Architectes d'intérieur 19e siècle
Emile Gallé est un industriel, maître verrier, ébéniste et céramiste français.
Il est fondateur et premier président de l’École de Nancy en 1901.
Enfant de l'art et du commerce, il est l'une des figures les plus marquantes des arts appliqués de son époque et l'un des pionniers de l'Art nouveau. C'est également un précurseur en matière de génétique et d'évolution concernant le monde végétal, ses travaux méconnus du grand public sont pourtant d'une grande pertinence puisqu'ils précèdent ceux de Gregor Mendel et en annoncent les grandes lignes.
Alexandre Iakovlevitch Golovine (en russe: Александр Яковлевич Головин) fut un artiste et décorateur de scène russe remarquable, né le 1er mars 1863 à Moscou et décédé le 17 avril 1930. Initialement orienté vers l'architecture, il s'est par la suite consacré à la peinture et au design d'intérieur, enrichissant son expérience dans divers domaines artistiques comme la conception de meubles. Il a marqué l'histoire par ses collaborations avec des figures emblématiques telles que Sergei Diaghilev, Constantin Stanislavski et Vsevolod Meyerhold, pour qui il a conçu des décors et costumes de théâtre innovants, combinant symbolisme et modernisme.
Ses contributions au ballet, notamment pour le célèbre "L'Oiseau de feu" de Stravinsky en 1910, et pour la mise en scène de "Le Mariage de Figaro" de Beaumarchais au Théâtre d'Art de Moscou, dirigé par Stanislavski, ont été saluées. Ces œuvres témoignent de sa capacité à fusionner les décors et costumes, créant ainsi une harmonie visuelle exceptionnelle sur scène.
Golovine a également laissé un héritage précieux à travers ses peintures, comme les portraits de Fedor Chaliapin et Vsevolod Meyerhold, ainsi que ses œuvres "Porcelaine et fleurs" et "Saules argentés", qui illustrent sa maîtrise de la couleur et son sens du détail.
Reconnu pour son talent, il fut nommé Artiste du peuple de la RSFSR. Ses créations sont préservées dans des collections publiques, telles que celles du musée du Théâtre de Moscou, enrichissant ainsi le patrimoine culturel russe.
Pour rester informé des ventes de produits et des événements d'enchères liés à Alexandre Iakovlevitch Golovine, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir des pièces exclusives et de participer à l'enrichissement de votre collection avec des œuvres d'un des maîtres de la scénographie et de la peinture russe.
Gustav Klimt, né le 14 juillet 1862 à Baumgarten en Autriche, fut un peintre symboliste autrichien et l'un des membres les plus en vue du mouvement Art nouveau et de la Sécession de Vienne. Son œuvre, diversifiée et innovante, couvre des peintures, des murales, des esquisses et d'autres objets d'art. Klimt est surtout connu pour son utilisation audacieuse du corps féminin comme sujet principal de ses œuvres, souvent marquées par un érotisme franc.
Dans ses premières années, Klimt a connu le succès en tant que peintre de décorations architecturales dans un style conventionnel. Cependant, en développant un style plus personnel, il a fait face à la controverse, en particulier avec ses peintures réalisées vers 1900 pour le plafond du grand hall de l'Université de Vienne, jugées pornographiques à l'époque. Il a ensuite refusé d'accepter d'autres commandes publiques, se tournant vers un nouveau succès avec les peintures de sa "période dorée", dans lesquelles il incorporait souvent des feuilles d'or.
Klimt a également été influent dans le développement de la Sécession de Vienne, un mouvement visant à promouvoir des expositions pour les artistes non conventionnels, attirer des œuvres d'artistes étrangers à Vienne, et publier un magazine pour présenter les travaux de ses membres. Ses paysages d'Attersee, peints lors de ses vacances estivales, sont également notables pour leur qualité et leur nombre.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve le "Portrait d'Adele Bloch-Bauer I" (1907) et "Le Baiser" (1907-1908), des exemples remarquables de sa période dorée. Klimt a joué un rôle clé dans l'évolution de l'art moderne au début du 20ème siècle, en influençant des artistes tels que Egon Schiele.
Pour ceux qui s'intéressent de près à l'œuvre de Klimt, en particulier les collectionneurs et les experts en art et en antiquités, s'abonner à des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à Gustav Klimt peut être enrichissant. Cette souscription vous permettra de rester informé des dernières actualités et opportunités liées à son œuvre.
Fernand Khnopff, de son nom complet Fernand-Edmond-Jean-Marie Khnopff, était un peintre, graphiste, sculpteur et historien d'art symboliste belge.
Né dans une famille aisée, Fernand a fréquenté l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles, où il a étudié la peinture avec Xavier Mellerie. Pendant ses années à l'académie, Khnopff passe ses étés à Paris pour étudier l'art, et à l'exposition universelle de 1878, il voit les œuvres du préraphaélite Edward Burne-Jones et du symboliste Gustave Moreau, qui ont une influence décisive sur son travail.
Au début des années 1880, Khnopff commence à exposer ses œuvres symbolistes, souvent inspirées d'œuvres littéraires, en particulier de Gustave Flaubert. Ses peintures allient un réalisme précis à une atmosphère éthérée de conte de fées, et il peint également des portraits.
En 1883, Khnopff est cofondateur des Vingt, un groupe d'artistes belges d'avant-garde. À partir du début des années 1990, il travaille régulièrement avec l'opéra de Bruxelles, le Royal de la Monnaie, et conçoit les costumes et les décors de nombreuses productions. Il a également conçu les intérieurs de bâtiments emblématiques de Bruxelles : la Maison Stoclet et l'Hôtel de Ville de Saint-Gilles.
Hans Makart était un peintre autrichien de la seconde moitié du XIXe siècle. Il est devenu célèbre en tant que maître de la peinture historique, de la nature morte, de l'allégorie, du paysage et du portrait. La plupart de ses tableaux ont été peints dans le style académique. Il était également un décorateur de théâtre, un créateur de costumes, de meubles et d'intérieurs très recherché.
Hans Makart était très populaire à Vienne et son atelier était le lieu d'attraction de la crème de la société viennoise. Le nom de l'artiste a même été donné à un style d'art distinct, avec ses formes fluides caractéristiques et ses couleurs vives : le "Makartstil". Il organisait régulièrement de grandes fêtes dans son atelier, auxquelles les membres de la famille impériale assistaient avec enthousiasme. Il rendit son propre style de décoration intérieure très tendance et la plupart des riches citoyens de Vienne eurent bientôt leur appartement calqué sur son salon.
Makart était professeur de peinture historique à l'Académie des beaux-arts de Vienne et responsable du Künstlerhaus, le plus grand complexe d'exposition de la capitale autrichienne. En 1879, à l'occasion des noces d'argent du couple impérial, Makart organisa une grandiose représentation théâtrale dont les esquisses ont survécu jusqu'à aujourd'hui.
Sergueï Malioutine (en russe: Серге́й Васи́льевич Малю́тин) est un artiste russe né à Moscou en 1859 et mort dans cette ville en 1937. Peintre, architecte et illustrateur, Malyutin est connu pour avoir dessiné la première série de poupées russes gigognes, les matryoshkas, symbole mondialement reconnu de la culture russe. Au domaine de Talashkino, il a dirigé des ateliers et créé des œuvres architecturales remarquables telles que Teremok et la maison Pertsov, exprimant son rêve de faire revivre l'art national russe à travers le style néo-russe et l'Art nouveau.
Sa contribution à l'art ne s'est pas limitée à l'architecture ; Malioutine a également illustré des contes de fées russes et créé des décors pour des opéras tels que Rouslan et Lioudmila de Glinka et Casse-Noisette. Après la révolution de 1917, il est resté fidèle à ses idéaux révolutionnaires et a participé à l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire, démontrant par son travail son engagement envers le gouvernement bolchevique et ses espoirs d'un avenir meilleur. Parmi les tableaux les plus remarquables de cette période, citons "Déjeuner dans une brigade" et "Partisan", qui reflètent la vie et les espoirs des gens ordinaires de l'époque.
Pour ceux qui s'intéressent à l'œuvre de Sergueï Malioutine et qui souhaitent se tenir au courant des ventes et des événements liés à cet artiste, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour. En vous inscrivant, vous aurez accès à des informations exclusives sur les possibilités d'achat d'œuvres liées à Malioutine.
Gwendoline Maud Syrie Maugham était l'une des principales décoratrices d'intérieur britanniques des années 1920 et 1930, qui a popularisé les pièces entièrement décorées de blanc.
Bien qu'elle ait fait fortune et soit devenue célèbre grâce à ses décors blancs, au milieu des années 1930, elle avait largement abandonné les décors blancs pour créer des intérieurs avec des accessoires baroques et des combinaisons de couleurs ponctuées de vert vif, de rose vif et de rouge audacieux.
Les pièces glamour de Maugham ont influencé presque tous les designers.
Ernst Müller-Scheessel est un artiste et designer de meubles allemand.
Il a travaillé pendant un certain temps au Canada - plus souvent dans des églises - en tant qu'artiste verrier. Il a ensuite enseigné à l'université des arts de Brême et a cofondé le Bremer Kunstlerbund (association des artistes de Brême).
En 1910, Ernst Müller-Scheessel ouvre un atelier dans le quartier des artistes, au centre de Brême, et y présente sa première exposition en 1913 : environ 150 œuvres à l'huile, à l'aquarelle et à la gouache y sont exposées, ainsi que quelques-uns de ses dessins de meubles.
Michael Neher était un peintre et décorateur d'architecture allemand.
Michael étudie à l'Académie de Munich, se rend en Italie en 1819 et y passe cinq ans, dont deux à Rome, où il étudie la peinture architecturale dans l'atelier de l'artiste Heinrich Maria von Hess, et retourne à Munich en 1825.
En tant que représentant typique de l'ère Biedermeier, Neher a réalisé de nombreux dessins de costumes et de paysages. Il est également devenu célèbre pour ses vues de lieux publics et ses représentations architecturales de nombreuses villes bavaroises. À partir de 1837, Michel Neher se consacre entièrement à la peinture d'architecture et voyage pour se perfectionner le long du Rhin et en Belgique. En 1839, il peint plusieurs salons du château de Hohenschwangen d'après des dessins de Schwind, Gasner et Schwanthaler. En 1876, il est nommé membre honoraire de l'Académie de Munich.
Bernhard Pankok, de son nom complet Bernhard Wilhelm Maria Pankok, était un peintre et graphiste, designer, artiste appliqué et architecte allemand de la période Art nouveau.
Après avoir acquis des compétences en tant que peintre et restaurateur, Bernhard Pankok étudie la peinture à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, puis à Berlin. En 1892, il commence à travailler à Munich dans son propre atelier de peinture, réalisant des illustrations pour les magazines Pan et Jugend, entre autres. Pancock est l'un des fondateurs de l'Association munichoise des ateliers d'artisanat d'art.
En 1897, Pankok commence à dessiner des meubles et présente ses œuvres à de nombreuses expositions, notamment à l'Exposition universelle et internationale de 1900 à Paris, qui fera date. La même année, l'historien de l'art Konrad Lange confie à Bernhard Pancock la conception de la Haus Lange ; il travaille beaucoup en tant qu'architecte en général et conçoit d'autres bâtiments à Stuttgart. Pankok était prolifique et polyvalent : il a conçu des décors pour des scènes d'opéra et des salons pour des paquebots et même des cabines de passagers pour des zeppelins, il a travaillé comme architecte, designer de meubles, décorateur d'intérieur, peintre et artiste graphique.
En 1907, il cofonde le Deutsche Werkbund. En 1901, il est invité à enseigner à l'Atelier royal de formation et d'expérimentation de Stuttgart ; en 1913, il en devient le directeur et, à ce titre, le fusionne avec l'École des arts et métiers.
Franz Ringer est un peintre, graphiste et sculpteur allemand.
Franz Ringer est issu d'une vieille famille munichoise de charpentiers. À l'âge de 20 ans, il voyage à travers le Tyrol et la Suisse, s'inscrit à l'université technique d'Aix-la-Chapelle, retourne à Munich et travaille pendant dix ans comme assistant du sculpteur Josef von Kramer (1841-1908), ce qui lui permet de devenir un maître sur le plan stylistique et technique.
Ringer était l'un des artistes d'arts décoratifs les plus connus à Munich à l'époque, et il a conçu artistiquement de nombreux restaurants en Bavière et à Munich. Ses projets de design sont extrêmement variés.
Franz Ringer est également connu comme le créateur de chopes à bière en pierre et en verre, qu'il a peintes dans le style Art nouveau, Art déco ou Biedermeier. Les premières chopes Ringer produites ont été fabriquées par Villeroy & Boch en 1905. Ces tasses sont rapidement devenues populaires auprès du public, notamment lors de conférences et de festivals programmés. Ringer a travaillé pour de nombreux fabricants de céramique en Allemagne. Outre Villeroy & Boch, on peut citer Reinhold Merkelbach, Merkelbach & Wick, Marzi & Remi, Albert Jakob Thewalt et d'autres.
Thomas Ralph Spence était un architecte, peintre et sculpteur britannique.
Suivant une tradition familiale, Spence a commencé ses études en tant qu'architecte, mais a ensuite excellé dans la peinture, le vitrail et le travail du métal. En 1885, il s'installe à Londres, où il devient un décorateur d'architecture réputé, responsable de la peinture décorative de la cathédrale de Manchester. Son plus grand projet est l'église St George à Jesmond, commandée par Mitchell Senior, qui est considérée comme le plus grand triomphe architectural de Spence.
Spence était très respecté en tant qu'artiste décorateur et concepteur, ses vitraux, son travail du métal et ses conceptions architecturales étaient très admirés. En 1896, il a cofondé la Society of Designers.
De nombreuses peintures de Spence s'inspirent de la mythologie et de l'histoire classique de Rome, à l'époque de la guerre punique. Elles comprennent des scènes de la vie domestique et des événements historiques avec de nombreux participants. Il a exposé avec un succès constant à la Royal Academy depuis 1876.
Frank Lloyd Wright était un architecte, architecte d'intérieur, écrivain et éducateur américain. Il est largement considéré comme l'un des architectes les plus importants et les plus novateurs du XXe siècle, avec une carrière qui s'étend sur plus de 70 ans.
Wright est connu pour sa philosophie de l'architecture organique, qui vise à créer des structures en harmonie avec leur environnement naturel. Il a conçu plus de 1 000 structures, dont des maisons privées, des bâtiments publics et des bâtiments commerciaux, tels que l'emblématique musée Guggenheim à New York.
Parmi les œuvres les plus célèbres de Wright, citons Fallingwater, une résidence privée construite au-dessus d'une chute d'eau en Pennsylvanie, et la Robie House, une maison de style prairie à Chicago. Il a également conçu l'Imperial Hotel à Tokyo, qui a survécu au grand tremblement de terre de Kanto en 1923.
Tout au long de sa carrière, Wright s'est distingué par son utilisation novatrice des matériaux, comme les blocs de béton qui ont fait sa renommée, et par l'importance qu'il accordait à la relation entre l'environnement bâti et le monde naturel. Il a également beaucoup écrit sur l'architecture et le design, publiant plus de 20 livres et de nombreux articles tout au long de sa vie.
L'influence de Frank Lloyd Wright sur l'architecture moderne est profonde, et son œuvre continue d'être étudiée et célébrée dans le monde entier. Il est souvent considéré comme un pionnier de l'architecture moderne et un maître du design américain.
