Artistes Autriche-Hongrie (1868-1918)
Vilmos-József Istvanovich Berets (еn russe: Вильмош-Йожеф Иштванович Берец) était un artiste soviétique ukrainien d'origine hongroise de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et historien de l'art.
Berets a créé des œuvres principalement en graphisme de chevalet, parmi ses œuvres les plus remarquables figurent des paysages à l'aquarelle. Depuis 1950, il participe activement à des expositions d'art. Il est également l'auteur d'articles sur la théorie de l'art, ainsi que d'études sur divers artistes, notamment sur l'œuvre d'artistes de Transcarpatie, au cours desquelles il a rassemblé de nombreux documents d'archives sur l'histoire de l'école de peinture locale.
Brassaï, de son vrai nom Gyula Halász, était un artiste et photographe franco-hongrois surtout connu pour son travail de documentation sur les rues de Paris dans les années 1920 et 1930. Il était l'une des figures clés du mouvement surréaliste et son travail continue d'influencer les photographes et les artistes jusqu'à aujourd'hui.
Brassaï s'est installé à Paris dans les années 1920 pour poursuivre une carrière artistique. Il travaille d'abord comme journaliste et commence à prendre des photos pour accompagner ses articles. Cependant, ce sont ses photographies nocturnes de la ville qui lui ont valu une renommée internationale.
Les photographies de Brassaï des rues de Paris la nuit capturent le côté le plus miteux de la ville, notamment ses prostituées, ses bars et ses cabarets. Son travail est connu pour son utilisation d'un éclairage dramatique et d'un fort contraste, qui ont contribué à créer une atmosphère morose et évocatrice.
Outre la photographie, Brassaï était également un peintre et un sculpteur de talent. Il était un ami proche de nombreux artistes et écrivains de premier plan de l'époque, dont Pablo Picasso, Salvador Dalí et Henry Miller.
Les œuvres de Brassaï ont été exposées dans les principaux musées et galeries du monde entier, et ses photographies ont été publiées dans de nombreux livres et magazines. Il a été l'un des photographes les plus influents du XXe siècle et son héritage continue d'inspirer les artistes et les photographes d'aujourd'hui.
Robert Capa est un photographe et photojournaliste américain d'origine hongroise. Il est considéré comme l'un des plus grands photographes de guerre de tous les temps, connu pour ses images dramatiques de combats et de conflits. Frère aîné de Cornell Capa, il est un classique de la photographie documentaire.
Capa a commencé sa carrière de photographe au début des années 1930 et s'est rapidement fait connaître pour sa couverture de la guerre civile espagnole. Il a ensuite couvert de nombreux conflits majeurs, dont la Seconde Guerre mondiale, la première guerre d'Indochine et la guerre israélo-arabe.
L'une des photographies les plus célèbres de Robert Capa est Falling Soldier, prise pendant la guerre civile espagnole. La photo représente un soldat républicain qui tombe la tête la première après avoir été touché par une balle. L'authenticité de la photographie a fait l'objet de controverses pendant de nombreuses années, mais elle reste une image emblématique de la photographie de guerre.
Capa a également cofondé Magnum Photos, une coopérative de photographes indépendants créée en 1947. Depuis lors, Magnum Photos est devenue l'une des agences photographiques les plus prestigieuses et les plus influentes au monde.
Capa est mort en 1954 alors qu'il couvrait la première guerre d'Indochine, en marchant sur une mine. Son héritage en tant que photographe de guerre et photojournaliste continue d'inspirer des générations de photographes, et son travail reste un élément important de l'histoire de la photographie.
Ferdinand Franz Engelbert Dorsch était un peintre impressionniste allemand, un graphiste et un professeur d'université. Il a été l'un des fondateurs de l'association d'artistes Die Elbier et membre du conseil d'administration du Sächsischer Kunstverein.
Arthur (Usher) Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, est un photographe et photo-journaliste américain célèbre pour ses photographies en noir et blanc de la vie nocturne, tout particulièrement celle de sa ville de prédilection, New York.
Georg Fischhof était un peintre autrichien de portraits, de figures et de paysages.
Fischhof a d'abord étudié l'architecture, mais s'est ensuite consacré à la peinture et a étudié à l'école des arts et métiers de Vienne et à Munich. Après son retour à Vienne, il a orienté son travail vers l'imitation peinte de tapisseries. Les thèmes les plus fréquents sont les vues des côtes et des ports néerlandais, les paysages italiens au bord de l'eau ainsi que les scènes rurales avec cours d'eau ou chemin. Dans presque chaque œuvre, on trouve des personnes / enfants esquissés avec seulement des traits de visage suggérés, souvent une colonne de fumée sortant d'une cheminée et, dans les pièces maritimes, souvent des mouettes en vol, dans les vues italiennes, des acacias parasols et des cyprès.
Heinrich Gottselig était un peintre allemand d'origine juive du premier tiers du XXe siècle qui a travaillé en Allemagne, en France et en Russie. Il est connu comme portraitiste et paysagiste, impressionniste et moderniste, et est considéré comme l'un des meilleurs représentants de l'école de Francfort pour la peinture de paysages et de portraits.
Gottselig s'est fait connaître à l'âge de 23 ans avec ses premières œuvres comprenant des portraits et des paysages. En 1913, il a été reconnu comme l'un des meilleurs représentants de son école de peinture. Outre la peinture, l'artiste a également réalisé des gravures sur cuivre.
Igor Emmanouïlovitch Grabar (en russe : Игорь Эммануилович Грабарь) était un artiste, peintre, et conservateur russe de renom, dont l'œuvre a marqué profondément le paysage artistique de la Russie au début du XXe siècle. Né en 1871 et décédé en 1960, Grabar a été une figure centrale dans le développement de l'art et de la culture russes, se spécialisant dans la peinture mais aussi dans l'enseignement et la conservation d'art.
Son travail se distingue par une utilisation vibrante de la couleur et une capacité à capturer la lumière, ce qui a fait de lui un pionnier dans l'évolution du style pictural en Russie. Grabar était également un historien d'art éminent et a contribué à la préservation de l'héritage artistique russe, notamment à travers son rôle de directeur de la Galerie Tretiakov, l'un des musées les plus importants de Russie.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des paysages qui capturent la beauté et la variété de la campagne russe, ainsi que des portraits qui révèlent la profondeur et la complexité de ses sujets. Ses peintures sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, témoignant de son impact durable sur l'art mondial.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Grabar offre une fenêtre unique sur l'évolution de l'art russe et sa contribution à la culture mondiale. Son approche innovante de la peinture et son engagement envers la préservation de l'art font de lui une figure incontournable pour toute personne s'intéressant à l'histoire de l'art.
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Christian Griepenkerl était un peintre germano-autrichien du dernier tiers du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Il est connu comme peintre et enseignant, et a été professeur à l'Académie des beaux-arts de Vienne.
Griepenkerl a réalisé de nombreuses peintures de sujets historiques et de thèmes tirés de la mythologie ancienne, et a également été un portraitiste à succès. En tant que professeur, il est connu pour avoir empêché à deux reprises le jeune Adolf Hitler de se présenter aux examens d'entrée de l'Académie des beaux-arts de Vienne.
Rudolf Hausleithner était un peintre autrichien.
Son œuvre comprend principalement des peintures à l'huile sur des thèmes romantiques, des portraits et des esquisses de portraits, des thèmes petits-bourgeois, des tableaux historiques et diverses œuvres de commande.
Norbert Hochsider était un peintre et un graphiste allemand. Son style artistique a été influencé par le mouvement expressionniste allemand qui a émergé au début du XXe siècle. L'expressionnisme se caractérise par l'importance accordée aux émotions subjectives, aux formes déformées et aux couleurs intenses. Les artistes associés à ce mouvement cherchaient à exprimer leurs sentiments intérieurs et l'impact psychologique du monde moderne.
Norbert Hochsider a exploré un large éventail de sujets dans ses peintures, notamment des paysages, des personnages et des natures mortes. Il a utilisé des pinceaux audacieux, des couleurs vives et des compositions dynamiques pour exprimer sa réponse émotionnelle au sujet traité. Son travail reflète souvent l'intensité, l'énergie et l'émotion brute.
Josef Hoffmann, architecte et designer autrichien, a marqué l'histoire de l'art et du design avec son approche innovante. Né en 1870 à Brtnice, il fut l'un des cofondateurs de la Wiener Werkstätte et un membre influent de la Sécession viennoise. Son œuvre se caractérise par une utilisation audacieuse des formes géométriques et une simplicité élégante qui défient le temps.
Reconnu pour son style unique et sa vision avant-gardiste, Josef Hoffmann a joué un rôle clé dans l'évolution du design moderne. Ses créations, allant des bâtiments emblématiques aux objets du quotidien, illustrent son génie créatif et son souci du détail. Le Palais Stoclet à Bruxelles et le Sanatorium Purkersdorf témoignent de son talent exceptionnel et de son influence durable dans le domaine de l'architecture.
Les collectionneurs et experts en art et antiquités admirent les œuvres de Josef Hoffmann pour leur esthétique intemporelle et leur innovation. Ses contributions continuent d'inspirer les nouvelles générations de designers et d'architectes, faisant de lui une figure centrale de l'art moderne.
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Joseph Holzer était un peintre autrichien. Il a étudié à l'école de gravure de l'Académie des arts de Vienne, puis à l'école de paysage de Thomas Ender et Franz Steinfeld.
Joseph Holzer a effectué des voyages d'étude en Allemagne, en Belgique et en Suisse. Lors de son séjour au château de Stampfen du comte Palfi dans les Carpates, la poésie majestueuse des forêts vierges lui a laissé une impression indélébile et a influencé l'œuvre ultérieure du maître.
Heinrich Hönich, également connu sous le nom de Jindřich Hönich, était un artiste académique, graphiste et enseignant tchéco-allemand.
Hönich a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague et à l'Académie des beaux-arts de Dresde, et a vécu à Munich de 1906 à 1928, où il a participé à de nombreuses expositions. L'artiste se consacre principalement à la peinture de paysages et au graphisme, mais il crée également des ex-libris et des affiches, travaille l'eau-forte et la lithographie, et est un dessinateur et un graphiste habile.
De 1928 à 1945, Hönich a travaillé comme professeur à l'Académie des arts de Prague et a formé un certain nombre d'artistes célèbres.
En 1944, Heinrich Hönich a été inclus dans la liste Gottbegnadet des artistes allemands établie par le ministère impérial allemand de l'éducation publique et de la propagande sous la direction de Joseph Goebbels.
Georg Janny était un peintre autrichien de décors de théâtre, de paysages et de personnages.
Georg Janny a travaillé comme peintre de décors de théâtre dans l'atelier alors réputé des peintres Carlo Brioschi, Hermann Burghart et Johann Kautsky, dans lequel ont également travaillé Konrad Petrides, Leopold Rothaug, Ferdinand Brunner et Alfons Mucha. Georg Janny était membre du Dürerbund et temporairement son archiviste.
Georg Janny a également travaillé jusqu'à sa mort comme peintre de paysages et de figures. Outre de nombreux paysages, Janny a souvent peint des scènes de contes de fées ou de mondes enchantés, dont le contenu symbolique rappelle les tableaux d'Arnold Böcklin ou de Gustave Doré.
Olaf Jordan était un peintre allemand et suédois de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme portraitiste.
Jordan a été attaché en tant qu'artiste de guerre à la cavalerie SS cosaque collaborationniste pendant la Seconde Guerre mondiale et a réalisé de nombreux portraits de cosaques. Certaines de ses œuvres ont été confisquées par les Américains, qui ont jugé que les dessins faisaient l'apologie du régime nazi. Jordan lui-même est resté en captivité soviétique jusqu'en 1947, après quoi il s'est installé en Suède, où il a peint principalement des portraits d'enfants. Avant la guerre, il a travaillé sur une série de représentations de types folkloriques yougoslaves.
Moïse Kisling, artiste peintre français d'origine polonaise, s'est distingué par son talent exceptionnel dans l'univers de l'art et de la culture. Né en 1891 à Cracovie, il a déménagé à Paris en 1910, devenant un membre éminent de l'École de Paris, une communauté d'artistes avant-gardistes. Son œuvre est réputée pour ses portraits et ses nus féminins, ainsi que pour ses paysages et natures mortes, marqués par une diversité d'influences, allant du cubisme de Paul Cézanne aux classiques italiens et flamands.
Au fil de sa carrière, Kisling a développé une "nouvelle volonté expressive", unique, intégrant les influences de ses contemporains et amis tels que Derain, Modigliani, Matisse, Renoir et Ingres. Cette fusion des styles lui a valu une grande renommée, notamment pour ses nus féminins et ses portraits qui ont séduit un large public de son vivant.
Les œuvres de Kisling sont présentes dans de prestigieuses collections publiques à travers le monde. Aux États-Unis, par exemple, ses peintures sont exposées au Metropolitan Museum of Art et au Brooklyn Museum de New York, ainsi qu'au Philadelphia Museum of Art. En France, ses œuvres figurent au musée national d'Art moderne et au Musée d'art moderne de la ville de Paris, tandis qu'en Suisse, une importante collection est conservée au Petit Palais de Genève.
En 1950, Kisling a été honoré en étant promu au grade d'Officier de la Légion d'Honneur, reconnaissance officielle de sa contribution majeure à l'art français. Il est décédé en 1953 à Sanary-sur-Mer, laissant derrière lui un héritage artistique riche et diversifié.
Pour les collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Kisling demeure une source d'inspiration et de fascination continue. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Moïse Kisling, garantissant ainsi de ne pas manquer les opportunités de découvrir ou d'acquérir des pièces de cet artiste exceptionnel.
Ernő Koch est un artiste, graphiste et illustrateur hongrois. Étudiant, il travaille l'été dans des imprimeries et remporte plusieurs prix pour la conception d'affiches. Il a été invité par la Banque nationale hongroise à participer à un concours pour la création de nouveaux billets de trésorerie.
Les dessins, gravures sur bois et eaux-fortes d'Erne Koch ont été utilisés comme matériel publicitaire, cartes de Noël et brochures.
Eduard Kurzbauer était un peintre germano-autrichien de la seconde moitié du XIXe siècle. Il est connu comme peintre-genre et chercheur sur la vie folklorique.
Kurzbauer s'est fait connaître du public alors qu'il était encore apprenti, grâce à son tableau Le conteur. Il a été admis au studio Piloti à Munich, où il a maîtrisé la technique de la peinture. Les célèbres tableaux suivants de l'artiste, tels que "Les fugitifs rattrapés", "Le marié rejeté", "Fête au village", "Procès du vin", "Jalousie infondée" et autres, se caractérisent par la vitalité de la composition, l'expressivité des visages, la fraîcheur et la sensualité des couleurs et donnent un charme particulier aux thèmes de la vie folklorique.
Josef Lauer était un peintre autrichien qui a travaillé pendant la période Biedermeier.
Josef Lauer a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Vienne avec Sebastian Wegmayr, Josef Messmer, Thomas Ender et Franz Steinfeld. Tout au long de sa carrière, il s'est consacré exclusivement à la peinture de fleurs et de fruits, devenant le premier à intégrer des natures mortes florales dans le paysage, souvent sur fond de forêt.
Hans Makart était un peintre autrichien de la seconde moitié du XIXe siècle. Il est devenu célèbre en tant que maître de la peinture historique, de la nature morte, de l'allégorie, du paysage et du portrait. La plupart de ses tableaux ont été peints dans le style académique. Il était également un décorateur de théâtre, un créateur de costumes, de meubles et d'intérieurs très recherché.
Hans Makart était très populaire à Vienne et son atelier était le lieu d'attraction de la crème de la société viennoise. Le nom de l'artiste a même été donné à un style d'art distinct, avec ses formes fluides caractéristiques et ses couleurs vives : le "Makartstil". Il organisait régulièrement de grandes fêtes dans son atelier, auxquelles les membres de la famille impériale assistaient avec enthousiasme. Il rendit son propre style de décoration intérieure très tendance et la plupart des riches citoyens de Vienne eurent bientôt leur appartement calqué sur son salon.
Makart était professeur de peinture historique à l'Académie des beaux-arts de Vienne et responsable du Künstlerhaus, le plus grand complexe d'exposition de la capitale autrichienne. En 1879, à l'occasion des noces d'argent du couple impérial, Makart organisa une grandiose représentation théâtrale dont les esquisses ont survécu jusqu'à aujourd'hui.
Vitold Antonovitch Manastyrskiï (еn russe: Витольд Антонович Манастырский) était un artiste ukrainien et soviétique de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et fils de l'artiste Anton Manastyrskiï.
Vitold Manastyrskiï a créé de nombreuses œuvres, notamment des peintures de genre, des portraits, des paysages et des natures mortes. Dans ses œuvres, il reflète la beauté de la région des Pré-Carpates, la vie de ses habitants, et dépeint ses contemporains - ouvriers, paysans et personnalités culturelles. Actif tant sur le plan créatif que dans les sphères publiques et pédagogiques, il a souvent été élu aux organes directeurs de l'Union des artistes d'Ukraine. Nombre de ses œuvres sont exposées dans les musées et galeries ukrainiens.
Anton Marussig était un artiste autrichien exceptionnel dont l'œuvre variée couvrait les domaines de la peinture de paysage, de l'art du portrait, de la représentation de personnages et de la peinture de genre ainsi que de l'illustration.
Fils d'un magistrat, Anton Marussig fut un élève reconnu de l'Académie de dessin paysager de Graz, sous la direction du célèbre Hermann von Königsbrunn. Il a ensuite poursuivi sa formation à l'Académie des beaux-arts de Munich, où il a bénéficié de l'enseignement d'artistes exceptionnels tels que Gabriel von Hackl, Wilhelm von Lindenschmit et Alexander von Liezen-Mayer.
Marussig a reçu de nombreuses distinctions et reconnaissances pour son travail artistique. Sa remarquable carrière d'enseignant a débuté en 1907, lorsqu'il a enseigné à la fois à l'école technique supérieure et à l'école d'art régionale de Graz. Parallèlement à son activité d'enseignant, Marussig était également actif en tant que peintre industriel et a reçu en 1912 la plus haute distinction, la médaille d'or de l'État.
En 1913, il devint membre de l'Union des artistes autrichiens. Pendant la Première Guerre mondiale, Anton Marussig contribua également en tant que peintre de guerre à la documentation de cette période turbulente.
Lisette Model est une photographe d'origine autrichienne qui s'est fait connaître pour son travail aux États-Unis au milieu du XXe siècle. Elle a commencé sa carrière artistique en tant que pianiste avant de se tourner vers la photographie.
Le style photographique de Model se caractérise par l'utilisation d'images en noir et blanc très contrastées et par son intérêt pour la capture de l'énergie et du dynamisme de la vie urbaine. Elle a souvent photographié des personnes en marge de la société, telles que des vendeurs de rue, des mendiants et des artistes de boîtes de nuit, et ses images sont marquées par un sentiment d'empathie et d'intimité avec ses sujets.
Outre son travail de photographe, Model était également enseignante, et elle a enseigné la photographie à la New School for Social Research à New York pendant de nombreuses années. Elle a eu pour élèves, entre autres, Diane Arbus et Bruce Weber, et était connue pour son approche directe et souvent stimulante de l'enseignement.
Le travail de Model a eu un impact significatif sur le domaine de la photographie, et son héritage continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes. Ses photographies sont appréciées pour leur intensité émotionnelle et leur capacité à saisir la complexité de l'expérience humaine, et on se souvient d'elle comme l'une des plus importantes photographes du XXe siècle.
Koloman Moser, un artiste autrichien, était une figure centrale de l'art graphique du XXe siècle et un membre éminent du mouvement de la Sécession viennoise ainsi que cofondateur de la Wiener Werkstätte. Il a conçu une vaste gamme d'œuvres, des timbres postaux aux vitraux, en passant par la porcelaine, le verre soufflé, l'argenterie, les bijoux et les meubles.
Moser a laissé une marque indélébile dans le domaine du design, ayant contribué à l'esthétique de la revue d'art « Ver Sacrum » aux côtés de Gustav Klimt et Josef Hoffmann. Son influence se manifeste également dans l'architecture, avec ses conceptions utilisées dans la Kirche am Steinhof, représentées sur une célèbre pièce de monnaie commémorative de 100 euros.
Le Leopold Museum à Vienne possède des œuvres de Moser, dont « Venus in the Grotto », témoignant d'un changement stylistique vers des compositions plus austères et symboliques, initié lors de sa rencontre avec Ferdinand Hodler. Son influence se retrouve aussi dans le design de mobilier, comme une chaise exposée au Metropolitan Museum of Art, conçue en collaboration avec Josef Hoffmann en 1903.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, les créations de Moser offrent un aperçu précieux de l'Art nouveau et du design moderne. Si vous souhaitez rester informé des ventes et des événements liés à Koloman Moser, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à son œuvre.
Alfons Maria Mucha, aussi orthographié Alphonse Mucha, est un artiste tchécoslovaque né le 24 juillet 1860 et décédé le 14 juillet 1939. Renommé pour son rôle majeur dans le mouvement Art Nouveau, Mucha était un affichiste, illustrateur, graphiste, peintre, architecte d'intérieur, décorateur et professeur d'art dont le travail a profondément influencé l'art et la culture de son époque. Dès son plus jeune âge, Mucha a montré un talent exceptionnel pour le dessin et la musique, ce qui a façonné son parcours éducatif et artistique, malgré les difficultés financières de sa famille. Son aptitude pour le chant lui a permis de poursuivre ses études, bien que son véritable désir fût de devenir artiste.
Mucha s'est établi à Paris en 1887, où il a continué à perfectionner son art à l'Académie Julian et à l'Académie Colarossi, tout en produisant des illustrations pour des magazines et des publicités. Sa carrière a pris un tournant décisif en 1895, lorsqu'il a créé un poster pour l'actrice Sarah Bernhardt. Ce travail a marqué le début d'une collaboration de six ans avec Bernhardt, propulsant Mucha au rang de figure emblématique de l'Art Nouveau. Ses œuvres, caractérisées par des femmes jeunes et belles enveloppées dans des robes évoquant le style néoclassique et souvent entourées de motifs floraux, ont défini l'esthétique de cette période. Malgré son succès commercial, Mucha a toujours aspiré à ce que son art véhicule un message spirituel, se dissociant ainsi du style Art Nouveau qu'il contribuait à populariser.
Parmi ses contributions notables, on compte des posters, des illustrations de livres, des designs pour des bijoux, des tapis, du papier peint et des décors de théâtre, ainsi que des collaborations sur des projets de décoration pour des pavillons d'exposition. Ses œuvres telles que "Gismonda" et "La Dame aux camélias" pour le Théâtre de la Renaissance, ainsi que sa série "The Slav Epic", témoignent de sa maîtrise artistique et de son influence durable dans le domaine de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités passionnés par l'œuvre d'Alfons Maria Mucha, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste emblématique. Cette souscription est une opportunité unique de rester informé sur les occasions d'acquérir des pièces de collection rares et de participer à la préservation de l'héritage de Mucha.
Wolfgang Paalen est un peintre, sculpteur et philosophe. Membre du groupe surréaliste autour d'André Breton en 1935, il joue un rôle capital comme peintre et inspirateur pendant son exil à Mexico à partir de 1939. Il est fondateur et éditeur du magazine contre-surréaliste DYN, par lequel il cherche à réconcilier des tendances matérialistes et mystiques (délits en surréalisme) par sa philosophie de la contingence comme substitut au principe surréaliste de la nécessité involontaire. Il apparaît comme l'un des plus influents théoriciens de l'art abstrait pendant la Seconde Guerre mondiale.
László Pataky était un peintre austro-hongrois spécialisé dans les scènes de genre rurales. Il étudie d'abord à l'école des arts et métiers de Budapest puis après 1880, à l'Académie des Beaux-Arts de Munich. En 1888, il obtient une bourse pour son tableau "Le Messager", qui lui permet d'étudier avec Mihály Munkácsy. En plus de travailler dans son atelier, il l'a aidé à créer sa peinture monumentale, "Hungarian Conquest", pour le Parlement hongrois. Il a fourni des illustrations pour de nombreux romans, dont Mariage sans amour de Carmen Sylva, Giovanni Episcopo de Gabriele D'Annunzio et L'âme du baron de Géza Gárdonyi. Il a également créé des illustrations à la gouache pour le Vasárnapi Ujság (Sunday News), le Új Idők (New Times) et Magyar Salon (un magazine mensuel illustré).
Mark Rubovics est un peintre paysagiste hongrois.
Il a étudié la peinture à Vienne, Munich et Paris. Avec Shandor Bihari et Bertalan Karlovský, il a fondé l'école de peinture de Budapest.
Les œuvres les plus célèbres de Rubovitsch représentent le lac Balaton.
En 1912, 1921 et 1929, il se présente avec des expositions de collection au Salon national.
Hubert Sattler était un artiste autrichien qui a également signé des œuvres sous les pseudonymes de Louis Ritschar, E. Grossen et Gottfried Stächli-Richen. Il a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Vienne.
Hubert Sattler a beaucoup voyagé en Europe, au Moyen-Orient et en Amérique latine, et était connu pour ses grands cosmoramas méticuleusement détaillés de villes, de monuments et de paysages de différents pays. Les cosmoramas étaient des expositions de peintures en perspective de divers lieux, souvent des monuments mondiaux ; l'utilisation minutieuse de l'éclairage et des lentilles conférait aux images un grand réalisme.
Egon Schiele était un artiste autrichien, peintre et dessinateur, connu pour son style profondément expressif et sa contribution majeure à l'art du début du XXe siècle. Né en 1890, Schiele est souvent associé à l'expressionnisme, un mouvement qui cherchait à exprimer l'émotion plutôt que de reproduire la réalité objective.
Schiele a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne, où il a rapidement développé un style unique, caractérisé par des lignes ondulantes et une utilisation audacieuse de la couleur. Il était un protégé de Gustav Klimt, un autre artiste autrichien renommé, qui a eu une influence significative sur son travail.
L'œuvre de Schiele est remarquable pour sa capacité à capturer l'intimité, la vulnérabilité et la complexité émotionnelle de ses sujets. Ses autoportraits et ses représentations nues sont particulièrement célèbres pour leur intensité expressive et leur exploration sans compromis de la condition humaine.
Plusieurs de ses œuvres sont exposées dans des musées du monde entier, témoignant de son héritage durable dans le domaine de l'art. Parmi ses œuvres les plus notables, on trouve "Portrait de Wally", "La Femme enceinte" et "Autoportrait". Ces pièces illustrent la gamme de son talent, de la tendresse émotionnelle à la représentation brute de la sexualité et de l'angoisse existentielle.
Pour les amateurs d'art et les collectionneurs, suivre l'évolution des ventes et des expositions concernant Egon Schiele est essentiel pour comprendre l'impact et la valeur de son travail dans le marché de l'art contemporain. Nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour pour rester informé des nouvelles ventes aux enchères et des événements liés à Schiele, garantissant ainsi que vous ne manquerez aucune opportunité de découvrir ou d'acquérir des œuvres de cet artiste exceptionnel.
Ferdinand Schmutzer, éminent graveur, photographe et portraitiste autrichien, est issu d'un riche patrimoine artistique viennois. Son arrière-grand-père, Jacob Matthias Schmutzer, ayant fondé la très estimée "k.k. Kupferstecher-Academie", la créativité était profondément ancrée dans sa famille. Suivant les traces de son grand-père et de son père, Ferdinand a d'abord exploré la sculpture avant de se perfectionner en peinture à la célèbre Académie de Vienne. Un voyage d'étude transformateur aux Pays-Bas a éveillé sa fascination pour les gravures, inspirées par les œuvres de Rembrandt van Rijn. Bientôt, ses portraits exquis de l'élite viennoise sont largement acclamés, des personnalités telles que Sigmund Freud, Albert Einstein, l'empereur François-Joseph, la Philharmonie de Vienne et Karl Lueger posant pour lui.
L'art de Schmutzer transcende les frontières, puisqu'il expose dans le monde entier et reçoit de nombreux prix et distinctions. Pionnier de l'utilisation de grands formats pour la gravure, il a repoussé les limites de cette forme d'art, apportant des innovations à la technique. Devenu membre de la Sécession viennoise en 1901, puis professeur à l'Académie des beaux-arts de Vienne en 1908, l'impact de Schmutzer sur le monde de l'art est indéniable. Son héritage perdure, inspirant les générations futures d'artistes, et il reste une figure emblématique de l'histoire de l'art autrichien.
Nicolas Schöffer est un sculpteur et plasticien français d'origine hongroise.
Il est l'un des principaux acteurs de l'art cinétique, mais surtout de l'art cybernétique, appelé aujourd'hui art interactif, en réalisant les premières œuvres temps réel de l'histoire de l'art.
Après un doctorat de droit et des cours de peinture aux Beaux-Arts de Budapest, il s'installe en 1936 à Paris, où il vit jusqu'à sa mort à 80 ans. Il fréquente alors l'École nationale supérieure des beaux-arts et travaille dans l'atelier de Fernand Sabatté.
Richard Karl Sommer (еn russe: Рихард-Карл Карлович Зоммер) était un artiste russe et soviétique d'origine allemande de la fin du XIXe siècle et du premier tiers du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et aquarelliste.
Sommer est surtout connu pour ses œuvres réalisées en Asie centrale et en Transcaucasie. Il y a peint des scènes domestiques et des scènes de bataille, ainsi que des paysages de monuments architecturaux et de quartiers de vieilles villes. Ses peintures se caractérisent par une composition claire et un souci du détail, combinant les caractéristiques du réalisme et de l'impressionnisme, ce qui les a rendues populaires auprès des collectionneurs et des connaisseurs d'art.
Il est l'un des fondateurs de la Société des beaux-arts de Tiflis.
Marceli Gavrilovitch Suchorowsky (en russe: Марцелий Гаврилович Сухоровский) était un artiste russe du dernier tiers du 19e siècle et du début du 20e siècle. Il est connu comme portraitiste.
Marceli Suchorowsky était particulièrement célèbre pour ses représentations du corps féminin nu dans l'esprit des salons, en particulier son tableau "Nana". Les expositions de ce tableau et d'autres peintures de l'artiste en Russie et à l'étranger étaient accompagnées d'un éclairage spécial, de musique et étaient décorées de draperies, de meubles et de vêtements.
Victor Vasarely, artiste hongrois-français, est reconnu comme le grand-père et le leader du mouvement Op art. Né à Pécs, Hongrie, en 1906, il s'est installé à Paris dans les années 1930 où il a commencé à travailler dans la publicité avant de se tourner vers l'art. Vasarely a expérimenté avec des effets de texture, la perspective, l'ombre et la lumière dès le début de sa carrière, créant des œuvres notables telles que "Zebras" (1937) qui est considérée comme l'une des premières exemples d'Op art.
Sa période graphique initiale a abouti à des œuvres clés telles que "Chess Board" (1935) et "Girl-power" (1934), tandis que durant les années 1944-1947, il a exploré des peintures cubistes, futuristes, expressionnistes, symbolistes et surréalistes. Cependant, c'est son développement de l'art abstrait géométrique, ou Op art, pour lequel il est le plus célèbre. Vasarely a conceptualisé des images cinétiques à travers des panneaux de verre acrylique superposés, créant des impressions dynamiques et mouvantes selon le point de vue de l'observateur. Son œuvre "Tribute to Malevitch" (1954) est un exemple majeur de cette période.
Les années 1955 à 1965 ont été marquées par son brevet pour la méthode des unités plastiques, aboutissant à l'art sériel, un processus créatif basé sur la permutation infinie des formes et des couleurs, remettant en question l'unicité d'une œuvre d'art. Vasarely a également été inclus dans l'exposition "The Responsive Eye" du Museum of Modern Art en 1965, et son travail sur la série Vega illustre son jeu avec des grilles sphériques créant une illusion optique de volume.
En 1938, l'attention de Vasarely aux fissures dans le carrelage du métro parisien a inspiré des dessins à ligne fine de rupture et d'effets de délogement, qui ont été exécutés de mémoire avec un stylo. Cette observation minutieuse de l'environnement quotidien illustre la manière dont les expériences de la vie quotidienne peuvent influencer profondément le travail artistique.
Vasarely a ouvert son premier musée dédié en 1970 à Gordes, exposant plus de 500 œuvres, un témoignage de son influence et de son héritage dans le domaine de l'art optique et cinétique.
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Iosif Zmiï-Miklovchi était un artiste, iconographe et portraitiste ruthène exceptionnel qui a jeté les bases des beaux-arts professionnels en Transcarpatie. Son répertoire comprenait des iconostases, des fresques, des retables, des portraits et des scènes pittoresques de la vie du peuple de Transcarpatie avec une forte touche ethnographique.
Zmiï-Miklovchi a travaillé dans plusieurs villes de Hongrie, laissant sa trace créative dans les peintures murales d'églises. Après son retour de Vienne, il a créé de nombreuses œuvres sur des thèmes religieux et domestiques, notamment des peintures telles que "Mariage de Zemplin", "Lors d'une fête", "Procession pour la consécration de l'eau à l'Épiphanie", et d'autres encore.
Iosif Zmiï-Miklovchi a également familiarisé le monde avec le côté ethnographique des Ruthènes en illustrant le livre "Etnografia Ruthenium" de l'ethnographe slovaque Jan Čaplovič. Ses œuvres pour les autels d'église et les iconostases, ainsi que ses nombreuses autres réalisations créatives, font de lui un artiste notable dans l'histoire de la Transcarpatie.
