Illustrateurs Art contemporain
Richard Adams est un artiste et illustrateur britannique qui vit et travaille dans le Sussex.
Adams a obtenu un diplôme de graphisme à l'école polytechnique de Leicester et a d'abord travaillé comme illustrateur à Londres. Richard Adams crée toutes ses peintures à l'aide de pastels à la craie, puis les fixe et les imprègne d'un vernis spécial qui laisse une surface impénétrable. Il dépeint une variété de paysages anglais et de bords de mer, souvent peuplés de personnages et d'animaux excentriques, ainsi que des scènes domestiques amusantes. L'artiste réussit à transmettre l'humour et l'absurdité de la vie quotidienne dans un style anglais à la fois ancien et contemporain.
Les œuvres d'Adams sont régulièrement exposées à Londres et dans d'autres villes du Royaume-Uni, où elles sont très appréciées, et à l'étranger, à Sydney, Washington DC, Brême et Madrid.
Saleh al-Jumai'e est un artiste irakien connu pour ses œuvres qui explorent la notion de traces laissées par l'héritage ancien. Ses œuvres intègrent souvent la calligraphie arabe dans une œuvre abstraite. Al-Jumaie et sa cohorte sont devenus le groupe d'artistes qui a défini l'art irakien des années 1960. Bien qu'on se souvienne surtout d'al-Jumaie en tant que peintre, il a également conçu des affiches et produit un certain nombre de couvertures de livres. Ses premiers travaux comportent des lettres arabes, mais au fil du temps, la calligraphie s'est estompée. Son intérêt pour l'exploration de nouveaux médias et matériaux s'est maintenu tout au long de sa carrière. L'idée des traces laissées par la tradition est un thème que Jumaie reprend dans une grande partie de son œuvre. Par exemple, Pages from Old Books est une série d'œuvres d'art mixtes qui crée une illusion de surfaces sur lesquelles des fragments de script ont été écrits.
Craig Alan est un artiste américain dont les œuvres font preuve d'une grande sophistication technique et d'une imagination débordante.
Après avoir déménagé à la Nouvelle-Orléans avec sa famille, Alan a travaillé comme artiste de rue dans sa jeunesse, réalisant des portraits. Grâce à son talent exceptionnel et à ses propres recherches, il a fini par développer une compréhension et un sens admirables des textures, des compositions et des couleurs. Aujourd'hui, Craig Alan représente un large éventail de styles artistiques, de l'illustration de livres à la peinture à l'huile naturaliste, en passant par son Populus Art.
Charles Henry Alston était un artiste américain du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre graphique et muraliste, mais aussi comme sculpteur, illustrateur et éducateur, qui a vécu et travaillé dans le quartier de Harlem à New York.
Charles Alston était un activiste de la "Renaissance de Harlem". Il est devenu le premier directeur afro-américain du US Federal Art Project. L'artiste a réalisé des peintures murales pour l'hôpital de Harlem ainsi que pour un certain nombre de bâtiments culturels et administratifs de la ville de New York. Alston est l'auteur d'un buste de Martin Luther King, Jr. qui a été la première représentation d'un Afro-Américain à être exposée à la Maison Blanche à Washington, DC.
Boris Izraïlevitch Anisfeld (еn russe: Борис Израилевич Анисфельд), né en 1878 en Bessarabie et mort en 1973 aux États-Unis, était un artiste symboliste et scénographe de renom. D'origine russe, il a vécu une grande partie de sa vie en Amérique. Issu d'une famille juive aisée, Anisfeld a montré un intérêt précoce pour l'art plutôt que pour la musique, contrairement aux souhaits familiaux. Formé à l'école des Beaux-Arts d'Odessa puis à l'académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il a étudié sous la tutelle de maîtres tels que Répine, mais son travail a été fortement influencé par le symbolisme, se distinguant dans des expositions dès le début du XXe siècle.
Anisfeld a été reconnu pour son travail de scénographe, notamment pour les ballets russes, où ses conceptions ont contribué à révolutionner la scénographie théâtrale de l'époque. Il a travaillé avec des figures emblématiques telles que Diaghilev et a exposé ses œuvres dans des lieux prestigieux, de Paris à New York. Sa première exposition personnelle aux États-Unis a eu lieu juste avant la Révolution d'Octobre, marquant le début de sa carrière définitive en Amérique, où il a continué à influencer le monde de l'opéra et de la peinture.
Au-delà de ses contributions à la scénographie, Anisfeld était un peintre talentueux dont les œuvres ont été exposées et collectionnées à l'international. Ses tableaux, imprégnés de symbolisme, montrent une préférence pour les compositions fantastiques et colorées, souvent inspirées de la mythologie, de la nature et de la culture slave.
Pour ceux passionnés par l'art et la scénographie, l'œuvre de Boris Izraïlevitch Anisfeld offre une source d'inspiration intarissable. Ses contributions au monde de l'art sont conservées dans des collections publiques et privées à travers le monde. Pour en savoir plus sur cet artiste exceptionnel, visitez des sites comme Wikipedia ou le catalogue raisonné d'Anisfeld.
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Kurt Ard était un illustrateur, peintre et graveur danois. Il est devenu internationalement célèbre pour ses couvertures narratives publiées dans des magazines populaires des années 1950 à 1970, notamment le Family Journal, le Saturday Evening Post et le Reader's Digest. Ard a commencé sa carrière dans divers petits journaux et a travaillé dans la même tradition réaliste que son modèle, illustrateur et peintre, Norman Rockwell. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Kurt a eu du mal à exécuter les commandes de commission. Sa peinture, sa réputation et son succès n'ont cessé de croître dans les années d'après-guerre. Ses illustrations sont rapidement apparues dans de grandes publications européennes, et il a ensuite acquis une renommée internationale. Au cours de sa carrière, Ard a vendu plus de 1000 illustrations aux meilleurs magazines européens et à des publications américaines telles que McCalls, Good Housekeeping et Redbook. Aujourd'hui, Kurt continue de créer des peintures figuratives, paysagères et marines exceptionnelles avec une authenticité sans compromis, capturant le charme, la beauté et la puissance de ces divers sujets. Son travail est particulièrement remarquable pour sa lumière brillante et ses détails précis.
Karl Otto Bachmann, peintre, graphiste et illustrateur suisse, a débuté sa carrière artistique à Lucerne avant de s'installer à Zurich et de poursuivre une activité indépendante. Il réalise une percée en 1943 avec la publication de son portfolio « Faust ». Bachmann s'est inspiré de ses voyages à travers l'Europe, rejoignant souvent des troupes de cirque pour gagner de l'argent et des idées créatives. Ses peintures se caractérisent par des décors imaginatifs et virtuels, avec des thèmes tournant autour de la scène, du carnaval et du cirque. Les lignes élégantes, les couleurs délicates et les compositions harmonieuses de Bachmann ont fait de lui un illustrateur de livres respecté. Il a participé activement à de nombreuses expositions tout au long de sa vie, tant au niveau national qu'international.
Margit Balla est une artiste hongroise, graphiste, illustratrice, réalisatrice de films, scénographe et costumière.
Elle a étudié la typographie à l'Académie des arts appliqués de Budapest, réalisant principalement des affiches et des illustrations de livres, puis travaillant de plus en plus avec des graphiques picturaux. Dans ses affiches, Margit Balla combine des impressions d'anciennes gravures avec des tendances contemporaines telles que le pop art. Ses compositions figuratives sont facilement reconnaissables à son style de dessin surréaliste particulier.
Depuis 2000, Margit Balla travaille comme conceptrice de production pour le théâtre de marionnettes de Budapest.
Pavel Ivanovitch Basmanov (еn russe: Павел Иванович Басманов) était un artiste soviétique et russe du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste et illustrateur.
Pavel Basmanov a consacré toute sa carrière, à partir de 1929, à l'illustration de livres et a été membre du bureau de la section graphique de l'Union des artistes. Il est également connu pour ses séries d'aquarelles, dont "La vieille Sibérie" et "La marche". Son art se caractérise par une approche unique basée sur des motifs religieux.
Les œuvres du maître font partie des collections du musée national russe, de la collection nationale de Tsarskoye Selo et de collections privées.
Georgiï Nikolaevitch Bibikov (еn russe: Георгий Николаевич Бибиков) était un artiste russe et soviétique du milieu du XXe siècle. Il est connu comme peintre, graphiste, illustrateur, muraliste et artiste de théâtre de l'école de Leningrad, travaillant dans les genres du paysage, du portrait, de la nature morte et de la peinture thématique.
Georgiï Bibikov a commencé à participer à des expositions d'art en 1920. Parmi ses œuvres célèbres, citons "Chargeurs", "Les jeunes flottes rouges reçoivent des uniformes", "Salutations aux vainqueurs", "La vérité des tranchées" et d'autres encore. Ses œuvres sont conservées au Musée national russe, dans des musées et des collections privées en Russie, en Ukraine, en Allemagne et en France.
Louise Bonnet ist eine surrealistische Schweizer Malerin, die von alternativen Comics und schwarzem Humor beeinflusst ist. Ihre grotesken, körperlichen Figuren dominieren oft die traumartigen Szenarien, in denen sie existieren, und greifen Themen wie Geschlecht, Sexualität und Scham auf.
Piotr Dmitrievitch Boutchkin (еn russe: Пётр Дмитриевич Бучкин) était un peintre, aquarelliste, graphiste, illustrateur et enseignant artistique soviétique et russe, reconnu comme Travailleur honoré des arts de la RSFSR. Il a vécu et travaillé à Leningrad et était membre et l'un des fondateurs de la branche de Leningrad de l'Union des Artistes de la Fédération de Russie.
Ses œuvres comprennent principalement des dessins et des aquarelles, comme illustré par ses études de femmes disponibles sur le marché, qui témoignent de son habileté en dessin et de son usage délicat de l'encre. Boutchkin a également participé à diverses expositions, consolidant sa réputation dans le cercle artistique soviétique et international.
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Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Raymond Redvers Briggs était un écrivain, illustrateur et dessinateur britannique.
Illustrateur professionnel, il a travaillé à la conception de livres pour enfants. Dans les années 1960, Briggs a développé son talent pour combiner mots et images dans une forme de bande dessinée, qui a défini son travail ultérieur.
Briggs est surtout connu pour son livre sans paroles The Snowman, publié en 1978, une sorte de conte pour enfants mignon mais au sens profond. Les versions animées et musicales de ce livre sont populaires en Grande-Bretagne et sont diffusées chaque année à Noël.
Jason Brooks est un artiste britannique contemporain connu pour ses illustrations de mode et ses portraits. Né en 1969, il a étudié à la Chelsea School of Art et à la Central Saint Martins de Londres. Son travail a été publié dans des publications telles que Vogue, Elle et The New Yorker.
Jason Brooks a travaillé avec des marques de mode telles que Chanel, L'Oréal et Christian Dior. Outre son travail commercial, il a exposé ses œuvres dans des galeries du monde entier, notamment à la Saatchi Gallery de Londres et au Musée d'art moderne de Tokyo.
Bernard Buffet, artiste français né le 10 juillet 1928 à Paris et décédé le 4 octobre 1999 à Tourtour, Var, est une figure emblématique de l'art expressionniste. Sa réputation s'est construite sur un travail prolifique et diversifié, couvrant des thèmes variés comme les personnages, les natures mortes, les paysages et les intérieurs. Peintre, graveur et aquarelliste, Buffet a également contribué à l'art décoratif et à l'illustration, révélant un talent exceptionnel dès son adolescence et poursuivant une formation formelle à l'École des beaux-arts de Paris.
Dès le début de sa carrière, Buffet a captivé le public et les critiques, organisant sa première exposition personnelle avant même d'atteindre la vingtaine. Son style unique et son engagement envers l'expressionnisme lui ont permis de se distinguer rapidement dans le monde de l'art, où il a été comparé à des géants comme Pablo Picasso. Malgré un début de carrière fulgurant, la perception du public à l'égard de Buffet a évolué au fil du temps, notamment en raison de son mode de vie extravagant qui contrastait avec le contexte économique de l'après-guerre en France. Cela, combiné à une production artistique parfois jugée excessive, a affecté sa réputation.
Malgré ces controverses, Bernard Buffet a laissé une empreinte indélébile sur l'art du XXe siècle, avec plus de 8 000 œuvres à son actif. Son talent a été reconnu internationalement, notamment au Japon où un musée lui est entièrement consacré depuis 1973. Il a également été honoré en France, recevant la distinction de Chevalier de la Légion d'Honneur.
La réévaluation de son œuvre au XXIe siècle témoigne de l'intérêt renouvelé pour son art, particulièrement en Asie et dans les anciennes nations soviétiques. Les expositions récentes et les ventes aux enchères attestent de la vitalité de son héritage, faisant de Bernard Buffet un sujet d'étude et de collection toujours actuel pour les amateurs d'art et les experts.
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Lawrence W. Carroll est un peintre américain d'origine australienne qui a fait carrière des deux côtés de l'Atlantique. Au début de sa carrière, Carroll a travaillé en tant qu'illustrateur pour The Progressive, The Village Voice, The New York Times et d'autres périodiques en réalisant des illustrations politiques. Cependant, c'est la carrière de peintre de Carroll qui est la plus significative. Son approche des matériaux, de l'échelle et de la structure des objets est hautement distinctive.
Jean Carzou (arménien : Ժան Գառզու), nom de naissance : Karnik Zouloumian (arménien : Գառնիկ Զուլումեան) était un artiste arméno-français : peintre, graphiste, scénographe, illustrateur de livres, représentant de l'École de Paris. Années d'activité créatrice - 1925-1999. La définition caractéristique des œuvres de Karzou est le « réalisme magique ».
Les œuvres de Jean Carzou présentent une combinaison unique de réalisme et de fantaisie. Sa capacité à donner à des scènes ordinaires du mystère et de l'intrigue distingue son travail. Les représentations de rues urbaines animées, de paysages sereins ou de figures humaines poignantes évoquent un sentiment de contemplation et encouragent les spectateurs à approfondir le sujet de chaque œuvre.
Jean-Pierre Cassigneul est un artiste français connu pour ses peintures stylisées de femmes portant des vêtements à la mode et d'intérieurs élégants. Il a étudié à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Les peintures de Cassigneul représentent souvent des femmes au long cou, aux yeux en amande et aux vêtements aux couleurs vives, sur des fonds simples mais élégants. Il a été influencé par le travail d'Henri Matisse, de Pierre Bonnard et d'Edouard Vuillard, ainsi que par les estampes japonaises.
Les œuvres de Cassigneul ont été exposées dans des galeries et des musées du monde entier, notamment au Musée d'art moderne de Tokyo, au Musée national des beaux-arts de Buenos Aires et au Musée d'art moderne de Paris. Ses peintures font également partie des collections de nombreuses institutions prestigieuses, dont le musée d'art moderne de la ville de Paris et le musée d'art moderne de New York.
Outre ses peintures, Cassigneul a également travaillé dans d'autres domaines, notamment la lithographie et l'illustration de livres. Il a illustré des ouvrages de Gustave Flaubert, Paul Verlaine et Charles Baudelaire, entre autres.
Cassigneul continue de travailler et d'exposer son art aujourd'hui, et est considéré comme l'une des figures de proue de la scène artistique française contemporaine.
Dementiï Alekseïevitch Chmarinov (еn russe : Дементий Алексеевич Шмаринов) était un éminent graphiste, illustrateur, éducateur et professeur soviétique et russe. Né à Kazan en 1907, il a laissé une empreinte significative dans le monde de l'art, devenant artiste du peuple de l'URSS en 1967 et académicien de l'Académie des arts de l'URSS en 1953. Chmarinov est reconnu pour son travail d'illustration sur des œuvres littéraires classiques telles que "Crime et Châtiment" de Dostoïevski, "Guerre et Paix" de Tolstoï, ainsi que les œuvres de Pouchkine et Gorki. Son talent était diversifié : des dessins et illustrations aux affiches politiques et aux dessins à l'easel, empreints d'une pathétique furieuse racontant les souffrances et le courage du peuple soviétique pendant la Grande Guerre patriotique.
Chmarinov a laissé derrière lui un riche héritage d'œuvres et des contributions éducatives importantes, en travaillant comme enseignant et professeur, élevant de nouvelles générations d'artistes. Ses contributions à l'art ont été reconnues par de nombreux prix, y compris le Prix Lénine en 1980 et le Prix Staline de deuxième classe en 1943. De plus, ses œuvres se trouvent dans des galeries renommées et des collections privées, attestant de la haute estime de son talent et de sa contribution au développement de l'art.
Chmarinov est décédé en 1999, laissant derrière lui un riche héritage et inspirant les futures générations d'artistes et d'illustrateurs. Son travail continue d'être admiré et respecté par les amateurs d'art du monde entier.
Si vous êtes collectionneur ou expert en art et antiquités, nous vous recommandons vivement de vous inscrire pour recevoir des mises à jour relatives à Dementiï Alekseïevitch Chmarinov. Ainsi, vous serez toujours informé des nouvelles ventes d'œuvres et des événements d'enchères dédiés à cet artiste exceptionnel.
Fabrizio Clerici était un peintre, dessinateur, illustrateur, scénographe et architecte italien.
Clerici a obtenu un diplôme d'architecte et a été fortement influencé par les monuments antiques, la peinture et l'architecture de la Renaissance et du Baroque. En 1943, Clerici a organisé sa première exposition personnelle à la Galleria dell'Arte Cairola de Milan, présentant des dessins, des aquarelles, des lithographies et des gravures. Ses premières illustrations de livres datent de la même époque.
En 1947, Clerici entame une carrière prolifique au théâtre, au ballet et à l'opéra en faisant ses débuts en tant que décorateur dans une production de la pièce de George Bernard Shaw, Mrs Warren's Profession. L'année suivante, il participe pour la première fois à la Biennale de Venise. Il y rencontre Salvador Dalí et conçoit les décors et les costumes d'Orphée d'Igor Stravinsky au théâtre La Fenice. En 1949, il réalise de grandes peintures architecturales fantaisistes.
La suite de la vie de l'artiste aux multiples facettes Fabrizio Clerici a été riche en travaux dans les domaines artistiques les plus divers, en succès créatifs et en expositions. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées aux États-Unis, dont le MoMA et le musée Guggenheim, ainsi qu'en France, notamment au Centre Pompidou.
William Glen Crooks est un peintre néoréaliste américain, né en 1952, qui se distingue par son approche contemporaine de la peinture figurative, mettant en lumière des paysages, des scènes urbaines et des marines avec une luminosité et une précision remarquables. Originaire de San Diego, où il a grandi et travaille actuellement à Imperial Beach, William Glen Crooks a su capturer dans ses œuvres l'essence de la vie quotidienne à travers la côte ouest des États-Unis. Ses peintures sont souvent perçues comme des fenêtres interprétatives sur le quotidien, explorant la luminosité et l'opacité de la lumière ainsi que la transparence de l'ombre.
William Glen Crooks emploie des couleurs vives pour créer des peintures figuratives pensives qui semblent irradier de lumière, intégrant des éléments tels que des voitures et des camions pour remplacer la figure humaine et insuffler des caractéristiques humaines à ces objets inanimés. L'artiste exprime un désir que ses œuvres soient perçues comme une réalité observée, plutôt qu'une projection de lui-même, soulignant ainsi une quête de vérité personnelle et artistique au-delà des attentes sociétales.
Son éducation artistique fut autodidacte et enrichie par un bref passage à l'université, où il étudia avec William Bowne de la San Diego State University. Crooks décrit cette période comme marquée par une confrontation avec le modernisme et les mouvements artistiques radicaux post-années 60, ce qui l'a conduit à développer une pratique rigoureuse basée sur le dessin gestuel. Cette pratique autonome a finalement conduit Crooks à explorer la peinture de paysage, domaine dans lequel il a trouvé sa voie et sa voix artistique.
L'influence d'Edward Hopper est notable dans l'œuvre de William Glen Crooks, notamment dans la manière dont il juxtapose la tranquillité et l'activité dans ses compositions, créant des paradoxes captivants entre l'absence et la présence. En outre, son travail est reconnu pour sa capacité à transformer les paysages en métaphores de ses perceptions du monde naturel, en puisant dans les techniques de peintres paysagistes du 19e siècle ainsi que dans les narrations de Hopper, les champs de couleur de Mark Rothko, les techniques libératrices de Wolf Kahn, et le luminisme de John Frederick Kensett.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, les œuvres de William Glen Crooks offrent un regard neuf sur le réalisme contemporain, mêlant nostalgie urbaine et beauté des paysages expansifs avec une profondeur et une sensibilité remarquables. Ses peintures sont des témoignages de la beauté complexe de la vie quotidienne, capturant l'essence de moments souvent négligés avec une précision et une tendresse qui invitent à la réflexion.
Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles œuvres et les événements d'enchères relatifs à William Glen Crooks, offrant aux passionnés d'art une perspective unique sur les développements et les nouvelles acquisitions de cet artiste emblématique du néoréalisme américain.
Terence Tenison Cuneo est un peintre britannique du xxe siècle, célèbre pour ses peintures représentant des trains ou des chevaux en mouvement. Il fut également le peintre officiel de la cérémonie de couronnement d'Élisabeth II en 1953.
Rostislav Alexandrovitch Danov (еn russe: Ростислав Александрович Данов) était un artiste soviétique de la fin du XXe siècle. Il est connu en tant qu'animalier graphique, naturaliste, écrivain et manipulateur professionnel de serpents.
Rostislav Danov a commencé à s'intéresser à l'animalisme dans les dernières années de sa vie. Il est l'auteur de nombreux ouvrages, dont certains sont conservés au musée Darwin de Moscou. L'artiste a illustré des livres, dont "Rare and Endangered Animals. Amphibiens et reptiles". Gorlov travaillait également sur un livre inachevé, "Year of the Snake", où il envisageait de décrire les saisons de la nature turkmène à travers les yeux d'un gyurza. Ses manuscrits, des centaines de dessins et 15 volumes de carnets de terrain avec des croquis graphiques ont survécu.
Gérard de Palézieux est un peintre et graveur suisse.
Dès le premier jour, la vocation de Palézieux aura été de tenter la restitution, au plus près de son émotion, du spectacle du monde – paysages, intérieurs, objets, fleurs ou fruits. Fait plutôt rare à son époque, caractérisée par d’incessantes remises en question du statut de l’art et de la représentation, il n’a jamais été ébranlé par les modes et a persévéré solitairement dans la traduction fidèle de la réalité.
Maynard Dixon est un peintre et illustrateur américain. Dixon s'est fait connaître pour ses paysages de l'Ouest, son imagerie amérindienne, ses scènes de cow-boys et de cow-girls et son travail pendant la Grande Dépression.
Dixon a étudié à San Francisco et à New York, où il a travaillé dans l'illustration de magazines. Il a également voyagé en Europe, où il a trouvé son inspiration dans les œuvres des artistes de la Renaissance et des impressionnistes. À son retour aux États-Unis, cependant, il s'oriente vers le genre de la peinture occidentale, qui devient sa principale passion. L'une des séries d'œuvres les plus célèbres de Dixon est Le mythe de l'Ouest, dans laquelle il représente les paysages de l'Ouest et les cow-boys à l'aide de couleurs vives et de formes géométriques. Son travail était très populaire dans les années 1920 et 1930 et il était souvent invité à exposer ses œuvres dans des musées et des galeries.
Dixon a également travaillé comme artiste-concepteur pour des studios de cinéma, créant des décors et des costumes pour des westerns. Son travail a été utilisé dans des films aussi célèbres que Mutinerie sur le Bounty, Le Shérif et Mighty Joe Yankee. Les œuvres de Maynard Dixon figurent dans les collections de nombreux musées, dont le National Museum of Western Painting à Oklahoma City et le Fenimore Cooper Museum à New York.
Miodrag Djuric (orthographe monténégrine : Миодраг Ђурић), connu sous le nom de Dado, était un artiste né au Monténégro qui a passé la majeure partie de sa vie et de sa carrière créative en France. Il est particulièrement connu en tant que peintre mais a également été actif en tant que graveur, dessinateur, illustrateur de livres et sculpteur.
Paul Dom, né Paulus Ludovicus Carolus Dom est un peintre et illustrateur belge et néerlandais.
Il a étudié à l'Académie royale des beaux-arts d'Anvers, a vécu en Belgique et aux Pays-Bas, a obtenu la nationalité néerlandaise en 1936 et a vécu à La Haye jusqu'à la fin de sa vie.
Paul Dom était un artiste polyvalent. Il a travaillé le dessin et la peinture et a peint des portraits, des paysages urbains et des scènes de genre. Parallèlement, il a été caricaturiste politique et a illustré des livres. Entre 1917 et 1956, Dom a illustré des centaines de livres, principalement pour enfants.
Thomas Duttenhoefer était un sculpteur, dessinateur, graphiste et illustrateur allemand, professeur à l'université de Mannheim.
Outre ses figures humaines, l'œuvre figurative de Thomas Duttenhoefer comprend de nombreuses représentations d'animaux d'une manière délibérément grossière.
Il est membre de la Nouvelle Sécession de Darmstadt, de la Sécession du Palatinat et du groupe Argo de Spire.
Klaus Eberlein était un graphiste, illustrateur et sculpteur céramiste allemand. Il a d'abord suivi une formation de chromolithographe. De 1962 à 1968, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts de Munich et, à partir de 1968, il est l'élève de Hermann Kaspar et reçoit un diplôme final de l'Académie. Eberlein était membre de l'Association pour la gravure originale, de l'Association des artistes de Dachau et de l'Association des artistes de Munich. En 2013, il a été accepté dans l'association littéraire sud-allemande Münchner Turmschreiber.
Ivan Semionovitch Efimov (еn russe: Иван Семёнович Ефимов) était un artiste russe et soviétique de la première moitié du XXe siècle. Il est connu comme peintre animalier, graphiste, sculpteur, illustrateur et réformateur du théâtre de marionnettes.
Ivan Efimov a travaillé dans différents genres et techniques, mais toutes ses œuvres, y compris les arts décoratifs et appliqués, étaient axées sur des thèmes animaliers. Il a créé des œuvres pour le métro de Moscou, les gares, les sanatoriums et bien d'autres lieux, et s'est rendu célèbre pour sa technique du relief en volume dans la sculpture. Le maître a également illustré plus de 20 livres.
Efimov a également créé des œuvres érotiques - environ un millier de feuilles avec différentes séries thématiques, mais le public ne les a découvertes qu'après l'effondrement de l'URSS.
Ellen Kristina Abelli Elander est une artiste, illustratrice et sculptrice suédoise.
Elle a fait ses études à la Birkagårdens folkhögskola et, au début de sa carrière artistique, elle s'intéressait au monstrueux et au morbide, au grotesque et au cannibalisme. Plus tard, la figure de l'extraterrestre apparaît et devient centrale dans l'œuvre d'Elander, participant à la vie humaine d'une manière ou d'une autre.
L'artiste utilise la peinture, le dessin, la sculpture textile et la céramique pour exprimer ses idées, crée des installations spatiales et dessine également des bandes dessinées.
Frantisek Emler était un peintre, dessinateur, graphiste, illustrateur et scénographe tchèque.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague, a été élève de l'Académie des beaux-arts de Rome, puis de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Emler a peint des natures mortes et des portraits, mais surtout des paysages. Il a conçu les décors de plusieurs opéras et productions théâtrales et a également illustré plusieurs livres.
Paula Figueiroa Rego est une artiste plasticienne britannico-portugaise, surtout connue pour sa peinture et ses gravures.
Le style de Paula Rego est passé de l'abstraction au figuratif, devenant de plus en plus réaliste. Elle travaille beaucoup le pastel et la gravure. De style réaliste et fantastique, voire cruel ou choquant, ses œuvres font souvent référence aux contes traditionnels de son enfance portugaise, aux thèmes féministes ou à des éléments autobiographiques.
Susanne Firgau est une artiste allemande, peintre et illustratrice.
Susanne Firgau a étudié à l'Académie des arts de Düsseldorf et est membre de l'Association des artistes de Stuttgart et de l'Association des artistes visuels.
