêle l'expressionnisme au surréalisme.
Édouard Pignon est un peintre français de la nouvelle École de Paris.
Son œuvre abondante, difficilement classable, se développe par séries autour de thèmes divers qui se succèdent ou se déploient simultanément, parfois s'enchevêtrent : drames de la condition ouvrière, voiles des bateaux et troncs d'olivier, travaux des paysans, combats de coqs, horreur des guerres, plongeurs nus et plages solaires. Avec Picasso, dont il est l'intime pendant trois décennies, il lutte dans les années 1950 contre le systématisme du réalisme socialiste, sans pour autant rejoindre ses amis peintres non figuratifs avec lesquels il a très fréquemment exposé à partir des années 1940 en France et à l'étranger.
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Samuel Lewis Francis était un artiste américain, peintre et graveur, reconnu pour son influence dans le mouvement de l'expressionnisme abstrait et la peinture de champ coloré. Né le 25 juin 1923 à San Mateo, Californie, et décédé le 4 novembre 1994 à Santa Monica, Californie, Francis a marqué l'art post-guerre par ses œuvres vibrantes et son utilisation audacieuse de la couleur. Ses tableaux sont célèbres pour leur capacité à capturer la lumière et l'espace, en faisant un pont entre les traditions artistiques américaines et européennes.
Au cours de sa vie, Francis a exposé son travail à travers le monde, notamment aux États-Unis, en Europe et en Asie, contribuant ainsi à la reconnaissance internationale de la peinture américaine d'après-guerre. Ses œuvres font partie de collections prestigieuses dans des musées internationaux tels que le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art de New York, le Kunstmuseum Basel, et le Centre Pompidou-Musée National d'Art Moderne à Paris.
Après sa mort, la Fondation Sam Francis a été créée pour perpétuer son héritage créatif. La fondation œuvre à la documentation, la protection et la promotion de l'art de Francis, en plus de sensibiliser le public à travers l'éducation et l'information. Un documentaire intitulé "The Painter Sam Francis", sorti en 2010, explore sa vie et son œuvre, offrant un aperçu intime de son processus créatif et de son impact durable sur l'art contemporain.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art de Sam Francis et souhaitent rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à son œuvre, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cela vous permettra de rester au courant des dernières nouveautés et opportunités de découvrir davantage l'univers fascinant de cet artiste exceptionnel.
Klaus Fussmann est un peintre et graphiste allemand contemporain. De 1957 à 1961, il étudie à l'école Folkwang d'Essen et de 1962 à 1966 à l'Académie des beaux-arts de Berlin. De 1974 à 2005, Klaus Fußmann a occupé un poste de professeur à l'Université des Arts de Berlin. En 2004, il a créé les peintures monumentales Vue de Berlin Mitte et Paysage dans l'Uckermark pour la salle Ullstein de l'Axel-Springer-Haus sur Rudi-Dutschke-Strasse à Berlin-Kreuzberg, et en 2005 la peinture monumentale du plafond Nuages dans la salle de Miroirs du Museum für Kunst und Business à Hambourg. Klaus Fussmann est membre de l'Académie libre des arts de Hambourg depuis 1989 et membre de l'Association allemande des artistes. D'importantes présentations de son travail ont lieu en 1972 à la Nouvelle Galerie Nationale de Berlin, 1982 à la Mathildenhöhe de Darmstadt, 1988 à la Kunsthalle Emden, 1992 à la Kunsthalle Bremen, 2003 au Ostwall Museum de Dortmund. Lui et son travail ont reçu plusieurs prix. Les œuvres de Klaus Fussmann font partie des collections du musée Gunzenhauser de Chemnitz, de la Pinakothek der Moderne de Munich, du musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main et du musée national d'art et d'histoire culturelle du Schleswig-Holstein au château de Gottorf.
Max Gubler était un artiste suisse.
Après avoir expérimenté différents styles contemporains, Gubler a développé pour la première fois son propre style à Lipari. Ses paysages lumineux peuvent être classés dans la catégorie impressionniste. Plus tard, il s'est tourné de plus en plus vers la peinture abstraite, mais a longtemps peint avec des couleurs vives. En 1956, il réalise des illustrations à la craie colorée pour Le vieil homme et la mer d'Ernest Hemingway. Ce n'est que dans son œuvre tardive que les couleurs sombres prédominent.
La Fondation Max Gubler, héritière de la succession, a longtemps gardé sous clé l'œuvre réalisée dans les hôpitaux psychiatriques jusqu'en 1961. Ces travaux ont été présentés pour la première fois d'octobre 2014 à février 2015 au Museum zu Allerheiligen de Schaffhouse. L'exposition, intitulée "L'autre Gubler. L'œuvre tardive inconnue du peintre Max Gubler" a été accompagnée d'une vaste publication. La première rétrospective complète montrant l'œuvre de Max Gubler dans toutes les phases de sa création et replaçant également l'œuvre tardive dans le contexte de l'ensemble de l'œuvre a eu lieu en 2015 au Kunstmuseum de Berne.
Bernd Schwarzer est un artiste allemand. Les œuvres de Schwarzer traitent des thèmes de l'Europe, de la réunification de l'Est et de l'Ouest, de Weimar ainsi que des droits de l'homme.
