15e siècle
Mariotto Albertinelli, né le 13 octobre 1474 à Florence et décédé le 5 novembre 1515 dans la même ville, était un peintre italien de la Renaissance. Proche ami et collaborateur de Fra Bartolomeo, Albertinelli est souvent associé à l'école florentine de la Haute Renaissance. Ses œuvres, alliant à la fois des éléments traditionnels et des influences du classicisme grandiose de la Renaissance, montrent une maîtrise de la composition et de la lumière caractéristique de cette période.
Parmi ses travaux les plus célèbres, on trouve le triptyque de la Madonna et l'Enfant avec les saints Catherine et Barbara au Museo Poldi Pezzoli à Milan et la Visitation (1503), conservée à la Galleria degli Uffizi à Florence. Cette dernière œuvre est particulièrement remarquable pour sa composition pyramidale et l'architecture classique en arrière-plan, illustrant parfaitement l'esthétique de la Haute Renaissance.
Albertinelli a également formé une brève association avec Giuliano Bugiardini jusqu'en 1509 avant de renouveler sa collaboration avec Fra Bartolomeo. Cette période de collaboration est marquée par des œuvres qui témoignent d'un style et d'une approche similaires, rendant parfois difficile la distinction entre les créations des deux artistes.
Giorgio Vasari décrit Albertinelli comme un personnage jovial et libertin, ayant même exploité une taverne pour compléter ses revenus. Malgré ses difficultés financières, il a laissé derrière lui un héritage artistique influent, avec des élèves tels que Franciabigio, Jacopo da Pontormo et Innocenzo da Imola qui ont perpétué son style et ses techniques.
Les œuvres d'Albertinelli sont dispersées dans de nombreux musées et collections à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art de la Renaissance italienne.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude et la collecte des œuvres d'Albertinelli offrent un aperçu précieux de l'évolution de la peinture de la Renaissance à Florence. Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et événements d'enchères liés à Mariotto Albertinelli, nous vous invitons à vous inscrire pour des mises à jour spécifiques à cet artiste emblématique de la Renaissance.
Albrecht Altdorfer était un peintre, graveur et architecte allemand de la Renaissance, surtout connu pour être un représentant majeur de l'école dite du Danube. Ses œuvres se caractérisent par des paysages expressifs qui servent de toile de fond à des scènes bibliques et historiques. Il est particulièrement reconnu pour ses peintures religieuses intenses et ses paysages qui jouent un rôle central dans ses compositions, soulignant une harmonie entre l'homme et la nature.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "La Bataille d'Alexandre à Issus", commandée par Guillaume IV, duc de Bavière, qui est une représentation ambitieuse de la bataille de 333 av. J.-C., où Alexandre le Grand a vaincu Darius III. Cette peinture est connue pour sa perspective panoramique et son utilisation symbolique des couleurs. Altdorfer a également produit des gravures et des dessins significatifs, tels que ses contributions aux projets de Maximilien Ier, et a joué un rôle important dans la vie municipale de Ratisbonne, devenant même maire en 1528.
L'exposition "Albrecht Altdorfer, maître de la Renaissance allemande" au Louvre a mis en lumière la diversité de son œuvre, mettant en avant son inventivité et sa connaissance des œuvres de ses contemporains allemands et italiens. Altdorfer est également considéré comme l'un des premiers artistes à réaliser des paysages pour leur propre valeur, établissant ainsi les bases de la peinture de paysage en Europe.
Pour ceux intéressés par l'œuvre d'Albrecht Altdorfer et souhaitant rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste, je vous encourage à vous inscrire aux mises à jour.
Erhard Altdorfer était un artiste allemand de la Renaissance précoce, actif principalement en tant que graveur, peintre et architecte. Né vers 1480, il a travaillé comme peintre et architecte de cour à Schwerin à partir de 1512 jusqu'à sa mort en 1561. Altdorfer est souvent associé à son frère aîné, Albrecht Altdorfer, un autre artiste renommé de l'époque. Il est probable qu'Erhard ait été formé par son frère et qu'ils aient démarré un atelier ensemble vers 1506. Il est également supposé qu'Erhard a travaillé en Autriche, notamment à l'abbaye de Lambach, avant de s'établir à Schwerin.
Ses œuvres survivantes sont principalement des peintures, bien qu'il soit davantage reconnu pour son travail en tant que dessinateur et graveur. Erhard a produit un nombre limité de peintures signées, rendant l'attribution de nombreuses œuvres à son nom quelque peu incertaine. Parmi ses contributions notables, il y a les gravures réalisées pour la traduction en bas allemand de la Bible par Johannes Bugenhagen, imprimée à Lübeck. Cette œuvre lui a valu une maison comme récompense. Malgré son talent, les critiques estiment qu'Erhard était moins indépendant et créatif que son frère, s'inspirant largement des pratiques de l'atelier de Lucas Cranach et d'autres artistes comme Jacopo de' Barbari.
Une de ses œuvres, "St George and the Dragon", datant de 1506, illustre bien son style et son approche artistiques, typiques de l'école du Danube, où les paysages fantastiques dominent et les figures humaines sont souvent naines par rapport à l'environnement. Ce dessin est conservé au sein de la Collection Royale, témoignant de l'intérêt historique et artistique pour son travail.
Pour rester informé des dernières découvertes et des événements de vente aux enchères liés à Erhard Altdorfer, inscrivez-vous dès maintenant à nos mises à jour. Profitez de cette opportunité unique pour enrichir votre collection et approfondir votre connaissance de cet artiste emblématique de la Renaissance allemande.
Fra Angelico, un peintre italien du début de la Renaissance, demeure une figure emblématique de l'art religieux, reconnu pour sa capacité à fusionner la piété et l'art avec une grâce inégalée. Né Guido di Pietro vers 1395 et décédé en 1455, il fut béatifié par le Pape Jean-Paul II en 1982, soulignant ainsi sa sainteté et son influence spirituelle à travers son œuvre.
Fra Angelico, souvent décrit comme le "frère angélique", a débuté sa carrière artistique en tant qu'illuminateur, travaillant éventuellement aux côtés de son frère Benedetto. Ses premiers travaux notables incluent un retable et un écran peint pour la Chartreuse de Florence, bien que ces œuvres ne soient plus existantes aujourd'hui. Son passage au couvent dominicain de Fiesole a été un tournant, lui permettant d'intégrer pleinement sa foi dans son art. Là, il a créé plusieurs fresques et retables, dont le fameux retable de Fiesole, désormais partiellement conservé à la National Gallery de Londres.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte l'Annonciation et la Madone de l'Humilité, témoignant de son habileté à capturer la spiritualité et l'émotion humaine. Ses fresques au couvent de San Marco à Florence, commissionnées par Cosimo de' Medici, représentent l'apogée de sa carrière, illustrant son innovation artistique et sa profonde compréhension de la perspective et de la composition spatiale.
Fra Angelico a influencé de manière significative l'art de la Renaissance, non seulement à travers ses compositions religieuses qui dépeignent une foi sincère et une profonde humanité mais aussi par son approche novatrice de la représentation spatiale et de la lumière. Ses œuvres sont dispersées dans divers musées et collections à travers le monde, continuant à inspirer et à émouvoir les amateurs d'art, les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
Nous invitons les passionnés d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères relatifs à Fra Angelico. Cette inscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques de posséder une partie de l'héritage de cet artiste remarquable.
Amico Aspertini était un peintre, dessinateur et sculpteur italien de la Renaissance, considéré comme l'un des principaux représentants de l'école de peinture bolonaise.
Il s'est formé dans l'atelier familial et a été influencé par les artistes de l'école de Ferrare - Ercole de'Roberti, Lorenzo Costa et Francesco Francia. Peintre et sculpteur, il était également un excellent dessinateur, comme en témoignent les nombreux dessins et esquisses qui nous sont parvenus. Ses contemporains s'émerveillaient de son caractère complexe et impulsif et notaient qu'il travaillait des deux mains en même temps.
Aspertini a peint de superbes portraits ainsi que de nombreuses fresques et retables dans des chapelles et des églises italiennes. Nombre de ses œuvres sont excentriques et éclectiques, voire bizarrement fantastiques, son style complexe anticipant le maniérisme.
Cornelius Gerardi Aurelius, également appelé Goudanus, était un érudit, écrivain et historien humaniste néerlandais.
Aurelius était un chanoine permanent (moine) de l'ordre monastique des Augustins et est l'un des premiers humanistes des Pays-Bas au XVIe siècle. Il a écrit de la poésie, de l'historiographie, de l'hagiographie, des ouvrages politiques et théologiques. Aurelius a également correspondu avec de nombreux hommes célèbres de son temps, en particulier avec Érasme.
Francesco Xanto Avelli est un peintre et un céramiste italien maniériste connu pour ses majoliques.
Il s'inspire de thèmes allégoriques, mythologiques car il est instruit et s'adonne aux écrits poétiques en l'honneur du duc d'Urbino, et ne néglige pas les événements contemporains rapportés par la littérature (Sac de Rome).
Hans Baldung, né vers 1484 à Schwabisch-Gmünde, en Allemagne, et mort à Strasbourg, en France, en 1545, est un artiste allemand de la Renaissance connu pour son travail de peintre, de graveur et de dessinateur. Élève très talentueux d'Albrecht Dürer, Baldung a développé un style distinctif marqué par une tendance individualiste souvent associée au maniérisme. Il a vécu et travaillé dans plusieurs villes, dont Fribourg et Strasbourg, où il a réalisé de nombreuses œuvres, dont le maître-autel de la cathédrale de Fribourg, considéré comme son chef-d'œuvre.
Baldung était également fasciné par les thèmes de la sorcellerie, de la mort et des relations entre les sexes, et fut le premier artiste allemand à intégrer largement ces thèmes, y compris les thèmes érotiques, dans son œuvre. Son intérêt pour la sorcellerie a été en partie inspiré par le contexte humaniste de Strasbourg au début du XVIe siècle, une ville où l'étude de la sorcellerie était prise au sérieux. Malgré le ton satirique de certaines de ses œuvres, Baldung a également produit des images plus sérieuses qui reflètent la fascination de son époque pour la sorcellerie et le surnaturel.
Ses œuvres, très expressives, s'inscrivent dans la tradition de Grünewald et se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art de la Renaissance.
Pour les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, l'œuvre de Hans Baldung offre un aperçu fascinant de l'intersection de la culture, de la religion et de la superstition au début de la Renaissance allemande. Sa maîtrise technique combinée à son exploration audacieuse de sujets séculaires et religieux font de ses peintures, gravures et dessins des objets de collection recherchés.
Pour être tenu au courant des dernières ventes et événements liés à Hans Baldung, nous vous invitons à vous abonner à nos mises à jour. Cet abonnement vous garantit un accès exclusif à des informations sur les œuvres rares et précieuses de cet artiste remarquable.
Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello, est un sculpteur florentin. Il est, selon Leon Battista Alberti, un des cinq rénovateurs de l'art de son époque avec Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti et Luca Della Robbia.
Fra Bartolomeo fut un peintre italien emblématique de la Renaissance. Sa spécialisation dans la peinture religieuse et son appartenance à l'ordre dominicain après 1500 marquent son œuvre d'une spiritualité profonde.
Dès son jeune âge, Bartolomeo se forme auprès de Cosimo Rosselli et collabore étroitement avec Mariotto Albertinelli. Influencé par les œuvres de Leonardo da Vinci, il adopte une composition et une tonalité similaires dans ses propres créations, comme dans son "Adoration" conservée à la Galleria Borghese à Rome.
Le début des années 1500 marque un tournant dans sa carrière. Sous l'influence du prédicateur Savonarola, il renonce temporairement à la peinture et entre dans un monastère. Il reprend son art en 1504, enrichi de nouvelles inspirations, notamment après sa rencontre avec Raphaël. Cette période se caractérise par des œuvres plus lumineuses et une coloration influencée par le colorisme vénitien.
Les voyages de Bartolomeo, notamment à Venise et à Rome, influencent grandement son style, qui gagne en mouvement et en monumentalité. Parmi ses œuvres majeures, citons le "St. Mark Evangelist" au Palazzo Pitti de Florence et sa dernière œuvre, un fresque de "Noli me tangere".
Fra Bartolomeo n'est pas seulement reconnu pour ses peintures, mais aussi comme l'un des plus grands dessinateurs de son époque. Son intérêt pour les études détaillées de draperies et de figures est notable, notamment dans ses dessins conservés dans des albums au Musée Boijmans Van Beuningen.
Ce maître de la Renaissance italienne laisse derrière lui un héritage artistique indélébile, marquant profondément la culture et l'histoire de l'art. Ses œuvres sont aujourd'hui présentes dans de nombreux musées à travers le monde, témoignant de son influence et de son talent exceptionnel.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Fra Bartolommeo représente un pan crucial de l'histoire de l'art. Si vous souhaitez rester informés des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Fra Bartolomeo, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ce sujet.
Giovanni Bellini était un peintre de la Renaissance italienne, célèbre pour son approche novatrice de la peinture à l'huile et sa maîtrise de la lumière et de la couleur, qui a profondément influencé l'art de son époque. Né à Venise vers 1430 et décédé dans la même ville en 1516, Bellini a joué un rôle clé dans le développement de l'école vénitienne de peinture. Ses œuvres sont réputées pour leur profondeur émotionnelle et leur naturalisme, marquant une transition importante dans l'art de la Renaissance vers une représentation plus réaliste et expressive des figures et des paysages.
Bellini a réalisé plusieurs retables majeurs pour des églises, explorant des thèmes religieux avec une sensibilité nouvelle et une attention particulière au détail. Parmi ses œuvres notables, on trouve l'altarpiece de San Zaccaria, qui est considéré comme l'un de ses chefs-d'œuvre, illustre parfaitement sa capacité à créer une atmosphère de tranquillité et de piété grâce à une composition harmonieuse et à une utilisation subtile de la lumière.
Au fil de sa carrière, Bellini a également évolué vers des scènes mythologiques plus naturalistes et a adopté une approche plus érotique des figures féminines, suivant ainsi les tendances de l'art de la Renaissance du début du XVIe siècle. Son tableau "Le Festin des Dieux" est un exemple éclatant de cette évolution, offrant une vision lumineuse et enjouée de la mythologie, désormais conservé à la National Gallery of Art de Washington.
En plus de ses contributions directes à l'art de la Renaissance, l'influence de Bellini s'est étendue à travers ses élèves, parmi lesquels figurent des artistes majeurs comme Giorgione et Titian, contribuant ainsi à façonner l'avenir de la peinture vénitienne. Ses techniques innovantes en matière de couleur et de lumière ont posé les bases d'une révolution dans l'histoire de l'art européen, changeant le cours de la peinture vénitienne et assurant sa place parmi les plus grands maîtres de la Renaissance.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités désireux de rester informés des dernières découvertes et événements liés à Giovanni Bellini, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères relatifs à cet artiste emblématique. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'actualité autour de l'œuvre de Bellini, enrichissant ainsi votre appréciation et votre connaissance de cet artiste remarquable de la Renaissance.
Gentile Bellini était un peintre vénitien de la Renaissance, né vers 1429 et décédé le 23 février 1507. Il appartient à la célèbre famille Bellini, qui a fortement influencé l'école vénitienne de peinture. Formé par son père Jacopo, Gentile s'est spécialisé dans le portrait et les scènes de la vie vénitienne. Il est surtout connu pour ses portraits de la noblesse et pour ses peintures représentant Venise.
Ses œuvres reflètent une précision remarquable et révèlent l'influence des cultures orientales, notamment après son séjour à Constantinople, où il a été envoyé par le Sénat vénitien en tant qu'ambassadeur culturel. Là, il a peint le sultan Mehmed II, un événement qui a marqué son œuvre par la suite. On note dans ses tableaux un goût pour l'architecture orientale et la culture islamique. Parmi ses tableaux les plus connus, on retrouve "Le Miracle de la Croix au pont de San Lorenzo" et "La Procession de la Vraie Croix sur la place Saint-Marc".
Bien que certains de ses travaux les plus importants aient été perdus, notamment les toiles monumentales dans le Palais des Doges, détruites par un incendie en 1577, il reste des peintures narratives de grande envergure produites dans ses dernières années. Malheureusement, beaucoup de ses œuvres d'atelier ont été attribuées à tort, ce qui a affecté sa réputation posthume. Aujourd'hui, il est parfois éclipsé par les membres plus célèbres de sa famille, y compris son frère Giovanni Bellini et son beau-frère Andrea Mantegna, mais son impact sur le mouvement orientaliste est indéniable.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Gentile Bellini représentent une fenêtre sur l'échange culturel entre l'Orient et l'Occident à la Renaissance. Si vous souhaitez recevoir des mises à jour sur les ventes et les événements d'enchères liés à Gentile Bellini, inscrivez-vous pour des alertes spécialisées dans ce domaine.
Ambrosius Benson est un peintre flamand d'origine lombarde.
Les œuvres de Benson ont beaucoup de caractéristiques stylistiques en commun avec celles de Jan Provost et d'Adriaen Isenbrant. Les trois sont restés fidèles aux sujets gothiques flamands et à l'exécution méticuleuse, mais ils ont introduit des nouveautés italiennes. On reconnaît les figures de Benson généralement par leurs teints légèrement rougeâtres, leur nez droit et leurs longs doigts.
Giovanni Pietro Birago était un peintre, enlumineur et graveur italien de la cour des Sforza.
Il travailla entre 1470 et 1513 à Brescia, Venise et Milan et fut l'un des principaux illustrateurs milanais, jouissant d'une grande faveur auprès de la cour ducale.
Lluís Borrassà, peintre catalan né vers 1360 à Gérone et décédé vers 1426 à Barcelone, est reconnu pour son apport significatif au style gothique international dans la Principauté de Catalogne. Originaire d'une famille d'artistes, il a appris la peinture auprès de son père, Honorat Borrassà, et a commencé à se distinguer dès 1380 à la cour de Jean Ier d'Aragon.
En 1390, Borrassà établit à Barcelone un atelier qui deviendra le plus important de la ville jusqu'en 1420. Influencé par Ferrer Bassa et Bernat Martorell, son style se caractérise par une narration vivante, des couleurs éclatantes, et une profonde humanité. Ses retables, notamment ceux pour l'église du couvent Saint Damien et la Cathédrale de Barcelone, sont souvent cités pour leur qualité exceptionnelle.
Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons le Retable de Saint Pierre (1411-1413) à l'église Santa Maria de Terrassa, et le Retable de Sainte Claire (1414) pour le couvent des Clarisses de Vic. Ses techniques, mêlant peinture à la tempera et dorure, ont influencé de nombreux artistes après lui, tels que Joan Mates ou Bernardo Martorell.
L'art de Borrassà est non seulement un témoignage de l'évolution stylistique de l'époque, mais aussi un reflet de la culture et de la spiritualité catalane du XIVe et XVe siècle. Ses œuvres peuvent être admirées dans divers musées, comme le Musée du Prado à Madrid, le Musée Episcopal de Vic, et le Musée National d'Art de Catalogne à Barcelone.
Pour les collectionneurs et experts en art, s'abonner à nos mises à jour vous garantit de rester informé des nouvelles ventes et événements d'enchères liés à Lluís Borrassà. Rejoignez notre communauté pour ne rien manquer de l'actualité de ce maître de l'art gothique catalan.
Hieronymus Bosch, né vers 1450 à 's-Hertogenbosch dans le Duché de Brabant (aujourd'hui aux Pays-Bas) et mort dans cette même ville le 9 août 1516, est considéré comme l'un des peintres les plus originaux et influents de la Renaissance nordique. Artiste à la vision profondément individuelle, Bosch est célèbre pour ses représentations fantastiques et souvent énigmatiques du bien et du mal, de la tentation et du péché, du paradis et de l'enfer. Ses œuvres, peuplées de créatures étranges et de paysages oniriques, continuent de fasciner par leur complexité iconographique et leur richesse en détails.
La majorité de sa vie s'est déroulée dans sa ville natale, 's-Hertogenbosch, où il a été activement impliqué dans la confrérie de Notre-Dame, un indice de son statut respecté au sein de la communauté. Malgré la popularité de Bosch de son vivant, peu de détails de sa vie personnelle et de sa formation artistique nous sont parvenus. On estime que Bosch a produit au moins seize triptyques, parmi lesquels «Le Jardin des délices» se distingue comme son œuvre la plus célèbre. Ce triptyque, aujourd'hui exposé au Musée du Prado à Madrid, est un exemple éblouissant de son talent à illustrer des scènes complexes et allégoriques explorant les thèmes du péché et de la rédemption, du paradis et de l'enfer.
Bosch est souvent décrit comme un moraliste pessimiste, dont l'œuvre ne manque ni d'humour ni de satire. Ses tableaux, tels que «Le Chariot de foin» et «La Tentation de Saint Antoine», révèlent un intérêt profond pour la nature humaine, ses vices et ses tentations. Le caractère unique de son art réside dans sa capacité à combiner des éléments religieux et folkloriques, créant ainsi des œuvres qui dépassent la simple narration biblique pour toucher à l'universel.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, Bosch offre un champ d'exploration sans fin, ses œuvres étant des énigmes visuelles pleines de significations cachées et de symboles à déchiffrer. Son influence se ressent dans les générations suivantes d'artistes, notamment chez Pieter Bruegel l'Aîné, qui a poursuivi dans la veine des paysages peuplés de personnages et de créatures fantastiques.
Nous invitons les amateurs d'art et les collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Hieronymus Bosch. Cette souscription vous garantit l'accès aux dernières informations et découvertes concernant cet artiste emblématique, dont l'œuvre continue d'inspirer et de fasciner.
Sandro Botticelli était un peintre italien de la Renaissance précoce, connu pour la grâce linéaire de ses œuvres qui représentaient la transition entre le gothique tardif et la peinture de la Renaissance. Né Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi vers 1445 à Florence, il fut un maître indépendant dès les années 1470, période au cours de laquelle sa réputation s'est considérablement accrue. Les années 1480 marquèrent le sommet de son succès, période durant laquelle il acheva ses peintures mythologiques les plus célèbres, telles que "La Naissance de Vénus" et "Le Printemps", toutes deux exposées à la Galerie des Offices à Florence. Ces œuvres sont aujourd'hui considérées comme emblématiques de l'esprit de la Renaissance, malgré leur écart avec le naturalisme caractérisant d'autres peintres de la Renaissance.
Botticelli a vécu toute sa vie dans le même quartier de Florence, à l'exception de courts séjours à Pise et à Rome, où il travailla notamment dans la Chapelle Sixtine. En dépit de son succès initial, la dernière partie de sa carrière fut marquée par un changement de style sous l'influence du prédicateur Savonarola, conduisant à une préférence pour l'art dévotionnel et une simplification stylistique. Malheureusement, à la fin de sa vie, Botticelli était presque oublié et mourut en 1510 dans l'indigence.
L'œuvre de Botticelli, notamment sa capacité à mélanger les thèmes mythologiques avec un style élégant et une expression émotionnelle intense, le distingue comme une figure importante de la Renaissance italienne. Ses peintures sont caractérisées par l'utilisation de la perspective et des plans de vue pour créer une qualité presque irréelle, soulignant l'importance allégorique ou dévotionnelle de ses sujets. Cette approche a non seulement défini son œuvre, mais a également influencé les générations futures d'artistes.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'étude de Botticelli offre un aperçu précieux de la transition entre les périodes artistiques et souligne l'importance de la culture et de l'artiste dans le développement de l'art européen. Ses œuvres continuent d'inspirer et de captiver, témoignant de son génie indéniable.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Sandro Botticelli. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités de découvrir et d'acquérir des œuvres liées à ce maître de la Renaissance.
Robert Boyvin est un enlumineur français qui a travaillé à Rouen entre 1480 et 1536.
Robert est issu de la famille de libraires Boyvin, connue depuis le début du XVe siècle. Il faisait partie d'un groupe d'enlumineurs avec Jean Pichord, Jean Serpen, Etienne du Monstier et Nicolas Hisse.
Boyvin a produit plus de 80 manuscrits conservés, dont la plupart sont des livres d'heures, et son style a eu une grande influence sur les ateliers rouennais. À partir de 1530, Boyvin a également fabriqué des bijoux pour le cardinal Georges d'Amboise.
Jörg Breu l'Ancien est un peintre et graveur allemand de l'école du Danube. Il est aussi un concepteur de vitraux et un enlumineur. Il était fils de tisserand. Sa première œuvre documentée en 1501 est un autel présentant l'histoire du Christ (abbaye de Herzogenburg). Il a voyagé en Autriche où il a réalisé plusieurs panneaux de triptyques comme celui de Melk en 1502. Il devint maître peu après, à son retour à Augsbourg. Il a travaillé en Italie vers 1508-1510 pour réaliser le retable de l'histoire de Marie et 1514/1515 pour un Samson qu'il peindra l'année suivante sur la façade de la municipalité d'Augsbourg (aujourd'hui disparu). En 1520, il décore un orgue de l'église Sainte-Anne. En 1528, il réalise une Lucrèce. Il retourne aux fresques et à la gravure sur bois. Pour une commande de la riche famille Höchstetter, il réalisera des gravures qui serviront à créer un livre d'heures d'Augsbourg. Il est également l'auteur d'une brève chronique de sa ville, consacrée à sa propre époque (elle va de 1512 à 1537).
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, plus connu sous le nom de Michelangelo, était un peintre, sculpteur, architecte, poète et ingénieur de la Renaissance italienne, né le 6 mars 1475 à Caprese, en Italie, et décédé le 18 février 1564 à Rome. Sa polyvalence dans les disciplines qu'il a abordées était considérable, et il a été considéré comme le plus grand artiste vivant de son temps, une réputation qui perdure encore aujourd'hui.
Dès son enfance, Michelangelo a montré un intérêt prononcé pour l'art, conduisant à un apprentissage avec Domenico Ghirlandaio, un artiste respecté de l'époque. Il a ensuite étudié la sculpture avec Bertoldo di Giovanni, un élève de Donatello, et a également assisté aux conférences du philosophe Marsilio Ficino. Ses œuvres, telles que les fresques du plafond de la Chapelle Sixtine à Rome et la sculpture de David, témoignent de son talent exceptionnel.
Parmi ses réalisations les plus remarquables, on compte la Pieta, une sculpture religieuse exposée à l'église Santa Maria della Pace à Rome, et le David, une statue en marbre représentant un homme nu et musclé, tenant une fronde, exposée au musée de Paris. Ces œuvres illustrent parfaitement sa capacité à capturer l'émotion d'une scène et son réalisme époustouflant.
Michelangelo a passé la majeure partie de sa vie à Rome, où il a laissé une empreinte indélébile sur l'art de la Renaissance. Sa vie et son œuvre continuent d'influencer et d'inspirer les artistes et ingénieurs du monde entier.
Pour ceux passionnés par l'art et les antiquités, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Vous recevrez des informations exclusives sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Michelangelo. Abonnez-vous pour ne rien manquer de l'héritage de ce maître de la Renaissance.
Hans Burgkmair l'Ancien était un peintre, graphiste et sculpteur allemand de la Renaissance. Il est issu d'une famille de peintres. En 1488, il a étudié la peinture avec Martin Schongauer à Colmar.
Hans Burgkmayr était un artiste polyvalent, travaillant dans diverses techniques, notamment la peinture, les gravures sur bois, les vitraux et les tapisseries. Il était connu pour son style complexe et détaillé, qui incluait des éléments de naturalisme et de symbolisme.
Les peintures de Burgkmayr représentent souvent des thèmes religieux et mythologiques, ainsi que des événements historiques. Son style est influencé par la Renaissance italienne, notamment en ce qui concerne l'attention portée à la précision anatomique et à l'utilisation de la perspective.
L'une des contributions les plus importantes de Hans Burgkmayr a été la gravure. Ses gravures sur bois étaient très appréciées pour leurs compétences techniques et leur qualité artistique.
Johannes Busch était un important ecclésiastique néerlandais et un théologien réformé.
Réformateur et chroniqueur monastique, le chanoine augustinien de Windesheim Johannes Busch est l'une des figures les plus marquantes du mouvement Devotio moderna ("Nouvelle piété") dans le catholicisme. Avec ses ouvrages historiographiques Chronicle of the Monastery of Windesham et Liber de reformatione monasteriorum, il a façonné l'association entre le monastère de Windesham et le mouvement d'observance de la fin du Moyen Âge.
Vittore Carpaccio était un peintre italien de l'école vénitienne, né entre 1460 et 1465 et décédé vers 1525 ou 1526. Issu d'une famille vénitienne établie depuis au moins le XIIIe siècle, Carpaccio s'est d'abord fait connaître sous le nom de Vetor Scarpazo dans ses premières œuvres avant d'adopter le nom latinisé sous lequel il est connu aujourd'hui. Il est surtout célèbre pour avoir été un maître conteur à travers ses peintures narratives spectaculaires qui racontent des histoires sacrées, le plaçant parmi les grands maîtres de la peinture vénitienne de la Renaissance.
Carpaccio est reconnu pour ses séries de tableaux, telles que celles dédiées à la vie de sainte Ursule, commandées par la Scuola di Sant'Orsola à Venise, qui ont marqué le début de sa carrière et contribué à son renom. Ces œuvres, exécutées entre 1490 et les années 1520, montrent son talent pour la narration visuelle, utilisant des cycles de peintures pour dérouler des récits complets à la manière d'un cinéma de la Renaissance.
Son travail pour la Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, qui a servi l'une des communautés immigrées de Venise, est particulièrement notable pour son orientation orientaliste. Ces tableaux mettent en avant un intérêt croissant pour le Levant, avec des paysages d'apparence moyen-orientale et des thèmes traitant de questions interculturelles telles que la traduction et la conversion.
Malgré son importance dans l'histoire de l'art de la Renaissance vénitienne, Carpaccio reste relativement méconnu en dehors de l'Italie, en partie parce que peu de ses œuvres se trouvent dans les musées ou collections américains. Toutefois, ses contributions à l'art de la narration visuelle et son utilisation unique de la couleur et de la lumière continuent d'attirer l'attention et l'admiration des connaisseurs d'art et des collectionneurs.
Si vous êtes passionné par l'art de la Renaissance et souhaitez en savoir plus sur les œuvres de Vittore Carpaccio ou être informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste remarquable, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques. Cette souscription vous permettra de rester à la pointe des dernières découvertes et opportunités liées à l'œuvre de Carpaccio, enrichissant ainsi votre collection ou vos connaissances en histoire de l'art.
Ugo da Carpi était un graveur italien actif entre 1502 et 1532 dans les villes de Venise, Rome et Bologne. Il est connu pour ses contributions techniques et stylistiques à la gravure sur bois en clair-obscur, une technique de gravure utilisant des blocs de différentes couleurs. Ugo a prétendu être le premier à utiliser cette technique, demandant un droit d'auteur d'abord au sénat vénitien, puis au pape Léon X. Bien qu'il n'ait pas créé la technique de la gravure sur bois en clair-obscur, il a été l'un des premiers praticiens italiens. Il a contribué à son développement grâce à son style puissant, à l'importance qu'il accorde à la tonalité et à ses talents d'interprète. L'une de ses œuvres les plus célèbres est une gravure de Diogène. En plus de ses nombreuses gravures, il a produit un livre d'écriture et est également connu pour avoir réalisé au moins une peinture, le retable de Sainte Véronique dans la basilique Saint-Pierre de Rome.
Coriolanus Cepio, ou Coriolanus Cepico (Coriolanus Ceppico en latin, Coriolanus Cepio) était un noble vénitien d'origine croate, historien et officier militaire.
À Venise et à Padoue, il étudie les sciences humaines, la navigation et la stratégie militaire, puis travaille comme fonctionnaire dans sa ville natale de Trogir. Pendant la guerre de la République de Venise contre la Turquie, qui dura quatre ans (1470-1474), Cepio participa à cette expédition en tant que commandant d'une galère de Trogir. Dans Petri Mocenici imperatoris gestorium libri III (Venise, 1477), il décrit l'expédition militaire et les expériences qu'il y a vécues. Cepio décrit en détail les opérations militaires au Levant, dans les îles Ioniennes, dans le Péloponnèse et les Balkans, ainsi qu'en Asie Mineure. Il s'intéresse particulièrement à la conquête d'Izmir, aux tentatives d'incendie de l'arsenal de Gallipoli et au siège de Shkoder, à la prise de Smyrne, au protectorat vénitien de Chypre et à Scutari. Il couvre très soigneusement les victoires vénitiennes à Mochenigo.
En tant qu'humaniste, Cepio a remarqué tout ce qui avait trait à l'antiquité et aux monuments anciens. Ce livre est l'un des plus anciens ouvrages imprimés d'auteurs croates.
Nicolas Chuquet était un mathématicien français du XVe siècle.
Les dates exactes de naissance et de mort de ce scientifique ne sont pas connues, pas plus que les lieux de naissance. Chuquet a obtenu une licence en médecine à l'université de Paris, s'est rendu en Italie au début des années 1470 et, vers 1480, s'est installé à Lyon, où il a travaillé comme médecin, professeur de mathématiques et scribe. Il est également connu pour avoir traduit des ouvrages latins en français.
En 1484, il rédige son principal ouvrage algébrique, le traité Le Triparty en la Science des Nombres, aujourd'hui considéré comme l'un des textes mathématiques les plus originaux du XVe siècle. À l'époque, les arithméticiens ne disposaient même pas des notations les plus élémentaires pour l'addition, la soustraction, la multiplication et la division. Chuquet a été l'un des premiers à proposer ces symboles ; il a également introduit les noms des grands nombres dans l'usage courant : milliard, trillion, etc. Outre l'arithmétique générale et les règles de calcul des racines, le traité contient une doctrine des équations et une collection de problèmes.
Ce traité n'a été publié qu'en 1880, mais les travaux de Nicolas Chuquet ont eu une influence considérable sur le développement de l'algèbre, et ils ont été constamment complétés et élargis par les scientifiques des générations suivantes.
Jean Colombe était un miniaturiste français et un illustrateur de manuscrits. Il a fondé une dynastie d'enlumineurs, dont un fils et un petit-fils qui ont poursuivi son œuvre après sa mort.
Colombe est connu pour avoir décoré un grand nombre de manuscrits. Il a été chargé d'illustrer des textes profanes et religieux, et il a représenté des scènes avec de nombreux personnages dans des structures architecturales ou des paysages élaborés. Ses manuscrits enluminés étaient décorés d'or ou d'argent, de couleurs brillantes, de dessins complexes ou de peintures miniatures. Jean Colomb a bénéficié du patronage de Charlotte de Savoie, épouse de Louis XI et bibliophile de renom. Il illustre des manuscrits pour la reine, sa fille Anne Beaujolais et des membres de la cour. Colombe entre également au service de son neveu, Charles Ier, duc de Savoie, qui lui commande de compléter deux manuscrits inachevés de sa bibliothèque : la magnifique Apocalypse de Jean Baptiste et Perronet Lamy et probablement la plus célèbre de toutes les Chapelles, Les riches domaines du duc de Berry par les frères de Limboer.
Christophe Colomb (espagnol : Cristóbal Colón, latin : Christophorus Columbus, italien : Cristoforo Colombo) est un navigateur médiéval espagnol d'origine italienne qui a découvert le Nouveau Monde en 1492.
Les scientifiques ne s'entendent toujours pas sur l'origine exacte de Colomb. Dès son plus jeune âge, il possédait de brillantes connaissances en mathématiques et connaissait plusieurs langues, dont le latin. Christophe Colomb connaissait les enseignements des philosophes et penseurs grecs de l'Antiquité, qui décrivaient la Terre comme une sphère, et non comme une planète plate, comme on le croyait au Moyen-Âge. Christophe a également été formé à l'art de la navigation et a effectué ses premiers voyages en tant que jeune homme en Méditerranée, puis a navigué vers l'Afrique et a pris part à une expédition nordique à travers les îles britanniques et l'Islande.
En acquérant de l'expérience, en étudiant la géographie et les cartes, Christophe Colomb a supposé qu'il était possible d'atteindre l'Inde par une route occidentale. Il sollicite le soutien financier des monarques européens, mais seul le monarque espagnol est intéressé par cette perspective. Il accepta et emprunta de l'argent pour équiper une escadre de navires afin de trouver une route occidentale vers l'Inde.
Christophe Colomb a effectué quatre voyages historiques vers les côtes américaines : du 3 août 1492 au 15 mars 1493 ; du 25 septembre 1493 au 11 juin 1496 ; du 30 mai 1498 au 25 novembre 1500 et du 9 mai 1502 au 7 novembre 1504. Les expéditions de Christophe Colomb ont pour la première fois rendu publiques des informations sur les terres de l'ouest et ont amorcé la colonisation de l'Amérique par les Européens. Jusqu'à la fin de sa vie, le découvreur de nouvelles terres était convaincu d'avoir découvert l'Inde occidentale la plus riche.
De la dernière expédition, Colomb est rentré en Espagne en phase terminale, son dernier argent ayant été dépensé pour payer les dettes de ses participants. Deux ans plus tard, le découvreur du Nouveau Monde meurt dans la pauvreté, dans une petite maison. Les découvertes de Christophe Colomb, accompagnées de la colonisation des terres, de l'établissement de colonies espagnoles, de l'asservissement et de l'extermination massive de la population indigène, qu'il appelait les Indiens, ont eu une importance mondiale.
Nicolaus Copernicus (polonais : Mikołaj Kopernik) était un scientifique polonais et allemand, astronome, mathématicien, mécanicien, économiste et canoniste de la Renaissance. Il est l'auteur du système héliocentrique du monde, qui a initié la première révolution scientifique.
Copernicus a étudié les sciences humaines, notamment l'astronomie et l'astrologie, à l'université de Cracovie et à l'université de Bologne en Italie. Avec d'autres astronomes, dont Domenico Maria de Novara (1454-1504), il a observé les étoiles et les planètes, enregistrant leurs mouvements et leurs éclipses. À l'époque, la médecine était étroitement liée à l'astrologie, car on pensait que les étoiles influençaient le corps humain, et Copernicus a également étudié la médecine à l'université de Padoue entre 1501 et 1503.
Nicolaus Copernicus, sur la base de ses connaissances et de ses observations, a été le premier à suggérer que la Terre est une planète qui non seulement tourne autour du soleil chaque année, mais qui tourne également une fois par jour sur son axe. C'était au début du XVIe siècle, à une époque où l'on croyait que la Terre était le centre de l'univers. Le scientifique a également supposé que la rotation de la Terre expliquait le lever et le coucher du Soleil, le mouvement des étoiles et que le cycle des saisons était causé par la rotation de la Terre sur elle-même. Enfin, il a conclu à juste titre que le mouvement de la Terre dans l'espace entraîne le déplacement latéral des planètes dans le ciel nocturne, ce que l'on appelle le sens rétrograde.
Bien que le modèle de Copernicus ne soit pas tout à fait correct, il a jeté des bases solides pour les futurs scientifiques, tels que Galilée, qui ont développé et amélioré la compréhension qu'avait l'humanité du mouvement des corps célestes. Copernicus a achevé le premier manuscrit de son livre De Revolutionibus Orbium Coelestium (De la rotation des sphères célestes) en 1532. L'astronome y expose son modèle du système solaire et la trajectoire des planètes. Il n'a cependant publié son livre qu'en 1543, deux mois avant sa mort, et l'a dédié au pape Paul III. C'est peut-être pour cette raison, et aussi parce que le sujet était trop difficile à comprendre, que l'Église n'a finalement interdit le livre qu'en 1616.
Lucas Cranach l'Ancien, né le 4 octobre 1472 à Kronach et mort le 16 octobre 1553 à Weimar, fut une figure emblématique de la Renaissance allemande. Ses œuvres majeures, telles que le « Portrait d'Henri IV de Saxe et de Catherine de Mecklembourg », « Les Trois Grâces », et la « Fontaine de jouvence », illustrent sa maîtrise de la peinture et du gravure. Cranach a laissé une empreinte indélébile sur l'art de son temps, notamment à travers ses portraits intimes de figures de la Réforme, comme Martin Luther, avec qui il entretenait une amitié et une collaboration étroite. Son atelier était un centre de production artistique florissant, soutenu par les élites et les cours européennes.
Sa technique novatrice et son style distinctif se caractérisent par des représentations religieuses et mythologiques adaptées aux intérieurs bourgeois, ainsi que par des nus féminins qui définissent un canon esthétique particulier, avec des figures élancées et des visages aux traits fins. Cranach a dirigé un atelier prolifique, marqué par le sigle d'une serpente ailée, symbolisant la marque de l'atelier plus que la signature personnelle de l'artiste. Cette marque a subi un changement notable après la mort de son fils Hans en 1537, illustrant la profondeur personnelle et chronologique de son œuvre.
Outre sa contribution artistique, Cranach a joué un rôle significatif dans la vie sociale et économique de Wittenberg, s'engageant dans diverses entreprises commerciales et assumant des responsabilités civiques importantes. Il a été à la fois apothicaire, éditeur de la littérature de la Réforme, et a occupé plusieurs fois le poste de bourgmestre, reflétant son influence et son statut dans la société de son époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Lucas Cranach l'Ancien et souhaitent recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable, l'inscription à des bulletins d'information spécialisés offre un accès privilégié à de nouvelles découvertes et opportunités uniques.
Protasio Crivelli est un peintre italien qui a travaillé à Milan à la fin du XVe siècle et au début du XVIe siècle.
Il a étudié dans l'atelier de Marco d'Ogiono, un représentant de la Renaissance lombarde. Un grand nombre de ses œuvres se trouvent dans les églises de la région napolitaine.
Marco d'Oggiono est un peintre italien de la haute Renaissance, élève de Léonard de Vinci.
Marco d'Oggiono est noté comme artiste indépendant à l'atelier de Léonard de Vinci fin 1490, il exécute entre 1493 et 1494, avec Giovanni Antonio Boltraffio, le retable Grifi avec la Résurrection du Christ entre les saints Léonard et Lucie, peint probablement sous le contrôle du maître.
Melozzo da Forlì, un artiste de la Renaissance italienne, est reconnu pour son expertise dans les techniques de fresque et son utilisation innovante de la perspective et du raccourci. Né vers 1438 à Forlì, Melozzo s'est illustré principalement dans le domaine de la peinture, laissant une empreinte indélébile sur l'art de son époque par sa maîtrise technique et son approche créative.
L'une de ses œuvres majeures est la fresque représentant l'Ascension du Christ, réalisée pour la basilique des Santi Apostoli à Rome vers 1472-74. Cette œuvre démontre sa capacité à manipuler la perspective pour créer une illusion de profondeur et de mouvement, influençant grandement des artistes ultérieurs, dont Raphaël. Bien que cette fresque ait été démontée en 1711, des fragments en sont conservés dans des lieux prestigieux tels que le Palais du Quirinal et les musées du Vatican.
Parmi ses autres contributions remarquables, on trouve le fresque "Sixte IV nommant Bartolomeo Platina préfet de la Bibliothèque du Vatican", conservée à la Pinacothèque Vaticane. Réalisée autour de 1477, cette œuvre illustre avec éloquence la grandeur architecturale et la dignité des figures, révélant le talent de Melozzo pour le portrait et l'architecture.
Melozzo a également joué un rôle de pionnier dans la décoration des espaces ecclésiastiques, sa technique de peinture influençant les approches ultérieures à la décoration des coupoles, comme on le voit dans son travail pour la Basilique della Santa Casa à Loreto.
Bien que son œuvre soit en grande partie religieuse, Melozzo a également réalisé des peintures profanes, dont un signe de boutique connu sous le nom de "Pestapepe" ou "Broyeur de poivre", qui démontre son habileté à capturer la vie quotidienne avec réalisme. Cette peinture, bien que gravement endommagée, est conservée à la Pinacothèque de Forlì et représente un exemple rare de sujet séculier dans son œuvre.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'héritage de Melozzo da Forlì demeure un témoignage de l'évolution de la peinture de la Renaissance, marquant le passage vers une représentation plus dynamique et spatialement complexe du monde. Ses œuvres, conservées dans des institutions telles que les musées du Vatican, continuent d'inspirer admiration et étude.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Melozzo da Forlì, afin de ne manquer aucune opportunité de découvrir et d'acquérir des pièces de cet artiste emblématique de la Renaissance.
Antonello da Messina était un peintre italien emblématique de la Renaissance. Reconnu pour avoir introduit des techniques de peinture flamandes dans l'art vénitien du milieu du XVe siècle, Antonello a marqué l'histoire de l'art par son style unique, mélangeant simplicité italienne et minutie flamande.
Dès 1456, Antonello se distingue comme maître peintre à Messine, en Sicile, où il réalise des œuvres majeures telles que la Madone Salting. Cette période témoigne d'une influence significative de Piero della Francesca, surtout dans la proportion volumétrique des figures. Ses portraits, innovants pour l'époque, adoptent un modèle néerlandais en présentant les sujets de trois-quarts et sur un fond sombre, une pratique peu commune en Italie à l'époque.
En 1475, Antonello da Messina se rend à Venise, où son style évolue sous l'influence de Giovanni Bellini et Piero della Francesca, gagnant en expressivité et en attention à la figure humaine. Ses œuvres vénitiennes les plus célèbres incluent le Condottiero (au Louvre) et le Saint Sébastien. Sa visite à Venise a eu un impact profond sur la peinture vénitienne, notamment en influençant Giovanni Bellini.
Antonello da Messina est également connu pour son apport à la peinture de portraits, apportant une dimension psychologique saisissante à ses œuvres. Il est reconnu pour avoir donné à ses portraits une présence et une interaction avec le spectateur, une avancée majeure dans l'histoire de la peinture européenne.
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs, l'œuvre d'Antonello da Messina reste un témoignage fascinant de l'évolution de la peinture de la Renaissance. Pour rester informé des nouvelles ventes et événements liés à Antonello da Messina, n'hésitez pas à vous inscrire à nos mises à jour.
Jacopo da Valenza était un peintre italien de la Renaissance.
Il a travaillé entre 1485 et 1509 dans de nombreuses églises des districts de Belluno et de Vittoria en Vénétie, réalisant des retables et des tableaux d'autel. Deux de ses œuvres les plus importantes sont aujourd'hui conservées à Vittorio Veneto, dans leur emplacement d'origine : la Vierge à l'enfant sur le trône de la cathédrale de Ceneda, 1484, et la Vierge à l'enfant de l'église de San Giovanni Battista di Serravalle, 1502. Certaines œuvres se trouvent dans des musées en Italie.
Leonardo da Vinci, peintre polymathe toscan, est reconnu pour son génie dans de nombreux domaines, notamment l'art, la science et l'ingénierie. Né à Vinci en Toscane en 1452 et décédé à Amboise en 1519, il représente l'idéal humaniste de la Renaissance et a grandement influencé la culture et l'art occidentaux.
Artiste de la Haute Renaissance, Leonardo est surtout connu pour ses peintures emblématiques telles que "La Joconde" et "La Cène". Ses œuvres, moins de 20 peintures subsistantes, illustrent sa maîtrise de la lumière et de l'ombre, contribuant de manière significative à l'évolution de ces techniques dans l'art occidental. Parmi ses autres œuvres majeures figurent "L'Homme de Vitruve", "La Vierge aux Rochers", et "La Belle Ferronnière", actuellement exposées dans des musées de renom comme le Louvre à Paris et la National Gallery à Londres.
Da Vinci était également un scientifique et inventeur visionnaire. Ses études sur l'anatomie humaine, basées sur des dissections réelles, étaient révolutionnaires pour son époque. Ses carnets contiennent des esquisses de machines volantes et d'autres inventions, témoignant de son génie technique et de son imagination débordante.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, la vie et l'œuvre de Leonardo da Vinci restent une source inépuisable d'inspiration et de fascination. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Leonardo da Vinci, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'héritage de cet artiste et scientifique hors du commun.
Vincenzo dalle Destre ou Vincenzo dai Destri était un peintre italien qui a travaillé à Trévise et à Venise à partir de 1488.
En 1530, Destre fut inclus parmi les membres de la confrérie des artistes de Venise. Il a peint des autels et des églises avec des scènes de la Bible et ses compétences étaient très appréciées par ses contemporains.
Maître de Zweder de Culemborg était un enlumineur néerlandais qui travaillait principalement à Utrecht dans la première moitié du XVe siècle.
Le maître anonyme tire son nom de l'évêque de la ville, Meester van Culemborg, qu'il a représenté.
Maître de Marguerite de Foix est un miniaturiste et enlumineur français de la seconde moitié du XVe siècle.
Ce maître inconnu tient son nom de la princesse Marguerite de Foix de Navarre, pour laquelle il a créé la chapelle. L'artiste se distingue par son talent expressif dans la représentation des personnages et de leurs vêtements.
Jean Charlier de Gerson est un universitaire, théologien, prédicateur, homme politique français des XIVe et XVe siècles.
Jean Charlier de Gerson fut chancelier de l'Université de Paris de 1395 jusqu'en 1415 et, à ce titre joua un rôle majeur dans les troubles politiques opposant le duc d'Orléans au duc de Bourgogne, par la suite Armagnacs et Bourguignons, ainsi que dans la crise découlant du grand schisme d'Occident.
Philippe de Gueldre était un peintre, illustrateur et miniaturiste français originaire des Pays-Bas.
Il a travaillé sur un grand nombre de commandes royales à Paris et dans le nord de la France au tournant des XVe et XVIe siècles. Le style de Philippe est influencé par Jean Colomb ; il se caractérise par des personnages à l'ossature large, aux visages ronds, aux nez longs et aux petites bouches rouges. Il utilise généreusement le bleu et l'or, le bordeaux et le vert dans sa palette.
Estienne de La Roche, également connu sous le nom d'Estienne de Villefranche, était un mathématicien français.
Il est célèbre pour avoir été professeur de mathématiques pendant 25 ans à Lyon. En 1520, il publie Arismetica, considéré à l'époque comme le meilleur ouvrage de référence sur l'algèbre.
Bonetus de Latis ou Jacob ben Emanuel Provenzale était un médecin et astrologue français d'origine juive.
Originaire de Provence, en France, il était rabbin et devint à Rome le médecin du pape Alexandre VI, puis du pape Léon X. Latis est principalement connu comme l'inventeur du cadran solaire en forme d'anneau, un cadran circulaire astronomique qui pouvait être utilisé pour mesurer les altitudes solaires et stellaires et déterminer l'heure avec une grande précision, de jour comme de nuit. Ces horloges étaient portables et faciles à utiliser pour la navigation. Latis a également écrit un traité connu des érudits sur l'anneau astrolabe (1492-1493).
Pol de Limburg, également Paul van Lymborch ou van Limburg était un miniaturiste français du début du XVe siècle originaire des Pays-Bas du Nord.
Avec ses deux frères, Herman et Jean, Pol a travaillé à Paris. Adolescents, tous trois entrent au service de Jean de France, duc de Berry. C'est pour lui qu'ont été créés deux des livres d'heures les plus richement illustrés (une forme populaire de livre de prières privées à l'époque).
Pol était manifestement le plus habile des frères et c'est à lui que revient l'essentiel du travail. Après l'achèvement des gazettes rouges, les frères se sont attelés aux trois gazettes riches du duc de Berry. Cette œuvre, considérée comme leur plus grande création, compte parmi les plus beaux exemples du style gothique international.
Les frères de Limbourg ont laissé les Riches jours du duc de Berry inachevés, car ils sont morts presque simultanément en 1416, peut-être lors d'une épidémie de peste.
Les frères de Limbourg sont les plus connus de tous les enlumineurs de manuscrits du gothique tardif. Ensemble, ils ont synthétisé les innovations d'autres enlumineurs et développé un style qui leur est propre, caractérisé par des lignes fines, une technique minutieuse et des détails infimes. Les Riches jours du duc de Berry, achevés vers 1485 par Jean Collomb, constituent l'un des jalons de l'art de l'enluminure. Elle a largement influencé le cours des premières enluminures et préfiguré les voies de l'art de la Renaissance septentrionale.
Attavante degli Attavanti, également Gabriello di Vante, est l'artiste le plus célèbre et le plus représentatif de la peinture miniature italienne.
Le style élégant et expressif d'Attavante a été influencé par le travail de Domenico Ghirlandaio et d'Antonio Pollaiuolo. Sa première œuvre enregistrée, datée de 1483, est un missel créé pour Thomas James, évêque de Dol-de-Bretagne. Par la suite, il a créé plusieurs manuscrits pour Matthias Corvinus, roi de Hongrie, et pour la famille Médicis, dont le pape Léon X. L'atelier d'Attavante a également produit la Bible de Jérôme, l'une des plus belles bibles de la Renaissance italienne, aujourd'hui conservée aux Archives nationales du Portugal.
Andrea del Castagno, peintre italien de la Renaissance, est connu pour son importante contribution à l'art florentin du XVe siècle. Né près de Florence vers 1419 et mort de la peste en 1457, Del Castagno a laissé une empreinte indélébile grâce à son utilisation novatrice de la perspective et à sa capacité à donner une monumentalité et une physicalité à ses figures athlétiques, inspirées par Donatello, Paolo Uccello et Filippo Lippi, entre autres. Ses œuvres montrent un intérêt marqué pour l'utilisation de la lumière réfléchie, anticipant des solutions proches de celles de Piero della Francesca.
Parmi ses œuvres les plus remarquables figure la fresque de la Cène du réfectoire de Sant'Apollonia à Florence, innovante pour sa combinaison de scènes de la Passion du Christ, qui n'avaient jamais été représentées de cette manière auparavant. Cette œuvre, ainsi que les fresques de la chapelle de San Zaccaria à Venise, témoignent de l'influence considérable de Del Castagno sur les artistes de son époque et même sur Léonard de Vinci, qui a créé sa propre version de la Cène.
Del Castagno a également travaillé sur un cycle de "Nobles hommes et femmes" pour la Villa Carducci à Legna, comprenant des figures de l'histoire et de la littérature telles que Dante, Pétrarque et Boccace, démontrant sa capacité à transmettre la grandeur et la profondeur de caractère de ses sujets.
L'œuvre de Del Castagno, caractérisée par un réalisme dramatique et une exploration des émotions humaines, le place parmi les figures les plus influentes de la première Renaissance italienne. Ses œuvres sont conservées dans divers musées et collections, témoignant de son héritage artistique durable.
Pour les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, l'œuvre d'Andrea del Castagno reste une source inépuisable d'inspiration et d'étude. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes et les événements de vente aux enchères liés à cet artiste remarquable, ce qui vous donnera un accès privilégié à des découvertes et des opportunités uniques dans le domaine de l'art et de la culture.
Francesco di Antonio del Chierico était un peintre, illustrateur et joaillier italien du début de la Renaissance à Florence.
Après une formation d'orfèvre, il est devenu un illustrateur de manuscrits très apprécié et respecté. Ses œuvres étaient recherchées par les mécènes de Florence dans la seconde moitié du XVe siècle, et il est également considéré comme l'un des artistes préférés de Laurent de Médicis.
Francesco del Chierico a décoré et illustré des livres de toutes tailles, traitant de divers sujets littéraires, scientifiques, historiques et religieux. Il a peint de manière créative les marges des manuscrits et les pages entières. Les illustrations de l'artiste comprenaient souvent des compositions florales complexes et il a également peint des portraits exquis.
Jacopo del Sellaio est un peintre de l'école florentine.
Il est engagé également à la décoration des cassoni (Il convito di Assuero, Il trionfo di Mardocheo, aux Offices de Florence, La riconciliazione fra Romani e Sabini, à la Johnson Collection de Philadelphie).