Etats-Unis Photo noir et blanc
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
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Ansel Easton Adams est largement reconnu comme l'un des photographes de paysage les plus importants du XXe siècle, célèbre pour ses images en noir et blanc de l'Ouest américain, en particulier du parc national de Yosemite. Adams a également joué un rôle crucial dans le mouvement de conservation de l'environnement, utilisant ses photographies pour plaider en faveur de la protection des espaces sauvages américains.
Ansel Easton Adams a reçu sa première caméra lors de sa première visite au parc national de Yosemite à l'âge de 14 ans, ce qui a marqué le début de sa carrière de photographe et de son engagement envers la nature. Il est devenu membre du Sierra Club, contribuant à sa mission de conservation grâce à ses photographies impressionnantes. Adams a fondé le département de photographie du Museum of Modern Art à New York, établissant ainsi la photographie comme une forme d'art légitime au sein des institutions culturelles.
Son travail n'était pas seulement artistique mais aussi pédagogique et militant, comme en témoignent ses photographies du camp de réinstallation de Manzanar, où des Américains d'origine japonaise ont été internés pendant la Seconde Guerre mondiale. Ansel Easton Adams a également contribué à la fondation du Centre pour la Photographie Créative à l'Université de l'Arizona, démontrant son engagement envers l'éducation et la préservation de la photographie comme médium artistique.
Pour ceux qui souhaitent découvrir plus sur Ansel Adams et son œuvre, envisagez de visiter les collections où ses travaux sont exposés, comme le Museum of Modern Art (MoMA) à New York, qui possède une sélection de ses œuvres dans sa collection en ligne.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art intéressé par les œuvres d'Ansel Adams, n'hésitez pas à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à ce photographe emblématique.
Ike Altgens, né James William Altgens, était un photojournaliste américain, rédacteur photo et reporter pour l'Associated Press (AP).
Après avoir obtenu son diplôme à la North Dallas High School, James rejoint l'Associated Press, d'abord en tant que reporter, puis en 1940, il est affecté à l'équipe de photojournalisme. Il a servi dans les garde-côtes américains pendant la Seconde Guerre mondiale et est retourné à l'Associated Press en 1945 en tant que photographe, travaillant comme rédacteur et comme acteur et mannequin à temps partiel.
Le 22 novembre 1963, Altgens est chargé de photographier le président John F. Kennedy lors de sa visite à Dallas. Le destin a voulu qu'il prenne des photos historiques de l'assassinat de Kennedy, qui ont été publiées dans les journaux du monde entier le lendemain.
Altgens a quitté l'Associated Press en 1979, puis a travaillé dans le domaine de la publicité pour Ford Motor Company. Le 12 décembre 1995, James Altgens et sa femme ont été retrouvés morts dans différentes pièces de leur maison à Dallas. Selon l'enquête, la cause de leur décès est une intoxication au monoxyde de carbone due à une chaudière défectueuse.
Ellen Auerbach, née Ellen Rosenberg, est une photographe américaine d'origine juive allemande et un maître de la photographie d'avant-garde.
Ellen a étudié à l'école d'art de l'État de Baden et a poursuivi ses études à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart avant de rencontrer la photographe Greta Stern (1904-1999) à Berlin. Ensemble, elles ont ouvert Ringl+pit, un studio de photographie et de design spécialisé dans la publicité, la mode et le portrait. La photographe est surtout connue pour son travail de pionnière dans ce studio. Ellen, qui a également expérimenté le cinéma, a réalisé deux courts métrages en noir et blanc.
En 1933, Ellen émigre en Palestine et y ouvre un studio de portraits d'enfants. Quelques années plus tard, elle s'installe avec son mari Walter Auerbach aux États-Unis, où elle travaille dans une collection d'art privée, enseigne la photographie, réalise des films et des photographies pour étudier le comportement des enfants et travaille comme thérapeute pédagogique.
Les œuvres Ringl+pit et l'œuvre photographique d'Ellen Auerbach et de Greta Stern ont été redécouvertes dans les années 1980 et ont donné lieu à une série d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Allemagne.
Lillian Bassman est une photographe et artiste américaine.
Directrice artistique de magazines et photographe de mode, elle est devenue célèbre dans les années 1940 et 1950 pour ses portraits très contrastés et oniriques de mannequins aux allures de sylphides. Le style graphique unique de Bassman illustre la mystique et le glamour féminins, ainsi que l'audace d'une artiste qui brouille les frontières entre la photographie de mode et les beaux-arts. Alors qu'elle travaillait comme directrice artistique pour le magazine Bazaar en 1945, elle a contribué à lancer la carrière de nombreux photographes parmi les plus célèbres du siècle.
Erwin Blumenfeld est un photographe et artiste d'origine allemande, surtout connu pour ses photographies de mode et son travail expérimental au milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière en tant qu'artiste, travaillant la peinture, le dessin et le collage.
Dans les années 1930, Blumenfeld a fui l'Allemagne et s'est installé à Paris, où il est devenu un photographe de mode à succès. Il a travaillé pour Vogue et d'autres magazines prestigieux, créant des images emblématiques de mannequins et de célébrités telles que Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor et Grace Kelly.
Blumenfeld était également connu pour son travail expérimental et avant-gardiste, qui faisait souvent appel à des techniques telles que le photomontage, la solarisation et les expositions multiples. Il considérait la photographie comme un moyen d'expression artistique et l'utilisait pour explorer des idées sur l'identité, la beauté et la nature de la réalité.
L'héritage de Blumenfeld en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer la mode et l'art contemporains. Ses techniques innovantes et son style particulier continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, et son œuvre est reconnue comme une contribution importante à l'histoire de la photographie.
Margaret Bourke-White était une photographe et photojournaliste américaine. Elle a étudié la photographie à la Clarence H. White School of Photography. C'est là qu'elle a développé son style caractéristique en utilisant des angles dramatiques et de forts contrastes d'ombre et de lumière.
Burke-White a été l'une des premières femmes photographes à travailler pour le magazine Life, et ses images sont devenues synonymes de la couverture par le magazine d'événements mondiaux majeurs tels que la Seconde Guerre mondiale et la guerre de Corée. Elle a également été la première femme photographe à travailler dans les zones de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, où elle a capturé des images puissantes de la guerre et de son impact sur les civils.
Outre la photographie de guerre, Bourke-White a également documenté la Grande Dépression aux États-Unis et a été l'un des rares photographes à avoir accès à l'Union soviétique dans les années 1930, où elle a documenté l'industrialisation soviétique et la vie des gens ordinaires.
L'œuvre de Bourke-White était connue pour son impact puissant et son réalisme brutal. Elle a souvent risqué sa sécurité pour obtenir la photo parfaite et ses images continuent d'inspirer les photographes d'aujourd'hui. Elle a publié plusieurs ouvrages sur son travail, dont Eyes on Russia et Dear Fatherland, Rest in Peace.
Bourke-White a laissé derrière elle l'héritage d'une des plus grandes photojournalistes du XXe siècle.
Cornell Capa était un photographe et photojournaliste américain, fondateur de l'International Center of Photography (ICP) à New York et frère cadet du célèbre correspondant de guerre Robert Capa.
Cornell Capa était connu pour son approche humaniste de la photographie, capturant souvent la vie et les luttes des gens ordinaires. Tout au long de sa carrière, il a couvert de nombreux événements importants, notamment la guerre civile espagnole, la Seconde Guerre mondiale et la guerre du Viêt Nam. Capa a également photographié de nombreuses personnes célèbres, dont John F. Kennedy, Marilyn Monroe et Pablo Picasso.
En 1974, Cornell Capa a fondé l'ICP, qui est devenu depuis l'une des principales institutions d'enseignement et d'exposition de la photographie dans le monde. La mission de l'ICP est de promouvoir la compréhension et l'appréciation de la photographie en tant que forme d'art et en tant que moyen de communication et de changement social.
Tout au long de sa carrière, Capa a reçu de nombreux prix et distinctions, dont la National Medal of Arts en 1988. Ses photographies continuent d'être exposées dans des galeries et des musées du monde entier et son héritage se perpétue à travers l'ICP.
Robert Capa est un photographe et photojournaliste américain d'origine hongroise. Il est considéré comme l'un des plus grands photographes de guerre de tous les temps, connu pour ses images dramatiques de combats et de conflits. Frère aîné de Cornell Capa, il est un classique de la photographie documentaire.
Capa a commencé sa carrière de photographe au début des années 1930 et s'est rapidement fait connaître pour sa couverture de la guerre civile espagnole. Il a ensuite couvert de nombreux conflits majeurs, dont la Seconde Guerre mondiale, la première guerre d'Indochine et la guerre israélo-arabe.
L'une des photographies les plus célèbres de Robert Capa est Falling Soldier, prise pendant la guerre civile espagnole. La photo représente un soldat républicain qui tombe la tête la première après avoir été touché par une balle. L'authenticité de la photographie a fait l'objet de controverses pendant de nombreuses années, mais elle reste une image emblématique de la photographie de guerre.
Capa a également cofondé Magnum Photos, une coopérative de photographes indépendants créée en 1947. Depuis lors, Magnum Photos est devenue l'une des agences photographiques les plus prestigieuses et les plus influentes au monde.
Capa est mort en 1954 alors qu'il couvrait la première guerre d'Indochine, en marchant sur une mine. Son héritage en tant que photographe de guerre et photojournaliste continue d'inspirer des générations de photographes, et son travail reste un élément important de l'histoire de la photographie.
Alvin Langdon Coburn était un photographe et artiste américain surtout connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie picturale. Il était membre du mouvement Photo-Secession, un groupe de photographes qui cherchait à élever la photographie au rang d'art.
Coburn est né à Boston, dans le Massachusetts, et a grandi en Angleterre. Il a commencé à prendre des photos à l'âge de huit ans et a ensuite étudié la photographie à New York. Il est devenu l'un des principaux photographes de son époque et son travail a été largement exposé en Europe et aux États-Unis.
Coburn est peut-être surtout connu pour son utilisation novatrice du "vortographe", une technique qu'il a mise au point en 1917 et qui consiste à photographier des objets à travers une disposition triangulaire de miroirs. Les images qui en résultent sont très abstraites et géométriques, et anticipent le travail de nombreux artistes ultérieurs, y compris les surréalistes.
Outre son travail photographique, Coburn était également un peintre et un graveur accompli. Il a continué à travailler en tant qu'artiste tout au long de sa vie, et ses œuvres sont aujourd'hui conservées dans les collections de nombreux grands musées à travers le monde.
Alfred Eisenstaedt était un photographe et photojournaliste américain d'origine allemande. Il est surtout connu pour son travail de photographe pour le magazine Life, où il a capturé des images emblématiques de célébrités, de politiciens et de gens ordinaires.
Eisenstaedt a commencé sa carrière de photographe en Allemagne, en travaillant pour l'agence Pacific and Atlantic Photos à Berlin dans les années 1920. Il a émigré aux États-Unis en 1935 et a rejoint l'équipe du magazine Life en 1936, où il est resté jusqu'à ce que le magazine cesse de paraître en 1972.
Les images d'Eisenstaedt se distinguent par leur spontanéité et leur capacité à capturer l'essence de ses sujets. Il est peut-être le plus connu pour sa photographie "V-J Day in Times Square", qui représente un marin embrassant une infirmière pour célébrer la fin de la Seconde Guerre mondiale. Cette image est devenue l'une des photographies les plus emblématiques du XXe siècle.
Tout au long de sa carrière, Eisenstaedt a photographié un grand nombre des personnes les plus célèbres et les plus influentes de son époque, notamment Marilyn Monroe, Albert Einstein, Winston Churchill et John F. Kennedy. Son travail a été exposé dans les plus grands musées du monde et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à la photographie.
Walker Evans est un photographe documentaire américain.
Promoteur d'une photographie vernaculaire, figure majeure de la photographie américaine du ХХe siècle, Walker Evans conservera de sa vocation littéraire le souci d'un regard attentif sur les villes et sur ceux qui y vivent.
Par sa portée humaniste et documentaire, l'œuvre qui marque très tôt sa différence avec les courants contemporains saura influencer toute une génération.
Arthur (Usher) Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, est un photographe et photo-journaliste américain célèbre pour ses photographies en noir et blanc de la vie nocturne, tout particulièrement celle de sa ville de prédilection, New York.
Ormond Gigli était un photographe américain surtout connu pour ses photographies de mode et ses portraits. Il a commencé sa carrière en tant que photographe indépendant dans les années 1940, avant de devenir photographe attitré de plusieurs grandes publications, dont LIFE, Time et Harper's Bazaar.
Le travail de Gigli se caractérise par une utilisation frappante de la couleur et de la composition, mettant souvent en scène des mannequins dans des poses et des décors élaborés. L'une de ses images les plus célèbres est "Girls in the Windows", une photographie qu'il a prise en 1960 et qui montre des mannequins posant dans les fenêtres d'un immeuble de Manhattan voué à la démolition.
Tout au long de sa carrière, Gigli a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail, notamment le Lifetime Achievement Award de l'American Society of Media Photographers en 2003. Ses photographies ont été exposées dans des galeries et des musées du monde entier et font partie des collections de nombreuses grandes institutions, dont le Museum of Modern Art de New York et la National Portrait Gallery de Washington.
Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, célèbre pour son approche documentaire intime et crue de la vie, capturant des scènes de la sous-culture LGBT, d'intimité, et des moments personnels marqués par l'amour, la drogue, et la violence. Après avoir quitté son domicile familial à 13 ans, Goldin a trouvé une nouvelle famille parmi des amis partageant des expériences marginales, documentées notamment dans son œuvre la plus connue, « The Ballad of Sexual Dependency » (1986).
Ses photographies, souvent présentées sous forme de diaporamas, ne se contentent pas de capturer des images; elles racontent des histoires, explorant des thèmes tels que l'amour, le genre, la domesticité et la sexualité. Goldin elle-même voit la photographie comme un moyen d'empathie et d'amour, se concentrant sur les personnes qui l'émeuvent. Ses séries ultérieures élargissent son champ d'intérêt vers des paysages, des ciels, et continuent de refléter des thèmes intimes et personnels.
Son travail a été exposé dans des institutions prestigieuses comme le MoMA, où ses œuvres continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion. Goldin vit et travaille actuellement à New York, Paris et Londres, et continue d'être une voix influente dans le monde de l'art et de l'activisme, notamment à travers son groupe de plaidoyer P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now).
Pour ceux intéressés par l'art et l'antiquité, l'œuvre de Goldin offre un aperçu sans pareil de moments de vie capturés avec une sincérité brute. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Nan Goldin, n'hésitez pas à vous inscrire à notre newsletter. Cela vous permettra de rester informé sur l'accessibilité et la collecte de ses œuvres.
Todd Hido est un photographe et artiste américain. Il est surtout connu pour ses photographies sombres et atmosphériques de paysages et de maisons de banlieue, qui traduisent souvent un sentiment de solitude et d'isolement.
Le style photographique de Hido se caractérise par l'utilisation de couleurs sourdes, d'un éclairage doux et d'images floues. Il photographie souvent l'intérieur et l'extérieur des maisons la nuit, créant ainsi une atmosphère onirique et inquiétante. Son travail est également connu pour sa qualité cinématographique, et nombre de ses images évoquent l'ambiance d'un film noir.
Le travail de Hido a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, et ses photographies ont été publiées dans de nombreux livres et magazines. Il a reçu de nombreuses récompenses pour son travail, notamment une bourse de la National Endowment for the Arts.
L'héritage de Hido en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations de photographes et d'artistes. Son style mélancolique et évocateur a eu un impact significatif sur le domaine de la photographie contemporaine et a contribué à redéfinir la façon dont nous envisageons les paysages suburbains et le concept de maison.
Lewis W. Hine n'était pas un artiste au sens traditionnel du terme, mais plutôt un photographe et un documentariste social qui utilisait son appareil photo comme outil de changement social. Il est surtout connu pour son travail au début du XXe siècle, qui consistait à documenter les conditions de vie et de travail des enfants aux États-Unis.
Les photographies de Hine ont contribué à faire évoluer les lois sur le travail des enfants aux États-Unis, et ses images ont été utilisées comme preuves dans des procès et lors d'auditions au Congrès. Convaincu que la photographie pouvait être un puissant outil de réforme sociale, il a utilisé son appareil photo pour mettre en lumière les injustices et les difficultés rencontrées par les Américains de la classe ouvrière.
Outre son travail de photographe, Hine était également un enseignant et un défenseur des arts. Il a enseigné à l'Ethical Culture School de New York, où il a encouragé ses élèves à utiliser la photographie comme moyen de commentaire social.
L'héritage de Hine en tant que photographe et activiste social continue d'inspirer des générations d'artistes et de défenseurs de la justice sociale. Ses photographies sont considérées comme un témoignage historique précieux de la vie au début du XXe siècle, et son engagement à utiliser l'art comme moyen de changement social reste un exemple puissant du rôle que les artistes peuvent jouer dans l'évolution de la société.
Dennis Lee Hopper était bien plus qu'un acteur et réalisateur américain emblématique ; il était aussi un photographe passionné dont le travail a capturé l'essence de diverses cultures et époques.
Sa carrière photographique a débuté dans les années 60, marquant une période où Hopper a exploré les limites de la contre-culture américaine. Ses photos vont au-delà de simples images ; elles racontent des histoires, dévoilant des couches profondes de ses sujets. Le travail photographique de Hopper est une exploration de l'intimité, des célébrités, des mouvements sociaux, et des scènes quotidiennes, capturant l'essence de chaque instant avec authenticité et sensibilité.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, les photographies de Hopper sont un témoignage précieux d'une époque révolue, offrant des perspectives uniques sur des moments et des personnalités qui ont façonné la culture américaine. Ses œuvres photographiques, comme celles présentées dans l'exposition « The Lost Album », révèlent un artiste qui a su immortaliser l'esprit de son temps avec un regard sincère et une approche brute.
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Horst P. Horst, né Horst Paul Albert Bohrmann, était un photographe de mode germano-américain célèbre pour son travail élégant et sophistiqué, principalement en noir et blanc, bien qu'il ait également réalisé des photographies en couleur. Son approche unique de la photographie était caractérisée par une préparation minutieuse, l'utilisation stratégique de l'éclairage pour mettre en valeur ses sujets sans créer d'ombres encombrantes, et souvent, un cadre monochromatique pour accentuer un élément de mode coloré.
Parmi ses portraits les plus célèbres, on compte celui de Marlene Dietrich en 1942, qui, malgré ses réticences initiales concernant l'éclairage choisi par Horst, fut finalement conquis par le résultat et l'utilisa pour sa propre publicité. Dans les années 1960, encouragé par Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue, Horst a commencé à documenter le mode de vie de la haute société internationale, capturant des figures emblématiques telles que Consuelo Vanderbilt, Marella Agnelli, Gloria Guinness, et même Jacqueline Kennedy Onassis.
Son travail ne se limitait pas à la photographie de mode ; il a également exploré le nu masculin dans les années 1950, approchant le sujet avec un respect et une admiration qui rappellent les études classiques du corps humain. L'éclairage ciblé et la simplification des formes lui permettaient de transformer la peau en une surface lisse comme du marbre, évoquant les sculptures classiques.
Horst a contribué à populariser le surréalisme dans la photographie de mode, mélangeant art, mode et fantaisie, et collaborant avec des artistes surréalistes tels que Salvador Dali. Sa capacité à intégrer l'art moderne dans ses œuvres a aidé à démocratiser le surréalisme auprès d'un public plus large.
Après la Seconde Guerre mondiale, Horst s'est installé aux États-Unis, où il a continué à travailler pour Vogue jusqu'au début des années 1980, bien qu'il se soit progressivement tourné vers la photographie publicitaire en raison de l'évolution des goûts en matière de mode éditoriale. Dans les années 1960 et 1970, il s'est consacré à photographier l'élite internationale pour Vogue, Vanity Fair et House & Garden, laissant une empreinte durable sur le domaine de la photographie de mode et de style de vie.
Pour ceux intéressés par l'œuvre et l'héritage de Horst P. Horst, y compris les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, son travail continue d'inspirer et d'attirer l'attention à travers des expositions et des publications. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Horst P. Horst, je vous invite à vous inscrire à nos mises à jour, garantissant des alertes uniquement en lien avec son œuvre.
Robert Hill Jackson ou Bob Jackson est un photographe américain lauréat du prix Pulitzer.
Robert a étudié à la Southern Methodist University tout en se passionnant pour la photographie. Pendant son service dans la Garde nationale, il devient photographe pour un général de l'armée. En 1960, il commence à travailler comme reporter photographe pour le journal Dallas Times Herald.
Le 22 novembre 1963, Jackson est chargé de couvrir l'arrivée du président John F. Kennedy à Love Field et son cortège à travers la ville. Il assiste à l'assassinat de Kennedy, mais n'a pas le temps de le filmer. Deux jours plus tard, il a pu photographier l'assassinat de Lee Harvey Oswald, accusé d'avoir tué le président, par Jack Ruby dans le garage du commissariat de Dallas. Robert Jackson a reçu le prix Pulitzer de la photographie en 1964 pour ces photographies.
Annie Leibovitz est une photographe américaine. Elle est l'une des photographes portraitistes les plus connues et les plus appréciées au monde, et sa carrière s'étend sur plus de cinq décennies.
Annie Leibovitz a commencé sa carrière en tant que photographe pour le magazine Rolling Stone en 1970, où elle s'est rapidement fait une réputation pour ses portraits uniques et intimes de célébrités et de musiciens. Elle a ensuite travaillé pour les magazines Vanity Fair et Vogue, où elle a continué à photographier certaines des personnes les plus célèbres et les plus influentes de notre époque.
Le style particulier de Leibovitz consiste souvent à utiliser un éclairage dramatique, des couleurs vives et des poses provocantes pour capturer l'essence de ses sujets. Son travail a été exposé dans des musées et des galeries du monde entier, et elle a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie.
Parmi les photographies les plus célèbres de Leibovitz figurent le portrait de John Lennon et Yoko Ono, pris quelques heures avant la mort de Lennon, et la photo de couverture de Demi Moore enceinte pour Vanity Fair. Ses photographies sont souvent très recherchées et ont été présentées dans de nombreux livres et expositions.
Helen Levitt était une photographe américaine connue pour ses photographies de rue de la ville de New York. Levitt a commencé à prendre des photos dès l'adolescence et a ensuite travaillé pour l'agence photographique Photo League dans les années 1930 et 1940.
Le travail de Levitt consistait à capturer la vie quotidienne des gens ordinaires, en particulier des enfants, dans les quartiers de New York. Elle utilisait un petit appareil photo 35 mm pour prendre des clichés d'enfants jouant dans la rue, créant ainsi des images à la fois ludiques et poignantes. Son travail a souvent été comparé à celui d'autres photographes de rue, tels que Henri Cartier-Bresson et Walker Evans.
En plus de ses photographies, Levitt a également travaillé comme cinéaste et a créé plusieurs documentaires acclamés.
Les photographies de Levitt ont été exposées dans les plus grands musées du monde, notamment le Museum of Modern Art de New York et le San Francisco Museum of Modern Art. Elle a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment une bourse Guggenheim et une bourse de la National Endowment for the Arts.
Christopher Makos est un photographe et artiste américain qui vit et travaille à New York.
Makos a beaucoup voyagé en Europe, étudiant l'architecture à Paris et le photographe Man Ray. En 1977, il a rencontré l'artiste médiatique et star du pop art Andy Warhol, avec qui il est resté ami depuis, voyageant avec lui et le photographiant abondamment. Makos a publié plusieurs livres très appréciés sur Warhol, qui l'a d'ailleurs qualifié de "photographe le plus moderne d'Amérique".
En plus de Warhol, Makos a réalisé des portraits photographiques de nombreuses stars de l'art, dont Elizabeth Taylor, Salvador Dali, John Lennon et Mick Jagger. Son travail a été publié par de nombreux magazines parmi les plus célèbres au monde.
Robert Mapplethorpe, un photographe américain né en 1946 à New York, est reconnu pour ses photographies austères de fleurs, célébrités et nus masculins, qui ont parfois suscité la controverse pour leurs thèmes explicitement homoérotiques et sadomasochistes. Robert Mapplethorpe a fréquenté l'Institut Pratt à Brooklyn, où il a étudié le dessin, la peinture et la sculpture, et s'est lancé dans la photographie avec un appareil Polaroid en 1970. Il est devenu célèbre pour ses portraits intimes et ses images explorant la scène S&M de New York, ainsi que pour ses natures mortes et ses compositions florales méticuleuses, notamment des orchidées et des callas.
Son œuvre a été exposée dans des galeries et des musées du monde entier, et il a été une figure marquante de l'art du XXe siècle. Mapplethorpe a établi la Fondation Robert Mapplethorpe en 1988 pour promouvoir la photographie, soutenir les musées qui exposent l'art photographique et financer la recherche médicale contre le VIH/sida. Malgré sa mort prématurée en 1989 des suites du sida, son héritage perdure à travers sa fondation et son impact durable sur l'art photographique.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, l'œuvre de Mapplethorpe offre une exploration profonde de la forme, de la sexualité et de l'esthétique. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Mapplethorpe, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette initiative vous permettra de suivre l'évolution de la disponibilité de ses œuvres sur le marché de l'art.
Lisette Model est une photographe d'origine autrichienne qui s'est fait connaître pour son travail aux États-Unis au milieu du XXe siècle. Elle a commencé sa carrière artistique en tant que pianiste avant de se tourner vers la photographie.
Le style photographique de Model se caractérise par l'utilisation d'images en noir et blanc très contrastées et par son intérêt pour la capture de l'énergie et du dynamisme de la vie urbaine. Elle a souvent photographié des personnes en marge de la société, telles que des vendeurs de rue, des mendiants et des artistes de boîtes de nuit, et ses images sont marquées par un sentiment d'empathie et d'intimité avec ses sujets.
Outre son travail de photographe, Model était également enseignante, et elle a enseigné la photographie à la New School for Social Research à New York pendant de nombreuses années. Elle a eu pour élèves, entre autres, Diane Arbus et Bruce Weber, et était connue pour son approche directe et souvent stimulante de l'enseignement.
Le travail de Model a eu un impact significatif sur le domaine de la photographie, et son héritage continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes. Ses photographies sont appréciées pour leur intensité émotionnelle et leur capacité à saisir la complexité de l'expérience humaine, et on se souvient d'elle comme l'une des plus importantes photographes du XXe siècle.
Edward Ruscha, un artiste américain associé au mouvement pop art, a exploré divers médiums tels que la peinture, la gravure, le dessin, la photographie et le film. Né en 1937 à Omaha, Nebraska, il a grandi à Oklahoma City avant de déménager à Los Angeles pour étudier à l'Institut d'art Chouinard. Son travail reflète une fascination pour le paysage urbain et la culture populaire américaine, mêlant souvent textes et images pour créer des œuvres provocatrices et réfléchies.
Edward Ruscha est particulièrement connu pour ses peintures de mots et de phrases, où il joue avec la typographie pour explorer la relation entre les mots et leur signification, souvent en les plaçant dans des contextes inattendus ou incongrus. Parmi ses œuvres notables, citons « Large Trademark with Eight Spotlights », « Standard Station » et « Los Angeles County Museum on Fire ». Son utilisation innovante des mots et des images l'a établi comme une figure majeure de l'art contemporain, ses œuvres étant exposées dans des musées et des galeries du monde entier.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Edward Ruscha représente une exploration unique de la culture et de l'identité américaines à travers le prisme du pop art. Si vous souhaitez rester informé des dernières actualités et événements liés à Edward Ruscha, notamment les ventes de produits et les enchères, inscrivez-vous à notre newsletter.
David Seidner était un photographe américain. Il est surtout connu pour son travail dans les domaines de la mode et de la photographie d'art.
Seidner a commencé sa carrière de photographe à l'âge de 19 ans, lorsqu'il a été engagé par Andy Warhol pour réaliser des photos pour le magazine Interview. Il a ensuite travaillé pour de nombreuses autres publications importantes, dont Vogue, Harper's Bazaar et The New Yorker.
Tout au long de sa carrière, le travail de Seidner s'est caractérisé par une attention méticuleuse aux détails, une utilisation sophistiquée de la lumière et de l'ombre, et une volonté de capturer les qualités uniques et la personnalité de ses sujets. Il a également expérimenté d'autres procédés photographiques et était connu pour son expertise technique.
Le travail de Seidner a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie.
Alec Soth ist ein amerikanischer Fotograf. Er ist bekannt für seine großformatigen Farbfotografien, die sich häufig mit dem amerikanischen Leben, der Kultur und der Landschaft befassen.
Soth begann seine Karriere als Zeitungsfotograf, bevor er sich der Kunstfotografie zuwandte. Bekannt wurde er durch sein Projekt "Sleeping by the Mississippi", das Fotografien von Menschen und Orten entlang des Mississippi zeigt.
Im Laufe seiner Karriere hat Soth immer wieder Fotoprojekte produziert, die verschiedene Aspekte des amerikanischen Lebens erforschen, von Kleinstädten bis zu Vorstadtgemeinden. Er hat auch mehrere Bücher mit seinen Arbeiten veröffentlicht, darunter "Songbook", "Broken Manual" und "I Know How Furiously Your Heart is Beating".
Soths Werke wurden vielfach ausgestellt und sind in den Sammlungen vieler bedeutender Museen vertreten, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Whitney Museum of American Art und das San Francisco Museum of Modern Art. Für seine Fotografie hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter ein Guggenheim-Stipendium, den Infinity Award des International Center of Photography und den Preis der Deutsche Börse Photography Foundation.
Philip Stern était un photographe américain. Il s'est fait connaître par ses portraits de grands noms du cinéma hollywoodien, parmi lesquels les photos de James Dean et de Marilyn Monroe ont acquis une popularité particulière.
Bert Stern, de son vrai nom Bertram Stern, est un photographe de mode et documentariste américain.
Sa carrière a débuté avec la campagne publicitaire emblématique et légendaire de la vodka Smirnoff en 1955. Dans un studio bien équipé, Bert Stern expérimente les techniques les plus récentes, notamment l'enregistrement vidéo, la sérigraphie, les combinaisons photo offset et les tirages sur ordinateur. Son travail brillant a fait de lui une star dans le monde de la publicité, photographiant des campagnes publicitaires pour les marques Canon, Dupont, Pepsi-Cola, US Steel et Volkswagen. L'un des points culminants de la carrière de Bert Stern est sa collaboration avec Vogue dans les années 1960.
Malgré son addiction à la drogue, le photographe de mode a été recherché par Madison Avenue, Hollywood et la scène internationale de la mode pendant des décennies.
Bert Stern a été l'un des derniers photographes à photographier Marilyn Monroe en juin et juillet 1962, six mois avant sa mort. Certaines de ces photographies ont été publiées dans le magazine Vogue. En 1982, Bert Stern a publié The Last Sitting, un livre qui comprend un grand nombre de ses plus de 2 500 images, y compris celles que Monroe n'aimait pas et qui ont été rayées.
Bert Stern a réalisé et photographié les films Jazz on a Summer's Day (1959), A Date with an Angel (1987) et The Unknown Marilyn (2012).
Robert Stivers est un photographe américain.
Il s'est intéressé à la photographie à un âge mûr, après une carrière de danseur et de chorégraphe. Autodidacte dans l'art de la photographie, Stivers est fier de ses compétences en matière de tirage. Ses photographies sont imprimées sur du papier mat et souvent retouchées à la main ou traitées en chambre noire.
L'esthétique des premières photographies et du cinéma muet est évidente dans le travail de Stivers, aidant le spectateur à s'immerger dans un inconscient culturel familier mais lointain. Le photographe utilise des images défocalisées et des mouvements flous pour créer une vision floue du monde. Dans les photographies de Stivers, le spectateur voit des images fantomatiques de rêves, où des objets flottent et posent, ou se retrouvent pris au milieu d'un geste qui reflète son passé dans la danse.
Dennis Stock était un photographe américain connu pour ses images emblématiques de célébrités et de musiciens, ainsi que pour sa couverture approfondie des questions sociales et des événements culturels.
Stock a commencé sa carrière en tant que photographe indépendant dans les années 1950 et a rapidement été engagé par l'agence Magnum Photos, où il a travaillé aux côtés d'autres photographes influents tels que Robert Capa et Henri Cartier-Bresson. Il s'est rapidement fait connaître pour ses photographies de musiciens de jazz, notamment Miles Davis, Louis Armstrong et Duke Ellington.
En 1955, Stock a été chargé par le magazine LIFE de photographier le jeune acteur James Dean. Les images qui en résultent, dont une photo désormais célèbre de Dean marchant dans Times Square sous la pluie, sont devenues quelques-unes des photographies les plus emblématiques du XXe siècle.
Stock a continué à photographier des célébrités et des personnalités culturelles tout au long de sa carrière, notamment Audrey Hepburn, Marlon Brando et Andy Warhol. Il a également couvert des événements majeurs tels que le mouvement des droits civiques, la guerre du Viêt Nam et le festival de musique de Woodstock.
Le travail de Stock a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier et a fait l'objet de plusieurs livres et documentaires. Il était connu pour sa capacité à capturer des moments intimes et son talent à révéler la personnalité et les émotions de ses sujets à travers ses photographies.
Jock Sturges est un photographe américain qui vit à Seattle, dans l'État de Washington.
Après avoir servi dans l'armée, Jock a obtenu un Master of Arts au San Francisco Art Institute et a étudié la psychologie. Il a longuement et assidûment photographié des adolescents sur des plages nues en Californie, en France ou en Irlande. Cela a attiré l'attention des forces de l'ordre, mais la communauté artistique des États-Unis et d'Europe a pris la défense du photographe, qui n'a finalement été inculpé d'aucune infraction.
Mais après cela, Jock Sturges est devenu populaire : il a publié plus de 10 albums personnels, en tant que maître de la photo d'enfants et d'adolescents, il a organisé de nombreuses expositions personnelles et a participé à autant d'expositions collectives. Cependant, ces expositions ont souvent été accompagnées de scandales retentissants, dont l'un s'est produit en Russie en 2016 : des sénateurs ont accusé le photographe de distribuer de la pornographie enfantine.
Larry Sultan était un photographe et un artiste américain. Il est connu pour son travail photographique innovant et évocateur qui explore souvent les frontières entre la photographie documentaire et la narration mise en scène.
L'œuvre de Sultan se caractérise par son intérêt pour les relations entre les personnes et leur environnement, et il incorpore souvent des décors et des objets quotidiens dans ses photographies. Il est peut-être plus connu pour son œuvre phare, "Pictures from Home", qui est une exploration profondément personnelle de sa propre famille et de sa vie en banlieue dans le sud de la Californie.
Le travail de Sultan a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à la photographie. Il était également un professeur très respecté et a enseigné la photographie au California College of the Arts et dans d'autres institutions pendant de nombreuses années.
L'héritage de Sultan en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations d'artistes. Ses techniques innovantes et son approche unique de la photographie ont eu un impact significatif sur le domaine de la photographie documentaire, et son œuvre reste une contribution importante à l'histoire de la photographie.
