Illustrateurs 21e siècle
Richard Adams est un artiste et illustrateur britannique qui vit et travaille dans le Sussex.
Adams a obtenu un diplôme de graphisme à l'école polytechnique de Leicester et a d'abord travaillé comme illustrateur à Londres. Richard Adams crée toutes ses peintures à l'aide de pastels à la craie, puis les fixe et les imprègne d'un vernis spécial qui laisse une surface impénétrable. Il dépeint une variété de paysages anglais et de bords de mer, souvent peuplés de personnages et d'animaux excentriques, ainsi que des scènes domestiques amusantes. L'artiste réussit à transmettre l'humour et l'absurdité de la vie quotidienne dans un style anglais à la fois ancien et contemporain.
Les œuvres d'Adams sont régulièrement exposées à Londres et dans d'autres villes du Royaume-Uni, où elles sont très appréciées, et à l'étranger, à Sydney, Washington DC, Brême et Madrid.
Vladimir Ivanovitch Akoulov (en russe: Владимир Иванович Акулов) est un artiste biélorusse soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste et enseignant, représentant de la deuxième vague de l'avant-garde biélorusse.
Dans son œuvre, Vladimir Akoulov a développé un style unique influencé par l'expressionnisme, le cubisme, le primitivisme et le fauvisme. Il est passé maître dans l'art du portrait, du paysage, de la nature morte, des compositions aux sujets symboliques et allégoriques, des illustrations d'œuvres littéraires. Tout au long de sa carrière, l'artiste a créé plusieurs cycles de portraits, y compris de personnes célèbres.
Saleh al-Jumai'e est un artiste irakien connu pour ses œuvres qui explorent la notion de traces laissées par l'héritage ancien. Ses œuvres intègrent souvent la calligraphie arabe dans une œuvre abstraite. Al-Jumaie et sa cohorte sont devenus le groupe d'artistes qui a défini l'art irakien des années 1960. Bien qu'on se souvienne surtout d'al-Jumaie en tant que peintre, il a également conçu des affiches et produit un certain nombre de couvertures de livres. Ses premiers travaux comportent des lettres arabes, mais au fil du temps, la calligraphie s'est estompée. Son intérêt pour l'exploration de nouveaux médias et matériaux s'est maintenu tout au long de sa carrière. L'idée des traces laissées par la tradition est un thème que Jumaie reprend dans une grande partie de son œuvre. Par exemple, Pages from Old Books est une série d'œuvres d'art mixtes qui crée une illusion de surfaces sur lesquelles des fragments de script ont été écrits.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Kurt Ard était un illustrateur, peintre et graveur danois. Il est devenu internationalement célèbre pour ses couvertures narratives publiées dans des magazines populaires des années 1950 à 1970, notamment le Family Journal, le Saturday Evening Post et le Reader's Digest. Ard a commencé sa carrière dans divers petits journaux et a travaillé dans la même tradition réaliste que son modèle, illustrateur et peintre, Norman Rockwell. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Kurt a eu du mal à exécuter les commandes de commission. Sa peinture, sa réputation et son succès n'ont cessé de croître dans les années d'après-guerre. Ses illustrations sont rapidement apparues dans de grandes publications européennes, et il a ensuite acquis une renommée internationale. Au cours de sa carrière, Ard a vendu plus de 1000 illustrations aux meilleurs magazines européens et à des publications américaines telles que McCalls, Good Housekeeping et Redbook. Aujourd'hui, Kurt continue de créer des peintures figuratives, paysagères et marines exceptionnelles avec une authenticité sans compromis, capturant le charme, la beauté et la puissance de ces divers sujets. Son travail est particulièrement remarquable pour sa lumière brillante et ses détails précis.
Sally Michel Avery est une artiste américaine connue pour ses peintures expressionnistes abstraites. Ses peintures sont souvent associées au rythme et à la mélodie de la musique. Au début de sa carrière, elle s'est concentrée sur la peinture de paysages, mais dans les années 1940, elle s'est tournée vers des formes et des couleurs plus abstraites.
Avery a été l'une des rares femmes à être reconnue comme influente dans la peinture abstraite américaine au milieu du 20e siècle. Ses œuvres sont exposées dans des musées et des collections privées du monde entier.
Jan Balet était un peintre, dessinateur et illustrateur germano-américain. Influencé par le style de l'art naïf, il a surtout travaillé comme graphiste et illustrateur de livres pour enfants, mais aussi comme peintre de tableaux naïfs et absurdes où la composition est dominée par des figures en aplat, généralement masculines, vêtues de vêtements fin de siècle, devant des arrière-plans qui, malgré une construction en perspective précise, semblent irréels.
Margit Balla est une artiste hongroise, graphiste, illustratrice, réalisatrice de films, scénographe et costumière.
Elle a étudié la typographie à l'Académie des arts appliqués de Budapest, réalisant principalement des affiches et des illustrations de livres, puis travaillant de plus en plus avec des graphiques picturaux. Dans ses affiches, Margit Balla combine des impressions d'anciennes gravures avec des tendances contemporaines telles que le pop art. Ses compositions figuratives sont facilement reconnaissables à son style de dessin surréaliste particulier.
Depuis 2000, Margit Balla travaille comme conceptrice de production pour le théâtre de marionnettes de Budapest.
Louise Bonnet ist eine surrealistische Schweizer Malerin, die von alternativen Comics und schwarzem Humor beeinflusst ist. Ihre grotesken, körperlichen Figuren dominieren oft die traumartigen Szenarien, in denen sie existieren, und greifen Themen wie Geschlecht, Sexualität und Scham auf.
Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Raymond Redvers Briggs était un écrivain, illustrateur et dessinateur britannique.
Illustrateur professionnel, il a travaillé à la conception de livres pour enfants. Dans les années 1960, Briggs a développé son talent pour combiner mots et images dans une forme de bande dessinée, qui a défini son travail ultérieur.
Briggs est surtout connu pour son livre sans paroles The Snowman, publié en 1978, une sorte de conte pour enfants mignon mais au sens profond. Les versions animées et musicales de ce livre sont populaires en Grande-Bretagne et sont diffusées chaque année à Noël.
Jason Brooks est un artiste britannique contemporain connu pour ses illustrations de mode et ses portraits. Né en 1969, il a étudié à la Chelsea School of Art et à la Central Saint Martins de Londres. Son travail a été publié dans des publications telles que Vogue, Elle et The New Yorker.
Jason Brooks a travaillé avec des marques de mode telles que Chanel, L'Oréal et Christian Dior. Outre son travail commercial, il a exposé ses œuvres dans des galeries du monde entier, notamment à la Saatchi Gallery de Londres et au Musée d'art moderne de Tokyo.
Michel Butor était un écrivain et poète français, associé au mouvement littéraire du Nouveau Roman des années 1950 et 1960. Il était connu pour son style d'écriture expérimental, qui remettait souvent en question les structures narratives traditionnelles et explorait la relation entre le langage, l'identité et la mémoire.
Butor a étudié la philosophie et la littérature à la Sorbonne à Paris. En 1954, il publie son premier roman, "Passage de Milan", qui établit sa réputation de figure de proue du Nouveau Roman.
Tout au long de sa carrière, Butor a écrit plus de vingt romans, ainsi que des essais, de la poésie et d'autres œuvres. Ses écrits intègrent souvent des éléments de récit de voyage et d'autobiographie, et il collabore fréquemment avec des artistes visuels sur des projets qui combinent texte et image.
Outre son œuvre littéraire, Butor était un enseignant et un critique respecté, et il a donné des conférences dans des universités du monde entier. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution à la littérature française, notamment le prix Renaudot en 1957.
Son héritage d'écrivain novateur et influent continue d'être célébré par les spécialistes de la littérature et les lecteurs du monde entier.
Thomas Calloway Lea III était un muraliste, illustrateur, peintre, correspondant de guerre, écrivain et historien américain. Une grande partie de son œuvre littéraire et romanesque est centrée sur le Texas, le centre-nord du Mexique et son expérience de la Seconde Guerre mondiale dans le Pacifique Sud et en Asie. Deux de ses romans les plus populaires, The Brave Bulls et The Wonderful Country, sont considérés comme des classiques de la littérature du sud-ouest américain.
Lawrence W. Carroll est un peintre américain d'origine australienne qui a fait carrière des deux côtés de l'Atlantique. Au début de sa carrière, Carroll a travaillé en tant qu'illustrateur pour The Progressive, The Village Voice, The New York Times et d'autres périodiques en réalisant des illustrations politiques. Cependant, c'est la carrière de peintre de Carroll qui est la plus significative. Son approche des matériaux, de l'échelle et de la structure des objets est hautement distinctive.
Jean Carzou (arménien : Ժան Գառզու), nom de naissance : Karnik Zouloumian (arménien : Գառնիկ Զուլումեան) était un artiste arméno-français : peintre, graphiste, scénographe, illustrateur de livres, représentant de l'École de Paris. Années d'activité créatrice - 1925-1999. La définition caractéristique des œuvres de Karzou est le « réalisme magique ».
Les œuvres de Jean Carzou présentent une combinaison unique de réalisme et de fantaisie. Sa capacité à donner à des scènes ordinaires du mystère et de l'intrigue distingue son travail. Les représentations de rues urbaines animées, de paysages sereins ou de figures humaines poignantes évoquent un sentiment de contemplation et encouragent les spectateurs à approfondir le sujet de chaque œuvre.
Jean-Pierre Cassigneul est un artiste français connu pour ses peintures stylisées de femmes portant des vêtements à la mode et d'intérieurs élégants. Il a étudié à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Les peintures de Cassigneul représentent souvent des femmes au long cou, aux yeux en amande et aux vêtements aux couleurs vives, sur des fonds simples mais élégants. Il a été influencé par le travail d'Henri Matisse, de Pierre Bonnard et d'Edouard Vuillard, ainsi que par les estampes japonaises.
Les œuvres de Cassigneul ont été exposées dans des galeries et des musées du monde entier, notamment au Musée d'art moderne de Tokyo, au Musée national des beaux-arts de Buenos Aires et au Musée d'art moderne de Paris. Ses peintures font également partie des collections de nombreuses institutions prestigieuses, dont le musée d'art moderne de la ville de Paris et le musée d'art moderne de New York.
Outre ses peintures, Cassigneul a également travaillé dans d'autres domaines, notamment la lithographie et l'illustration de livres. Il a illustré des ouvrages de Gustave Flaubert, Paul Verlaine et Charles Baudelaire, entre autres.
Cassigneul continue de travailler et d'exposer son art aujourd'hui, et est considéré comme l'une des figures de proue de la scène artistique française contemporaine.
William Glen Crooks est un peintre néoréaliste américain, né en 1952, qui se distingue par son approche contemporaine de la peinture figurative, mettant en lumière des paysages, des scènes urbaines et des marines avec une luminosité et une précision remarquables. Originaire de San Diego, où il a grandi et travaille actuellement à Imperial Beach, William Glen Crooks a su capturer dans ses œuvres l'essence de la vie quotidienne à travers la côte ouest des États-Unis. Ses peintures sont souvent perçues comme des fenêtres interprétatives sur le quotidien, explorant la luminosité et l'opacité de la lumière ainsi que la transparence de l'ombre.
William Glen Crooks emploie des couleurs vives pour créer des peintures figuratives pensives qui semblent irradier de lumière, intégrant des éléments tels que des voitures et des camions pour remplacer la figure humaine et insuffler des caractéristiques humaines à ces objets inanimés. L'artiste exprime un désir que ses œuvres soient perçues comme une réalité observée, plutôt qu'une projection de lui-même, soulignant ainsi une quête de vérité personnelle et artistique au-delà des attentes sociétales.
Son éducation artistique fut autodidacte et enrichie par un bref passage à l'université, où il étudia avec William Bowne de la San Diego State University. Crooks décrit cette période comme marquée par une confrontation avec le modernisme et les mouvements artistiques radicaux post-années 60, ce qui l'a conduit à développer une pratique rigoureuse basée sur le dessin gestuel. Cette pratique autonome a finalement conduit Crooks à explorer la peinture de paysage, domaine dans lequel il a trouvé sa voie et sa voix artistique.
L'influence d'Edward Hopper est notable dans l'œuvre de William Glen Crooks, notamment dans la manière dont il juxtapose la tranquillité et l'activité dans ses compositions, créant des paradoxes captivants entre l'absence et la présence. En outre, son travail est reconnu pour sa capacité à transformer les paysages en métaphores de ses perceptions du monde naturel, en puisant dans les techniques de peintres paysagistes du 19e siècle ainsi que dans les narrations de Hopper, les champs de couleur de Mark Rothko, les techniques libératrices de Wolf Kahn, et le luminisme de John Frederick Kensett.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, les œuvres de William Glen Crooks offrent un regard neuf sur le réalisme contemporain, mêlant nostalgie urbaine et beauté des paysages expansifs avec une profondeur et une sensibilité remarquables. Ses peintures sont des témoignages de la beauté complexe de la vie quotidienne, capturant l'essence de moments souvent négligés avec une précision et une tendresse qui invitent à la réflexion.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles œuvres et les événements d'enchères relatifs à William Glen Crooks, offrant aux passionnés d'art une perspective unique sur les développements et les nouvelles acquisitions de cet artiste emblématique du néoréalisme américain.
Gérard de Palézieux est un peintre et graveur suisse.
Dès le premier jour, la vocation de Palézieux aura été de tenter la restitution, au plus près de son émotion, du spectacle du monde – paysages, intérieurs, objets, fleurs ou fruits. Fait plutôt rare à son époque, caractérisée par d’incessantes remises en question du statut de l’art et de la représentation, il n’a jamais été ébranlé par les modes et a persévéré solitairement dans la traduction fidèle de la réalité.
Miodrag Djuric (orthographe monténégrine : Миодраг Ђурић), connu sous le nom de Dado, était un artiste né au Monténégro qui a passé la majeure partie de sa vie et de sa carrière créative en France. Il est particulièrement connu en tant que peintre mais a également été actif en tant que graveur, dessinateur, illustrateur de livres et sculpteur.
Thomas Duttenhoefer était un sculpteur, dessinateur, graphiste et illustrateur allemand, professeur à l'université de Mannheim.
Outre ses figures humaines, l'œuvre figurative de Thomas Duttenhoefer comprend de nombreuses représentations d'animaux d'une manière délibérément grossière.
Il est membre de la Nouvelle Sécession de Darmstadt, de la Sécession du Palatinat et du groupe Argo de Spire.
Klaus Eberlein était un graphiste, illustrateur et sculpteur céramiste allemand. Il a d'abord suivi une formation de chromolithographe. De 1962 à 1968, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Munich et, à partir de 1968, il est l'élève de Hermann Kaspar et reçoit un diplôme final de l'Académie. Eberlein était membre de l'Association pour la gravure originale, de l'Association des artistes de Dachau et de l'Association des artistes de Munich. En 2013, il a été accepté dans l'association littéraire sud-allemande Münchner Turmschreiber.
Ellen Kristina Abelli Elander est une artiste, illustratrice et sculptrice suédoise.
Elle a fait ses études à la Birkagårdens folkhögskola et, au début de sa carrière artistique, elle s'intéressait au monstrueux et au morbide, au grotesque et au cannibalisme. Plus tard, la figure de l'extraterrestre apparaît et devient centrale dans l'œuvre d'Elander, participant à la vie humaine d'une manière ou d'une autre.
L'artiste utilise la peinture, le dessin, la sculpture textile et la céramique pour exprimer ses idées, crée des installations spatiales et dessine également des bandes dessinées.
Paula Figueiroa Rego est une artiste plasticienne britannico-portugaise, surtout connue pour sa peinture et ses gravures.
Le style de Paula Rego est passé de l'abstraction au figuratif, devenant de plus en plus réaliste. Elle travaille beaucoup le pastel et la gravure. De style réaliste et fantastique, voire cruel ou choquant, ses œuvres font souvent référence aux contes traditionnels de son enfance portugaise, aux thèmes féministes ou à des éléments autobiographiques.
Susanne Firgau est une artiste allemande, peintre et illustratrice.
Susanne Firgau a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et est membre de l'Association des artistes de Stuttgart et de l'Association des artistes visuels.
Paul Flora était un caricaturiste, graphiste et illustrateur autrichien connu pour son habileté à manier la plume et l'encre.
Les œuvres de Flora ont été publiées dans le New York Times et The Observer, et ses dessins ont orné les timbres du Liechtenstein et de l'Autriche. Paul Flohr est l'un des illustrateurs européens les plus célèbres depuis les années 1960.
Il a également produit des livres, des films et des décors.
David (Dudu) Gerstein est un peintre, sculpteur, dessinateur et graveur israélien.
Gerstein a reçu une large éducation : il a étudié à l'Académie Bezalel, puis à l'École des Beaux-Arts de Paris, à New York il a poursuivi ses études à l'Art Students League, et en 1974 il a reçu un diplôme de la St Martin's School of Art de Londres. Il travaille librement sur tous les supports : gravure, peinture, sculpture, dessin, peintures murales et créations monumentales.
Dans les années 1970, Gerstein commence à expérimenter des œuvres tridimensionnelles, laissant des fragments découpés suspendus dans l'espace. Après de nombreuses innovations, David a commencé à créer des sculptures murales en utilisant la découpe au laser et la peinture automobile. Il crée sa propre forme de pop art et acquiert une réputation internationale pour son style caractéristique avec des images colorées de nombreux cyclistes, papillons, danseurs, coureurs et autres. Avec l'avènement de l'informatique, il a pu convertir ses dessins en gabarits parfaitement formatés qui peuvent être reproduits fidèlement dans un atelier de métallurgie.
Les sculptures monumentales reconnaissables de Gerstein sont visibles dans les villes du monde entier. Sa sculpture de rue Momentum est la plus haute sculpture publique de Singapour.
Тeodor Teodorovitch Gertsen (еn russe: Теодор Теодорович Герцен) était un artiste soviétique et kirghize d'origine allemande de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et muraliste, et a été honoré du titre d'artiste du peuple du Kirghizstan.
Teodor Gertsen a travaillé dans le domaine de l'art monumental et décoratif, de la peinture de chevalet et du graphisme de livres. L'une de ses œuvres les plus remarquables est un cycle monumental d'illustrations de l'épopée kirghize "Manas", comprenant plus de deux cents linogravures. Dans ce projet, il a combiné sa vaste expérience de travail sur des thèmes kirghizes avec une connaissance approfondie de l'ethnicité, de l'histoire et des traditions spirituelles du peuple kirghize. Pour ce cycle d'illustrations, Gertsen a rassemblé de nombreux documents ethnographiques et a réalisé de nombreuses esquisses de costumes et de scènes de la vie kirghize.
Boris Nikolaevitch Gouchtchin (еn russe: Борис Николаевич Гущин) était un artiste soviétique et russe de la seconde moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et auteur de diafilms.
Boris Gouchtchin a créé de nombreux diafilms, dont "La voile blanche est solitaire", "Blague", "Les armoiries de votre pays". En tant que peintre, il s'est spécialisé dans les paysages russes, les portraits et les œuvres consacrées à Pouchkine, notamment les illustrations de ses œuvres.
Kęstutis Grigaliūnas - artiste graphique lituanien, professeur d'art. 1988-1989 créé des sculptures sur lin, des sculptures sur bois, des sérigraphies, des gravures, des livres illustrés. Depuis 1990 l'un des premiers graphistes lituaniens à utiliser la technique de la sérigraphie couleur. Fait une découpe en carton et contreplaqué. Il se caractérise par un début graphique prononcé - des lignes, des signes, des ornements, des motifs figuratifs et abstraits sont utilisés. Depuis 1998 crée des œuvres graphiques plastiques plus complexes et des découpes, elles présentent des caractéristiques postmodernes, du pop art, des éléments Fluxus, des images décoratives et éclectiques. Une ambiance ludique, ironique et diverses références intellectuelles aux images de la Lituanie et d'autres cultures et civilisations prévalent.
Aleksandr Ovakimovitch Grigorian (еn russe: Александр Овакимович Григорян) était un artiste soviétique et arménien de la seconde moitié du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre et graphiste, portraitiste et illustrateur.
Aleksandr Grigorian a peint des tableaux caractérisés par des couleurs vives et saturées et par l'émotion. Il s'est spécialisé dans les portraits de personnalités connues, dont il a su transmettre l'image avec chaleur et empathie. Ses œuvres ne se contentent pas de refléter des visages, mais transmettent également le monde intérieur et le tempérament de chaque personne représentée.
Il a également illustré des œuvres de Shakespeare et d'écrivains arméniens.
Friederike Groß est une peintre, caricaturiste et professeur d'université allemande. Elle vit et travaille en tant qu'artiste indépendante à Stuttgart.
Friederike Groß a étudié le graphisme libre et l'éducation artistique auprès de Dieter Groß à l'Académie nationale des beaux-arts de Stuttgart de 1984 à 1989. Depuis 1985, Friederike Groß travaille comme caricaturiste pour le Stuttgarter Zeitung.
De 2008 à 2014, Friederike Groß a enseigné le dessin à l'École polytechnique fédérale (EPF) de Zurich. Depuis 2013, elle est professeur d'illustration à la Berliner Technische Kunsthochschule (BTK) sur le campus de Hambourg.
René Gruau était un artiste et illustrateur français, connu pour son travail dans le domaine de la mode, de la publicité et de l'illustration de magazines. Il est considéré comme l'un des illustrateurs de mode les plus influents du XXe siècle, et son style distinctif a eu un impact durable sur l'industrie de la mode.
Gruau est né en Italie et a passé la majeure partie de son enfance en France. Il a commencé sa carrière dans la publicité dans les années 1920, en travaillant pour l'agence J. Walter Thompson. Il s'est rapidement fait connaître pour son style élégant et sophistiqué, ainsi que pour sa capacité à capturer l'essence d'un produit ou d'une marque en une seule image.
Dans les années 1940, Gruau a commencé à travailler dans l'industrie de la mode, en produisant des illustrations pour des magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar et Elle. Il est devenu célèbre pour ses représentations glamour et sensuelles de femmes, qui capturent l'essence de l'élégance et de la sophistication de l'après-guerre.
Tout au long de sa carrière, Gruau a travaillé avec certains des plus grands noms de la mode, notamment Christian Dior, Yves Saint Laurent et Givenchy. Il a créé de nombreuses images emblématiques pour ces créateurs, notamment le célèbre tailleur "Bar" pour Dior et la robe "Mondrian" pour Saint Laurent.
Le travail de Gruau a été exposé dans des musées et des galeries du monde entier et a fait l'objet de plusieurs rétrospectives. Son influence est perceptible dans le travail de nombreux illustrateurs de mode contemporains, et son héritage continue d'inspirer de nouvelles générations d'artistes.
Robert Hammerstiel, né en 1933 en Yougoslavie et décédé en 2020, était un peintre et graveur autrichien dont l'œuvre a été fortement influencée par la peinture d'icônes serbes, la gravure sur bois et le Pop Art. Son enfance difficile, marquée par l'internement de sa famille en 1944 et leur fuite en Autriche en 1947, a eu une influence notable sur son art, caractérisé par une opposition claire à la violence, la terreur, la haine et la cruauté. Hammerstiel a débuté sa carrière artistique dans les années 1960, après avoir travaillé comme boulanger et dans l'industrie de l'acier.
Reconnu internationalement, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Prix d'État autrichien pour la graphique en 1973 et la Décoration autrichienne pour la science et l'art en 1998. Son travail a été exposé dans des lieux prestigieux tels que l'Institut Culturel Autrichien à New York, le Musée d'Art Moderne du Caire, et le Leopold Museum à Vienne. Plusieurs de ses œuvres sont conservées dans des collections importantes à travers le monde, y compris à Berlin, New York, Madrid et Tokyo.
Pour les collectionneurs, commissaires-priseurs et experts en art, il est intéressant de noter que la ville natale de Hammerstiel a dédié un musée à ses œuvres en 2010 et que le Musée National de Vojvodina à Novi Sad possède une salle Robert Hammerstiel.
Pour rester informé sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Robert Hammerstiel, nous encourageons les intéressés à s'inscrire pour des mises à jour. Cette initiative est une opportunité unique pour les passionnés de l'art de Hammerstiel de se connecter avec son héritage et ses œuvres emblématiques.
Bernhard Jäger, né le 17 juin 1935 à Munich, est un peintre, graveur et sculpteur allemand. Initialement, il a étudié la biologie de 1956 à 1957, une discipline qui a influencé son art tout au long de sa carrière. Il s'est ensuite orienté vers les études d'art à la Werkkunstschule Offenbach, dont il est diplômé en 1961. Avec son collègue lithographe Thomas Bayrle, Jäger a cofondé la Gulliver-Presse, où il a travaillé jusqu'en 1966. Parmi leurs premières publications, on trouve des livres illustrés par Jäger, comme "Hosi-Anna!" d'Ernst Jandl en 1965.
Jäger a continué à illustrer des livres après la fermeture de la presse. Ses ouvrages illustrés ont été plusieurs fois récompensés, notamment par le prix "Die schönsten Bücher des Jahres" de la Stiftung Buchkunst en 1970, 1984 et 1994. En 2007, il a conçu trente couvertures de livres pour "La Bibliothèque de Babel" de Jorge Luis Borges, publié par la Gutenberg Book Guild.
Il a également été professeur invité à la Städelschule de Francfort-sur-le-Main de 1983 à 1984 et a dirigé leur école du soir de 1985 à 2000. Il a tenu une chaire de professeur invité à l'Université des sciences appliquées de Hambourg en 1990. Jäger a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment au Klingspor Museum, à la Galerie Brusberg, et au Musée d'art de Mannheim.
Ses œuvres font partie de collections publiques telles que le Stedelijk Museum d'Amsterdam, le Musée des Beaux-Arts de Boston, le Rose Art Museum à Brunswick, le Musée d'art de San Francisco, la Kunsthalle de Nuremberg et le Klingspor Museum à Offenbach. Bernhard Jäger est membre de la Darmstadt Secession et a reçu en 1998 le Prix de la Fondation Heitland.
Pour les collectionneurs, commissaires-priseurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Bernhard Jäger représente une fusion intéressante de sciences et d'art, avec une importance particulière accordée à la lithographie et à l'illustration de livres. Si vous êtes intéressé par Bernhard Jäger et souhaitez recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements de vente aux enchères liés à cet artiste, n'hésitez pas à vous inscrire pour des alertes régulières.
Boris Iosifovitch Joutovskiï (еn russe : Борис Иосифович Жутовский) était un artiste prolifique soviétique et russe, célèbre pour ses contributions dans divers domaines artistiques tels que la peinture, le graphisme et l'illustration. Né le 14 décembre 1932 à Moscou, Joutovskiï a marqué la scène artistique par ses portraits expressifs et ses illustrations de livres, capturant l'essence de l'époque soviétique et post-soviétique.
Parmi ses œuvres les plus reconnues figure la série de portraits intitulée "Les Derniers Gens de l'Empire", où il dépeint 101 personnalités marquantes de son temps. Cette série a été publiée sous forme de livre en 2004, offrant non seulement des portraits visuels mais également des anecdotes et réflexions personnelles sur chaque sujet. Joutovskiï était également membre de l'Union des artistes de l'URSS, une reconnaissance notable qui souligne son impact et son statut dans le monde de l'art soviétique et russe.
Ses œuvres continuent d'être exposées et respectées, conservées dans de nombreux musées et collections privées à travers la Russie et l'étranger, témoignant de sa capacité à capturer l'esprit de son époque à travers l'art.
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Colette Justine, plus connue sous le nom de Colette Lumière, est une artiste multimédia américaine d'origine tunisienne, connue pour son travail de pionnière dans le domaine de la performance et du street art, et pour son utilisation de la photographie pour créer des tableaux vivants. Elle est également connue pour son travail d'exploration des rôles masculins et féminins, l'utilisation de guises et de personas, et pour ses environnements en tissu souple, où elle apparaît souvent comme l'élément central.
Edward Kay, ou Ed(ward) Kay, est un peintre et illustrateur anglais formé à la Royal Academy School de Londres.
L'œuvre de Kay s'inspire à la fois de l'histoire de l'art et du kitsch, et il combine magistralement différents styles. Il travaille dans une variété de genres, mais les portraits et les natures mortes de ses peintures sont soudainement non conventionnels.
Aleksandr Serafimovitch Kotliarov (еn russe: Александр Серафимович Котляров) est un artiste russe soviétique et contemporain. Il est connu comme peintre, graphiste, enseignant et érudit, titulaire d'un doctorat en histoire de l'art.
Aleksandr Kotliarov travaille dans un style proche de l'impressionnisme, en particulier dans les portraits et les natures mortes. Il crée également des paysages et des gravures, notamment des illustrations pour les œuvres de M.E. Saltykov-Shchedrin. L'artiste a participé à de nombreuses expositions et ses œuvres font partie de collections privées et publiques en Russie, en France et aux États-Unis.
Depuis 1973, il enseigne le dessin et la peinture et, depuis 2006, il dirige le département de la faculté des arts graphiques de l'université d'État des arts graphiques de Moscou.
