Décorateurs Portrait


Guido Ubaldo Abbatini était un peintre italien de la période baroque, né et mort à Città di Castello et à Rome respectivement (1600-1656). Il a été l'élève de Giuseppe Cesari et a également travaillé sous la direction de Gian Lorenzo Bernini et Pietro da Cortona. Abbatini est surtout reconnu pour ses fresques, notamment celles de la chapelle Cornaro à Santa Maria della Vittoria à Rome, où il a peint des nuages de stuc qui ajoutent une dimension théâtrale et dynamique à l'ensemble de l'œuvre de Bernini.
Ses contributions à la chapelle illustrent l'union des arts visuels et architecturaux typique du baroque, marquant un point culminant dans l'histoire de l'art italien de cette période. Abbatini a suivi les ambitions stylistiques de Bernini en fusionnant architecture, sculpture et peinture pour intensifier l'expérience spirituelle et visuelle des spectateurs.
Pour ceux intéressés par l'œuvre de Guido Ubaldo Abbatini et souhaitant recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste, vous pouvez vous inscrire à notre newsletter. Cette inscription vous garantit de rester informé des dernières actualités et opportunités autour de ses œuvres.


Louise Abbéma était une artiste peintre française, sculpteure et designer de l'époque de la Belle Époque, née le 30 octobre 1853 à Étampes et décédée le 29 juillet 1927 à Paris. Elle s'est fait connaître grâce à ses portraits hauts en couleur de la société parisienne et des célébrités de son temps, y compris de la célèbre actrice Sarah Bernhardt. Abbéma a étudié l'art avec des maîtres renommés et a souvent peint des portraits et des scènes de genre influencés par l'impressionnisme.
Son talent lui a valu de nombreuses distinctions, dont la Palme Académique en 1887 et la Légion d'honneur en 1906, faisant d'elle une des premières femmes à recevoir cette honneur. Elle a également été nommée Peintre officielle de la Troisième République. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux salons et elle a reçu une médaille de bronze lors de l'Exposition Universelle de 1900.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve "Le Matin d’avril, Place de la Concorde, Paris" (1894), "Portrait de Jeanne Samary" et divers portraits de Sarah Bernhardt. Ses peintures sont reconnues pour leur style vif et leur technique impressionniste, reflétant la vie sociale et culturelle de son époque.
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Gapar Aïtievitch Aïtiev (еn russe : Гапар Айтиевич Айтиев) était un peintre soviétique kirghize, né le 28 septembre 1912 dans le village de Tuleiken, près de la ville d'Osh. Il est reconnu comme l'un des premiers artistes professionnels kirghizes et a joué un rôle crucial dans le développement des beaux-arts nationaux. Aïtiev a suivi la tradition classique russe de la peinture de paysage tout en incorporant une perception esthétique profondément enracinée dans la culture spirituelle kirghize. Son œuvre reflète un amour profond pour sa patrie, remplissant ses paysages, qu'ils capturent des champs de ferme collective, des nuages dans le ciel, ou le lever du soleil, d'admiration et d'affection.
Le musée Gapar Aitiev Kyrgyz National Museum of Fine Arts, nommé en son honneur, et son studio-musée personnel à Bichkek, offrent un aperçu unique de son héritage. Le studio-musée, dirigé par son fils Satar Aitiev, conserve l'authenticité d'un espace de travail artistique, avec des œuvres datant des années 1940 à 1970, lorsque Aïtiev était le plus actif. Ce lieu offre une plongée dans la culture kirghize à travers les yeux d'Aïtiev, mettant en avant la tranquillité et la paix à travers ses représentations des paysages kirghizes.
Le musée national des beaux-arts porte son nom, enrichissant son exposition de près de 18 000 œuvres d'art, mettant l'accent sur les arts visuels et décoratifs kirghizes. Cela inclut une impressionnante collection d'art russe du XVIIIe au XXe siècle, mais surtout, il célèbre l'héritage et la riche tradition artistique du Kirghizistan, offrant une fenêtre sur la diversité et l'importance des arts et de l'artisanat kirghizes.
Gapar Aïtiev est aussi connu pour avoir été décoré en tant que Héros du Travail Socialiste, Artiste du Peuple de l'URSS, et a reçu plusieurs distinctions pour ses contributions à l'art et à la culture. Pour ses séries de peintures « La Terre des Kirghizes » réalisées dans les années 1960, il a été honoré par le Prix d'État de la RSS de Kirghizie. Son œuvre transcende les genres, bien qu'il soit principalement reconnu comme un paysagiste par vocation, illustrant non seulement la beauté naturelle mais aussi la vie quotidienne et la culture kirghizes avec une profonde humanité et une beauté éternelle.
Pour ceux passionnés par l'art et la culture kirghizes, ou simplement curieux d'explorer le riche héritage laissé par Gapar Aïtiev, une visite à ses musées à Bichkek offre une expérience culturelle inoubliable. Pour rester informé sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gapar Aïtiev, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour.


Boris Izraïlevitch Anisfeld (еn russe: Борис Израилевич Анисфельд), né en 1878 en Bessarabie et mort en 1973 aux États-Unis, était un artiste symboliste et scénographe de renom. D'origine russe, il a vécu une grande partie de sa vie en Amérique. Issu d'une famille juive aisée, Anisfeld a montré un intérêt précoce pour l'art plutôt que pour la musique, contrairement aux souhaits familiaux. Formé à l'école des Beaux-Arts d'Odessa puis à l'académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il a étudié sous la tutelle de maîtres tels que Répine, mais son travail a été fortement influencé par le symbolisme, se distinguant dans des expositions dès le début du XXe siècle.
Anisfeld a été reconnu pour son travail de scénographe, notamment pour les ballets russes, où ses conceptions ont contribué à révolutionner la scénographie théâtrale de l'époque. Il a travaillé avec des figures emblématiques telles que Diaghilev et a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux, de Paris à New York. Sa première exposition personnelle aux États-Unis a eu lieu juste avant la Révolution d'Octobre, marquant le début de sa carrière définitive en Amérique, où il a continué à influencer le monde de l'opéra et de la peinture.
Au-delà de ses contributions à la scénographie, Anisfeld était un peintre talentueux dont les œuvres ont été exposées et collectionnées à l'international. Ses tableaux, imprégnés de symbolisme, montrent une préférence pour les compositions fantastiques et colorées, souvent inspirées de la mythologie, de la nature et de la culture slave.
Pour ceux passionnés par l'art et la scénographie, l'œuvre de Boris Izraïlevitch Anisfeld offre une source d'inspiration intarissable. Ses contributions au monde de l'art sont conservées dans des collections publiques et privées à travers le monde. Pour en savoir plus sur cet artiste exceptionnel, visitez des sites comme Wikipedia ou le catalogue raisonné d'Anisfeld.
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Alexeï Petrovitch Antropov (en russe : Алексей Петрович Антропов) était un artiste russe de renom, spécialisé dans la peinture. Né dans une Russie où l'art commençait à s'épanouir, Antropov est surtout connu pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes, notamment dans le domaine du portrait.
Antropov était un peintre exceptionnel, dont le talent a grandement influencé le développement de l'art russe. Ses œuvres sont appréciées pour leur technique précise et leur capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une profondeur et une sensibilité remarquables. Artiste de la cour, ses portraits de membres de la famille impériale et de hauts dignitaires reflètent un style unique qui combine réalisme et éléments stylistiques de l'époque.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte les portraits de l'impératrice Catherine la Grande, exposés dans de prestigieux musées tels que la Galerie Tretiakov et le Musée Russe. Ces tableaux ne sont pas seulement des chefs-d'œuvre artistiques, mais aussi d'importantes pièces historiques qui offrent un aperçu de la cour impériale russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Antropov représente un investissement précieux et un trésor culturel. Ses peintures sont un témoignage éloquent de l'art du XVIIIe siècle en Russie, marquant une période significative dans l'histoire de l'art du pays.
Nous invitons tous les passionnés d'art et collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Alexeï Petrovitch Antropov. Cette inscription est une opportunité unique de rester informé des dernières découvertes et offres concernant l'œuvre de ce maître de l'art russe.


Anatoliï Afanassievitch Arapov (еn russe: Анатолий Афанасьевич Арапов) était un artiste russe et soviétique du début du XXe siècle, reconnu pour ses talents en peinture, arts graphiques, ainsi que pour son travail dans le théâtre et le cinéma. Né le 21 novembre 1876 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédé le 22 décembre 1949 à Moscou, URSS, Arapov a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art russe grâce à sa participation à la création de films populaires des années 1920-1930 et ses mises en scène dans les principaux théâtres des grandes villes de l'Empire russe, puis de l'URSS.
Son œuvre picturale, évoluant du Symbolisme et du Constructivisme au Réalisme socialiste, couvre une variété de genres incluant le portrait, la nature morte, et le paysage, notamment des vues de parcs anciens et d'architecture russe antique. En tant qu'étudiant, il s'est initialement intéressé à l'art appliqué, au livre et au théâtre, participant à la conception de festivités féériques pour le théâtre national « buffoon ». Sa participation aux expositions "Rose bleue", "Couronne", "Toison d'or", et à l'exposition "Rose écarlate", où il était représenté par son œuvre "Le parc Lefortovo", souligne son implication active dans les cercles artistiques de son époque.
Arapov a également travaillé activement dans le domaine du théâtre dès 1905, concevant des productions dans des théâtres renommés à Moscou et Saint-Pétersbourg. Après 1917, il s'est engagé dans la conception de productions théâtrales dans toute la Russie.
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Amico Aspertini était un peintre, dessinateur et sculpteur italien de la Renaissance, considéré comme l'un des principaux représentants de l'école de peinture bolonaise.
Il s'est formé dans l'atelier familial et a été influencé par les artistes de l'école de Ferrare - Ercole de'Roberti, Lorenzo Costa et Francesco Francia. Peintre et sculpteur, il était également un excellent dessinateur, comme en témoignent les nombreux dessins et esquisses qui nous sont parvenus. Ses contemporains s'émerveillaient de son caractère complexe et impulsif et notaient qu'il travaillait des deux mains en même temps.
Aspertini a peint de superbes portraits ainsi que de nombreuses fresques et retables dans des chapelles et des églises italiennes. Nombre de ses œuvres sont excentriques et éclectiques, voire bizarrement fantastiques, son style complexe anticipant le maniérisme.


Charles Garabed Atamian est un artiste français d'origine arménienne né en Turquie.
Il étudie un temps à l'Académie des beaux-arts de Venise, puis travaille comme chef décorateur dans une fabrique de porcelaine à Istanbul. En 1894, Atamian travaille avec une équipe d'artistes à la décoration du nouveau palais du sultan Abdul-Hamid Il à Yildiz, sur la rive européenne du Bosphore. Il dessine, entre autres, les motifs des carreaux de céramique des murs du palais.
En 1897, Atamian émigre en France et commence à illustrer des livres et des magazines, ainsi qu'à travailler sur les décors de plusieurs théâtres parisiens. À partir de 1903, Atamian participe à diverses expositions avec un succès indispensable. Il peint des paysages, des scènes de mer et de plage avec des enfants (dont quelque 200 tableaux à Saint-Gilles, en Vendée, où il réside chaque année pendant les mois d'été, de 1923 à 1939). Tout au long de sa carrière, il est un excellent portraitiste. Il est devenu membre de la Société nationale des artistes en 1927.


Bele Bachem (de son vrai nom Renate Gabriele Bachem) était une peintre, graphiste, illustratrice de livres, décoratrice d'intérieur et écrivaine allemande. En 1997, Bachem a reçu l'Ordre du mérite de la République fédérale d'Allemagne.
Bachem est considéré comme l'un des artistes allemands les plus importants d'après-guerre et l'un des rares surréalistes de l'illustration de la littérature allemande.


Piotr Vasilievitch Basin (еn russe : Пётр Васильевич Басин), peintre russe né en 1793 à Saint-Pétersbourg et décédé dans la même ville en 1877, est reconnu pour ses œuvres monumentales à thèmes religieux, historiques et allégoriques. Après des études à l'Académie impériale des arts sous la tutelle de Vasily Shebuyev, Basin a passé une décennie en Italie où il a perfectionné sa technique en copiant des maîtres anciens et en créant des œuvres originales, notamment des scènes mythologiques et des portraits.
De retour en Russie, il a réalisé d'importantes commandes pour le palais d'Hiver et d'autres édifices religieux à Saint-Pétersbourg, comme la cathédrale Saint-Isaac et la cathédrale de Kazan, illustrant ainsi son habileté à combiner grandeur artistique et dévotion spirituelle. Ses contributions majeures incluent des peintures pour l'autel de l'église Sainte-Catherine de l'Académie et des figures allégoriques pour le palais d'Hiver après l'incendie de 1837.
Basin a aussi enseigné à l'Académie des arts, où il a influencé une génération de peintres russes jusqu'à sa retraite en 1869, suite à une maladie qui l'a rendu aveugle. Ses œuvres sont conservées dans des collections permanentes telles que celles du Musée Russe, et elles continuent d'attirer l'admiration pour leur profondeur émotionnelle et leur exécution technique.
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Elena Mikhaïlovna Beboutova (еn russe: Елена Михайловна Бебутова) était une artiste russe et soviétique d'origine géorgienne et arménienne du milieu du XXe siècle. Elle est connue comme peintre, graphiste et scénographe.
Elena Béboutova est passée d'une fascination pour le cubisme et le futurisme dans ses premières œuvres à un style plus décoratif et réaliste. En 1917, elle a commencé à travailler à la décoration de spectacles dans divers théâtres de Russie et a organisé une exposition personnelle à Moscou en 1923. De retour en URSS après des voyages d'affaires à Berlin et à Paris, elle devient l'un des membres fondateurs de la société "Four Arts". Son travail au théâtre était étroitement lié aux activités de mise en scène de son frère Valery Bkebutova, leur dernière collaboration étant une production d'Hamlet au théâtre biélorusse de Vitebsk en 1946 et 1955.
Bebоutova est également connue comme modèle pour les portraits réalisés par son mari Pavel Kuznetsov.


Karl Petrovitch Beggrov (еn russe : Карл Петрович Беггров) était un peintre et lithographe russe d'origine allemande, connu pour ses paysages marins détaillés et réalistes. Né à Riga le 15 février 1799, il a étudié à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg sous la direction de Maxim Vorobiev.
Beggrov est réputé pour ses lithographies et ses aquarelles représentant des vues de Saint-Pétersbourg et des environs. Il a également peint les portraits des tsars Alexandre Ier et Nicolas Ier, soulignant son talent pour capturer l'essence de la noblesse russe.
Parmi ses œuvres les plus notables figurent "Vue de la forteresse Pierre-et-Paul" et "Port de Saint-Pétersbourg", qui sont exposées dans plusieurs musées prestigieux de Russie. Ces pièces sont particulièrement prisées pour leur précision et leur beauté.
Les collectionneurs d'art maritime trouvent dans les œuvres de Karl Petrovitch Beggrov des pièces maîtresses de la culture russe. Abonnez-vous à nos mises à jour pour être informé des nouvelles ventes et des événements d'enchères concernant les œuvres de Beggrov.


Pavel Petrovitch Benkov (еn russe: Павел Петрович Беньков) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, décorateur de théâtre et enseignant.
Pavel Benkov a créé des portraits, des paysages, des paysages urbains et des peintures de genre. Dans ses années de maturité, son style peut être qualifié d'impressionniste, avec une attention particulière portée à la couleur et à la lumière. En 1929, il s'est installé en Asie centrale, où son style a pris des caractéristiques uniques, reflétant le paysage et la culture locale. Son œuvre a eu une influence significative sur les traditions picturales de l'Ouzbékistan et de l'Asie centrale.




Georgiï Nikolaevitch Bibikov (еn russe: Георгий Николаевич Бибиков) était un artiste russe et soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur, muraliste et artiste de théâtre de l'école de Leningrad, travaillant dans les genres du paysage, du portrait, de la nature morte et de la peinture thématique.
Georgiï Bibikov a commencé à participer à des expositions d'art en 1920. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Chargeurs", "Les jeunes flottes rouges reçoivent des uniformes", "Salutations aux vainqueurs", "La vérité des tranchées" et d'autres encore. Ses œuvres sont conservées au Musée national russe, dans des musées et des collections privées en Russie, en Ukraine, en Allemagne et en France.


Boris Bilinsky (еn russe: Борис Константинович Билински) était un artiste russo-français, né en 1900 et décédé en 1948, reconnu pour son travail innovant en tant que maître costumier, scénographe, et artiste d'affiches de cinéma. Sa capacité à intégrer le texte dans les images des affiches de cinéma modernes lui a valu d'être considéré comme un pionnier dans ce domaine. Entre 1920 et 1940, Bilinsky a créé environ cinquante affiches de films, notamment pour la version française de "Metropolis" de Fritz Lang, commandée par L'Alliance Cinématographique Européenne (ACE). Cette commission, culminant avec la création de quatre affiches impressionnantes pour "Metropolis", marque un point culminant de sa carrière.
Bilinsky a quitté la Russie en 1920 pour l'Allemagne puis s'est installé à Paris en 1923 où il a étudié la peinture avant de s'orienter vers le cinéma après avoir rencontré l'acteur Ivan Mosjoukine. En 1924, son travail sur les costumes pour "Le Lion des Mogols" l'a propulsé à la renommée, son affiche pour ce film remportant la médaille d'or à l'Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925 à Paris. Il fonde Alboris, sa propre société de publicité cinématographique, en 1928. Durant les années 1930, il se concentre davantage sur la conception de décors et de costumes pour l'opéra et le ballet russe, avant de déménager à Rome avec sa femme italienne au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, où il continue de travailler pour le cinéma italien jusqu'à sa mort prématurée à 47 ans.
Ses œuvres, dont les affiches pour des films français, allemands et russes, ainsi que ses designs pour le cinéma, le théâtre et le ballet, sont conservées dans des collections importantes comme celle de la Cinémathèque Française et la collection de la Houghton Library à Harvard. Ces collections mettent en lumière l'étendue et la diversité de son talent, allant des designs de costumes pour "Casanova" (1927), "Sheherazade" (1928), à des œuvres pour des productions cinématographiques et théâtrales européennes et américaines.
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Mikhaïl Pavlovitch Bobyshov (еn russe: Михаил Павлович Бобышов) était un artiste soviétique russe, né en 1885 et décédé en 1964, reconnu pour ses contributions remarquables en tant que peintre, décorateur de théâtre et artiste graphique. Distingué par le titre d'artiste du peuple de la RSFS de Russie en 1961, Bobyshov a suivi sa formation à l'école de dessin technique central de Stieglitz à Saint-Pétersbourg, sous la recommandation et avec le soutien de Repin. Son œuvre est marquée par une influence significative du groupe d'artistes "Monde de l'Art" après une saison théâtrale russe à Paris, avant de se tourner vers le constructivisme puis de revenir à un art plus réaliste sous la pression des autorités.
Son succès et sa reconnaissance extraordinaires sont venus avec la conception du ballet "Le Cavalier de Bronze" de R. Glière au Grand Théâtre de l'URSS en 1949, suivi par d'autres productions importantes. Outre ses réalisations dans les arts visuels, Bobyshov a également joué un rôle significatif en tant qu'éducateur, enseignant à l'Académie des Arts de Leningrad à partir de 1926 et devenant professeur en 1939, ainsi qu'au Moscow Art Institute entre 1943 et 1947.
Ses œuvres, qui se distinguent par une fine sensibilité au style de l'époque et une qualité graphique décorative, témoignent de sa maîtrise artistique à travers diverses expositions et productions. Pour ceux intéressés par la peinture, la culture, et l'histoire de l'art soviétique, l'héritage de Mikhaïl Pavlovitch Bobyshov demeure une source d'inspiration et d'étude.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Mikhaïl Pavlovitch Bobyshov, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Cela vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres et de participer à la préservation de son héritage artistique.


Ksenia Leonidovna Bogouslavskaïa (en russe: Ксения Леонидовна Богуславская) était une artiste russe du XXe siècle qui a vécu et travaillé en Allemagne et en France pendant la majeure partie de sa carrière. Elle est connue comme peintre, graphiste, décoratrice de théâtre et poétesse.
Ksenia Bogouslavskaïa était une représentante de l'école d'avant-garde. Elle a créé des compositions cubo-futuristes semi-abstraites, notamment des paysages, des natures mortes, des scènes de genre et des images d'intérieurs. Dans le même style, l'artiste a également dessiné des esquisses pour des œuvres d'art appliqué. Elle a également illustré les couvertures de publications et travaillé comme scénographe.


Alekseï Nikolaevitch Borisov (еn russe: Алексей Николаевич Борисов) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, décorateur, scénographe et enseignant.
Alexeï Borisov a abordé une grande variété de sujets dans son œuvre, des paysages et des portraits aux travaux consacrés au mouvement partisan, à l'industrialisation et à la collectivisation en Sibérie, où l'artiste s'est installé. Selon les critiques, ses œuvres se distinguent par leur expressivité, leur respect, leur poésie et leur authenticité. Le maître a laissé un important héritage créatif, comprenant environ 700 œuvres de peinture, de graphisme et d'esquisses décoratives.


Vladimir Loukich Borovikovski (en russe: Владимир Лукич Боровиковский) était un artiste russe d'origine ukrainienne, célèbre pour son rôle prédominant dans le portrait au tournant du XIXe siècle. Né en 1757 à Mirgorod, en Ukraine, il a vécu jusqu'à l'âge de 31 ans avant de déménager à Saint-Pétersbourg, suite à l'invitation de l'impératrice Catherine II qui fut impressionnée par ses œuvres. Borovikovski a bénéficié des leçons privées des peintres Johann Baptist von Lampi et Dmitry Levitzky, ce qui a marqué le début de sa carrière professionnelle en tant que portraitiste. Sa réputation s'est consolidée lorsque, en 1795, il a été nommé académicien, grâce à ses portraits intimes de membres de la famille impériale, de courtisans et d'aristocrates, parmi lesquels on compte environ 500 œuvres, avec 400 ayant survécu jusqu'à aujourd'hui.
Le style de Borovikovski mélangeait le classicisme et le sentimentalisme, capturant l'ideal de beauté de son époque et la diversité des émotions intérieures de ses sujets. Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des portraits de Catherine II, d'Elisabeth Alexeievna, et du prince Kurakin, ainsi que des œuvres religieuses importantes réalisées vers la fin de sa vie, comme l'iconostase de l'église du cimetière de Smolensky et plusieurs icônes pour la cathédrale de Kazan à Saint-Pétersbourg.
En dépit de son succès, la vie personnelle de Borovikovski a été marquée par des défis, notamment son manque de reconnaissance à la cour impériale dans ses dernières années, ce qui l'a éloigné de la peinture de portraits et l'a conduit vers la peinture d'icônes et la vie mystique. Il est décédé subitement d'une crise cardiaque en 1825, laissant derrière lui un héritage artistique qui continue d'inspirer.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire russe, l'œuvre de Borovikovski offre un aperçu fascinant de l'ère sentimentale et de la société russe à l'aube du XIXe siècle. Inscrivez-vous pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Vladimir Loukich Borovikovski.


François Boucher était un peintre, dessinateur et graveur français, célèbre pour ses œuvres incarnant le style Rococo. Né à Paris en 1703, Boucher a reçu sa première formation artistique probablement de son père, puis a brièvement étudié sous la direction de François Lemoyne. Après avoir remporté le Prix de Rome en 1723, il a développé une carrière variée et prospère, recevant de nombreuses commandes royales dès 1735, notamment pour les décorations à Versailles et la conception de tapisseries pour la manufacture de Beauvais.
Ses œuvres, caractérisées par une sensualité et un charme irrésistibles, explorent souvent des scènes pastorales et mythologiques érotiques, tout en démontrant une maîtrise exceptionnelle du paysage et du portrait. Parmi ses patrons les plus notables figure Madame de Pompadour, la maîtresse de Louis XV, qui a grandement influencé la diffusion de son art. François Boucher a également contribué au design pour la porcelaine de Sèvres et Vincennes et a influencé des artistes comme Fragonard.
Pour les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, l'œuvre de François Boucher offre un aperçu fascinant du goût et de l'esthétique du XVIIIe siècle français. Si vous êtes intéressé par des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à François Boucher, je vous invite à vous inscrire à nos mises à jour pour rester informé.


Georges Braque est un peintre français célèbre pour son rôle crucial dans le développement du cubisme aux côtés de Pablo Picasso. Ses œuvres sont connues pour leur construction robuste, leurs harmonies de couleurs discrètes et leur qualité méditative et sereine. Georges Braque a commencé sa carrière artistique dans le style fauviste avant d'être influencé par Paul Cézanne, ce qui l'a conduit au cubisme, une période durant laquelle il a étudié intensément les effets de la lumière et de la perspective.
Les œuvres de Georges Braque reflètent son intérêt pour la géométrie et la perspective simultanée, déconstruisant souvent des structures architecturales en formes géométriques tout en jouant sur la perception de la tridimensionnalité. Sa collaboration avec Picasso a été particulièrement fructueuse, aboutissant à la création de l'Analytic Cubism. Braque a également innové dans le domaine du collage avec la technique du papier collé. Après la Première Guerre mondiale, il a continué à explorer le cubisme, se concentrant sur la représentation d'objets sous différents angles et dans divers plans temporels et picturaux.
Dans ses dernières années, Georges Braque a diversifié ses sujets, peignant des natures mortes, des paysages et explorant des thèmes comme les mythes grecs et la vanité. Ses œuvres tardives montrent un intérêt renouvelé pour la couleur et la texture, reflétant les influences de Picasso et Matisse. Malgré les changements de style et de sujet, Braque est resté fidèle aux principes cubistes de représentation multiperspectiviste jusqu'à la fin de sa vie.
Pour ceux qui sont passionnés par l'art et la collection, les œuvres de Georges Braque offrent une fenêtre fascinante sur l'évolution du cubisme et sur l'histoire de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements d'enchères liés à Georges Braque, vous permettant de rester informé sur les opportunités de collectionner les pièces de cet artiste emblématique.




Karl Brioullov (en russe: Карл Павлович Брюллов), artiste d'origine russe, se distingue comme l'une des figures emblématiques de l'art du XIXe siècle. Reconnu pour son talent exceptionnel de peintre, Brioullov a marqué l'histoire de l'art par son approche novatrice et sa capacité à capturer la beauté et l'émotion humaine avec une intensité rare.
Son œuvre la plus célèbre, "Le Dernier Jour de Pompéi", illustre parfaitement sa maîtrise de la lumière et du mouvement, captivant le spectateur par sa représentation dramatique de l'antiquité. Ce chef-d'œuvre, exposé au Musée Russe de Saint-Pétersbourg, témoigne de son habileté à fusionner art et histoire, faisant de lui une référence incontournable pour les amateurs d'art et les collectionneurs.
Au-delà de "Le Dernier Jour de Pompéi", l'œuvre de Brioullov englobe une variété de sujets, allant des portraits intimes à des scènes historiques grandioses. Ses tableaux sont répartis dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde, chacun attestant de la diversité de son talent et de son influence durable sur l'art européen.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Karl Brioullov offre un voyage fascinant à travers la culture et l'histoire. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Karl Brioullov. Cette souscription vous permettra de rester informé des opportunités uniques d'acquérir des œuvres de cet artiste exceptionnel.


Arthur Brusenbauch était un peintre autrichien. Arthur Brusenbauch a appris de Johann Kautsky et a ensuite travaillé lui-même comme décorateur de scène. Il étudie à Vienne à la Staatsgewerbeschule et à l'Académie des Beaux-Arts, interrompu par le service militaire et l'emprisonnement. En 1920, il devient membre de la Sécession viennoise et, en 1939, il s'installe au Künstlerhaus. En 1928, il avait représenté l'Autriche aux concours d'art des Jeux olympiques de 1928. De 1937 à 1941, il a participé à toutes les grandes expositions d'art allemand à Munich avec sept peintures à l'huile. Là, en 1939, Hitler a acquis l'image de Melk an der Donau dans des décorations de fête. Brusenbauch, qui est attribué à l'impressionnisme tardif, s'est occupé de la peinture à fresque et du graphisme.


Hans-Ulrich Buchwald était un peintre, graphiste, céramiste, scénographe et fabricant de masques allemand. L'ensemble de son œuvre comprend environ 10 000 dessins, gravures sur bois et linogravures, peintures, céramiques, sculptures en bois et masques. Elle se caractérise par une grande diversité de formes d'expression artistique. Buchwald se sentait lié au modernisme classique, qu'il n'a toutefois connu qu'après la guerre. Il s'est inspiré de George Grosz, Pablo Picasso, Edvard Munch, August Macke, Franz Marc, Oskar Schlemmer, Fernand Léger, mais a cherché à créer son propre style dans divers domaines.


Daniel Caffe était un peintre de portraits spécialisé dans le pastel. Caffe a commencé sa carrière comme peintre de décoration architecturale avant de s'orienter vers le portrait, un domaine dans lequel il a excellé après son installation à Dresde. Influencé par l'œuvre néoclassique d'Anton Raphael Mengs, Caffe a été apprécié pour sa capacité à capturer les nuances subtiles des expressions humaines dans ses portraits.
Au cours de sa carrière, Caffe a eu l'opportunité de travailler pour des mécènes russes distingués, tels que le prince Beloselski et l'amiral Fyodor Grigoryevich Orloff, et il est également connu pour avoir réalisé des copies d'œuvres de la Galerie de Dresde. Après dix ans à Dresde, il a déménagé à Leipzig, où il a continué à peindre jusqu'à sa mort.
Daniel Caffe est un exemple remarquable de l'art du portrait au pastel du XVIIIe siècle, reflétant les influences néoclassiques et la transition vers des styles plus personnels et expressifs dans l'art européen de l'époque. Son œuvre reste une source précieuse d'inspiration et d'étude pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
Pour les amateurs d'art et les collectionneurs intéressés par l'œuvre de Daniel Caffe, inscrivez-vous à nos mises à jour pour recevoir des informations exclusives sur les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à ses œuvres. Ce service vous garantira de ne manquer aucune opportunité liée à cet artiste emblématique.


Louis Caravaque était un peintre portraitiste français, reconnu pour son influence marquante dans l'art russe du début du XVIIIe siècle. Né en 1684 à Marseille, il s'est d'abord formé dans l'atelier de son père, un décorateur spécialisé dans la peinture de navires. En 1715, son talent pour les portraits attire l'attention à Paris, ce qui lui vaut un contrat pour la Russie où il deviendra peintre de la cour sous Pierre le Grand.
Caravaque s'est installé à Saint-Pétersbourg où il a vécu jusqu'à sa mort en 1754. Il a eu l'honneur de peindre des portraits importants pour la famille impériale russe, y compris Pierre le Grand et la future impératrice Elisabeth. Ses œuvres sont célèbres pour leur réalisme et leur finesse, reflétant les traits et les émotions de ses sujets avec une grande précision.
Parmi ses œuvres les plus notables, on trouve le portrait de Pierre le Grand à la bataille de Poltava et ceux des princesses Anna Petrovna et Elizaveta Petrovna. Ces portraits sont aujourd'hui conservés au Musée Russe et à l'Ermitage de Saint-Pétersbourg.
Pour ceux intéressés par l'histoire de l'art russe et l'impact des artistes occidentaux comme Caravaque, une visite à ces musées ou une exploration de leurs collections en ligne pourrait s'avérer enrichissante. Pour ceux qui collectionnent ou s'intéressent spécifiquement à l'œuvre de Caravaque, restez informés des nouvelles acquisitions et événements d'enchères en vous inscrivant à des mises à jour. Ces informations vous aideront à ne pas manquer les opportunités d'acquérir des œuvres de ce maître de la peinture portraitiste française en Russie.


Vasiliï Ivanovitch Choukhaev (еn russe: Василий Иванович Шухаев) était un artiste russe et soviétique, né le 24 janvier 1887 à Moscou et décédé le 14 avril 1973 à Tbilissi. Reconnu pour ses contributions en tant que peintre, graphiste, scénographe, et enseignant, Choukhaev a laissé une empreinte indélébile dans le monde de l'art de la fin du XIXe siècle jusqu'à la première moitié du XXe siècle. Il a passé 15 ans en exil, période durant laquelle il a continué à enrichir son œuvre artistique.
L'œuvre de Choukhaev englobe un éventail de genres, y compris le portrait, le paysage, la nature morte, et la scène de genre, marqués par une prédilection pour le néoclassicisme et la stylisation. Parmi ses contributions notables, on compte la réalisation de fresques murales pour des demeures privées à Moscou, en Europe, et au Maroc, ainsi que la conception de décors pour des pièces de théâtre à Paris. Son travail ne se limite pas à la peinture ; il a également contribué au monde du théâtre en tant que scénographe.
Fondateur de l'atelier St. Luke, un syndicat professionnel pour les peintres, Choukhaev a joué un rôle crucial dans le développement artistique de son époque. Ses œuvres ont traversé les frontières, et son influence se fait sentir bien au-delà de sa Russie natale, touchant des pays comme la Géorgie, l'Italie, la France, et le Maroc.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Vasiliï Ivanovitch Choukhaev représentent une fenêtre sur l'histoire de l'art russe et soviétique, offrant des perspectives uniques sur l'évolution des tendances artistiques au XXe siècle. Son héritage continue d'inspirer et de fasciner, illustrant la richesse de la culture et de l'art.
Pour rester informé des ventes aux enchères et des événements liés à Vasiliï Ivanovitch Choukhaev, n'hésitez pas à vous inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit l'accès aux informations les plus récentes sur les œuvres de cet artiste exceptionnel disponibles à l'achat ou à l'enchère.


Ivan Nikolaïevitch Choulga (en russe: Иван Николаевич Шульга) était un artiste ukrainien, russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est reconnu comme un maître de la peinture et du dessin et comme un enseignant. Son nom figure dans le "Unified Art Rating of the 10,000 Best Artists in the World" et dans la liste des 100 artistes les plus remarquables d'Ukraine.
Ivan Choulga a travaillé dans différents genres : il a peint des portraits, des tableaux de genre, des paysages (maritimes, paysagers, architecturaux, industriels), des natures mortes, des panneaux, des dessins pour des cartes postales d'art et des affiches politiques. Son héritage artistique comprend également des images dans le genre du nu et du genre historique. Il a également illustré des magazines et des livres, et conçu des décors de théâtre.
Choulga a travaillé à l'aquarelle, au crayon, à la gouache, à l'encre et à la sanguine, au pastel, à l'huile et à la détrempe.


Hans Christiansen était un peintre allemand, représentant du modernisme classique, décorateur et illustrateur.
Christiansen suit une formation de peintre décorateur à Flensburg, puis à l'École des arts appliqués de Munich, avant d'étudier à l'Académie Julian à Paris. Après un voyage d'étude en Italie en 1889, il s'installe à Hambourg, où il enseigne à l'Université technique.
Parallèlement, Christiansen travaille comme artiste décorateur indépendant et est actif au sein du Volkskunst-Verein. Il est l'un des fondateurs et des premiers résidents de la colonie d'artistes de Darmstadt à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Avec Josef Olbrich et Peter Behrens, il a conçu des meubles, des céramiques, des tapisseries, des vitraux et des affiches graphiques. Il a également conçu sa propre maison dans la colonie, qu'il a appelée Villa Rose, et qui a été détruite pendant la Seconde Guerre mondiale.
À cette époque, l'artiste polyvalent écrit régulièrement pour le magazine Jugend et crée de nombreuses illustrations et couvertures. À partir de 1911, il donne des cours à l'école des arts et métiers de Wiesbaden et est membre de l'association des artistes libres de Wiesbaden.
En 1933, l'œuvre de Christiansen est interdite par le parti nazi allemand en raison de son épouse juive, et il est presque oublié jusqu'à sa mort en 1945.


David Petrovitch Chterenberg (en russe: Давид Петрович Штеренберг) était un artiste russe d'origine ukrainienne, né à Zhitomir et reconnu pour son influence significative dans le monde de l'art au début du XXe siècle. Après avoir étudié l'art à Odessa, Chterenberg a déménagé à Paris en 1906, où il a été influencé par des figures majeures telles que Paul Cézanne et s'est immergé dans le mouvement cubiste. Sa période parisienne lui a permis de côtoyer des artistes tels que Léger et Apollinaire, et il a exposé au Salon d'Automne ainsi qu'au Salon des Indépendants entre 1912 et 1917.
À la suite de la Révolution d'Octobre de 1917, Chterenberg retourna en Russie où il fut rapidement impliqué dans la politique culturelle soviétique, grâce à son lien avec Lunacharsky, le Commissaire du Peuple responsable de la culture. Il fut nommé Commissaire pour les Affaires Artistiques et devint chef du Département des Beaux-Arts du Commissariat du Peuple pour l'Éducation, jouant un rôle clé dans le soutien des avant-gardes artistiques tout en défendant la valeur de l'art de chevalet.
Chterenberg a également pris part à la fondation de l'association d'art OST et a enseigné à l'École d'art et technique supérieure de Moscou (VKhUTEMAS). Son œuvre est caractérisée par une expressivité aiguisée et une composition laconique, souvent centrée sur des natures mortes à la construction spatiale plane. Malgré une reconnaissance initiale, son style indépendant a progressivement perdu la faveur des autorités soviétiques, et son travail a été moins visible publiquement après les années 1930. À sa mort en 1948, il était largement oublié, bien que son travail soit aujourd'hui exposé dans de prestigieuses galeries et musées à Moscou, Saint-Pétersbourg, et Ekaterinburg.
Pour ceux intéressés par l'art, notamment les collectionneurs, l'œuvre de Chterenberg offre un aperçu fascinant de l'évolution de l'art moderne à travers le prisme de l'expérience russo-soviétique. Son engagement envers les mouvements artistiques avant-gardistes et sa capacité à naviguer dans les complexités de la politique culturelle soviétique révèlent l'importance de son héritage dans l'histoire de l'art du XXe siècle.
Pour rester informé des ventes aux enchères et des événements liés à David Petrovitch Chterenberg, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à cet artiste.


Antonio Gómez Cros était un peintre, lithographe et décorateur espagnol.
Antonio a commencé à étudier la peinture à l'Académie des beaux-arts de San Carlos à Valence et a terminé ses études à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. Il était un représentant du premier romantisme avec des signes de classicisme.
Antonio Gómez Cros s'est spécialisé dans les scènes historiques et était un portraitiste reconnu. En 1846, il fut nommé peintre honoraire de la chambre d'Élisabeth II et peignit à ce titre plusieurs tableaux historiques, de bataille et religieux célèbres. L'artiste a également peint des murs et des rideaux dans des palais et des théâtres.


Pedro de Raxis, peintre et dorador espagnol, est célèbre pour son influence significative dans l’École de Grenade. Originaire d'Alcalá la Real, il est membre d'une famille d'artistes éminents. Raxis s'est distingué dans l'art du estofado, une technique combinant peinture et dorure, reconnue pour sa complexité et son esthétisme. Son œuvre se caractérise par un style narratif et un usage vibrant des couleurs, traits distinctifs de l'époque baroque.
Ses travaux majeurs, tels que les retablos de la Cathédrale de Granada et les peintures de l'Iglesia de San Cecilio, témoignent de sa maîtrise technique et de sa capacité à capturer la spiritualité de ses sujets. Ses peintures, notamment «Aparición de la Virgen a San Jacinto» et «Milagro de San Cosme y San Damián», exposées au Museo de Bellas Artes de Granada, illustrent parfaitement cette fusion entre narration religieuse et richesse chromatique.
Pour les collectionneurs et les passionnés d'art, les œuvres de Pedro de Raxis offrent un aperçu fascinant de la culture artistique de la Renaissance espagnole. Si vous souhaitez rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Pedro de Raxis, inscrivez-vous à nos mises à jour.


Mikhaïl Gordeïevitch Deregous (еn russe : Михаил Гордеевич Дерегус), un éminent artiste soviétique et ukrainien spécialisé dans le graphisme et la peinture, est né le 5 décembre 1904 dans le village de Vesëloe, région de Kharkiv. Il a reçu son éducation à l'Institut d'art de Kharkiv, où il a été formé par M. Sharonov, S. Prokhorov, O. Kokel, N. Burachek. Deregous est connu comme un pédagogue talentueux et un actif participant à la vie culturelle, ayant reçu de nombreuses récompenses et titres, y compris celui d'Artiste du Peuple de l'URSS.
Deregous a laissé une empreinte indélébile dans l'histoire de l'art, ses illustrations pour les œuvres de N. Gogol, T. Chevtchenko, L. Ukrainka, M. Vovtchok, ainsi que les dumas ukrainiennes et les chansons historiques étant particulièrement appréciées. Ses œuvres se distinguent par leur lyrisme, intimité et romantisme, ce qui est particulièrement évident dans ses illustrations pour le roman "Guerre et Paix" de L. Tolstoï.
En plus des illustrations, Mikhaïl Gordeïevitch a créé de nombreuses œuvres de peinture importantes, telles que "La fête collective", "La tragédie de Tripolie", "Le conseil de Pereïaslav", ainsi que des séries de peintures dédiées à la steppe ukrainienne et aux héros populaires.
Les œuvres de Deregous sont présentes dans les collections de nombreux musées en Ukraine, en Russie et dans d'autres pays, et ont été exposées dans plus de cent vingt expositions d'art à travers le monde.
Si vous êtes collectionneur ou expert dans le domaine de l'art et des antiquités, nous vous invitons à vous abonner à nos mises à jour afin de ne pas manquer les informations sur les ventes et les enchères liées à l'œuvre de Mikhaïl Gordeïevitch Deregous.


Alexandra Alexandrovna Exter (en russe: Александра Александровна Экстер), née le 6 janvier 1882 à Bialystok (aujourd'hui Bialystok, Pologne) et morte le 17 mars 1949 à Fontenay-aux-Roses, France, est une artiste russo-française de stature internationale qui a vécu entre Kiev, Saint-Pétersbourg, Moscou, Vienne et Paris. Par ses réalisations artistiques, elle a grandement contribué au renforcement des liens culturels entre la Russie et l'Europe et a joué un rôle clé dans l'avant-garde russe.
Ekster a eu une influence particulière sur les mouvements suprématistes et constructivistes et a été une figure majeure du mouvement Art déco. Son style se caractérise par une approche expérimentale, combinant différentes influences culturelles pour créer un style original. Entre 1915 et 1916, elle a travaillé dans des coopératives d'artisanat paysan, a fondé un atelier de formation et de production à Kiev et a été l'un des principaux scénographes du théâtre de chambre d'Alexandre Taïrov.
Ses peintures sont connues pour leur dynamisme, le jeu des couleurs vives et des compositions à la fois ludiques et théâtrales, incorporant des éléments géométriques qui soulignent le désir de dynamisme et de contrastes vifs. Ses créations de costumes, notamment pour le ballet et le cinéma, reflètent la même attention à la couleur, au mouvement et à la structure géométrique qui lui a valu une réputation de créatrice d'avant-garde dans de nombreux domaines.
Exter a également eu une influence significative sur la conception des décors et des costumes, en expérimentant la transparence, le mouvement et l'éclat des tissus. Ses décors de théâtre utilisaient des dimensions multicolores et expérimentaient des structures spatiales, poursuivant ces tendances expérimentales dans ses dernières créations de marionnettes.
Pour recevoir des informations sur Alexandra Alexandrovna Exter, notamment sur la vente de nouvelles œuvres et sur les ventes aux enchères, je vous invite à vous inscrire à notre lettre d'information. Cet abonnement vous tiendra au courant des dernières nouvelles et des opportunités liées à l'œuvre de cette artiste exceptionnelle.


Alekos Fassianos (en grec : Αλέκος Φασιανός), également Alexandre Fassianos, est un peintre, écrivain et poète grec. Il est internationalement connu pour ses peintures figuratives qui représentent le monde contemporain de manière mythologique.


Serge Férat, né comte Sergeï Nikolaevitch Iastrebtsov (en russe : Сергей Николаевич Ястребцов), est un artiste russe et français d'avant-garde, peintre, graphiste et scénographe.
Né dans une famille noble de Moscou, Sergeï Nikolaevitch Iastrebtsov étudie à l'école des beaux-arts de Kiev. En 1902, il s'installe à Paris et entre à l'Académie Julian. En France, il prend d'abord le pseudonyme d'Alexandre Rudnev, puis commence à signer ses œuvres du nom de Serge Ferat. Dans la revue Les Soirées de Paris, il signe ses publications du pseudonyme de Jean Cérusse.
En 1910, Ferat commence à travailler sur des natures mortes, combinant les techniques du cubisme avec les couleurs chaudes du folklore russe. Jusque dans les années 1920, Serge Fera peint dans le style du cubisme de Picasso et sur verre. Serge Ferat a connu et s'est lié d'amitié avec de nombreux artistes européens contemporains, dont Guillaume Apollinaire et Amedeo Modigliani. Dans la production surréaliste des Mamelles de Tirésias d'Apollinaire (Théâtre René Mobel, Montmartre), il a contribué à la conception des décors et des costumes.
Ferat s'occupe de graphisme de livres et de scénographie, est membre du groupe de la Section d'or et collabore à la revue russe Udar. En 1949, il participe à la conception de l'anthologie Poésie des méconnus et, en 1953, son œuvre est exposée à la Grande exposition du cubisme au Musée d'art moderne de Paris.


Rudolf Rudolfovich Frentz (en russe : Рудо́льф Рудо́льфович Фре́нц) était un peintre soviétique et russe, spécialisé dans la peinture, l'aquarelle et l'illustration. Né le 23 juillet 1888 à Marienbourg, il a marqué le monde de l'art avec ses œuvres réalistes, notamment des scènes de batailles et d'animaux.
Formé à l'Académie Impériale des Arts sous la direction de maîtres tels que Vasily Savinsky et Nikolai Samokish, Frentz a développé un style distinctif qui a contribué à la fondation de l'école de peinture de Leningrad. Ses œuvres sont reconnues pour leur dynamisme et leur précision historique, capturant souvent des moments clés de l'histoire russe.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des scènes de batailles héroïques exposées dans des musées prestigieux comme le Musée Russe de Saint-Pétersbourg. Ses peintures ont également été présentées dans plusieurs expositions personnelles à Leningrad et à Saint-Pétersbourg, témoignant de son influence durable sur l'art soviétique.
Les collectionneurs et amateurs d'art peuvent apprécier la richesse de son travail en visitant des galeries ou en participant à des ventes aux enchères où ses œuvres sont régulièrement mises en vente. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes et événements liés à Rudolf Rudolfovich Frentz, inscrivez-vous à notre newsletter.


Adomas Galdikas était un peintre, graphiste, artiste de théâtre et scénographe lituanien.
Adomas Galdikas a peint des paysages, des natures mortes, des portraits et des compositions abstraites. Il est l'auteur de gravures et de livres illustrés. Il créa des décors pour dix-sept productions du Théâtre d'État de Kaunas ; parmi les œuvres théâtrales les plus significatives, outre le Sharunas de Kreve, se trouve l'opéra Gražina de Jurgis Karnavičius (1933).


Frans Geffels, connu en Italie sous le nom de Francesco Geffels, était un peintre, graveur, architecte, scénographe et concepteur flamand de structures éphémères pour des occasions solennelles et festives.


Anatoliï Andreevitch Gorpenko (еn russe: Анатолий Андреевич Горпенко) était un artiste soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, peintre de batailles et portraitiste.
Anatoliï Gorpenko a servi comme artiste de guerre pendant la Grande Guerre patriotique, créant des affiches de propagande et des esquisses de front. Son œuvre comprend des travaux picturaux, notamment des scènes de bataille et des portraits de personnages militaires. Il a également participé à la création de dioramas et de panoramas, et ses œuvres, notamment des vitraux et des mosaïques, ont décoré des monuments et des bâtiments, y compris à Berlin.
Gorpenko a également réalisé des travaux graphiques pour des éditeurs et des magazines et a créé des affiches politiques.


Lado Goudiachvili (еn russe: Ладо Давидович Гудиашвили) était un artiste géorgien du 20ème siècle, réputé pour ses contributions significatives dans le domaine de la peinture, du design de scène, du dessin et de l'illustration. Né en 1896 à Tiflis (aujourd'hui Tbilissi) dans l'Empire russe, et décédé en 1980, Goudiachvili a étudié à l'école de sculpture et de beaux-arts de Tbilisi avant de poursuivre sa formation à l'académie privée de Ronson à Paris. Sa période parisienne fut marquée par des rencontres avec des artistes influents et par son immersion dans le milieu artistique de "La Ruche", un collectif de peintres. Influencé par le symbolisme français et les traditions artistiques caucasiennes et persanes, son œuvre se caractérise par une combinaison de grotesque dramatique et de mystère poétique, souvent centrée sur des allégories mythologiques mettant en scène des figures féminines idéalisées.
Goudiachvili a également marqué le domaine de l'art monumental, notamment avec sa peinture de l'église Kashveti à Tbilisi, un projet qui lui a coûté son poste à l'Académie des Beaux-Arts de Tbilisi et son adhésion au Parti communiste. Son travail en tant qu'illustrateur de livres, décorateur de cinéma et de théâtre, ainsi que ses contributions à la résistance antifasciste à travers ses dessins, témoignent de la diversité de son talent et de son engagement artistique.
Ses œuvres, imprégnées de l'esprit de la vie géorgienne et enrichies par son retour dans son pays natal en 1926, dépeignent souvent des scènes inspirées d'opéras et de ballets ou mettent en scène des actrices en costume, reflétant sa vision du monde comme un théâtre. Malgré les défis politiques et sociaux auxquels il a été confronté, Goudiachvili a laissé un héritage durable qui continue d'inspirer et de fasciner.
Pour ceux intéressés par la collection et l'expertise dans l'art et les antiquités, l'œuvre de Lado Goudiachvili demeure un témoignage vibrant de l'histoire culturelle géorgienne et de son rayonnement au-delà de ses frontières. Pour en savoir plus sur ses ventes d'œuvres et événements d'enchères, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour liées à Lado Goudiachvili.


Georg Christoph Grooth, né le 21 janvier 1716 à Stuttgart et décédé le 8 octobre 1749 à Saint-Pétersbourg, était un artiste peintre allemand réputé pour ses portraits à la cour impériale de Russie. Avant son départ pour la Russie, Grooth a été formé à Dresde et a travaillé brièvement à Gdańsk. En 1741, il s'installe en Russie, où il devient rapidement le peintre de cour d'Élisabeth de Russie, peignant des portraits emblématiques de l'aristocratie russe.
Son œuvre la plus célèbre est probablement le portrait équestre de l'impératrice Élisabeth, habillée en uniforme de colonel du régiment Preobrazhensky, qui symbolise son autorité sur les terres et les mers russes. Grooth a également joué un rôle clé dans la décoration des cérémonies d'État et a été nommé premier inspecteur officiel des galeries d'art à Saint-Pétersbourg, une position qui l'a amené à superviser et restaurer les collections impériales de peintures.
Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections, notamment au Musée Russe et à la Galerie Tretiakov. Grooth a eu une influence notable sur les artistes russes de l'époque, formant des peintres comme Ivan Argounov.
Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères concernant les œuvres de Georg Christoph Grooth, n'hésitez pas à vous inscrire à notre newsletter.


Georg Gsell était un artiste suisse du Baroque, consultant artistique et marchand d'art, réputé pour son influence dans l'art européen et russe du début du XVIIIe siècle. Né à Saint-Gall, il s'est installé à Amsterdam avant d'être recruté par Pierre le Grand en 1716 pour se rendre en Russie. Là, il est devenu le premier conservateur de la galerie d'art impériale fondée en 1720. Sa femme, Maria-Dorothea Merian, fut également une conservatrice reconnue.
Gsell est surtout connu pour son travail de catalogage de la Kunstkamera, dont le manuscrit a été redécouvert récemment, offrant un aperçu précieux de la collection initiale de ce musée. Sa contribution à la culture et à l'art russe est notable, consolidant le pont entre les influences artistiques occidentales et russes de l'époque.
Ses œuvres, principalement des portraits et des scènes de nature morte, reflètent l'élégance et la précision du style baroque. Certaines de ses œuvres ont été présentées et vendues lors de diverses enchères, soulignant son importance historique et artistique continue.
Pour ceux intéressés par l'art et l'histoire artistique de Georg Gsell, et souhaitant recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et événements d'enchères liés à ses œuvres, inscrivez-vous pour des alertes spécifiques à cet artiste. Ce service vous tiendra informé des dernières opportunités de collectionner ses œuvres uniques et influentes.


David Hockney, artiste britannique renommé, est célèbre pour son influence marquante dans le mouvement de l'art pop des années 1960. Spécialisé dans la peinture, le dessin, la gravure et la photographie, Hockney a su capturer l'essence de la culture et de l'art de son époque avec une vivacité et une perspective unique. Sa capacité à jouer avec les perspectives et à intégrer des éléments de la vie quotidienne dans son œuvre a fait de lui une figure emblématique dans le monde de l'art contemporain.
L'une des caractéristiques spéciales de l'œuvre de Hockney est son exploration audacieuse de la couleur et de la lumière, qui transparaît particulièrement dans ses paysages et ses piscines californiennes. Ces œuvres, avec leurs vives palettes de couleurs et leur traitement innovant de l'espace et de la perspective, ont non seulement défini une époque mais continuent d'influencer les artistes contemporains.
Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve "A Bigger Splash" et "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)", qui sont exposées dans des musées de renommée mondiale tels que la Tate Britain à Londres et le Centre Pompidou à Paris. Ces peintures illustrent parfaitement la manière dont Hockney combine technique traditionnelle et approche moderne pour créer des images mémorables et captivantes.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de David Hockney représente non seulement un investissement de choix mais aussi l'acquisition d'une part de l'histoire de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à David Hockney. Cette inscription est une opportunité unique de rester informé des dernières opportunités de collectionner les œuvres de cet artiste exceptionnel.


Alexandre Iacovleff (en russe: Александр Евгеньевич Яковлев), peintre russe naturalisé français, est célèbre pour ses œuvres capturant l'essence de l'Afrique et de l'Asie grâce à ses talents diversifiés en peinture, dessin, et illustration.
Né à Saint-Pétersbourg en 1887 et décédé à Paris en 1938, sa formation à l'Académie des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg et son héritage familial riche de personnalités créatives ont façonné son parcours artistique.
Il est reconnu pour sa participation en tant que peintre officiel dans l'expédition de la Croisière noire, financée par André Citroën, qui l'a vu traverser l'Afrique pour documenter ses paysages et peuples. Ses œuvres, résultant de ces voyages, ont été exposées à grand succès à Paris et Bruxelles, et sont conservées dans des musées prestigieux tels que le Musée des Années Trente à Boulogne-Billancourt, le Centre Pompidou, et la Tate Gallery.
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Gueorgui Iakoulov (en russe: Георгий Богданович Якулов) était un artiste soviétique d'origine arménienne, actif dans les domaines de la peinture, du graphisme, de la décoration et de la scénographie. Né à Tbilissi et formé à Moscou, il s'est illustré par son approche novatrice, mêlant influences orientales et occidentales, et par sa participation active à l'avant-garde russe. Iakoulov a collaboré avec des mouvements tels que le cubisme, le futurisme et le constructivisme, sans toutefois s'y limiter strictement, cherchant toujours une expression personnelle.
Son œuvre se caractérise par une quête constante d'innovation, explorant les interactions entre lumière et couleur, et la synthèse entre les cultures de l'Est et de l'Ouest. Iakoulov a développé la "théorie des soleils multicolores", reflétant son intérêt pour les effets de la lumière sur la perception des couleurs et des styles dans l'art, une réflexion partiellement alignée avec l'orphisme de Robert Delaunay.
Parmi ses réalisations notables, sa contribution à la scénographie du Café Pittoresque à Moscou met en évidence son talent pour transformer les espaces en expériences immersives. Cette œuvre, réalisée avec la collaboration de figures du constructivisme russe, souligne sa capacité à créer des environnements artistiques innovants et engageants.
Pour les passionnés d'art et les collectionneurs à la recherche d'œuvres uniques, l'héritage de Gueorgui Iakoulov offre une fenêtre fascinante sur l'avant-garde russe et l'intersection entre différentes cultures artistiques. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gueorgui Iakoulov, garantissant ainsi un accès privilégié à des pièces rares et significatives de cet artiste visionnaire.


Feodosiï Ivanovitch Ianenko (еn russe : Феодосий Иванович Яненко), artiste peintre russe du XVIIIe siècle, a marqué son époque par ses œuvres religieuses et ses portraits. Né en 1762, Ianenko a été formé à l'Académie impériale des beaux-arts sous la tutelle de Gabriel Ignatievich Kozlov. Il s'est distingué rapidement par son talent, notamment en 1795, lorsqu'il fut reconnu pour ses études de la figure humaine nue, une réalisation qui lui a valu le titre d'académicien deux ans plus tard.
L'une de ses œuvres les plus célèbres, "Voyageurs dans la tempête", conservée au musée de l'Académie, illustre son habileté à capturer l'intensité des expressions humaines et la fureur de la nature. Outre ses tableaux de scènes dramatiques, Ianenko a largement contribué à la décoration de la cathédrale Kazan à Saint-Pétersbourg, où ses œuvres religieuses reflètent son profond sens de la spiritualité et son attention aux détails iconographiques.
Son talent pour le portrait est également reconnu dans le portrait de l'empereur Paul I, exposé à la galerie Tretiakov. Cette œuvre démontre sa capacité à transmettre l'autorité et la complexité du personnage représenté. Les contributions de Ianenko à l'art russe restent influentes; ses tableaux sont exposés dans des institutions de renom telles que la galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
Pour rester informé des dernières œuvres et ventes aux enchères liées à Feodosiï Ivanovitch Ianenko, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous garantit l'accès exclusif aux nouvelles liées à ses pièces d'art et événements, vous permettant ainsi de saisir des opportunités uniques. Ne manquez pas cette chance de découvrir plus profondément l'œuvre de Ianenko.


Stepan Petrovitch Iaremitch (en russe: Степан Петрович Яремич) était un peintre, critique d'art et écrivain russe, né en 1869 et décédé en 1939. Il est notamment connu pour avoir été l'un des fondateurs et membres de l'union artistique "Mir Iskusstva", aux côtés de figures emblématiques comme L. Bakst, A. Benua, et I. Bilibin. Iaremitch a marqué le monde de l'art par ses œuvres et sa contribution à la critique d'art, révélant une profonde compréhension de la culture artistique de son époque.
Au cours de sa carrière, il a participé à la VIIe Exposition des Peintures de l'Union des Artistes Russes, où il a présenté des œuvres telles que "Rider", "View from the Outskirts of St. Petersburg", et "Twilight (Venice)". Ces œuvres témoignent de sa capacité à capturer tant l'esprit de son temps que l'essence des paysages et des scènes urbaines.
Son travail en tant qu'artiste est encore reconnu aujourd'hui, avec des œuvres présentes sur le marché de l'art et faisant l'objet d'évaluations et de ventes aux enchères. Cela souligne l'impact durable de son art et l'intérêt qu'il suscite auprès des collectionneurs et des connaisseurs.
Pour ceux qui souhaitent en apprendre davantage sur Stepan Petrovitch Iaremitch et peut-être découvrir ses œuvres en vente, il est recommandé de consulter des plateformes spécialisées dans l'art comme Artprice et askART, qui offrent des informations détaillées sur les œuvres disponibles et leurs estimations.
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Jörg Immendorff était un peintre et sculpteur allemand, scénographe et décorateur, membre du mouvement artistique New Wild.
Immendorff peignait par cycles qui duraient souvent des années et étaient de nature politique. Sa série de seize grandes peintures "Café Deutschland" (1977-1984) est célèbre. Dans ces tableaux colorés, de nombreuses discothèques symbolisent le conflit entre l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest.
Immendorff a préparé plusieurs productions théâtrales et a conçu les décors des opéras Electra et The Rider's Progress. Les 25 peintures d'Immendorf ont été sélectionnées en 2006 pour la bible illustrée.


Charles Jouas, né Charles Alfred Auguste Jouas, est un peintre, illustrateur, dessinateur et graveur français.
Charles étudie la peinture dans des ateliers avec différents artistes et travaille sur des décors de théâtre. En 1896, il rencontre le célèbre bibliophile Henri Beraldi, et cette rencontre est décisive : l'artiste a des commandes prometteuses. Commence alors une longue collaboration avec le graveur Henri Paillard (1846-1912).
Charles Jouas se spécialise dans les paysages urbains de Paris et, à partir des années 1890, travaille comme illustrateur de livres rares. Il commence ensuite à graver ses propres dessins et à expérimenter l'eau-forte, et devient président de la section des gravures de la Société Nationale des Beaux-Arts.


Paul Kayser était un peintre et un artiste graphique allemand. Après une formation de peintre-décorateur, Kayser a fréquenté les écoles d'art appliqué de Munich et de Dresde.
Paul Kayser est membre fondateur du Club des artistes de Hambourg 1897 et de la Sécession de Hambourg, et membre de l'Association des artistes de Hambourg et de l'Association des artistes d'Altona. Son style a été influencé de manière décisive par Albert Marquet, que Kaiser a rencontré en 1909.
En 1937, les natures mortes de Kaiser ont été confisquées au musée de Husum dans le cadre de la campagne nazie "Art dégénéré".


Alexandre Mikhaïlovitch Kichtchenko (en russe: Александр Михайлович Кищенко) était un artiste soviétique et biélorusse de la seconde moitié du XXe siècle. Il est surtout connu comme peintre muraliste.
Alexandre Kichtchenko est considéré comme l'un des artistes bélarussiens les plus célèbres du XXe siècle, et ses œuvres sont de précieux atouts pour la culture bélarussienne. Il a travaillé dans tous les genres de la peinture décorative de chevalet et monumentale, et a créé des centaines d'œuvres au cours de sa carrière, y compris des peintures philosophiques et des portraits. L'artiste était également compétent en matière de mosaïque, de céramique et de tapisserie.


Serge Kislakoff est un artiste décorateur français d'origine russe. Il est l'auteur de nombreuses affiches de films.
Serge Kislakoff a peint des vues et scènes de ville (Montmartre, boulevards parisiens, carnavals de Nice et de Cannes), des paysages, des vues portuaires (sud de la France, Suède), des sujets religieux inspirés de la peinture russe ancienne. Il a également participé à la restauration de peintures d'églises.


Fernand Khnopff, de son nom complet Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff, était un peintre, graphiste, sculpteur et historien d'art symboliste belge.
Né dans une famille aisée, Fernand a fréquenté l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, où il a étudié la peinture avec Xavier Mellerie. Pendant ses années à l'académie, Khnopff passe ses étés à Paris pour étudier l'art, et à l'exposition universelle de 1878, il voit les œuvres du préraphaélite Edward Burne-Jones et du symboliste Gustave Moreau, qui ont une influence décisive sur son travail.
Au début des années 1880, Khnopff commence à exposer ses œuvres symbolistes, souvent inspirées d'œuvres littéraires, en particulier de Gustave Flaubert. Ses peintures allient un réalisme précis à une atmosphère éthérée de conte de fées, et il peint également des portraits.
En 1883, Khnopff est cofondateur des Vingt, un groupe d'artistes belges d'avant-garde. À partir du début des années 1990, il travaille régulièrement avec l'opéra de Bruxelles, le Royal de la Monnaie, et conçoit les costumes et les décors de nombreuses productions. Il a également conçu les intérieurs de bâtiments emblématiques de Bruxelles : la Maison Stoclet et l'Hôtel de Ville de Saint-Gilles.


Stepan Fyodorovich Kolesnikov (еn russe: Степан Фёдорович Колесников) était un artiste russe remarquable, né en Ukraine en 1879 et ayant passé une grande partie de sa vie en Serbie. Issu d'une famille paysanne dans l'Empire russe, son talent artistique fut reconnu dès son jeune âge. Kolesnikov a débuté ses études d'art à l'École d'Art d'Odessa, où, grâce à son excellence, il put intégrer l'Académie Impériale des Beaux-Arts sans examen préalable. Ses œuvres, principalement en huile et en gouache, ont été hautement estimées par Ilya Repin, un des plus éminents artistes russes de l'époque.
Après la Révolution de 1917, Kolesnikov a émigré dans les Balkans, s'établissant finalement à Belgrade en 1920, où il a vécu en immigrant pour le reste de sa vie. En Serbie, il fut chaleureusement accueilli à la cour royale et se vit confier la direction de travaux de restauration de nombreuses peintures et fresques. Ses sujets favoris étaient la nature du sud de la Russie et de l'Ukraine, notamment les paysages de neige qui fond, les inondations et les jours de printemps, ainsi que des compositions domestiques peuplées de personnes et d'animaux. Pendant la Première Guerre mondiale, il se tourna vers les thèmes militaires, créant une série d'œuvres qui suscitèrent une réponse positive.
Parmi ses contributions notables, Kolesnikov a également effectué plusieurs voyages d'étude en Macédoine entre 1920 et 1940, laissant derrière lui des œuvres telles que le dessin « Basar à Skopje ». Membre de la société russe « Communauté des Artistes » et de la société européenne « Leonardo da Vinci », sa maladie de Parkinson marqua ses douze dernières années avant qu'il ne décède à Belgrade en 1955. Ses restes reposent dans la nécropole russe du Nouveau Cimetière de Belgrade.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Kolesnikov offre une fenêtre unique sur les paysages et les cultures qui l'ont inspiré tout au long de sa vie.
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Iouri Konstantinovitch Korolev (en russe : Юрий Константинович Королёв), né le 3 avril 1929 à Moscou, URSS, et décédé le 24 décembre 1992, est un peintre soviétique réputé pour son approche monumentaliste de l'art. Son éducation artistique s'est étendue de l'école secondaire d'art de Moscou jusqu'à l'Institut des arts appliqués et décoratifs de Moscou, où il a étudié sous la tutelle d'artistes éminents tels que A. A. Deineka. Sa contribution majeure à l'art soviétique inclut des œuvres monumentales et décoratives, mettant en lumière des peintures, des mosaïques, et des vitraux, soulignant ainsi son habileté à travailler avec divers matériaux et techniques.
Ses réalisations ont été reconnues par de nombreux titres et récompenses, incluant celui d'Artiste du peuple de l'URSS en 1985, et il a reçu à titre posthume le Prix d'État de la Fédération de Russie en 1995 pour sa restauration, sa reconstruction et la nouvelle construction de la Galerie Tretiakov, dont il a été directeur de 1980 à 1992.
Parmi ses œuvres notables, on compte "Le 50e anniversaire de l'URSS" et "La joie du travail", des compositions qui témoignent de son talent pour créer des œuvres expressives et rythmiquement organisées. Ces œuvres sont des exemples éloquents de son style unique, qui a marqué l'art soviétique et continue d'inspirer les générations futures. Son travail est conservé et exposé dans des lieux prestigieux, comme la Galerie Tretiakov, où ses contributions à l'art monumental continuent d'être célébrées.
Pour ceux qui s'intéressent à l'héritage et aux œuvres de Iouri Konstantinovitch Korolev, une inscription pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à son travail est vivement recommandée. Cela permettra aux collectionneurs et aux experts en art et antiquités de rester informés des opportunités uniques de posséder une partie de son héritage artistique.


Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (en russe: Борис Михайлович Кустодиев) était un artiste peintre russe, connu pour ses portraits et ses représentations vivantes de la vie russe. Né en 1878, son œuvre se distingue par sa capacité à capturer l'esprit et la culture de son époque, faisant de lui une figure emblématique dans le monde de l'art et de la culture.
Koustodiev avait un talent particulier pour illustrer la vie quotidienne avec une palette de couleurs vives et une attention particulière aux détails, ce qui rendait ses œuvres à la fois riches et captivantes. Ses tableaux, tels que « La Foire de Shrovetide » et « Le Marchand de tissus », sont célèbres pour leur représentation joyeuse et colorée de la société russe, offrant un aperçu unique des traditions et des modes de vie de l'époque.
Au-delà de ses scènes de genre, Koustodiev a également produit des portraits remarquables, capturant l'essence de ses sujets avec profondeur et sensibilité. Ses œuvres sont exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, attestant de son importance et de sa reconnaissance internationale dans le domaine de l'art.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Boris Mikhaïlovitch Koustodiev reste une source d'inspiration et un témoignage précieux de l'histoire culturelle russe. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de nouveaux produits et les événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel, vous permettant de rester informé des opportunités uniques de compléter votre collection avec des œuvres de ce maître de l'art russe.


Pavel Kouznetsov (en russe: Павел Варфоломеевич Кузнецов), artiste russe de renom, a marqué de son empreinte le monde de l'art et de la culture. Né dans l'Empire russe, Kouznetsov est surtout connu pour ses contributions significatives en tant que peintre, où il a su capturer l'essence de la Russie à travers ses œuvres.
Kouznetsov n'était pas qu'un simple artiste ; il était un innovateur, un pionnier qui a exploré de nouveaux territoires artistiques. Ses œuvres se distinguent par leur utilisation audacieuse de la couleur et leur capacité à évoquer une profondeur émotionnelle, capturant l'esprit de son époque tout en restant intemporelles. Il était membre du mouvement symboliste russe et a également contribué au développement du mouvement "Mir Iskousstva" (Le Monde de l'Art), influençant profondément l'art et la culture de son pays.
Les œuvres de Kouznetsov sont exposées dans les plus grands musées et galeries d'art du monde, témoignant de leur importance et de leur reconnaissance au niveau international. Ses peintures, qui illustrent souvent des scènes de la vie russe traditionnelle ainsi que des paysages mystiques, continuent d'inspirer les amateurs d'art et les collectionneurs.
Pour les passionnés d'art et les experts en antiquités, l'œuvre de Pavel Kouznetsov demeure une source d'inspiration constante. Sa maîtrise de la couleur et sa capacité à capturer l'âme de la Russie font de lui un artiste incontournable pour toute collection digne de ce nom.
Ne manquez pas l'opportunité de découvrir les ventes et les événements d'enchères liés à Pavel Kouznetsov. Inscrivez-vous dès maintenant pour recevoir des mises à jour exclusives qui vous alerteront uniquement sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères concernant l'œuvre de cet artiste exceptionnel. Profitez de cette chance unique de plonger dans l'univers de l'art russe et d'enrichir votre collection.




Elizaveta Sergueïevna Krouglikova (еn russe: Елизавета Сергеевна Кругликова), née en 1865 et décédée en 1941, était une artiste russe spécialisée dans la gravure et la peinture de figures. Elle a passé de nombreuses années à Paris où elle a perfectionné son art, notamment à l'Académie Colarossi et l'Académie Vitti. Elle est connue pour avoir réintroduit des techniques d'impression plus anciennes comme la mezzotinte et l'aquatinte, mais elle était surtout reconnue pour ses monotypes.
Après avoir établi son propre studio à Paris en 1900, elle a étudié la gravure et a également enseigné à l'Académie de La Palette après 1909. Lorsque la Première Guerre mondiale a éclaté, elle est retournée à Saint-Pétersbourg et a contribué à la fondation du Théâtre d'État des marionnettes en 1919, où elle a également conçu des marionnettes. Ses œuvres ont été exposées tant dans l'Union soviétique qu'à l'étranger, y compris à la Biennale de Venise en 1928.
Ses œuvres sont présentes dans plusieurs collections prestigieuses, dont le British Museum, qui possède des gravures telles que "Etude d'automne", "Enfant à la poupée" et "Un coin de Paris". Malgré son importance, il semble que sa présence dans les musées français comme le Musée d'Orsay soit plus liée à des documents de référence qu'à des œuvres exposées.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par Elizaveta Krouglikova, ses œuvres offrent un aperçu unique de la vie artistique européenne et russe du début du XXe siècle. Son talent en peinture et en gravure et sa capacité à renouveler des techniques traditionnelles font d'elle une figure notable de la culture artistique de son temps.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Elizaveta Sergueïevna Krouglikova, nous vous invitons à vous inscrire aux mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles œuvres disponibles et d'approfondir votre connaissance de cette artiste remarquable.


Nikolaï Krymov (en russe: Николай Петрович Крымов) était un peintre et théoricien de l'art russe, reconnu pour sa contribution importante à la peinture paysagiste du XXe siècle. Né dans une famille artistique, il a débuté son éducation artistique sous la tutelle de son père avant de poursuivre à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou.
Au cours de sa carrière, Krymov s'est distingué par ses paysages provinciaux, reflétant une profonde connexion avec la campagne russe. Influencé initialement par le folklore primitif, son style a évolué vers une approche plus classique, mêlant réalisme et émotion, capturant la beauté et la simplicité de la nature russe. Ses œuvres sont célèbres pour leur finesse d'exécution et l'effet décoratif, avec des exemples notables présents dans les collections de la Galerie Tretiakov et du Musée Russe d'État.
Krymov a également marqué le monde artistique par son enseignement et ses théories artistiques, influençant les générations futures.
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Kurt-Hermann Kühn est un peintre et graphiste allemand. Il a suivi une formation de décorateur et a étudié de 1946 à 1952 à l'Académie des arts graphiques et de l'imprimerie de Leipzig et à l'Académie des beaux-arts et des arts appliqués de Berlin.
Kurt-Hermann Kühn a voyagé en Syrie et en Égypte. Ces voyages se reflètent dans nombre de ses peintures. Outre ses nombreux travaux de peinture et de graphisme, il a réalisé de nombreuses peintures murales de grand format, principalement des fresques. Ses portraits de femmes et ses dessins érotiques ont également attiré l'attention de la critique.


John La Farge est un peintre, muraliste, auteur de vitrail, décorateur et écrivain américain.
Sa première peinture murale fut réalisée dans la Trinity Church de Boston en 1873. Elle fut suivie par ses décorations dans l'église de l'Ascension et de la chapelle St. Paul (université Columbia), à New York. Pour le Capitole de l'État du Minnesota à Saint Paul il exécuta, à l'âge de 71 ans, quatre grandes baies vitrées représentant l'histoire du droit, et pour l'édifice de la Cour suprême à Baltimore, une série semblable ayant pour thème la Justice. De plus, il a fait de nombreuses autres peintures et aquarelles, notamment durant ses voyages en Orient et au Pacifique Sud.
Il fut l'un des sept membres fondateurs de l'Académie américaine des arts et des lettres à sa fondation en 1904.


Gerard de Lairesse était un peintre, graveur et théoricien de l'art néerlandais, reconnu pour son influence majeure sur le classicisme dans les Provinces-Unies. Né à Liège, il s'est installé à Amsterdam où son œuvre a embrassé un vaste éventail de thèmes, incluant des sujets mythologiques, religieux et historiques. De Lairesse était particulièrement admiré pour sa maîtrise de la composition, son utilisation raffinée de la couleur et sa capacité à transmettre une luminosité et une clarté exceptionnelles dans ses tableaux.
Son travail en tant que théoricien de l'art, notamment à travers son ouvrage "Grondlegginge ter Teekenkonst" (Fondements de l'art du dessin), a eu un impact profond sur l'art néerlandais, guidant les générations futures vers un idéal classique. De Lairesse était également un décorateur accompli, ayant conçu des intérieurs élégants pour les maisons patriciennes d'Amsterdam, ce qui témoigne de sa polyvalence artistique.
Ses œuvres sont exposées dans des musées de renommée mondiale, comme le Rijksmuseum à Amsterdam et la National Gallery de Londres, offrant aux amateurs d'art l'opportunité d'apprécier son talent exceptionnel. De Lairesse reste une figure emblématique de l'Âge d'or néerlandais, son héritage perdurant à travers ses peintures, ses gravures et ses écrits théoriques.
Pour ceux intéressés par l'art, la culture et l'histoire, découvrir Gerard de Lairesse offre une perspective enrichissante sur le classicisme et son évolution aux Pays-Bas. Nous invitons les collectionneurs et les experts en art et antiquités à s'inscrire pour des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à cet artiste remarquable. Cette souscription vous assurera de ne pas manquer les dernières opportunités d'acquérir des œuvres de l'un des maîtres de la peinture classique néerlandaise.


Marie Laurencin était une artiste-peintre figurative française, reconnue pour son association étroite avec l'art moderne et l'École de Paris. Née le 31 octobre 1883 à Paris et décédée le 8 juin 1956 dans la même ville, Laurencin a marqué le monde de l'art par sa participation au mouvement cubiste, bien qu'elle ait développé une approche unique de l'abstraction centrée sur la représentation des femmes et des portraits féminins. Ses œuvres, caractérisées par l'utilisation de couleurs pastel et de formes courbes, visaient à explorer les thèmes de la féminité et de la représentation féminine.
Laurencin est également connue pour être l'une des rares femmes peintres cubistes, aux côtés de figures telles que Sonia Delaunay, Marie Vorobieff et Franciska Clausen. Sa relation étroite avec des artistes majeurs comme Pablo Picasso et Georges Braque a influencé son travail, tout en lui permettant de forger son propre chemin artistique, distinct des normes cubistes traditionnelles. L'œuvre de Laurencin a été appréciée pour son esthétique délibérément féminine, utilisant des couleurs pastel et des bords doux pour représenter la paix, la beauté et la docilité féminines.
Parmi ses œuvres notables, on trouve "Le Bal des jeunes filles", "Les Jeunes Filles", "Portrait de Mademoiselle Chanel" et de nombreuses autres œuvres qui sont exposées dans des musées et galeries à travers le monde. En 1983, pour célébrer le centenaire de sa naissance, le Musée Marie Laurencin a ouvert ses portes dans la préfecture de Nagano au Japon, abritant plus de 500 de ses œuvres et des archives.
Marie Laurencin a laissé un héritage durable dans le monde de l'art, non seulement pour son talent et son innovation artistique, mais aussi pour avoir navigué et réussi dans un domaine dominé par les hommes. Son travail continue d'inspirer et de fasciner les collectionneurs, les experts en art et les amateurs d'antiquités.
Pour rester informé des dernières mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Marie Laurencin, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit un accès privilégié aux informations les plus récentes et pertinentes, sans superfluités, directement liées à l'univers de cette artiste emblématique.


Charles Le Brun était un peintre, dessinateur et décorateur en chef du château de Versailles.
Issu d'une famille cultivée et respectée, Charles a été formé à la peinture en Italie et ses talents ont rapidement été appréciés dans les plus hautes sphères de la France. En 1660, Le Brun peint "La famille de Darius devant Alexandre", ce qui lui vaut la réputation d'un brillant peintre français, et en 1664, il est nommé premier peintre du roi. Par la suite, il reçoit de plus en plus de commandes et d'honneurs.
À partir de 1662, Le Brun contrôle tous les projets artistiques de la cour royale. Au château de Versailles, Lebrun a créé de magnifiques décorations : l'escalier des ambassadeurs, la galerie des glaces, le salon de la paix et le salon de la guerre. Dans chacune de ses créations, il met en valeur les réalisations du roi. Il est également responsable de la décoration des appartements d'État, confiée aux plus grands artistes de l'époque, qui travaillent d'après ses dessins. Le Brun conçoit également la plupart des statues du parc de Versailles. Cette œuvre gigantesque lui vaut d'être considéré comme un véritable génie du XVIIe siècle, ainsi que comme l'un des fondateurs, des idéologues et des principaux représentants du "grand style" classique de l'époque du roi Louis XIV.
En 1648, Le Brun devient membre fondateur de l'Académie royale de peinture et de sculpture et, en 1663, il est nommé directeur de la Manufacture de tapisseries. Charles Le Brun n'est pas seulement le créateur du "grand style", il a également contribué à la renaissance du classicisme dans l'académisme.





































































































