Empire russe Art contemporain
Taisiia Kirillovna Afonina (еn russe: Таисия Кирилловна Афонина) était une artiste soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de Leningrad.
Taisiia Afonina a participé à des expositions depuis 1940, créant des portraits, des paysages, des compositions de genre, des natures mortes et des croquis. Au début de sa carrière, elle s'est intéressée aux sujets militaires, puis s'est tournée vers le genre du portrait et du paysage lyrique. Son style se caractérise par une peinture tonale, le rendu de la lumière et de l'air et des combinaisons de couleurs subtiles. Dans les années 1980, elle privilégie la technique de l'aquarelle, représentant des fleurs telles que des roses, des marguerites et des tulipes. Ses œuvres font partie de musées et de collections privées en Russie et dans d'autres pays.
Piotr Filippovitch Alberti (еn russe: Пётр Филиппович Альберти) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école de Leningrad.
Piotr Alberti a réalisé des portraits, des paysages et des peintures de genre. Il expose activement depuis 1951 à Leningrad, présentant ses œuvres aux côtés des maîtres de son temps. L'artiste avait une écriture large et des couleurs vives, un trait expressif et utilisait des techniques variées. Il accorde une attention particulière à l'étude de la nature. À la fin de sa carrière, il se passionne pour les natures mortes avec des motifs favoris comme les pivoines et les pastèques.
Les œuvres d'Alberti sont conservées dans des musées et des collections du monde entier.
Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo (еn russe : Михаил Фёдорович Андриенко-Нечитайло) était un artiste russe, connu pour sa contribution au mouvement constructiviste et à l'avant-garde russe. Né à Saint-Pétersbourg, il s'est fait remarquer par son talent exceptionnel en peinture et en scénographie.
Andrienko-Netchitaïlo a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg avant de s'établir à Paris, où il a intégré des éléments cubistes et abstraits dans son travail. Ses œuvres se distinguent par l'utilisation innovante des formes géométriques et des couleurs vives, caractéristiques du constructivisme.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des peintures exposées au Musée national d'art moderne à Paris et dans plusieurs collections privées à travers le monde. Sa contribution à l'art de la scénographie a également marqué l'histoire du théâtre, notamment avec ses décors pour des ballets et des opéras.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, Mikhaïl Fiodorovitch Andrienko-Netchitaïlo reste une figure incontournable. Abonnez-vous à notre newsletter pour être informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères concernant ses œuvres.
Boris Izraïlevitch Anisfeld (еn russe: Борис Израилевич Анисфельд), né en 1878 en Bessarabie et mort en 1973 aux États-Unis, était un artiste symboliste et scénographe de renom. D'origine russe, il a vécu une grande partie de sa vie en Amérique. Issu d'une famille juive aisée, Anisfeld a montré un intérêt précoce pour l'art plutôt que pour la musique, contrairement aux souhaits familiaux. Formé à l'école des Beaux-Arts d'Odessa puis à l'académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il a étudié sous la tutelle de maîtres tels que Répine, mais son travail a été fortement influencé par le symbolisme, se distinguant dans des expositions dès le début du XXe siècle.
Anisfeld a été reconnu pour son travail de scénographe, notamment pour les ballets russes, où ses conceptions ont contribué à révolutionner la scénographie théâtrale de l'époque. Il a travaillé avec des figures emblématiques telles que Diaghilev et a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux, de Paris à New York. Sa première exposition personnelle aux États-Unis a eu lieu juste avant la Révolution d'Octobre, marquant le début de sa carrière définitive en Amérique, où il a continué à influencer le monde de l'opéra et de la peinture.
Au-delà de ses contributions à la scénographie, Anisfeld était un peintre talentueux dont les œuvres ont été exposées et collectionnées à l'international. Ses tableaux, imprégnés de symbolisme, montrent une préférence pour les compositions fantastiques et colorées, souvent inspirées de la mythologie, de la nature et de la culture slave.
Pour ceux passionnés par l'art et la scénographie, l'œuvre de Boris Izraïlevitch Anisfeld offre une source d'inspiration intarissable. Ses contributions au monde de l'art sont conservées dans des collections publiques et privées à travers le monde. Pour en savoir plus sur cet artiste exceptionnel, visitez des sites comme Wikipedia ou le catalogue raisonné d'Anisfeld.
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Fiodor Vassilievitch Antonov (еn russe: Фёдор Васильевич Антонов) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, artiste textile, enseignant et professeur.
Fiodor Antonov a créé des paysages, des portraits et des compositions thématiques. Dans ses œuvres de genre, il immortalise la vie et le quotidien de la jeunesse soviétique, ainsi que la formation de l'industrie en URSS. Pendant la Grande Guerre patriotique, l'artiste a réalisé des portraits de héros, ainsi que des affiches à la forme picturale simple et directe. Les œuvres d'Antonov font partie de plusieurs collections de musées, dont la galerie Tretiakov, le musée russe et de nombreuses collections privées.
Anatoliï Afanassievitch Arapov (еn russe: Анатолий Афанасьевич Арапов) était un artiste russe et soviétique du début du XXe siècle, reconnu pour ses talents en peinture, arts graphiques, ainsi que pour son travail dans le théâtre et le cinéma. Né le 21 novembre 1876 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédé le 22 décembre 1949 à Moscou, URSS, Arapov a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe grâce à sa participation à la création de films populaires des années 1920-1930 et ses mises en scène dans les principaux théâtres des grandes villes de l'Empire russe, puis de l'URSS.
Son œuvre picturale, évoluant du Symbolisme et du Constructivisme au Réalisme socialiste, couvre une variété de genres incluant le portrait, la nature morte, et le paysage, notamment des vues de parcs anciens et d'architecture russe antique. En tant qu'étudiant, il s'est initialement intéressé à l'art appliqué, au livre et au théâtre, participant à la conception de festivités féériques pour le théâtre national « buffoon ». Sa participation aux expositions "Rose bleue", "Couronne", "Toison d'or", et à l'exposition "Rose écarlate", où il était représenté par son œuvre "Le parc Lefortovo", souligne son implication active dans les cercles artistiques de son époque.
Arapov a également travaillé activement dans le domaine du théâtre dès 1905, concevant des productions dans des théâtres renommés à Moscou et Saint-Pétersbourg. Après 1917, il s'est engagé dans la conception de productions théâtrales dans toute la Russie.
Pour en savoir plus sur la vie et l'œuvre d'Anatoliï Afanassievitch Arapov et pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à cet artiste remarquable, nous vous invitons à vous inscrire aux mises à jour. Cette souscription vous permettra d'accéder à des informations exclusives sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères relatifs à Arapov.
Eranoui Archakovna Aslamazian (еn russe: Ерануи Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique et russe d'origine arménienne de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste.
Eranoui Aslamazian a créé des portraits, des paysages, des natures mortes et des peintures de genre. Elle s'est également essayée à la conception de pièces de théâtre, à la gravure et à la céramique. Artiste orientaliste, elle faisait partie de l'élite artistique soviétique à Leningrad et à Moscou. Avec le soutien des autorités de l'Union soviétique, elle a voyagé dans le monde entier, visitant de nombreux pays. Ses œuvres sont exposées dans les musées de Londres, Sofia, Berlin, Saint-Pétersbourg, Venise, Tokyo et Delhi.
Mariam Arshaki Aslamazian (en russe : Мариам Аршаковна Асламазян) était une artiste soviétique d'origine arménienne, née le 20 octobre 1907 à Alexandropol, aujourd'hui Gyumri, et décédée le 16 juillet 2006 à Moscou. Reconnue pour ses peintures vibrantes et colorées, elle a été nommée Artiste du peuple de la RSS d'Arménie en 1965 et Artiste du peuple de l'Union soviétique en 1990. Ses œuvres sont souvent comparées à celles de Frida Kahlo en raison de leur palette moderne et de leur style personnel éclectique.
Aslamazian a étudié auprès de figures de proue de l'avant-garde russe et a absorbé les meilleures traditions de la peinture moderne et académique russe et européenne. Elle a également incorporé des éléments de l'art arménien dans son travail, ce qui lui a permis de créer des peintures à la fois modernes et profondément enracinées dans la tradition arménienne. Ses œuvres comprennent des portraits, des paysages, et des natures mortes, où elle exprime souvent des motifs ethnographiques avec une emphase sur l'exotisme oriental.
Aslamazian a également travaillé dans le domaine de la céramique décorative, qui a gagné en popularité dans les années 1960. Ses céramiques reflètent son sens de la modernité tout en restant fidèles à la tradition nationale.
Son talent et sa carrière ont été célébrés à l'international, notamment lors de voyages officiels en Inde où elle a contribué à renforcer les liens diplomatiques entre l'URSS et l'Inde. Ses œuvres sont exposées de manière permanente dans la Galerie des sœurs Aslamazian dans sa ville natale et dans des collections comme la Galerie nationale d'Arménie.
Pour ceux intéressés par l'art et les antiquités, restez informés des nouvelles ventes et événements d'enchères liés à Mariam Arshaki Aslamazian en vous inscrivant à nos mises à jour.
Vladimir Davidovitch Baranov-Rossine (en russe: Владимир Давидович Баранов-Россине) était un artiste ukrainien, russe et français d'origine juive, connu pour son rôle important dans le mouvement avant-gardiste du Cubo-Futurisme et en tant qu'inventeur. Né à Kherson dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), il a étudié à l'École de la Société pour l'encouragement des arts à Saint-Pétersbourg et à l'Académie impériale des beaux-arts de la même ville. Dès 1908, il exposait avec le groupe Zveno (Le Lien) à Kiev, et en 1910, il s'installa à Paris, devenant résident de la colonie d'artistes La Ruche, aux côtés de figures comme Alexander Archipenko et Sonia Delaunay-Terk.
Baranov-Rossine est reconnu pour son exploration des liens entre l'art et la technologie, notamment à travers l'invention du piano optophonique, un instrument capable de produire des sons et des lumières colorées simultanément. Cette invention illustre son intérêt pour la synthèse des arts et son engagement dans l'avant-garde artistique. En plus de son travail dans le domaine de l'art, Baranov-Rossine a également appliqué ses compétences à des innovations pratiques, telles que la caméléon, une technique de camouflage militaire, et le "photochromomètre", un appareil permettant de déterminer les qualités des pierres précieuses. Il a même perfectionné une machine à préparer, stériliser et distribuer des boissons gazeuses, le "Multiperco", qui a reçu plusieurs prix techniques.
L'art de Baranov-Rossine est représenté dans des collections et des expositions à travers le monde, témoignant de son importance dans l'histoire de l'art moderne. Malheureusement, sa vie a pris fin tragiquement lorsqu'il a été déporté et assassiné à Auschwitz en 1944 par les nazis.
Pour ceux qui sont fascinés par la contribution de Baranov-Rossine à l'art moderne et son exploration pionnière de l'intersection entre l'art et la technologie, l'inscription aux mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son œuvre peut offrir des occasions uniques d'appréciation et de collection.
Pavel Ivanovitch Basmanov (еn russe: Павел Иванович Басманов) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et illustrateur.
Pavel Basmanov a consacré toute sa carrière, à partir de 1929, à l'illustration de livres et a été membre du bureau de la section graphique de l'Union des artistes. Il est également connu pour ses séries d'aquarelles, dont "La vieille Sibérie" et "La marche". Son art se caractérise par une approche unique basée sur des motifs religieux.
Les œuvres du maître font partie des collections du musée national russe, de la collection nationale de Tsarskoye Selo et de collections privées.
Elena Mikhaïlovna Beboutova (еn russe: Елена Михайловна Бебутова) était une artiste russe et soviétique d'origine géorgienne et arménienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et scénographe.
Elena Béboutova est passée d'une fascination pour le cubisme et le futurisme dans ses premières œuvres à un style plus décoratif et réaliste. En 1917, elle a commencé à travailler à la décoration de spectacles dans divers théâtres de Russie et a organisé une exposition personnelle à Moscou en 1923. De retour en URSS après des voyages d'affaires à Berlin et à Paris, elle devient l'un des membres fondateurs de la société "Four Arts". Son travail au théâtre était étroitement lié aux activités de mise en scène de son frère Valery Bkebutova, leur dernière collaboration étant une production d'Hamlet au théâtre biélorusse de Vitebsk en 1946 et 1955.
Bebоutova est également connue comme modèle pour les portraits réalisés par son mari Pavel Kuznetsov.
Viktoriia Markovna Belakovskaia (еn russe: Виктория Марковна Белаковская) était une artiste soviétique russe du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et représentante de l'école de peinture de Leningrad.
Viktoriia Belakovskaia a participé à des expositions d'artistes de Leningrad dès le début des années 1930. Son œuvre couvre différents genres, notamment des portraits, des compositions de genre, des natures mortes et des paysages. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Pioneer Girl" (1931), "Self-Portrait with a Cigarette" (1936), "Leningrad Landscape" (1953), "Spring Flowers. Nature morte" (1961), une série de paysages de l'Altaï, de la Crimée, de Kiev et autres.
Les œuvres de l'artiste font partie des collections de musées en Russie, en Grande-Bretagne, aux États-Unis, en France et dans d'autres pays.
Georgiï Nikolaevitch Bibikov (еn russe: Георгий Николаевич Бибиков) était un artiste russe et soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur, muraliste et artiste de théâtre de l'école de Leningrad, travaillant dans les genres du paysage, du portrait, de la nature morte et de la peinture thématique.
Georgiï Bibikov a commencé à participer à des expositions d'art en 1920. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Chargeurs", "Les jeunes flottes rouges reçoivent des uniformes", "Salutations aux vainqueurs", "La vérité des tranchées" et d'autres encore. Ses œuvres sont conservées au Musée national russe, dans des musées et des collections privées en Russie, en Ukraine, en Allemagne et en France.
Katerina Vassilivna Bilokour (еn russe: Екатерина Васильевна Белокур) était une artiste soviétique ukrainienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme un maître de la peinture décorative folklorique.
Autodidacte, Katerina Bilokour est devenue célèbre pour ses peintures colorées, représentant principalement des fleurs, des paysages et des portraits. Ses œuvres combinaient souvent des éléments printaniers et automnaux, et elle pouvait passer des semaines à créer les moindres détails sur la toile. Catherine fabriquait également ses propres pinceaux, en sélectionnant des poils de quenouilles, et utilisait un pinceau différent pour chaque peinture. Son travail se caractérise par des couleurs et un style éclatants.
Moiseï Abramovitch Blank (еn russe: Моисей Абрамович Бланк) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, se distinguant par ses natures mortes et ses paysages.
Moiseï Blank a participé activement à des expositions d'art, y compris des expositions nationales, nationales et internationales, à partir de 1927. Il a utilisé diverses techniques artistiques, notamment la lithographie, la gravure, l'encre, l'aquarelle, la gouache, le pastel et parfois l'huile. Pendant la Grande Guerre patriotique, il s'est porté volontaire pour le front et, après la guerre, il a servi en tant qu'artiste dans le corps de défense aérienne à Riga. Le maître a laissé une trace notable dans l'histoire de l'art en Ukraine.
Olga Borisovna Bogaevskaia (еn russe: Ольга Борисовна Богаевская) était une artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste, enseignante et représentante de l'école de Leningrad.
Au début de sa carrière, Olga Bogaevskaia enseigne la peinture à l'école secondaire d'art de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad et participe à des expositions. Ses œuvres, remarquables par leur colorisme peu commun, comprennent des portraits d'enfants, des natures mortes d'intérieur et d'extérieur. Dans les années 1950-1960, elle était déjà considérée comme l'une des principales artistes de Leningrad.
Ses œuvres figurent dans de nombreux musées et collections privées du monde entier, notamment au Musée national russe et à la Galerie nationale Tretiakov. Bogaevskaia a également exposé avec succès à l'étranger, notamment en France.
Il'ia Bolotovskiï (en russe : Илья Юльевич Болотовский) est un peintre abstractionniste américain d'origine russe.
Après avoir passé sa jeunesse à Bakou, il s'installe aux États-Unis en 1923 et devient citoyen américain. Bolotovskiï reçoit sa formation artistique à la National Academy of Drawing de New York et lors de ses voyages en Europe. Influencé par l'œuvre de P. Mondrian, il commence à créer des peintures sans objet et reste plus tard un adepte de l'abstractionnisme, étant membre du groupe d'expressionnistes abstraits "Ten".
En 1936, Bolotovskiï réalise l'une des premières peintures murales abstraites monumentales aux États-Unis, dans le quartier résidentiel de Williamsburg, à New York. La même année, il devient l'un des fondateurs de l'organisation American Abstract Artists. Dans les années 1960, Bolotovskiï travaille dans l'esprit de l'abstractionnisme géométrique et du néo-plasticisme et crée des toiles avec des images en trois dimensions.
Aleksandr Gavrilovitch Boudnikov (еn russe: Александр Гаврилович Будников) était un artiste soviétique ukrainien du XXe siècle. Il est connu comme peintre de batailles.
Pendant la Grande Guerre patriotique, Aleksandr Boudnikov a travaillé pour un journal de la ligne de front, a créé des affiches et des croquis des champs de bataille. Après la guerre, il étudie à l'Institut d'art de Kiev, puis devient enseignant et professeur dans cet établissement. L'artiste a travaillé dans le genre de la peinture de bataille, et a également été l'auteur d'une série de paysages de différents pays. Ses œuvres sont conservées dans des musées en Ukraine, en Russie et dans des collections privées en Europe, aux États-Unis et au Canada.
Piotr Dmitrievitch Boutchkin (еn russe: Пётр Дмитриевич Бучкин) était un peintre, aquarelliste, graphiste, illustrateur et enseignant artistique soviétique et russe, reconnu comme Travailleur honoré des arts de la RSFSR. Il a vécu et travaillé à Leningrad et était membre et l'un des fondateurs de la branche de Leningrad de l'Union des Artistes de la Fédération de Russie.
Ses œuvres comprennent principalement des dessins et des aquarelles, comme illustré par ses études de femmes disponibles sur le marché, qui témoignent de son habileté en dessin et de son usage délicat de l'encre. Boutchkin a également participé à diverses expositions, consolidant sa réputation dans le cercle artistique soviétique et international.
Pour ceux qui sont intéressés par l'œuvre de Piotr Dmitrievitch Boutchkin et souhaitent suivre les ventes de ses œuvres et les événements liés, s'inscrire à des newsletters spécialisées en art peut être une excellente manière de rester informé.
Serafima Vasilievna Chakhraï (еn russe: Серафима Васильевна Шахрай) était une artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste ayant travaillé dans les genres du paysage, de la nature morte et du portrait.
Serafima Chakhraï utilisait différentes techniques, notamment le pastel, l'aquarelle et la gouache. Ses paysages couvrent plusieurs domaines de prédilection, notamment le vieux Moscou, le port fluvial sud de Moscou, la Crimée et le lac Pleshcheyevo dans la région de Yaroslavl en Russie. Ses œuvres ont été très appréciées et reconnues, exposées dans des galeries prestigieuses et récompensées à de nombreuses reprises.
Mikhail Andreïevitch Charonov (еn russe: Михаил Андреевич Шаронов) était un artiste russe, soviétique et ukrainien de la première moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
En tant qu'artiste, Mikhail Charonov a travaillé dans les genres du portrait, du paysage, de la nature morte et du genre historique. Il a également été professeur et recteur de l'Institut d'art de Kiev. Il a amassé une importante collection d'eaux-fortes de l'artiste espagnol Goya et a fait don de 60 feuilles de cette collection au musée Khanenko de Kiev en 1941.
Alexandre Vassilievitch Chevtchenko (en russe: Александр Васильевич Шевченко) était un peintre et sculpteur ukrainien, né le 24 mai 1882 à Kharkiv, Ukraine, et décédé le 28 août 1948 à Moscou. Il est reconnu pour son rôle dans l'avant-garde russe, avec une influence notable dans les mouvements néo-primitiviste, rayonniste et cubo-futuriste. Dès son jeune âge, Chevtchenko étudie le dessin et les décors de théâtre, avant de poursuivre sa formation à Moscou et à Paris, où il fréquente des artistes comme Eugène Carrière et Michel Larionov.
Chevtchenko a contribué de manière significative au paysage artistique de l'époque, notamment à travers ses participations à des expositions clés telles que l'Union de la jeunesse à Saint-Pétersbourg et le Premier Salon de Moscou. Il a également pris part à l'exposition de la Queue d'âne et à celle de la Cible, où il a présenté ses œuvres rayonnistes. Outre son travail artistique, il a publié des textes théoriques importants sur le néo-primitivisme et le cubisme, marquant ainsi son engagement envers la théorie et la critique d'art.
Après la Révolution bolchévique, Chevtchenko intègre la section Arts plastiques à Moscou, dirigée par des figures emblématiques telles que Kandinsky et Tatline. Il a également été membre de la commission de conservation des valeurs artistiques et historiques. Son influence se prolonge dans l'éducation artistique, enseignant aux ateliers libres d'État, Vkhoutemas et Vkhouteïne, et contribuant à la création du musée de la Culture artistique à Moscou.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre et à l'héritage d'Alexandre Vassilievitch Chevtchenko, ses contributions à l'art moderne offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution de l'avant-garde russe et ses intersections avec les mouvements artistiques mondiaux de son époque. Sa vision et ses œuvres restent un témoignage de la richesse et de la complexité de l'art du début du XXe siècle.
Pour en savoir plus sur Alexandre Vassilievitch Chevtchenko et ses œuvres, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique.
Dementiï Alekseïevitch Chmarinov (еn russe : Дементий Алексеевич Шмаринов) était un éminent graphiste, illustrateur, éducateur et professeur soviétique et russe. Né à Kazan en 1907, il a laissé une empreinte significative dans le monde de l'art, devenant artiste du peuple de l'URSS en 1967 et académicien de l'Académie des arts de l'URSS en 1953. Chmarinov est reconnu pour son travail d'illustration sur des œuvres littéraires classiques telles que "Crime et Châtiment" de Dostoïevski, "Guerre et Paix" de Tolstoï, ainsi que les œuvres de Pouchkine et Gorki. Son talent était diversifié : des dessins et illustrations aux affiches politiques et aux dessins à l'easel, empreints d'une pathétique furieuse racontant les souffrances et le courage du peuple soviétique pendant la Grande Guerre patriotique.
Chmarinov a laissé derrière lui un riche héritage d'œuvres et des contributions éducatives importantes, en travaillant comme enseignant et professeur, élevant de nouvelles générations d'artistes. Ses contributions à l'art ont été reconnues par de nombreux prix, y compris le Prix Lénine en 1980 et le Prix Staline de deuxième classe en 1943. De plus, ses œuvres se trouvent dans des galeries renommées et des collections privées, attestant de la haute estime de son talent et de sa contribution au développement de l'art.
Chmarinov est décédé en 1999, laissant derrière lui un riche héritage et inspirant les futures générations d'artistes et d'illustrateurs. Son travail continue d'être admiré et respecté par les amateurs d'art du monde entier.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, nous vous recommandons vivement de vous inscrire pour recevoir des mises à jour relatives à Dementiï Alekseïevitch Chmarinov. Ainsi, vous serez toujours informé des nouvelles ventes d'œuvres et des événements d'enchères dédiés à cet artiste exceptionnel.
Vasiliï Ivanovitch Choukhaev (еn russe: Василий Иванович Шухаев) était un artiste russe et soviétique, né le 24 janvier 1887 à Moscou et décédé le 14 avril 1973 à Tbilissi. Reconnu pour ses contributions en tant que peintre, graphiste, scénographe, et enseignant, Choukhaev a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art de la fin du XIXe siècle jusqu'à la première moitié du XXe siècle. Il a passé 15 ans en exil, période durant laquelle il a continué à enrichir son œuvre artistique.
L'œuvre de Choukhaev englobe un éventail de genres, y compris le portrait, le paysage, la nature morte, et la scène de genre, marqués par une prédilection pour le néoclassicisme et la stylisation. Parmi ses contributions notables, on compte la réalisation de fresques murales pour des demeures privées à Moscou, en Europe, et au Maroc, ainsi que la conception de décors pour des pièces de théâtre à Paris. Son travail ne se limite pas à la peinture ; il a également contribué au monde du théâtre en tant que scénographe.
Fondateur de l'atelier St. Luke, un syndicat professionnel pour les peintres, Choukhaev a joué un rôle crucial dans le développement artistique de son époque. Ses œuvres ont traversé les frontières, et son influence se fait sentir bien au-delà de sa Russie natale, touchant des pays comme la Géorgie, l'Italie, la France, et le Maroc.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Vasiliï Ivanovitch Choukhaev représentent une fenêtre sur l'histoire de l'art russe et soviétique, offrant des perspectives uniques sur l'évolution des tendances artistiques au XXe siècle. Son héritage continue d'inspirer et de fasciner, illustrant la richesse de la culture et de l'art.
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Isaak Aronovitch Davidovitch (en russe: Исаак Аронович Давидович) était un artiste soviétique et biélorusse d'origine juive de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste.
Isaak Davidovitch a travaillé dans la peinture de chevalet, monumentale et décorative, ainsi que dans le graphisme de chevalet et de livre, et a dessiné des illustrations et des affiches. Dans le domaine de l'art monumental, il a créé des plafonds et des panneaux.
Aleksandr Alekseïevitch Efimov (еn russe: Александр Алексеевич Ефимов) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre de batailles, mariniste et enseignant.
Aleksandr Efimov a participé à la Grande Guerre patriotique et le thème principal de son travail était l'histoire de la marine. Il a travaillé activement dans le studio des marins de la marine et a utilisé les techniques de la peinture à l'huile et de l'aquarelle dans son travail. Ses œuvres, notamment les tableaux "Leningradki", "Marins dans les batailles pour Budapest", "Flotte du Nord", sont devenues célèbres en raison de leur importance historique.
Les œuvres d'Efimov se trouvent dans des musées et des collections privées, non seulement en Russie, mais aussi à l'étranger.
Ivan Semionovitch Efimov (еn russe: Иван Семёнович Ефимов) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre animalier, graphiste, sculpteur, illustrateur et réformateur du théâtre de marionnettes.
Ivan Efimov a travaillé dans différents genres et techniques, mais toutes ses œuvres, y compris les arts décoratifs et appliqués, étaient axées sur des thèmes animaliers. Il a créé des œuvres pour le métro de Moscou, les gares, les sanatoriums et bien d'autres lieux, et s'est rendu célèbre pour sa technique du relief en volume dans la sculpture. Le maître a également illustré plus de 20 livres.
Efimov a également créé des œuvres érotiques - environ un millier de feuilles avec différentes séries thématiques, mais le public ne les a découvertes qu'après l'effondrement de l'URSS.
Arthur Vladimirovich Fonvizin (еn russe: Артур Владимирович Фонвизин), peintre soviétique spécialisé dans l'aquarelle, est né à Riga en 1883 et décédé à Moscou en 1973. Sa passion pour le dessin a été éveillée dès son enfance, suite à une visite au cirque, ce qui l'a conduit à abandonner ses études pour se consacrer à l'art. À Moscou, il rencontre des figures de l'avant-garde comme Mikhail Larionov et devient membre actif de mouvements artistiques tels que la Rose Bleue et le Valet de Diamant. Fonvizin a vécu en Allemagne où il a affiné sa technique de l'aquarelle avant de retourner en Russie où son travail a pris une tournure symboliste.
Durant sa carrière, il a traversé des périodes difficiles, notamment en 1937 lorsqu'il a été critiqué pour formalisme, et pendant la Seconde Guerre mondiale, où, en raison de ses origines allemandes, il a été exilé au Kazakhstan. Malgré ces épreuves, Fonvizin a continué à peindre, se concentrant principalement sur des portraits de théâtre et des scènes de vie pré-révolutionnaire. Ses œuvres sont remarquables pour leur utilisation directe de l'aquarelle sans esquisses préliminaires.
Fonvizin a été honoré comme Artiste émérite de la Fédération de Russie en 1970. Ses œuvres sont conservées dans des collections prestigieuses telles que la Galerie Tretiakov, le Musée Pouchkine, et le Musée Russe d'État. Parmi ses aquarelles célèbres figurent des portraits d'actrices et de ballerines, ainsi que des scènes du cirque, qui reflètent son amour de longue date pour cet art.
Enfin, Arthur Fonvizin est considéré comme un maître inégalé de l'aquarelle, ses œuvres capturant l'essence de ses sujets avec une sensibilité et une précision remarquables, le plaçant comme une figure notable de l'art soviétique et russe.
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Tatiana Nikolaevna Glebova (еn russe: Татьяна Николаевна Глебова) était une artiste soviétique du XXe siècle. Elle est connue comme peintre et graphiste et a laissé un riche héritage créatif caractérisé par la profondeur et la diversité des thèmes et des styles.
Tatiana Glebova a abordé trois thèmes principaux dans son art. Le premier est la vie urbaine, reflétée par des scènes de genre décrivant les événements de la rue et la vie quotidienne. Le deuxième est l'intérêt pour la nature intérieure de l'homme, qui s'exprime dans des portraits et des représentations de transformations intérieures. Le troisième concerne les thèmes mystiques et religieux, notamment les icônes, le symbolisme et la géométrie spirituelle. Ses dernières œuvres se concentrent sur la nature et développent le symbolisme de la couleur et de la forme.
Iakov Andreevitch Goloubev (еn russe: Яков Андреевич Голубев) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, représentant de l'école d'art de Leningrad.
Iakov Goloubev a commencé à participer à des expositions alors qu'il étudiait encore à la faculté de peinture de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad. Il est devenu célèbre pour ses paysages lyriques. Parmi ses œuvres célèbres figurent les tableaux "Jour tranquille", "Portillon", "Fin d'automne" et d'autres.
Les œuvres du maître se trouvent dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment en Russie, au Japon, en Italie, en Allemagne et en France.
Gavriil Nikititch Gorelov (еn russe: Гавриил Никитич Горелов) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant.
Gavriil Gorelov a étudié à l'Académie des arts de Saint-Pétersbourg sous la direction d'Ilya Repin et de Franz Roubaud. Il réalise des toiles historiques, des peintures de genre et des portraits. Lors d'un voyage d'études en Italie, il peint "Orgie dans les appartements d'Alexandre VI Borgia". De retour en Russie, l'artiste devient membre de l'Association des expositions artistiques itinérantes. Parmi ses œuvres célèbres figurent "Le procès d'un propriétaire terrien par Pougatchev", "L'exécution de Pougatchev", "La révolte de Bolotnikov", "Le premier appel au peuple par Minine", "Les chiens chevaliers". Il a également participé à la création du panorama "L'assaut de Perekop".
Iazep Mikhaïlovitch Gorid (en russe: Язеп Михайлович Горид) était un artiste biélorusse et polono-lituanien de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme graphiste et peintre, caricaturiste et illustrateur.
Iazep Gorid a dessiné des caricatures politiques et quotidiennes, peint des portraits et des paysages. Il a également travaillé dans le domaine du graphisme, illustré et conçu des livres et d'autres publications imprimées. Il a également créé des vitraux et des fresques.
Dmitriï Vladimirovitch Gorlov (еn russe: Дмитрий Владимирович Горлов) était un artiste soviétique du XXe siècle. Il est connu comme graphiste, sculpteur, illustrateur, maître des arts plastiques décoratifs et appliqués et est considéré comme le fondateur de l'animalisme soviétique.
Dmitriï Gorlov est l'auteur de sculptures monumentales, décoratives et de chevalet, ainsi que de jouets fabriqués dans différents matériaux. Il a créé une fontaine et des bas-reliefs pour le zoo de Moscou, ainsi que des reliefs sur le monument à l'auteur de fables I.A. Krylov sur les thèmes de ses fables. Gorlov a également travaillé à l'usine de céramique de Gzhel, où il a créé des statuettes d'animaux.
Pavel Matveevitch Gorobets (еn russe: Павел Матвеевич Горобец) était un artiste soviétique ukrainien du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, paysagiste et a travaillé au début de sa carrière comme artiste-journaliste.
Pavel Gorobets est devenu célèbre pour le style lyrique de ses paysages décrivant la nature de la région de Poltava. Ses œuvres se caractérisent par un lyrisme subtil, une pénétration et une profonde affection pour sa nature natale. Les critiques ont qualifié l'artiste de "maître de la miniature paysagère". Ses œuvres sont conservées dans les musées de plusieurs villes ukrainiennes et russes, ainsi que dans des collections privées.
Robert Lvovitch Guénine (en russe: Роберт Львович Генин) était un artiste d'origine juive de la première moitié du XXe siècle qui a travaillé dans plusieurs pays, dont l'Empire russe, l'Allemagne, la France, l'Allemagne, la Suisse et l'URSS. Il est connu comme peintre et graphiste.
Robert Guénine a travaillé dans des genres variés tels que les paysages, les portraits, les compositions de genre et les nus. Il a également réalisé des lithographies, des gravures sur bois et des eaux-fortes. Son style a évolué du Jugendstil et du symbolisme au début des années 1900 à l'expressionnisme après la Première Guerre mondiale. Plus tard, il en est venu à une sorte de primitivisme lyrique. L'artiste a travaillé à la fois sur la peinture de chevalet et la peinture monumentale et a été influencé par différents artistes.
Alexandre Mikhaïlovitch Guérassimov (en russe: Александр Михайлович Герасимов), né en Russie en 1881 et décédé en 1963, était un peintre soviétique et russe, figure de proue du réalisme socialiste dans les arts visuels. Il est notamment connu pour ses portraits officiels de dirigeants soviétiques tels que Joseph Staline, reflétant un style connu sous le nom de réalisme héroïque. Guérassimov a étudié à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, où il a développé un intérêt pour le travail des impressionnistes, enrichissant son style de notes fraîches et originales.
Durant sa carrière, Guérassimov a également produit des portraits de membres de l'intelligentsia créative et n'a pas oublié la beauté de la nature sauvage. Ses paysages, empreints de sentiments lyriques, présentent la Russie dans toute sa splendeur, témoignant de l'amour profond du peintre pour son pays. Les œuvres de Guérassimov attirent l'attention par leur émotionnalité, leur brillance et leur maîtrise de la composition, qu'il s'agisse de portraits d'État, de paysages ou de natures mortes.
Reconnu pour ses images vivantes et typiques, ainsi que pour ses récits reconnaissables, Alexandre Mikhaïlovitch Guérassimov a laissé un héritage artistique majeur, illustrant les réalités de son époque tout en explorant diverses techniques et sujets, de l'impressionnisme à l'art nouveau, en passant par le réalisme et le romantisme.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art et aux antiquités, découvrir les œuvres de Guérassimov est une occasion unique de se plonger dans une période clé de l'histoire artistique russe. Ses travaux sont une fenêtre ouverte sur la Russie soviétique, présentant à la fois les figures politiques dominantes et la beauté intemporelle des paysages russes.
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Mykola Petrovytch Hlouchtchenko (еn russe : Николай Петрович Глущенко) était un artiste ukrainien et soviétique, célèbre pour ses contributions dans le domaine de la peinture et son rôle intrigant en tant qu'agent soviétique. Né le 17 septembre 1901 à Novomoskovsk, dans l'actuelle Ukraine, il a marqué l'histoire de l'art par ses œuvres variées allant du post-impressionnisme à la nouvelle objectivité, et par sa vie pleine de rebondissements.
Après avoir obtenu son diplôme de l'Académie des Beaux-Arts de Berlin en 1924, Hlouchtchenko s'installe à Paris, où ses talents sont rapidement reconnus par les critiques français. Ses œuvres, exposées dans diverses capitales européennes, se distinguent par leur vibrant post-impressionnisme, qui évolue au fil des décennies en incorporant des couleurs de plus en plus expressives. Ses tableaux, qui capturent l'essence de paysages européens et ukrainiens, ainsi que des portraits et des natures mortes, lui valent une reconnaissance internationale.
Son rôle d'agent pour les services secrets soviétiques ajoute une dimension fascinante à sa biographie. Impliqué dans des missions d'espionnage durant la Seconde Guerre mondiale, Hlouchtchenko parvient à équilibrer son identité d'artiste et ses activités clandestines, tout en contribuant à la préservation d'œuvres d'art majeures.
Les distinctions honorifiques ne tardent pas à reconnaître son génie artistique ; il reçoit le prix national Taras Chevtchenko et l'ordre du Drapeau rouge du Travail, soulignant ainsi son impact majeur sur la culture soviétique et ukrainienne.
Ses œuvres ont été largement exposées de son vivant, marquant les esprits à Berlin, Paris, Milan, et bien au-delà, jusqu'à sa mort le 31 octobre 1977 à Kiev. Aujourd'hui, son héritage perdure, illustrant la complexité d'un homme qui a navigué entre art et espionnage, tout en laissant une empreinte indélébile sur la toile de l'histoire de l'art.
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Stanisław Horno-Poplawski était un sculpteur, artiste et enseignant polonais.
À la fin des années 1910, le jeune Stanisław s'intéresse à la peinture et à l'art à Moscou, où sa famille a déménagé de Géorgie, puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Varsovie. Stanisław Gorno-Poplawski a fait de la pierre brute des champs le sujet de ses sculptures, lui donnant les traits de Polonais célèbres ou inconnus, créant ainsi des compositions pleines de vie. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées en Pologne et dans le monde entier.
Alexandre Iacovleff (en russe: Александр Евгеньевич Яковлев), peintre russe naturalisé français, est célèbre pour ses œuvres capturant l'essence de l'Afrique et de l'Asie grâce à ses talents diversifiés en peinture, dessin, et illustration.
Né à Saint-Pétersbourg en 1887 et décédé à Paris en 1938, sa formation à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg et son héritage familial riche de personnalités créatives ont façonné son parcours artistique.
Il est reconnu pour sa participation en tant que peintre officiel dans l'expédition de la Croisière noire, financée par André Citroën, qui l'a vu traverser l'Afrique pour documenter ses paysages et peuples. Ses œuvres, résultant de ces voyages, ont été exposées à grand succès à Paris et Bruxelles, et sont conservées dans des musées prestigieux tels que le Musée des Années Trente à Boulogne-Billancourt, le Centre Pompidou, et la Tate Gallery.
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Stepan Petrovitch Iaremitch (en russe: Степан Петрович Яремич) était un peintre, critique d'art et écrivain russe, né en 1869 et décédé en 1939. Il est notamment connu pour avoir été l'un des fondateurs et membres de l'union artistique "Mir Iskusstva", aux côtés de figures emblématiques comme L. Bakst, A. Benua, et I. Bilibin. Iaremitch a marqué le monde de l'art par ses œuvres et sa contribution à la critique d'art, révélant une profonde compréhension de la culture artistique de son époque.
Au cours de sa carrière, il a participé à la VIIe Exposition des Peintures de l'Union des Artistes Russes, où il a présenté des œuvres telles que "Rider", "View from the Outskirts of St. Petersburg", et "Twilight (Venice)". Ces œuvres témoignent de sa capacité à capturer tant l'esprit de son temps que l'essence des paysages et des scènes urbaines.
Son travail en tant qu'artiste est encore reconnu aujourd'hui, avec des œuvres présentes sur le marché de l'art et faisant l'objet d'évaluations et de ventes aux enchères. Cela souligne l'impact durable de son art et l'intérêt qu'il suscite auprès des collectionneurs et des connaisseurs.
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Konstantine Fiodorovitch Iouon (en russe : Константин Фёдорович Юон) était un artiste peintre russe de renom, célèbre pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes. Né en 1875, Iouon a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art par son talent exceptionnel et sa capacité à capturer l'essence de la Russie dans ses œuvres.
Spécialisé dans la peinture paysagère et les scènes urbaines, Iouon avait un don particulier pour représenter la lumière et l'atmosphère, donnant à ses œuvres une qualité presque magique. Ses tableaux, qui illustrent souvent des paysages russes idylliques et des scènes de la vie quotidienne, sont appréciés pour leur technique précise et leur sensibilité poétique.
Parmi ses œuvres les plus connues, citons "Le Nouveau Planète" et "L'Hiver. Troïka." Ces peintures sont exposées dans des musées de renom, tels que la Galerie Tretiakov à Moscou, offrant aux amateurs d'art et aux collectionneurs l'opportunité d'admirer de près le génie de Iouon.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Konstantine Iouon représente un investissement culturel et historique significatif. Son approche unique de la peinture et son impact sur l'art russe continuent d'inspirer et d'influencer les générations d'artistes.
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Georgiï Nikolaïevitch Karlov (еn russe: Георгий Николаевич Карлов) était un artiste soviétique de la seconde moitié du vingtième siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et illustrateur.
Georgiï Karlov a commencé sa carrière en enseignant le dessin dans les écoles. Pendant la Grande Guerre patriotique, il a dessiné des affiches antifascistes et de propagande. Au cours de sa carrière, il a illustré plus de 100 livres pour enfants, collaboré au magazine Murzilka et illustré des œuvres satiriques "pour adultes". L'artiste a créé des représentations réalistes d'animaux aux traits anthropomorphes et aux expressions faciales riches. Son livre-texte "L'image des oiseaux et des animaux" rassemble l'expérience d'un animalier et comble une lacune dans la littérature sur l'image des animaux.