Portrait Photo noir et blanc
Ellen Auerbach, née Ellen Rosenberg, est une photographe américaine d'origine juive allemande et un maître de la photographie d'avant-garde.
Ellen a étudié à l'école d'art de l'État de Baden et a poursuivi ses études à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart avant de rencontrer la photographe Greta Stern (1904-1999) à Berlin. Ensemble, elles ont ouvert Ringl+pit, un studio de photographie et de design spécialisé dans la publicité, la mode et le portrait. La photographe est surtout connue pour son travail de pionnière dans ce studio. Ellen, qui a également expérimenté le cinéma, a réalisé deux courts métrages en noir et blanc.
En 1933, Ellen émigre en Palestine et y ouvre un studio de portraits d'enfants. Quelques années plus tard, elle s'installe avec son mari Walter Auerbach aux États-Unis, où elle travaille dans une collection d'art privée, enseigne la photographie, réalise des films et des photographies pour étudier le comportement des enfants et travaille comme thérapeute pédagogique.
Les œuvres Ringl+pit et l'œuvre photographique d'Ellen Auerbach et de Greta Stern ont été redécouvertes dans les années 1980 et ont donné lieu à une série d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Allemagne.
Gitta Carell est le nom professionnel de Gitta Klein, une photographe italienne naturalisée, née en Hongrie, qui a connu la gloire entre 1930 et 1950. Connue pour ses portraits, elle était la photographe préférée de l'aristocratie et, malgré ses origines juives, elle a contribué à créer les images utilisées dans la propagande fasciste. Après la chute de Mussolini, elle est restée en Italie, bien que sa sphère d'influence ait considérablement diminué. À la fin des années 1960, elle a émigré en Israël, où elle est morte dans l'obscurité. Ses archives, conservées par la Fondation 3M, ont fait l'objet de nombreuses tournées en Europe et, au XXIe siècle, un regain d'intérêt s'est manifesté pour l'appréciation de ses compétences de technicienne.
Lucien Clergue est un photographe français de la photographie en noir et blanc, premier photographe à être élu membre de l'Académie française des beaux-arts.
Lucien Clergue est l'un des photographes les plus célèbres de France et le fondateur du festival annuel d'Arles, qui est devenu un événement majeur dans le monde de la photographie d'art avec jusqu'à 100 000 participants. Ses œuvres photographiques renommées - études modernistes en noir et blanc de nus féminins, d'arlequins, d'animaux morts, de gitans et de tauromachie - sont considérées comme exemplaires de l'artiste photographe. Clergue est également connu pour son amitié avec Pablo Picasso, qui a duré une trentaine d'années, jusqu'à la mort de l'artiste.
Walker Evans est un photographe documentaire américain.
Promoteur d'une photographie vernaculaire, figure majeure de la photographie américaine du ХХe siècle, Walker Evans conservera de sa vocation littéraire le souci d'un regard attentif sur les villes et sur ceux qui y vivent.
Par sa portée humaniste et documentaire, l'œuvre qui marque très tôt sa différence avec les courants contemporains saura influencer toute une génération.
Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, célèbre pour son approche documentaire intime et crue de la vie, capturant des scènes de la sous-culture LGBT, d'intimité, et des moments personnels marqués par l'amour, la drogue, et la violence. Après avoir quitté son domicile familial à 13 ans, Goldin a trouvé une nouvelle famille parmi des amis partageant des expériences marginales, documentées notamment dans son œuvre la plus connue, « The Ballad of Sexual Dependency » (1986).
Ses photographies, souvent présentées sous forme de diaporamas, ne se contentent pas de capturer des images; elles racontent des histoires, explorant des thèmes tels que l'amour, le genre, la domesticité et la sexualité. Goldin elle-même voit la photographie comme un moyen d'empathie et d'amour, se concentrant sur les personnes qui l'émeuvent. Ses séries ultérieures élargissent son champ d'intérêt vers des paysages, des ciels, et continuent de refléter des thèmes intimes et personnels.
Son travail a été exposé dans des institutions prestigieuses comme le MoMA, où ses œuvres continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion. Goldin vit et travaille actuellement à New York, Paris et Londres, et continue d'être une voix influente dans le monde de l'art et de l'activisme, notamment à travers son groupe de plaidoyer P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now).
Pour ceux intéressés par l'art et l'antiquité, l'œuvre de Goldin offre un aperçu sans pareil de moments de vie capturés avec une sincérité brute. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Nan Goldin, n'hésitez pas à vous inscrire à notre newsletter. Cela vous permettra de rester informé sur l'accessibilité et la collecte de ses œuvres.
Lewis W. Hine n'était pas un artiste au sens traditionnel du terme, mais plutôt un photographe et un documentariste social qui utilisait son appareil photo comme outil de changement social. Il est surtout connu pour son travail au début du XXe siècle, qui consistait à documenter les conditions de vie et de travail des enfants aux États-Unis.
Les photographies de Hine ont contribué à faire évoluer les lois sur le travail des enfants aux États-Unis, et ses images ont été utilisées comme preuves dans des procès et lors d'auditions au Congrès. Convaincu que la photographie pouvait être un puissant outil de réforme sociale, il a utilisé son appareil photo pour mettre en lumière les injustices et les difficultés rencontrées par les Américains de la classe ouvrière.
Outre son travail de photographe, Hine était également un enseignant et un défenseur des arts. Il a enseigné à l'Ethical Culture School de New York, où il a encouragé ses élèves à utiliser la photographie comme moyen de commentaire social.
L'héritage de Hine en tant que photographe et activiste social continue d'inspirer des générations d'artistes et de défenseurs de la justice sociale. Ses photographies sont considérées comme un témoignage historique précieux de la vie au début du XXe siècle, et son engagement à utiliser l'art comme moyen de changement social reste un exemple puissant du rôle que les artistes peuvent jouer dans l'évolution de la société.
Dennis Lee Hopper était bien plus qu'un acteur et réalisateur américain emblématique ; il était aussi un photographe passionné dont le travail a capturé l'essence de diverses cultures et époques.
Sa carrière photographique a débuté dans les années 60, marquant une période où Hopper a exploré les limites de la contre-culture américaine. Ses photos vont au-delà de simples images ; elles racontent des histoires, dévoilant des couches profondes de ses sujets. Le travail photographique de Hopper est une exploration de l'intimité, des célébrités, des mouvements sociaux, et des scènes quotidiennes, capturant l'essence de chaque instant avec authenticité et sensibilité.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, les photographies de Hopper sont un témoignage précieux d'une époque révolue, offrant des perspectives uniques sur des moments et des personnalités qui ont façonné la culture américaine. Ses œuvres photographiques, comme celles présentées dans l'exposition « The Lost Album », révèlent un artiste qui a su immortaliser l'esprit de son temps avec un regard sincère et une approche brute.
Pour ceux intéressés par la photographie et l'héritage artistique de Dennis Hopper, nous vous encourageons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes d'œuvres d'art et les événements liés à ce créateur multidimensionnel. Restez connecté pour explorer l'univers fascinant de Hopper à travers ses clichés captivants et ses contributions indélébiles au monde de l'art et du cinéma.
Walde Huth, née Waldberta Huth, est une photographe allemande connue pour ses photos de rue et ses portraits de personnalités et de mannequins.
Diplômée de l'École nationale des arts appliqués de Weimar, elle est devenue photographe indépendante après la Seconde Guerre mondiale, réalisant des portraits et des photographies d'art. Walde Huth est principalement connue pour ses photos de mode des années 50, mais elle a également pris des photos uniques et des photos publicitaires, et a réalisé des portraits de contemporains célèbres. Ses photos de mode emblématiques ont été prises à Paris. Elle a photographié les mannequins les plus célèbres de son époque non pas en studio, mais en extérieur dans la ville, devant la tour Eiffel, le long de la Seine, en contraste avec l'architecture et la vie de la rue.
Walde Huth était une femme exceptionnelle, une artiste créative et une photographe polyvalente.
Johann Baptist Isenring était un peintre paysagiste et graveur suisse, l'un des premiers photographes de la Suisse du XIXe siècle.
Johann a étudié la peinture et l'aquatinte à l'Académie des beaux-arts de Munich, a ouvert un atelier à Saint-Gall en 1828 et a rapidement commencé à publier sa collection de lithographies de vues pittoresques des villes et villages les plus remarquables de Suisse.
En 1839, Isenring, fasciné par les découvertes de Niépce et de Daguerre, achète du matériel pour le "daguerréotype" et, un an plus tard, organise dans son atelier de Multtertor une exposition qui est probablement la première exposition photographique au monde. Isenring abandonne même la peinture pendant un certain temps et travaille comme photographe pendant deux ans, en s'installant à Munich. Il réalise des portraits, des photographies d'architecture, des reproductions de tableaux et met au point une méthode de coloration pour ses tirages, qu'il fait breveter en Amérique.
Erika Kiffl est une photographe allemande. Erika Kiffl est principalement connue pour ses portraits d'artistes. Avant la Becher-Schule de Düsseldorf (comprenant les photographes Bernd et Hilla Becher, Andreas Gursky, Thomas Ruff), elle avait déjà remis en question les différences entre la photographie artistique de la documentaire.
Helga Kneidl, née Claus, est une photographe allemande.
Helga a travaillé comme danseuse dans sa jeunesse et a épousé le scénographe Karl Kneidl en 1961. Elle a ensuite appris la photographie de théâtre à Zurich et a travaillé dans des théâtres en tant que photographe attitrée. Helga Kneidl s'est progressivement fait une réputation en réalisant des portraits de nombreuses personnes célèbres, et son travail a été publié dans des journaux et des magazines.
En mai 1973, Helga Kneidl a passé trois jours entiers avec l'actrice Romy Schneider à Paris, réalisant une série de portraits photographiques d'elle.
Depuis 1997, Helga Kneidl vit à Berlin et travaille principalement dans le domaine de la photographie de portrait.
Angela Lo Priore est une photographe portraitiste italienne qui vit et travaille à Rome et à Milan.
Les femmes sont l'un des principaux sujets des photographies d'Angela, mais la conception des décors joue un rôle important, en aidant à créer des sujets surréalistes.
Après avoir expérimenté différentes formes de photographie dans les domaines de l'architecture, de la publicité et de la mode, Angela Lo Priore a trouvé sa véritable expression artistique dans le portrait. Les portraits de stars et de divas italiennes et internationales sont ses œuvres les plus connues. Le résultat est le livre One Hundred Portraits, une galerie de cent portraits photographiques étonnants d'acteurs, d'actrices et de réalisateurs célèbres.
Christopher Makos est un photographe et artiste américain qui vit et travaille à New York.
Makos a beaucoup voyagé en Europe, étudiant l'architecture à Paris et le photographe Man Ray. En 1977, il a rencontré l'artiste médiatique et star du pop art Andy Warhol, avec qui il est resté ami depuis, voyageant avec lui et le photographiant abondamment. Makos a publié plusieurs livres très appréciés sur Warhol, qui l'a d'ailleurs qualifié de "photographe le plus moderne d'Amérique".
En plus de Warhol, Makos a réalisé des portraits photographiques de nombreuses stars de l'art, dont Elizabeth Taylor, Salvador Dali, John Lennon et Mick Jagger. Son travail a été publié par de nombreux magazines parmi les plus célèbres au monde.
Robert Mapplethorpe, un photographe américain né en 1946 à New York, est reconnu pour ses photographies austères de fleurs, célébrités et nus masculins, qui ont parfois suscité la controverse pour leurs thèmes explicitement homoérotiques et sadomasochistes. Robert Mapplethorpe a fréquenté l'Institut Pratt à Brooklyn, où il a étudié le dessin, la peinture et la sculpture, et s'est lancé dans la photographie avec un appareil Polaroid en 1970. Il est devenu célèbre pour ses portraits intimes et ses images explorant la scène S&M de New York, ainsi que pour ses natures mortes et ses compositions florales méticuleuses, notamment des orchidées et des callas.
Son œuvre a été exposée dans des galeries et des musées du monde entier, et il a été une figure marquante de l'art du XXe siècle. Mapplethorpe a établi la Fondation Robert Mapplethorpe en 1988 pour promouvoir la photographie, soutenir les musées qui exposent l'art photographique et financer la recherche médicale contre le VIH/sida. Malgré sa mort prématurée en 1989 des suites du sida, son héritage perdure à travers sa fondation et son impact durable sur l'art photographique.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, l'œuvre de Mapplethorpe offre une exploration profonde de la forme, de la sexualité et de l'esthétique. Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Mapplethorpe, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette initiative vous permettra de suivre l'évolution de la disponibilité de ses œuvres sur le marché de l'art.
Gaspard-Félix Tournachon, connu sous son nom de plume Nadar, était un photographe, caricaturiste, journaliste, écrivain et aviateur français.
Tout au long de sa carrière, Nadar a tiré le portrait de nombreuses personnalités célèbres, parmi lesquelles des écrivains, des artistes, des musiciens et des hommes politiques. Parmi eux, Victor Hugo et Charles Baudelaire, Sarah Bernhardt et George Sand. Les portraits de Nadar étaient très demandés, car il avait une capacité unique à révéler l'essence intérieure de ses sujets, en dévoilant leur caractère et leurs émotions.
En plus de ses portraits, Nadar était un photographe aérien, utilisant des montgolfières pour capturer des images à couper le souffle depuis le ciel. Son audace et son esprit d'aventure l'ont conduit à rechercher de nouvelles perspectives et techniques, contribuant ainsi de manière significative au développement de la photographie aérienne. En 1858, il est devenu la première personne à prendre des photographies aériennes.
Helmut Newton, né Helmut Neustädter, est un photographe australien d'origine allemande.
Il est connu pour ses photographies de mode et de nus féminins. Il a photographié de nombreux modèles parmi lesquelles Catherine Deneuve, Sylvie Vartan, Brigitte Nielsen, Grace Jones, Kate Moss, Karen Mulder, Monica Bellucci, Cindy Crawford et Claudia Schiffer.
Carmen Oberst est une artiste, graphiste et photographe allemande.
Elle vit à Hambourg depuis 1980 et travaille en tant qu'artiste photographe indépendante, commissaire d'exposition et professeur de design utilisant des médias photographiques.
Carmen Oberst a d'abord travaillé comme graphiste. Depuis 1997, elle se consacre à la photographie et au cinéma expérimental et a organisé de nombreuses expositions dans son pays et à l'étranger. Dans les années 1980, elle a développé son propre langage visuel basé sur la photographie analogique en noir et blanc et les expériences photochimiques. En 1996, elle a fondé PHOTO.KUNST.RAUM, un centre de photographie d'art et de beaux-arts connu en dehors de Hambourg.
Carmen Oberst transforme le monde en scène : elle utilise régulièrement des événements trouvés et des personnes présentes au hasard pour créer une production fantastique à partir du groupe d'œuvres "Rods of Imagination - On the Road" par le biais de la photographie.
Edward Quinn est un photographe irlandais célèbre pour ses portraits de célébrités et d'artistes.
Edward Quinn a commencé sa carrière en tant que photojournaliste, couvrant des événements tels que la guerre civile espagnole et la Seconde Guerre mondiale. Dans les années 1950, il s'est installé sur la Côte d'Azur et a commencé à photographier les personnes riches et célèbres : Pablo Picasso, Brigitte Bardot, Grace Kelly, Max Ernst, Alexander Calder, Francis Bacon, Salvador Dali, Graham Sutherland, David Hockney.
Les photographies de Quinn se distinguent par leur naturel et leur spontanéité. Il avait le talent de capturer ses sujets dans des moments discrets et de révéler leur véritable essence. Ses portraits montrent souvent ses sujets détendus et à l'aise, comme s'ils n'étaient pas conscients de la présence de l'appareil photo.
Outre la photographie, Quinn est également écrivain et cinéaste. Il a écrit plusieurs livres sur la Côte d'Azur et a réalisé un documentaire sur Pablo Picasso.
JR (Jean René) est le pseudonyme d'un photographe et artiste français qui ne donne pas son nom complet. Il vit et travaille à Paris et à New York.
Il se décrit comme un "photograffeur" (photographe et graffeur en un seul mot) et affirme que la rue est "la plus grande galerie du monde". Son travail consiste à afficher de grandes images en noir et blanc dans les espaces publics. JR travaille à l'intersection de la photographie, de l'art de la rue, de la production cinématographique et de l'activisme social. Au cours des deux dernières décennies, il a développé de nombreux projets publics dans des villes du monde entier, qu'il s'agisse de bâtiments dans les bidonvilles de Paris, de murs au Moyen-Orient et en Afrique ou de favelas au Brésil.
JR place des images photographiques à grande échelle dans des espaces publics. Il a commencé à réaliser des graffitis à l'adolescence dans les rues et sur les toits de Paris, ainsi que dans le métro. En 2007, il a attiré l'attention du monde entier en plaçant d'immenses photographies d'Israéliens et de Palestiniens face à face dans huit villes palestiniennes et israéliennes situées de part et d'autre de la barrière de séparation. Dans ses œuvres, le photographe aborde toujours des questions politiques et sociales d'actualité dans le monde. Par exemple, en 2019, JR a travaillé avec un groupe de détenus d'une prison de haute sécurité en Californie et a créé une œuvre grand format avec les portraits des détenus.
JR a parcouru de nombreuses villes avec son travail, participant à des expositions, il a collaboré avec des magazines et créé des films sur son travail. JR a également réalisé trois longs métrages documentaires, dont l'un, Women Heroes (2011), a été nommé aux Oscars. Au Festival de Cannes 2017, il a remporté l'Œil d'or du meilleur documentaire.
Linn Schröder est une photographe allemande qui vit et travaille à Hambourg et à Berlin.
Elle a étudié à l'université HAW de Hambourg, puis à la Hochschule für Arbeitsgemeinschaft de Hambourg, spécialisée dans la conception de communication/photographie, et à la Gestalt School de Zurich.
Ses œuvres traitent souvent de la relation entre le rêve et la réalité, elles sont comme un enregistrement de souvenirs. Certaines des séries de Linn Schröder sont basées sur des photographies de famille. Les images de sa série "I Think and Family Photographs" traitent de l'une des tâches les plus originales de la photographie : capturer et préserver les souvenirs.
De nombreux travaux de la photographe ont été récompensés par de nombreux prix et ont été exposés à plusieurs reprises dans toute l'Europe. Linn Schröder collabore avec des magazines internationaux et enseigne régulièrement à l'école d'art de Berlin-Weißensee, à l'institut HTW Berlin et à l'Ostkreuzschule for Photography, entre autres. Plusieurs livres ont été publiés sur l'œuvre de Lynn Schröder.
Jeanloup Sieff est un photographe français qui s'est distingué par ses portraits, ses paysages et surtout ses nus. Né le 30 novembre 1933 à Paris, Sieff est connu pour sa maîtrise de l'utilisation de la pellicule noir et blanc, ainsi que pour son utilisation habile des objectifs grand angle et des techniques de dodging dans la chambre noire. Sa carrière s'est déroulée dans différents domaines, notamment la photographie de mode, où il a été particulièrement prolifique, contribuant à de grandes publications telles que Elle.
La formation de Sieff à l'École Vaugirard à Paris et à l'École supérieure d'arts appliqués de Vevey, en Suisse, a jeté les bases d'une carrière qui sera marquée par une intégration élégante du surréalisme dans ses œuvres, rappelant l'influence de Man Ray. Il a commencé à travailler comme photojournaliste indépendant en 1954, avant de s'intéresser à la mode.
Les photographies de Sieff, caractérisées par une qualité éthérée et une certaine intemporalité, continuent d'être célébrées dans les expositions et les collections du monde entier. Son travail n'est pas seulement une étude de la forme et du contraste, mais aussi une exploration du jeu subtil de l'ombre et de la lumière.
Pour ceux qui s'intéressent à l'évolution de la photographie, en particulier dans le domaine de la mode et du portrait, l'œuvre de Jeanloup Sieff constitue un pont important entre le classique et le moderne. Ses images restent une source d'inspiration pour les photographes et un sujet d'admiration pour les collectionneurs et les amateurs d'art du monde entier.
Philip Stern était un photographe américain. Il s'est fait connaître par ses portraits de grands noms du cinéma hollywoodien, parmi lesquels les photos de James Dean et de Marilyn Monroe ont acquis une popularité particulière.
Bert Stern, de son vrai nom Bertram Stern, est un photographe de mode et documentariste américain.
Sa carrière a débuté avec la campagne publicitaire emblématique et légendaire de la vodka Smirnoff en 1955. Dans un studio bien équipé, Bert Stern expérimente les techniques les plus récentes, notamment l'enregistrement vidéo, la sérigraphie, les combinaisons photo offset et les tirages sur ordinateur. Son travail brillant a fait de lui une star dans le monde de la publicité, photographiant des campagnes publicitaires pour les marques Canon, Dupont, Pepsi-Cola, US Steel et Volkswagen. L'un des points culminants de la carrière de Bert Stern est sa collaboration avec Vogue dans les années 1960.
Malgré son addiction à la drogue, le photographe de mode a été recherché par Madison Avenue, Hollywood et la scène internationale de la mode pendant des décennies.
Bert Stern a été l'un des derniers photographes à photographier Marilyn Monroe en juin et juillet 1962, six mois avant sa mort. Certaines de ces photographies ont été publiées dans le magazine Vogue. En 1982, Bert Stern a publié The Last Sitting, un livre qui comprend un grand nombre de ses plus de 2 500 images, y compris celles que Monroe n'aimait pas et qui ont été rayées.
Bert Stern a réalisé et photographié les films Jazz on a Summer's Day (1959), A Date with an Angel (1987) et The Unknown Marilyn (2012).
Robert Stivers est un photographe américain.
Il s'est intéressé à la photographie à un âge mûr, après une carrière de danseur et de chorégraphe. Autodidacte dans l'art de la photographie, Stivers est fier de ses compétences en matière de tirage. Ses photographies sont imprimées sur du papier mat et souvent retouchées à la main ou traitées en chambre noire.
L'esthétique des premières photographies et du cinéma muet est évidente dans le travail de Stivers, aidant le spectateur à s'immerger dans un inconscient culturel familier mais lointain. Le photographe utilise des images défocalisées et des mouvements flous pour créer une vision floue du monde. Dans les photographies de Stivers, le spectateur voit des images fantomatiques de rêves, où des objets flottent et posent, ou se retrouvent pris au milieu d'un geste qui reflète son passé dans la danse.
Jock Sturges est un photographe américain qui vit à Seattle, dans l'État de Washington.
Après avoir servi dans l'armée, Jock a obtenu un Master of Arts au San Francisco Art Institute et a étudié la psychologie. Il a longuement et assidûment photographié des adolescents sur des plages nues en Californie, en France ou en Irlande. Cela a attiré l'attention des forces de l'ordre, mais la communauté artistique des États-Unis et d'Europe a pris la défense du photographe, qui n'a finalement été inculpé d'aucune infraction.
Mais après cela, Jock Sturges est devenu populaire : il a publié plus de 10 albums personnels, en tant que maître de la photo d'enfants et d'adolescents, il a organisé de nombreuses expositions personnelles et a participé à autant d'expositions collectives. Cependant, ces expositions ont souvent été accompagnées de scandales retentissants, dont l'un s'est produit en Russie en 2016 : des sénateurs ont accusé le photographe de distribuer de la pornographie enfantine.
Lothar Wolleh est un photographe allemand.
Lothar Wolleh a connu un destin difficile : après la guerre, il a passé de nombreuses années en captivité chez les Alliés, puis en URSS, et ce n'est qu'à son retour à Berlin, en 1956, qu'il a pu reprendre ses études à la Lette-Verein, l'école de photographie, de design et de mode.
Photographe parmi les plus chers et les plus connus de la RFA des années 1960, Wolleh travaille avec succès dans la mode et la publicité, collaborant avec la Deutsche Bundesbahn, Tchibo et Volkswagen. En 1969, Wolleh a passé plusieurs mois à voyager en Union soviétique. Les photographies prises lors de ce voyage ont été incluses dans le livre illustré "The USSR - The Soviet State and its People" (L'URSS - L'État soviétique et son peuple), publié en 1970.
Mais ce sont ses 109 portraits d'artistes contemporains qui ont valu à Wolleh sa plus grande notoriété et sa plus grande popularité. Il a commencé cette série à la fin des années 1960 et y a consacré toutes les années suivantes de sa vie. Son travail est tellement reconnaissable et distinctif qu'il est souvent devenu le portrait de référence des artistes photographiés.