Nature morte aux fleurs Art contemporain
Frederico Aguilar Alcuaz est un abstractionniste, sculpteur et céramiste philippin, ainsi qu'un maître de la tapisserie.
Il a étudié la peinture à l'école des beaux-arts de l'université des Philippines, puis a vécu et travaillé aux Philippines et en Espagne. À Brno, en République tchèque, il a beaucoup travaillé à la création de tapisseries.
Alcuaz a acquis une renommée internationale grâce à ses œuvres abstraites frappantes, de genres et de techniques variés, et il a beaucoup exposé dans le monde entier.
Armando, né Herman Dirk van Dodeweerd, était un peintre, sculpteur, poète, écrivain, violoniste, acteur, journaliste, réalisateur de films, de télévision et de théâtre néerlandais. Armando était son nom officiel ; son nom de naissance, le pseudonyme comme il l'appelait, n'existait plus pour lui. Il considérait lui-même son travail comme «Gesamtkunstwerk», basé sur ses expériences de la Seconde Guerre mondiale dans les environs du Kamp Amersfoort.
Ugo Attardi est un peintre, graveur, sculpteur et écrivain italien. En 1941, il s’inscrit à la faculté d’architecture. En 1945, il délaisse l’Académie des beaux-arts, où il s’était inscrit l’année précédente, pour s’établir à Rome où il commence à peindre. En 1948, il crée le mouvement marxiste d’art abstrait Forma Uno. Cette expérience ne dure pas longtemps — il s’agit plutôt d’une période de recherche nécessaire — mais sa nature le pousse vers d’autres réalités et d’autres visions. En 1952 et en 1954, Ugo Attardi participe à la Biennale de Venise. Durant ces mêmes années, Attardi commence son travail de gravure et produit un œuvre complexe, remarqué pour sa maîtrise du dessin et la force des contenus. En 1958, il collabore avec le magazine de politique et de culture Città Aperta, et à partir des premières années 1960, il participe à de nombreuses expositions en Italie et à l’étranger. En 1961, Attardi crée le mouvement Il Pro ed il Contro avec d’autres artistes et critiques d’art. Il participe à toutes les expositions jusqu’en 1965, année où le groupe se sépare. En 1968, Attardi crée ses premières sculptures en bois. À partir des premières années 1970, on trouve de nombreuses œuvres coulées en bronze.
Virginia Berresford est une artiste et graveur américaine.
Virginia Berresford a étudié à l'Art Students' League avec George Bridgman et à Paris avec Amédée Ozenfant de 1925 à 1930. Berresford était connue pour ses peintures de paysages à la composition forte, à l'utilisation de la couleur et à l'attention portée aux détails.
Dans les années 1950, elle a ouvert une galerie d'art à Edgartown, Martha's Vineyard. Ses œuvres font partie des collections permanentes du Whitney Museum of American Art, du Detroit Art Institute et du Dallas Museum of Art.
Armin Boehm est un artiste allemand qui vit et travaille à Berlin.
Dans ses œuvres, Boehm explore les liens entre les environnements urbains et naturels de l'homme moderne. Il crée un espace urbain fantastique rempli de cyborgs, de politiciens et de fleurs. Dans la technique du collage, l'artiste combine des fragments de couleur, de tissu, de papier ou de substances métalliques à partir desquels ses peintures se développent. Il mélange des éléments de la culture pop et de l'histoire de l'art, de l'architecture et de la littérature, de la politique contemporaine et de la fantaisie.
Cornelius Bosch est un peintre expressionniste sud-africain connu pour ses œuvres figuratives créées à l'aide de différentes techniques, notamment la peinture, le dessin et la sculpture. Bosch a fait ses études à l'université de Stellenbosch et a commencé sa carrière artistique dans les années 1980. Les peintures de Bosch se caractérisent par une utilisation audacieuse de la couleur et une composition dynamique, souvent avec des formes géométriques et des gestes au pinceau. Tout au long de sa carrière, il a beaucoup exposé en Afrique du Sud et à l'étranger, et ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques, notamment la South African National Gallery of Iziko et la Johannesburg Art Gallery.
Peter Chevalier est un peintre allemand dont les peintures et dessins sont proches du surréalisme. Dans les années 1980, Chevalier juxtapose le réaliste à l'abstrait dans ses peintures. Des choses clairement configurées individuelles mais combinées (maisons, avions, souches de colonnes, ampoules électriques, os, etc.) dominaient, qui – comme si l'on découpait des illustrations dans des magazines et les remontait en collage – sont incohérentes dans leurs proportions dans le contexte pictural.
Natalia Edenmont (еn russe: Наталия Эденмонт), née Natalie Nicole Edenmont (Натали Николь Эденмонт), artiste photo-basée suédo-ukrainienne, est née le 7 février 1970 à Yalta, en Union soviétique. Après avoir étudié l'art, la musique et la danse à Yalta, et malgré le décès de ses parents durant son adolescence, elle poursuit ses études à l'École d'Art de Kiev et à l'École d'Art d'État de Simferopol en Crimée. En 1991, elle déménage à Stockholm, en Suède, où elle étudie le design graphique à Forsbergs Skola.
Nathalia Edenmont est particulièrement connue pour ses portraits peints rappelant les œuvres classiques, mais elle se distingue surtout par l'utilisation d'animaux morts et de parties d'animaux dans ses photographies. Ses travaux, qui reflètent ses expériences personnelles, sont caractérisés par une maîtrise de l'imagerie et de l'inspiration, où elle crée des images complètes et précises dans son esprit avant de les capturer avec son appareil photo. Ses images de femmes vêtues de robes composées de fruits, de fleurs, et plus récemment de coléoptères aux couleurs éclatantes et iridescentes, sont particulièrement notables.
Ses œuvres ont été exposées à travers l'Europe et les États-Unis et figurent dans des collections privées et publiques mondiales, y compris le Modern Museum Stockholm, le Miami Art Museum et le Moscow House of Photography Museum. La télévision publique suédoise a diffusé un documentaire d'une heure sur Edenmont et son travail en février 2014.
Les collectionneurs et les experts en art apprécieront la profondeur et l'unicité de son approche artistique, ainsi que la manière dont elle intègre des éléments naturels et organiques dans ses créations.
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Janet Fish est une artiste réaliste américaine contemporaine. À travers la peinture à l'huile, la lithographie et la sérigraphie, elle explore l'interaction de la lumière avec les objets du quotidien dans le genre de la nature morte. Beaucoup de ses peintures incluent des éléments de transparence (emballage plastique, eau), de la lumière réfléchie et de multiples motifs superposés représentés dans des valeurs de couleur vives et audacieuses. On lui attribue la revitalisation du genre de la nature morte.
Alfred Fritzsching est un artiste allemand connu comme peintre, graphiste, dessinateur, sculpteur, commercial, graphiste commercial. Il a commencé sa formation en tant que graphiste commercial à l'école Blocherer pour le graphisme et la publicité à Munich et a travaillé comme spécialiste de la publicité. En 1970, Alfred Fritzsching devient membre de la coopérative des artistes de Munich et participe à des expositions à la Haus der Kunst de Munich. À partir de 1978, il a travaillé comme peintre indépendant et également comme membre du conseil d'administration et juré de la coopérative des artistes de Munich.
Klaus Fussmann est un peintre et graphiste allemand contemporain. De 1957 à 1961, il étudie à l'école Folkwang d'Essen et de 1962 à 1966 à l'Académie des beaux-arts de Berlin. De 1974 à 2005, Klaus Fußmann a occupé un poste de professeur à l'Université des Arts de Berlin. En 2004, il a créé les peintures monumentales Vue de Berlin Mitte et Paysage dans l'Uckermark pour la salle Ullstein de l'Axel-Springer-Haus sur Rudi-Dutschke-Strasse à Berlin-Kreuzberg, et en 2005 la peinture monumentale du plafond Nuages dans la salle de Miroirs du Museum für Kunst und Business à Hambourg. Klaus Fussmann est membre de l'Académie libre des arts de Hambourg depuis 1989 et membre de l'Association allemande des artistes. D'importantes présentations de son travail ont lieu en 1972 à la Nouvelle Galerie Nationale de Berlin, 1982 à la Mathildenhöhe de Darmstadt, 1988 à la Kunsthalle Emden, 1992 à la Kunsthalle Bremen, 2003 au Ostwall Museum de Dortmund. Lui et son travail ont reçu plusieurs prix. Les œuvres de Klaus Fussmann font partie des collections du musée Gunzenhauser de Chemnitz, de la Pinakothek der Moderne de Munich, du musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main et du musée national d'art et d'histoire culturelle du Schleswig-Holstein au château de Gottorf.
Azat Khaizovitch Galimov est un artiste russe contemporain. Diplômé de l'École supérieure d'art industriel de Leningrad du nom de V. Mukhina. Vit et travaille actuellement à Saint-Pétersbourg, membre de l'Union des artistes de Russie, membre de l'Académie des sciences et des arts Petrovsky, membre de l'Union bulgare des artistes. En 2007, il a été inclus dans le catalogue "Les meilleurs artistes de Russie". Un adepte de l'école réaliste de la peinture. Beaucoup, beaucoup de travail. Réalise de nombreux croquis et écrit des études, voyageant dans différents pays. Il est particulièrement doué pour les paysages urbains. Ses œuvres se trouvent dans des musées et des collections privées dans différents pays.
Ori Gersht est un photographe et vidéaste israélien. Il est connu pour son utilisation de la photographie et de la vidéo pour explorer les thèmes de la mémoire, de l'histoire et du conflit.
Le travail de Gersht implique souvent l'utilisation de vidéos au ralenti et à grande vitesse, ce qui lui permet de capturer les moments éphémères et fugaces qui sont souvent négligés dans la vie quotidienne. Il utilise également toute une série de techniques photographiques, notamment des natures mortes et des paysages, pour créer des images à la fois belles et obsédantes.
Parmi les séries les plus célèbres de Gersht, citons "Time After Time", qui capture l'instant d'une fleur qui éclate, et "Liquidation", qui explore la destruction d'objets historiques. Il a également créé des installations vidéo qui examinent l'histoire et la mémoire de l'Holocauste.
Le travail de Gersht a été exposé dans les principaux musées et galeries du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie et de l'art vidéo. Il continue à produire de nouvelles œuvres et est largement considéré comme l'un des artistes contemporains les plus importants.
Piero Gilardi est un artiste graphique italien. Figure catalytique du mouvement Arte Povera centré sur Turin à la fin des années 1960, l'engagement utopique et désintéressé de Gilardi dans l'association d'artistes néo-avant-gardistes d'Europe occidentale et d'Amérique du Nord a fait de lui l'une des figures artistiques les plus influentes de l'époque.
Piero Gilardi a acquis une renommée internationale et a été le témoin de l'influence du Pop Art en Europe. Artiste itinérant, théoricien et organisateur, il a contribué à la naissance de l'Arte Povera, en s'efforçant notamment d'établir des relations avec d'autres initiatives similaires qui se déroulaient simultanément en dehors de l'Italie.
Une grande partie du travail ultérieur de Gilardi est unie par un thème ou une interaction entre l'œuvre et le spectateur. Le maître a consacré plus d'une décennie à son projet le plus ambitieux, le Parco Arte Vivente (Parc d'art vivant ou PAV). Fruit d'une collaboration avec Gilardi, le PAV est une entreprise monumentale qui a transformé un terrain abandonné au cœur du quartier ouvrier de Lingotto, à Turin, en un espace vert de six acres dédié aux intérêts publics, environnementaux et artistiques.
Jürgen Jansen est un peintre abstrait allemand qui vit et travaille à Düsseldorf.
Jansen est un peintre expérimental qui utilise beaucoup de couleurs. Il applique plusieurs couches de voiles colorés transparents, pulvérise de la peinture et peint sur ces couches avec un large pinceau, formant des coulées sur lesquelles flottent des taches de couleur semblables à des fleurs abstraites.
Les œuvres de Janzen évoquent inévitablement l'été. Jansen a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives en Allemagne et en Belgique.
Wilhelm Kaufmann est un artiste autrichien qui a été qualifié de maître de l'instant.
Il a étudié à l'Académie royale impériale des beaux-arts, puis a travaillé comme peintre et athlète d'athlétisme en même temps. Kaufmann a utilisé la dynamique des couleurs pour dépeindre magistralement des scènes momentanées des mouvements des athlètes pendant les compétitions. Il a également peint des natures mortes, des paysages et des portraits très colorés.
Wilhelm Kaufmann était membre de l'Association professionnelle des artistes visuels autrichiens, du Sonderbund des artistes autrichiens, de l'Association artistique de Vienne et du Hagenbund de Vienne, de la Sécession viennoise et de la Société viennoise des artistes, Künstlerhaus.
Peter Robert Keil est un peintre et sculpteur allemand.
Au début de sa carrière artistique, le style de Peter Keil est influencé par l'expressionnisme allemand. Cependant, son style a visiblement changé au début des années 60, lorsqu'il a vécu quelque temps à Paris et a émergé dans la vie nocturne de la ville. Keil se sépare de plus en plus de son approche réaliste et développe un nouveau style de peinture, beaucoup plus spontané et dynamique. Depuis lors, l'utilisation de couleurs intenses à criardes et l'absence de représentation réaliste sont devenues caractéristiques de son style de peinture. Dans ses tableaux, la couleur est appliquée à l'aide de coups de pinceau rapides et parfois de techniques d'empâtement, et les images sont en outre abstraites grâce à l'utilisation d'éléments de graffiti. Keil préfère peindre des figures humaines, des portraits, des scènes de grandes villes, des paysages et des natures mortes de fleurs. Sa manière émotionnelle de peindre est principalement motivée par un désir de liberté par rapport aux contraintes et conventions sociales. Au cours des 50 dernières années, il a créé de nombreuses peintures à l'huile et à l'aide de techniques mixtes sur toile, à grande et petite échelle, mais aussi des sculptures en bois et en acier et un grand nombre de majoliques.
Helen Khal est une peintre et critique d'art américano-libanaise. Elle commence sa carrière de peintre à l'âge de 21 ans. Elle expose pour la première fois en 1960 à la Galerie Alecco Saab à Beyrouth. Helen Khal a enseigné l'art à l'Université américaine de Beyrouth de 1967 à 1976 et à l'Université libanaise américaine de 1997 à 1980. Elle a influencé de nombreux autres artistes. En plus du parcours d'artiste, Helen Khal est reconnue comme critique d'art. De la fin des années 1990 à 2004, elle écrit pour le journal libanais, The Daily Star. Elle est aussi l'autrice d'un certain nombre de publications dans le reste du Moyen-Orient et aux États-Unis.
Jean-Marie Lamare est un peintre primitif Flamand d'aujourd'hui, rare Maître de la tempera. Cette technique héritée des grands Maîtres flamands surprend par sa luminosité particulière. Les compositions de J. M. Lamare nous transportent dans un monde fantastique.
Richard Learoyd est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies à grande échelle, camera obscura, qui capturent des images incroyablement détaillées et réalistes de personnes et d'objets.
Learoyd a étudié les beaux-arts avant de passer à la photographie, et son travail brouille souvent les frontières entre la photographie, la peinture et la sculpture. Il construit sa propre camera obscura en aménageant une pièce et en fixant une grande lentille convexe sur l'un des murs, qui projette une image inversée du sujet sur une feuille de papier photographique. Il utilise ensuite les techniques traditionnelles de la chambre noire pour développer et imprimer l'image finale.
Les photographies de Learoyd représentent souvent des portraits d'amis et de membres de la famille, ainsi que des natures mortes d'objets quotidiens tels que des fruits, des fleurs et des animaux. Son travail a été largement exposé et figure dans les collections de nombreux grands musées, dont le Victoria and Albert Museum de Londres, le Getty Museum de Los Angeles et le Museum of Modern Art de New York.
Learoyd a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies, notamment une bourse Guggenheim et une commande pour réaliser un portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion du jubilé de diamant de son règne.
Judith Linhares est une peintre américaine, connue pour ses peintures figuratives et narratives vibrantes et expressives. Elle synthétise des influences telles que l'expressionnisme, la figuration de Bay Area, l'art moderne mexicain et le féminisme de la deuxième vague, dans un travail qui flirte avec l'abstraction et équilibre l'imagerie personnelle visionnaire, l'intensité expressive et la rigueur picturale. Au début des années 1970, Linhares crée des dessins et des assemblages narratifs qui s'approprient des matériaux banals ou « artisanaux » et des images féminines (fleurs, œufs, plumes de cygne, scènes domestiques). Après 1980, elle a développé un monde allégorique symboliste de créatures énigmatiques à tête bulbeuse, de nus narcoleptiques, de fantasmes, de figures dans des bateaux et de métamorphoses humaines. Son imagerie fantastique était équilibrée par des couleurs luxuriantes, des surfaces sensuelles picturales et un design sûr. Au cours des années 1990, les critiques ont noté dans son travail une palette plus ensoleillée, une imagerie de plus en plus abstraite et ambiguë, et une facilité croissante avec un style de dessin naïf. Dans les années 2000, Linhares se tourne vers les nus féminins (souvent monumentaux), les paysages visionnaires, les natures mortes florales et les animaux. Linhares a été reconnu avec plus de quarante-cinq expositions individuelles et des prix majeurs de l'American Academy of Arts and Letters et de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.
Andrew Mansfield est un peintre britannique, né à Leicester, qui a étudié au Loughborough College of Art and Design, 1970–3, et à l'école polytechnique de Portsmouth, 1976–9. En 1987, il est artiste en résidence à Lisbonne. Ses expositions personnelles incluent Spacex Gallery, Exeter, 1984; Galerie Winchester à Winchester, 1985; Midland Group, Nottingham, la même année ; et Anthony Reynolds, 1986.
Alferio Maugeri est un artiste français. Dans sa jeunesse, il s'est engagé dans la restauration d'églises sur les traces de Michel-Ange et des maîtres de la Renaissance. Durant cette période, il développe l'art du leurre, la capacité de créer du marbre artificiel, de dorure et d'améliorer les fresques religieuses. Alferio Mogeri est membre de l'Association des Arts, Sciences et Lettres de Paris et son travail est reconnu dans le monde entier. Les peintures ont été exposées à Milan, New York, Genève, Osaka, Tokyo et avaient du magnétisme et du charme.
Vera Mercer est une photographe d'origine allemande qui vit et travaille en France et aux États-Unis.
Au début des années 1960, elle fait partie de l'avant-garde artistique parisienne, connue plus tard sous le nom de "Nouveau Réaliste", et photographie les stars de cinéma et les artistes d'avant-garde de l'époque. Elle a ensuite trouvé une nouvelle inspiration.
Mercer crée d'extraordinaires natures mortes photographiques à grande échelle représentant des aliments. Grâce à un éclairage approprié et à des compositions soigneusement choisies de porcelaine, de couverts, de fruits, de fruits de mer et de gibier, les photographies de Mercer ressemblent à des natures mortes baroques hollandaises. Avec des bougies allumées et des arrangements savants, les peintures, baignées d'une lumière mystique, sont également une réinterprétation des motifs classiques des vanités.
Hermann Naumann est un artiste diversifié, connu pour ses peintures, ses illustrations, ses graphiques et ses sculptures. Après sa formation initiale en tant que sculpteur, Hermann Naumann s'est tourné vers la peinture et le graphisme, explorant divers médiums tels que la lithographie, l'eau-forte et le punzenstich.
Hermann Naumann a réalisé des œuvres marquantes, dont des reliefs, des monuments funéraires et des sculptures en acier, telles que « Der Fahnenschwinger » à Riesa et « Der Büchernarr » en bronze. En outre, il a illustré de nombreux livres pour des auteurs renommés comme Heinrich Böll et Fjodor Dostoïevski, laissant une empreinte significative dans le monde de l'édition.
Au fil de sa carrière, Hermann Naumann a été reconnu pour son talent, recevant plusieurs distinctions, notamment le prix de la CDU pour ses illustrations. Malgré ses succès, il demeure un artiste à redécouvrir, dont l'œuvre reflète une profonde sensibilité artistique et une maîtrise technique.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les travaux de Hermann Naumann offrent une fenêtre sur l'expression artistique post-guerre en Allemagne, alliant tradition et innovation.
Inscrivez-vous pour rester informé sur les expositions et les ventes d'œuvres de Hermann Naumann, et découvrez un artiste qui continue d'inspirer par sa polyvalence et son engagement dans l'art.
Hans Joachim Pietrula est un peintre, graphiste et sculpteur allemand vivant en Alsace.
Dans ses aquarelles et ses peintures à l'huile, ses collages, ses œuvres à la craie et au verre, ses gravures et ses sculptures en bois et en pierre, l'œuvre créative de Pietrula, qui s'étend sur plusieurs décennies, ne se lasse pas de révéler son admiration presque amoureuse pour la nature et sa douce observation des gens. Pietrula aime la vie, admire la nature et célèbre la sensualité avec des couleurs vives.
Peter Schmersal est un peintre allemand qui vit et travaille dans sa ville natale et à Berlin. Son travail se caractérise par une diversité stylistique. Schmersal a étudié le graphisme à Wuppertal de 1971 à 1975 et a ensuite travaillé comme graphiste. A partir de 1978, il se consacre à la peinture. Au milieu des années 1980, on crée principalement des natures mortes, des paysages et des représentations architecturales. Il y a déjà une certaine désinvolture dans les motifs de cette période, ils apparaissent dans des instantanés fugaces qui se caractérisent par une exécution fragmentaire. Les natures mortes présentent des sujets classiques : fleurs, fruits, animaux morts et objets du quotidien tels que bouteilles, serviettes, tabourets ou tables. Au début des années 1990, outre les paysages urbains, il y a surtout des examens du portrait, lui aussi souvent fragmenté, non seulement de face, mais souvent aussi dans une vue de dessus ou de dessous inhabituelle, jusqu'à un détail physionomique. représentation, par exemple la bouche et la bouche des yeux. Depuis le début du millénaire, le choix des motifs chez Schmersal pouvait difficilement être plus hétérogène. En raison de l'incohérence réfléchie des motifs individuels, Schmersal juxtapose les types les plus divers d'auteur, de style, de genre et de contexte d'exploitation. En termes de motifs, il n'y a toujours pas de directives spécifiques auto-imposées, mais les figures, les natures mortes et les paysages continuent de dominer
Dorothea Schrade est une artiste et galeriste allemande.
Elle a étudié à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart, travaille dans le domaine des galeries depuis 1973 et a fondé plusieurs écoles d'art et galeries.
La peinture de Dorothea Schrade se caractérise par trois thèmes principaux : les grandes fleurs de pavot, dans lesquelles l'artiste voit le symbole de la vie et de la mort ; les paysages avec leurs différentes nuances de vert ; et, enfin, divers animaux d'élevage, en particulier des vaches dans les pâturages.
Carlotta Stocker est une artiste expressionniste, décoratrice d'intérieur et illustratrice suisse. Elle est particulièrement connue pour ses interprétations à grande échelle de la table d'atelier, dans lesquelles elle travaille avec des couleurs vives. Elle a développé un style expressif, émotionnel et coloré pour ses œuvres. Stocker a également réalisé des peintures murales de grand format dans des bâtiments publics à Zurich.
Egon de Vietinghoff (Egon Arnold Alexis, baron de Vietinghoff) est un peintre, auteur de livres spécialisés, philosophe de la peinture et créateur de la Fondation Egon von Vietinghoff.
Egon de Vietinghoff a reconstitué la technique à l’huile et à la résine propre à la peinture traditionnelle, et a conçu sous le terme de Peinture transcendantale (Visionäre Malerei) une vue et une présentation fondées sur la transcendance de la nature, et cela par la méthode de l’école de la contemplation pure (Schule reinen Schauens). En outre, il a créé une œuvre de plus de 2 700 toiles.
Gesa Will est une artiste allemande contemporaine. 1965-1969 étudie la peinture et le graphisme à Cologne et à Munich. Elle a effectué des voyages d'études en France, en Espagne, au Maroc, en Turquie, en Iran, en Afghanistan et au Pakistan. Depuis 1970, elle travaille comme artiste indépendante. Possède son propre studio de graphisme à Munich. Elle peint des plantes, des paysages, des natures mortes, des portraits.
