Artistes multimédia
Trey Abdella est un artiste américain qui vit et travaille à New York. Les défis de la vie dans une ville cosmopolite complexe ont servi d'inspiration à ses œuvres d'art, bien que les peintures elles-mêmes ne soient pas spécifiquement liées à New York.
L'art de Trey Abdella s'efforce d'entrer en résonance avec les expériences et les sentiments humains. Abdella utilise une iconographie universelle simple, inspirée des mèmes Internet, des films et des dessins animés de la culture contemporaine. Il mélange ces icônes avec divers aspects de l'anxiété que lui ou ses amis ont ressentie dans différents scénarios de la vie quotidienne, dépeignant ainsi les dessous de la société. Les peintures d'Abdella expriment l'insécurité, l'embarras, la peur, la terreur, le dégoût, les désirs et les émotions indicibles que nous devons dissimuler chaque jour afin de respecter les conventions et les attentes sociales.
Franz Ackermann est un artiste médiatique allemand.
Il a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich et à l'Université des beaux-arts de Hambourg, et vit et travaille à Berlin et à Karlsruhe.
L'œuvre de Franz Ackermann comprend des dessins, des aquarelles, des fresques, des peintures et des installations, qu'il complète par des travaux photographiques, des projections et des maquettes d'architecture. Ses œuvres abordent les thèmes du tourisme, de la mondialisation et de l'urbanisme, et reflètent les changements sociaux et les défis politiques engendrés par la mondialisation croissante.
Marc Adrian est un artiste conceptuel et réalisateur autrichien.
Adrian a étudié la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Vienne. À partir de 1953, il s'est intéressé au cinéma, à la cinétique, aux interférences rythmiques, aux problèmes de structures optiques, etc. Adrian est considéré comme l'un des pionniers de l'art médiatique orienté vers le cinéma. Il s'est spécialisé dans les objets cinétiques, l'anti-cinéma et l'art informatique.
Marc Adrian a enseigné dans plusieurs universités européennes et a donné des conférences à des étudiants américains.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
El Anatsui, sculpteur ghanéen né le 4 février 1944, s'est taillé une place de choix avec ses installations emblématiques en forme de bouchon de bouteille. Son art fait le lien entre ses racines ghanéennes et sa carrière au Nigeria, et il est salué au niveau international pour son utilisation innovante de matériaux de la vie quotidienne. Les tapisseries métalliques à grande échelle d'Anatsui, méticuleusement assemblées à partir de capsules de bouteilles jetées et de fils de cuivre, sont le reflet d'une vie passée à explorer les matériaux et l'artisanat locaux.
Citoyen de la nation Ewe, la lignée d'El Anatsui est intimement liée à l'art ; il est le fils d'un maître tisserand de tissu Kente. Cet héritage transparaît dans son travail, tout comme sa formation artistique à l'université Kwame Nkrumah des sciences et technologies de Kumasi, au Ghana. Les sculptures d'Anatsui ne sont pas de simples œuvres d'art, mais des récits tissés à partir de bois, de métal et d'argile, chaque pièce étant chargée d'une histoire.
Les installations d'Anatsui témoignent de sa vision transformatrice : il réutilise des matériaux simples pour en faire des sculptures mutables qui trouvent un écho auprès d'un public international. Ses œuvres, souvent exposées dans des musées et des galeries prestigieux, sont plus que des sculptures ; ce sont des dialogues sur la durabilité et la culture, qui invitent les spectateurs à démêler les couches de sens qu'elles contiennent.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les connaisseurs d'art, les œuvres d'El Anatsui sont un mélange d'histoire, d'innovation et d'art, ce qui en fait des ajouts importants à toute collection. Pour être tenu au courant des dernières nouveautés d'El Anatsui et de ses créations envoûtantes, inscrivez-vous à notre lettre d'information.
Tauba Auerbach est une artiste visuelle qui travaille dans de nombreuses disciplines, notamment la peinture, les livres d'artistes, la sculpture et le tissage. Elle vit et travaille à New York.
Étudiante en mathématiques et en physique depuis toujours, Tauba Auerbach s'intéresse à la structure et à la connectivité, de l'échelle microscopique à l'échelle universelle.
Jim Avignon, né Christian Reisz, est un artiste contemporain allemand connu pour ses œuvres audacieuses, colorées et d'inspiration pop. Il a adopté un pseudonyme pour séparer sa personnalité créative de sa vie quotidienne.
L'art de Jim Avignon incorpore souvent des éléments de l'art de la rue, du graffiti et de l'esthétique des dessins animés. Il est connu pour son approche ludique et satirique de thèmes tels que le consumérisme, la culture populaire et le monde de l'art lui-même. Son travail se caractérise par des couleurs vives, des formes simplistes et un style graphique distinctif, à la fois accessible et visuellement percutant.
Outre sa pratique en studio, Avignon est actif sur les scènes artistique et musicale, collaborant avec des musiciens, des DJ et des artistes. Associé au mouvement artistique Lowbrow, il a exposé ses œuvres à l'échelle internationale et s'est fait connaître par son style distinctif et sa présence artistique énergique.
Sa capacité à combler le fossé entre l'art visuel et la culture populaire a fait de lui une figure éminente de l'art contemporain.
Janis Avotins est un artiste letton né à Riga en 1981. Il a étudié à l'Académie d'art de Lettonie et au Royal College of Art de Londres. Avotins travaille sur différents supports, notamment la peinture, le dessin et la sculpture, et son travail se caractérise par une approche expérimentale de la forme et de la technique. Il a été reconnu pour ses expositions dans des galeries internationales, notamment les Serpentin Galleries à Londres et la Biennale de Venise.
Trisha Baga est une artiste américaine qui travaille sur différents supports, notamment des installations vidéo, des sculptures, des peintures et des installations audio. Elle est connue pour ses expériences avec la technologie et utilise souvent la voix et le corps dans son travail.
Ses œuvres sont souvent interactives et combinent différents éléments tels que des projections, des sons, des objets et des mouvements. Elle est également connue pour son utilisation d'éléments privés tels que les téléphones portables pour créer des œuvres d'art uniques et personnelles.
Trisha Baga puise dans l'héritage de la sculpture, de la peinture, de la musique, de la photographie et de la littérature. Parmi les sujets et les thèmes qu'elle explore figurent les événements contemporains, le culte des héros et des célébrités, et l'histoire collective. Les installations de Baghi comprennent souvent un film, composé de montages et de collages d'images et de photographies trouvées, empilées de manière à ce que certaines images en cachent d'autres ; les films sont projetés directement sur le mur, par-dessus des objets personnels et des déchets de son atelier, de manière à ce qu'ils projettent des ombres sur la projection.
Son travail a été exposé dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de Los Angeles, au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise.
Thomas Baumann est un artiste et réalisateur autrichien qui vit et travaille à Vienne.
Baumann a étudié à l'Académie des beaux-arts de Vienne, mais il est engagé dans un large éventail d'activités créatives. Il mélange les catégories d'art et remet en question les valeurs et les formes. À travers ses sculptures électroniques, ses peintures-machines, ses films et ses installations qui laissent aux visiteurs leur propre liberté d'action, Baumann recherche des liens structurels entre les espaces matériels et mentaux.
Par exemple, l'une de ses sculptures spatiales avec une partition préprogrammée : une feuille d'argent bouge selon un certain rythme, elle se redresse, se contracte ou se dilate. La sculpture change constamment de forme - elle détruit la forme qu'elle vient de prendre pour en créer une nouvelle. Baumann construit également des œuvres d'art à partir de cordes de plancher, de balançoires, de portes, de tuyaux d'orgue et d'autres objets. Nombre de ses œuvres contiennent des éléments acoustiques. Depuis 1990, Bauman réalise également des films et des vidéos.
Tilo Baumgärtel est un artiste allemand qui vit et travaille à Leipzig.
Ses peintures remontent aux œuvres du réalisme social et aux affiches de propagande de grand format. L'artiste travaille avec différents supports et techniques. Outre la peinture, il utilise également la lithographie, les dessins sur papier et la vidéo. L'espace pictural et la création de paysages parfois surréalistes sont l'un de ses thèmes centraux.
Tilo Baumgärtel travaille également avec des théâtres, développant des décors et des vidéos sur la scénographie.
Kevin Beasley est un artiste américain qui travaille dans les domaines de la sculpture, de la performance et de l'installation sonore. Il vit et travaille à New York. Beasley a participé à la Biennale du Whitney Museum of American Art en 2014 et à l'exposition Greater New York du MoMA PS en 2015.
Friedrich Becker était un artiste allemand, un joaillier et un inventeur de bijoux cinétiques.
Friedrich Becker est l'un des joailliers les plus influents de la seconde moitié du XXe siècle. Il s'est surtout fait connaître par ses créations avant-gardistes de bijoux cinétiques et de grands objets cinétiques.
Dès ses années d'apprentissage, Becker s'est intéressé à la cinétique, à l'interaction entre la force et le mouvement. Il a d'abord suivi une formation d'ingénieur en mécanique, puis a rejoint la faculté d'aviation. Ce n'est qu'après la Seconde Guerre mondiale qu'il a "pris la décision téméraire de devenir bijoutier". Après sa formation de bijoutier, il a étudié à la Werkkunstschule, puis a créé son propre atelier à Düsseldorf et est devenu professeur à l'université des sciences appliquées de Düsseldorf.
Becker a expérimenté et complété diverses pièces de joaillerie avec des pierres interchangeables et a finalement développé la joaillerie cinétique. Il n'est pas seulement l'inventeur des bijoux cinétiques, mais il a également révolutionné le marché de la bijouterie avec l'introduction de l'acier inoxydable et des pierres synthétiques. Chaque pièce cinétique de Friedrich Becker est une symbiose parfaite entre la forme, la couleur et le matériau.
Neïl Beloufa est un artiste franco-algérien né en 1985 en Algérie et ayant grandi en France. Il vit et travaille actuellement à Paris. Le travail de Beloufa couvre un large éventail de médias, y compris la sculpture, la vidéo et les installations, et traite souvent de sujets liés à des questions sociales et politiques. Les installations de Beloufa utilisent souvent une combinaison d'objets trouvés, de matériaux industriels et de technologies numériques telles que des écrans et des projecteurs. Il crée souvent un environnement immersif qui encourage le spectateur à interagir physiquement et émotionnellement avec l'œuvre.
L'une des œuvres les plus célèbres de Belufa est Colonies, une installation qui a été exposée au Hammer Museum de Los Angeles en 2017. L'installation était une série de pièces interconnectées remplies de sculptures, de vidéos et de paysages sonores qui exploraient des thèmes liés à la colonisation et aux structures de pouvoir mondiales.
Le travail de Belufa a été exposé à l'échelle internationale, notamment au Palais de Tokyo à Paris, au New Museum à New York et à la Biennale de Venise 2015. Il a reçu de nombreux prix et récompenses, dont l'Audi Talent Award en 2011 et le prix Marcel Duchamp en 2015.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Alexandra Bircken est une artiste, designer et installatrice allemande diplômée du Central Saint Martin's College of Art and Design.
Le thème principal du travail d'Alexandra Bircken est la coquille. Elle explore et combine une variété de matériaux - laine, béton, bois, os, objets quotidiens et vêtements - et crée des objets sculpturaux à partir de ceux-ci. L'artiste utilise également des objets qu'elle rencontre dans la vie quotidienne : voitures, motos, chemises chirurgicales, chevaux à bascule, skis. Cependant, elle les dépouille de leurs contextes habituels et nous surprend par des combinaisons inhabituelles.
Bernhard Johannes Blume est un photographe d'art allemand.
Bernhard Blume et sa femme Anna Blume ont réalisé de nombreuses photographies noir et blanc mises en scène, auxquelles ils ont eux-mêmes participé. Ils sont considérés comme les pionniers de la photographie mise en scène.
Derek Paul Boyle est un artiste visuel américain contemporain dont le travail traite souvent de l'anthropomorphisme des objets quotidiens et des interventions absurdes.
Boyle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts au Emerson College de Boston et son master en études numériques et médiatiques à la Rhode Island School of Design.
Boyle a exposé son travail au niveau national et international, notamment au Museum of Modern Art de Cleveland, au Museum of Fine Arts de Boston et à la Saatchi Gallery de Londres. Ses œuvres font partie des collections du Whitney Museum of American Art, du Museum of Fine Arts Boston, du Cleveland Museum of Art et d'autres institutions.
En plus de sa pratique en studio, Boyle enseigne l'art et travaille en tant qu'artiste invité dans diverses institutions, dont la Rhode Island School of Design, la School of Visual Arts et l'université du Michigan.
Mark Boyle est un artiste écossais de l'underground britannique.
Depuis 1985, il forme avec sa femme Joan Hills et leurs enfants Sebastian et Georgia un groupe d'art co-créatif appelé The Boyle Family. La famille Boyle a expérimenté différentes techniques et différents styles. Ils ont notamment réalisé des performances et des événements, des films et des projections, des enregistrements sonores, des photographies, des microphotographies électroniques, des dessins, des assemblages, des peintures, des sculptures et des installations.
Cependant, leur projet à long terme le plus connu reste Journey to the Earth's Surface (Voyage à la surface de la terre), qu'ils ont commencé en 1964 et qui constitue un continuum d'œuvres étranges et intéressantes. Ces peintures - des moulages dessinés très précis, à mi-chemin entre la peinture et la sculpture - sont des recréations minutieuses de sections de la surface de la terre choisies au hasard, en utilisant de la résine et de la fibre de verre, ainsi que des matériaux réels collectés sur le site étudié.
Miguel Rio Branco, de son nom complet Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco, est un photographe, artiste, réalisateur et créateur d'installations multimédias brésilien.
Son père était diplomate et, pendant son enfance, Miguel a vécu en Espagne, au Portugal, en Suisse et aux États-Unis. Il vit et travaille aujourd'hui à Rio de Janeiro, au Brésil. Après avoir obtenu un diplôme de photographie au New York Institute of Photography, Miguel a d'abord travaillé comme caméraman, puis a collaboré avec l'agence Magnum.
Miguel est connu pour avoir exploré et croisé deux formes d'art différentes : la peinture et la photographie. Il a également tourné 14 courts métrages et 8 longs métrages, et il est reconnu internationalement comme l'un des meilleurs photojournalistes en couleur. Les photographies de Miguel Rio Branco font partie des collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art de New York.
Nick Brandt est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies en noir et blanc d'animaux sauvages et de paysages d'Afrique.
Brandt a commencé sa carrière de photographe en travaillant comme réalisateur de clips musicaux dans les années 1990, avant de se tourner vers la photographie d'art. Son travail dépeint souvent les animaux d'Afrique de manière puissante et émotive, soulignant la beauté et la fragilité de ces créatures et de leurs habitats naturels.
Les photographies de Brandt ont été largement exposées et font partie des collections de nombreux grands musées, dont la National Portrait Gallery de Londres, le Museum of Fine Arts de Houston et le Smithsonian National Museum of African Art de Washington, D.C. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont "On This Earth", "A Shadow Falls" et "Across The Ravaged Land".
Outre ses photographies, M. Brandt est également le fondateur de la Big Life Foundation, une organisation à but non lucratif qui se consacre à la conservation de la faune et des écosystèmes en Afrique de l'Est. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies et son travail de conservation, notamment le prestigieux prix Wildlife Photographer of the Year.
Kerstin Brätsch est une artiste visuelle contemporaine allemande qui crée souvent des œuvres à grande échelle, très abstraites, combinant plusieurs médias. Elle a étudié à l'université d'art de Berlin et à l'université Columbia de New York et a obtenu un master en beaux-arts en 2007. Elle vit et travaille actuellement à New York.
Brecht crée des œuvres de grande taille qu'elle expose d'une manière particulière. Elle s'éloigne le plus possible de la forme standard d'exposition des œuvres d'art. Elle accroche ses œuvres à des aimants, les insère dans des cadres en verre double et les adosse au mur, les laissant à même le sol. Cette méthode de présentation particulière lui permet d'intégrer un peu d'art de la performance dans ses œuvres visuelles.
En 2014, Bratsch a reçu le prix August Macke. En 2017, elle a reçu la deuxième édition du prix Edvard Munch Art Prize, qui consiste en un prix en espèces et en une exposition personnelle au musée Munch en 2019.
Lisa Brice est une artiste peintre et plasticienne sud-africaine originaire du Cap. Elle vit à Londres et cite parmi ses influences son expérience de l'enfance en Afrique du Sud à une époque de bouleversements politiques, ainsi que le temps qu'elle a passé à vivre et à travailler à Trinidad.
Ses œuvres figurent dans des collections du monde entier, notamment au Smithsonian National Museum of African Art, à la Johannesburg Art Gallery, au Whitworth, au High Commission of South Africa, à Londres, et dans la collection privée de Sindika Dokolo.
Guillaume Bruère est un peintre, dessinateur, sculpteur et performeur français. Il vit et travaille à Berlin.
Diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes (DNSEP) en 1999, puis de l’École européenne supérieure de l’image à Poitiers en 2003, Guillaume Bruère s’installe la même année à Berlin où il vit depuis.
Fasciné par les artistes majeurs de l’histoire de l’art (Holbein, Dürer, Rembrandt, Goya, Van Gogh, Giacometti, Picasso, Bacon), Guillaume Bruère travaille à partir 2009 dans de nombreux musées et institutions prestigieuses (par exemple Kunsthaus Zurich, Musée Picasso Paris, Fondation Vincent Van Gogh Arles) à réinterpréter leurs œuvres, notamment par le dessin.
De sa confrontation avec l’art du passé (art égyptien, grec, mexicain, héraldique, etc.), surgit, par la couleur, l’expressivité de son geste, la sureté de son trait, le collage, un univers singulier, dense, d’une vitalité extraordinaire qui se retrouve dans nombre de ses dessins, mais aussi dans sa peinture, sa sculpture et ses performances.
Carmen Calvo, de son nom complet Carmen Calvo Sáenz de Tejada, est une artiste conceptuelle et sculptrice espagnole.
Carmen Calvo est l'une des artistes conceptuelles espagnoles les plus représentatives de notre époque. Elle a étudié à l'École des arts et métiers, puis à l'École des beaux-arts de Valence, a travaillé dans une usine de céramique et, depuis lors, incorpore toujours de l'argile cuite dans ses compositions plastiques. L'artiste travaille également dans le domaine de la scénographie en utilisant la photographie et d'autres ressources formelles, techniques et thématiques très diverses.
En 2013, Carmen Calvo a reçu le prix national des arts plastiques décerné par le ministère de l'éducation, de la culture et des sports, et en 2014, elle a été nommée académicienne de l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos de Valencia.
Jake Chapman, né Iakovos Chapman, est un artiste conceptuel anglais qui travaille presque exclusivement avec son frère aîné Dinos Chapman. Ensemble, ils sont connus sous le nom de Jake & Dinos Chapman et sont devenus célèbres en tant que membres du groupe The Young British Artists, créé par le magnat des médias et collectionneur Charles Saatchi. Les frères créent généralement des œuvres à partir de modèles en plastique ou de mannequins en fibre de verre, qui font souvent scandale.
Dinos Chapman (né Konstantinos Chapman) est un artiste conceptuel anglais qui travaille presque toujours avec son jeune frère Jake Chapman. Ensemble, ils sont connus sous le nom de Jake & Dinos Chapman et sont devenus célèbres en tant que membres du groupe The Young British Artists, créé par le magnat des médias et collectionneur Charles Saatchi. Les frères créent généralement des œuvres à partir de modèles en plastique ou de mannequins en fibre de verre, qui font souvent scandale.
Christo & Jeanne-Claude sont un duo d'artistes, le couple marié Christo Vladimirov Javacheff (1935-2020) et Jeanne-Claude Denat de Guillebon (1935-2009), un couple emblématique d'artistes novateurs du land art. Ils sont connus pour leurs installations à grande échelle : ils emballent de grands repères historiques, travaillent avec d'immenses espaces et des objets naturels monumentaux. Leurs projets se distinguent par ce que l'on appelle en Europe l'"américanisme", c'est-à-dire quelque chose de grandiose et de grand. Les œuvres de Christo et Jeanne-Claude sont conservées dans de nombreuses grandes collections publiques.
Andrzej Cisowski est un artiste multimédia et un graphiste polonais.
Diplômé de l'Académie des beaux-arts de Varsovie, il a d'abord été associé au mouvement Neue Wilde (néofauvisme). Au fil du temps, il a développé son propre style, à la frontière de la peinture figurative et de la nouvelle expression. L'artiste a également réalisé des peintures à partir de photographies anciennes.
Peter Coffin est un artiste américain. Il est connu pour ses œuvres conceptuelles et interdisciplinaires qui explorent la relation entre l'homme et le monde naturel.
Les œuvres de Coffin intègrent souvent un éventail de médias, notamment la sculpture, la peinture, la photographie, la vidéo et la performance. Il aborde souvent des concepts scientifiques et philosophiques, tels que la nature de la perception et la relation entre l'homme et l'animal.
Les œuvres de Coffin ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington, D.C., au Whitney Museum of American Art à New York et au Centre Pompidou à Paris.
Il a reçu de nombreux prix et subventions pour son travail, notamment une bourse Guggenheim en 2013. Le travail de Peter Coffin est réputé pour sa capacité à combler le fossé entre l'art et la science, et à encourager les spectateurs à réfléchir de manière critique à leur place dans le monde.
Peter Coffin vit et travaille à Londres.
Mercier Philip "Merce" Cunningham est un danseur et chorégraphe américain. Son œuvre a contribué au renouvellement de la pensée de la danse dans le monde. Il est considéré comme le chorégraphe qui a réalisé la transition conceptuelle entre danse moderne et danse contemporaine, notamment en découplant la danse de la musique, et en intégrant une part de hasard dans le déroulement de ses chorégraphies. Merce Cunningham, fait partie d'un courant artistique, l'art moderne, qui a affecté le monde des arts plastiques, de la musique et dans une moindre mesure celui de la danse. Il a souvent collaboré avec des artistes d'autres disciplines, notamment des musiciens, des graphistes et des créateurs de mode. Les œuvres qu'il a créées avec eux ont eu un impact profond sur l'art d'avant-garde en dehors du monde de la danse. Le travail de Cunningham a fait l'objet de nombreuses expositions. En outre, ses beaux-arts sont représentés dans la galerie Margarete Roeder.
Betty Danon est une artiste d'origine turque qui a travaillé en Italie.
Elle a créé ses œuvres en utilisant une grande variété de techniques : peinture et collage, dessin et performance, art postal et sculpture, des centaines d'œuvres sur papier et sur toile. Betty Danon a cherché à transmettre l'harmonie du son et du signe par tous les moyens possibles.
Matthew Darbyshire est un artiste britannique. Il est connu pour ses œuvres multimédias qui explorent la culture de consommation contemporaine et l'environnement bâti.
Darbyshire travaille souvent la sculpture, l'installation et la photographie, en utilisant des matériaux tels que le béton, le métal et le plastique. Son travail fait souvent référence à l'esthétique de l'architecture et du design modernistes, et il incorpore fréquemment des objets trouvés et des images de la culture populaire dans ses œuvres.
En 2014, Darbyshire a créé la sculpture en polystyrène Hercule, qui est une imitation de l'Hercule de Farnèse. Le choix délibéré d'un matériau blanc a été interprété comme une perpétuation du colorisme dans la façon dont nous voyons et comprenons la sculpture classique.
Les œuvres de Darbyshire ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment à la Tate Britain de Londres, au Museum of Modern Art de New York et à la Biennale de Venise. En 2015, il a été sélectionné pour le prix Hepworth de sculpture.
Son travail est réputé pour son engagement critique vis-à-vis de la culture de consommation et de l'environnement bâti, ainsi que pour son utilisation de l'humour et du jeu afin d'explorer des questions sociales et culturelles complexes.
Jiří David est un artiste tchèque contemporain qui travaille avec différentes techniques, notamment la peinture, la sculpture, l'installation et la photographie. Cofondateur du groupe artistique Tvrdohlaví . Son œuvre médiatique la plus célèbre est le cœur de néon au-dessus du Château de Prague à la fin du dernier mandat du président Václav Havel.
Jiří David a étudié à l'Académie des beaux-arts de Prague. Son travail se caractérise par une approche conceptuelle et un engagement critique vis-à-vis de l'histoire de l'art et des questions sociales. Il crée souvent des installations à grande échelle qui interpellent le spectateur et explorent la relation entre l'art et son public.
Simon Denny est un artiste contemporain né en 1982 en Nouvelle-Zélande. Il travaille sur différents supports, notamment la sculpture, l'installation, la vidéo et la gravure. Le travail de Denny explore souvent l'intersection de la technologie, de la politique et de l'économie. Il s'intéresse particulièrement à la manière dont les systèmes technologiques façonnent nos vies et nos sociétés. Dans son art, il utilise fréquemment des images et des objets liés à l'industrie technologique, tels que des circuits imprimés, des serveurs informatiques et des interfaces logicielles. L'une des œuvres les plus connues de Denny est "Secret Power", qui a été exposée à la Biennale de Venise en 2015. L'installation se concentre sur les activités du Government Communications Security Bureau (GCSB), l'agence de renseignement néo-zélandaise. Elle comprenait une reconstitution de la salle de conférence de l'agence, ainsi qu'une série de gravures et de sculptures qui exploraient le rôle de l'agence dans la surveillance mondiale. Denny a exposé ses œuvres à l'échelle internationale, notamment au Museum of Modern Art (MoMA) de New York, à la Serpentine Gallery de Londres et à la Biennale de Sydney. En 2019, il a reçu le prestigieux prix Ars Viva pour les arts visuels.
Antonio Manuel Lima Dias était un artiste et graphiste brésilien. Il était une figure importante de l'art concret. Il a étudié à l'École nationale des beaux-arts de Rio de Janeiro.
Depuis 1965, Antonio Dias a effectué des voyages d'étude dans le monde entier, notamment à Paris, Milan, Berlin, New York et au Népal. Le style artistique de Diaz se caractérise par une approche audacieuse et conflictuelle. Il utilise une combinaison d'éléments figuratifs et abstraits, de couleurs vives, de lignes fortes et de compositions dynamiques.
En 1992, il est devenu professeur à la Sommerakademie für bildende Kunst de Salzbourg, en Autriche, et l'année suivante à la State Academy of Art de Karlsruhe, en Allemagne. L'une de ses principales caractéristiques est l'utilisation de papier fait à la main, combinant texture et couleur dans ses œuvres.
Manfred Dinnes est un artiste, sculpteur, écrivain et directeur de galerie d'art allemand. Il a également été rédacteur culturel du magazine Europeonline.
Dans sa jeunesse, Manfred Dinnes a beaucoup voyagé à travers le monde pour étudier d'autres cultures. En 1973-1974, il a suivi une formation de restaurateur d'œuvres d'art dans les églises. Parallèlement, il s'initie à la peinture sur verre et au soufflage du verre. En 1979, il est diplômé de l'Académie des beaux-arts de Nuremberg, où il a étudié la peinture à main levée avec Gerhard Wendland, Ludwig Scharl et Franz Wintzinger.
Depuis qu'il a fondé Visual-Art Concepts en 2007, Dinnes a créé de grandes sculptures de 7 à 8 mètres de haut.
Nöel Dolla est une artiste française spécialisée dans les installations.
Dolla est le plus jeune et le plus important membre du groupe Supports/Surfaces qui a émergé en France à la fin des années 1960. De 1969 à aujourd'hui, il a travaillé sur des paysages sous le titre "Reconstruire l'espace".
Nöel Dolla utilise de nombreuses techniques et une grande variété de matériaux - des tissus, y compris des torchons de cuisine et des taies d'oreiller, du matériel de pêche, des cratères sur la plage et des figures de cire.
Jörg Döring est un artiste allemand spécialisé dans les techniques mixtes et l'un des principaux artistes néo-pop d'Allemagne. Utilisant la sérigraphie, le collage photo, l'acrylique, la peinture en aérosol et l'huile sur toile, Döring dépeint divers personnages de bandes dessinées, de dessins animés et d'icônes pop. Les sources de son travail comprennent des photographies, des livres, de vieux magazines, des ébauches, des échantillons d'impression, des emballages, des croquis et bien d'autres choses encore, à partir desquels il crée des œuvres à grande échelle et multimédias.
Bertrand Dorny est un artiste abstractionniste français, peintre, graveur et graphiste.
D'abord peintre, Dorny s'est intéressé à différentes techniques, dont la gravure, dans laquelle il a connu un grand succès et une grande reconnaissance. Il a réalisé plus de 650 gravures.
Dorny aimait travailler le bois et le papier, à partir desquels il créait des collages élaborés, des reliefs et assemblait de grands panneaux de bois. Il a également travaillé dans le domaine du collage de livres.
Jeanne Dunning est une photographe américaine dont le travail est centré sur la corporéité et la physicalité humaine sous des formes abstraites. Dunning a obtenu son baccalauréat ès arts de l'Oberlin College et sa maîtrise en beaux-arts de la School of the Art Institute of Chicago. De là, elle a ouvert sa première exposition à la Feature Gallery de Chicago en 1987. Au début des années 1990, Dunning a créé une série de photographies pour une exposition intitulée "Directions" qui visait à brouiller les lignes entre réalité et fiction. L'exposition était exposée au Hirshhorn Museum de Washington. Le travail de Dunning fait partie des collections permanentes de l'Art Institute of Chicago, du Whitney Museum of American Art, du Museum of Contemporary Art de Chicago, du Museum of Contemporary Photography et du Museum of Modern Art de New York.
Sofia Isaakovna Dymchits-Tolstaia (еn russe: Софья Исааковна Дымшиц-Толстая) était une artiste russe et soviétique d'origine juive, née le 23 avril 1884 à Saint-Pétersbourg, Empire russe, et décédée le 30 août 1963. Elle a marqué l'art du XXe siècle par son travail en tant que peintre, graphiste, affichiste, éditrice et éditrice d'art, en s'illustrant notamment dans le style du constructivisme et du dadaïsme. Son œuvre comprenait des natures mortes, des collages, des compositions picturales abstraites et semi-abstraites, ainsi que des reliefs. Dymchits-Tolstaia a également produit des affiches de propagande, notamment en utilisant la technique de la peinture sur verre, et a exploité avec brio la technique de l'aquarelle.
Elle a été une figure importante de l'avant-garde russe, participant à des mouvements artistiques et à des associations créatives telles que le Jack of Diamonds et l'Union des artistes de l'URSS. Son influence et sa contribution à l'art de son époque ont été reconnues lors d'expositions, notamment au Centre Pompidou, où son travail a été exposé aux côtés d'autres grands noms de l'avant-garde russe comme Malevich et Chagall.
Ses œuvres, qui continuent d'attirer l'attention des collectionneurs et des amateurs d'art, se caractérisent par leur originalité et leur capacité à capturer l'esprit d'une époque marquée par de profonds bouleversements sociaux et culturels. L'intérêt pour ses travaux se manifeste également dans les ventes aux enchères, où ses pièces sont recherchées pour leur valeur historique et artistique.
Pour ceux qui sont captivés par l'histoire de l'art russe et soviétique et par les œuvres de Sofia Isaakovna Dymchits-Tolstaia, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à cette artiste remarquable. Cette inscription vous garantira d'être toujours informé des dernières nouvelles et opportunités de collectionner des œuvres de cette artiste exceptionnelle.
Charles Eames et Ray Eames étaient un couple de designers industriels américains qui ont apporté une contribution historique significative au développement de l'architecture et du mobilier modernes grâce au travail de l'Eames Office.
Charles et Ray Eames ont également travaillé dans le domaine du design industriel et graphique, des beaux-arts et du cinéma. Charles était le visage public de l'Eames Office, mais Ray et Charles travaillaient ensemble en tant que partenaires créatifs et attiraient une équipe créative diversifiée. Parmi leurs créations les plus connues, citons la chaise longue Eames et la chaise de salle à manger Eames.
Le bureau de design de Charles et Rae Eames a survécu pendant plus de quarante ans.
Eva et Adele sont un couple d'artistes allemandes vivant à Berlin. Elles sont surtout connues pour leurs performances, mais sont également présentes dans des expositions avec des œuvres matérielles depuis 1997. En plus d'apparaître en public, elles travaillent avec les médias que sont la photographie, la vidéo et la peinture.
Michel Favre est un peintre et sculpteur suisse qui vit et travaille à Martigny.
Michel a suivi une formation de sculpteur sur marbre dès son plus jeune âge : il a appris à travailler les matériaux, a perfectionné son métier et ses compétences techniques et a travaillé dans le domaine de la restauration. En 1972, il ouvre son atelier à Martigny et jusqu'en 1980, il crée presque exclusivement des sculptures en pierre, mais depuis les années 1990, il intègre le bronze, le verre et d'autres matériaux dans son travail. Depuis 1996, il crée également des installations vidéo, combinant les arts plastiques, le cinéma, la photographie et les nouveaux médias. Michel Favre voyage beaucoup et se passionne pour l'archéologie.
Le motif principal des œuvres du sculpteur est la fragilité de l'être humain dans un monde de machines et de technologies. Dans ses images tridimensionnelles, les personnes sont le plus souvent minuscules et ressemblent à des fourmis, essayant de changer quelque chose dans le monde gigantesque qui les entoure.
Depuis 1983, Michel Favre est membre de VISARTE (Société des peintres, sculpteurs et architectes suisses) et a participé activement à de nombreuses expositions dans le monde entier.
Robert Filliou est un artiste et poète postmoderniste français, auteur, réalisateur et producteur de vidéos et de sculptures, travaillant dans les genres du happening et de la performance. Filloux a été membre du mouvement Fluxus et créateur du concept de musée en chapeau.
Norbert Fleischmann est un artiste autrichien dont la passion pour la peinture pourrait être qualifiée d'encyclopédique, car elle englobe une grande variété de styles et de genres, de motifs, de styles de peinture et d'influences médiatiques, voire de formes de présentation et de représentation.
Ernst Fuchs est un artiste autrichien : peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, architecte, scénographe, compositeur, poète, chanteur et l'un des fondateurs de l'École de Vienne du réalisme fantastique. En 1972, il achète, à Hütteldorf, la villa d'Otto Wagner, architecte de l'Art nouveau, qu'il restaure et transforme. Le Musée Ernst Fuchs y est inauguré en 1988.
Ori Gersht est un photographe et vidéaste israélien. Il est connu pour son utilisation de la photographie et de la vidéo pour explorer les thèmes de la mémoire, de l'histoire et du conflit.
Le travail de Gersht implique souvent l'utilisation de vidéos au ralenti et à grande vitesse, ce qui lui permet de capturer les moments éphémères et fugaces qui sont souvent négligés dans la vie quotidienne. Il utilise également toute une série de techniques photographiques, notamment des natures mortes et des paysages, pour créer des images à la fois belles et obsédantes.
Parmi les séries les plus célèbres de Gersht, citons "Time After Time", qui capture l'instant d'une fleur qui éclate, et "Liquidation", qui explore la destruction d'objets historiques. Il a également créé des installations vidéo qui examinent l'histoire et la mémoire de l'Holocauste.
Le travail de Gersht a été exposé dans les principaux musées et galeries du monde entier, et il a reçu de nombreux prix et distinctions pour sa contribution au domaine de la photographie et de l'art vidéo. Il continue à produire de nouvelles œuvres et est largement considéré comme l'un des artistes contemporains les plus importants.
David (Dudu) Gerstein est un peintre, sculpteur, dessinateur et graveur israélien.
Gerstein a reçu une large éducation : il a étudié à l'Académie Bezalel, puis à l'École des Beaux-Arts de Paris, à New York il a poursuivi ses études à l'Art Students League, et en 1974 il a reçu un diplôme de la St Martin's School of Art de Londres. Il travaille librement sur tous les supports : gravure, peinture, sculpture, dessin, peintures murales et créations monumentales.
Dans les années 1970, Gerstein commence à expérimenter des œuvres tridimensionnelles, laissant des fragments découpés suspendus dans l'espace. Après de nombreuses innovations, David a commencé à créer des sculptures murales en utilisant la découpe au laser et la peinture automobile. Il crée sa propre forme de pop art et acquiert une réputation internationale pour son style caractéristique avec des images colorées de nombreux cyclistes, papillons, danseurs, coureurs et autres. Avec l'avènement de l'informatique, il a pu convertir ses dessins en gabarits parfaitement formatés qui peuvent être reproduits fidèlement dans un atelier de métallurgie.
Les sculptures monumentales reconnaissables de Gerstein sont visibles dans les villes du monde entier. Sa sculpture de rue Momentum est la plus haute sculpture publique de Singapour.
Horst Gläsker est un artiste allemand universel.
Gläsker a d'abord étudié comme designer, puis à l'Académie de Düsseldorf avec Gerhard Richter et K. Götz. Depuis les années 1980, Glesker a joué un rôle décisif dans l'évolution du monde de l'art en Allemagne et plus particulièrement à Düsseldorf. Son œuvre est une symbiose entre la musique, la danse, le théâtre, le dessin, la peinture, la sculpture, l'installation et l'architecture. Cet artiste brouille les frontières de l'art et travaille à travers les médias et les disciplines.
Gläsker associe ses installations à l'architecture, par exemple dans les espaces publics de Francfort, Oberhausen et Erfurt. Dans un autre volet de son travail, l'artiste associe diverses peintures à la photographie et crée des peintures photographiques. Dans ce processus, il collabore également avec des photographes renommés.
Horst Gläsker a travaillé comme professeur à la Kunstakademie Münster, à l'université des arts de Braunschweig et à l'école des beaux-arts de Kassel. Depuis 2006, Glesker vit à Düsseldorf et est membre de l'Association des artistes allemands.
Red Grooms est un peintre-sculpteur américain.
Ses tableaux sont des tableaux-sculptés et peints, dans lesquels est représenté le petit monde de New York, et même de Paris, avec ses petits métiers, ses habitants avec un regard jamais critique mais bienveillant et burlesque.
D'un style art pop, où règne un univers débridé, proche de la bande dessinée ou de la caricature, l’exubérance, la couleur et l’humour.
Marcia Jean Hafif était une artiste américaine connue pour ses contributions aux mouvements artistiques minimaliste et conceptuel. Elle a commencé sa carrière artistique dans les années 1950, explorant divers supports et styles avant de trouver sa voix distinctive.
L'œuvre de Hafif se concentre souvent sur l'exploration de la couleur, de la lumière et de l'essence des matériaux. Elle s'intéresse particulièrement à l'interaction entre la perception, le processus et la physicalité de la peinture. Dans les années 1970, Hafif s'est lancée dans une série révolutionnaire intitulée « L'inventaire », dans laquelle elle a méticuleusement peint une série d'œuvres monochromes, chacune consacrée à l'exploration d'une couleur spécifique. Ces peintures mettent l'accent sur les qualités et les variations d'une seule teinte, remettant en question les notions traditionnelles de représentation et élargissant les possibilités de la couleur en tant que sujet.
Plus tard dans sa carrière, Hafif a étendu son exploration de la couleur à un éventail plus large de médias, tels que la photographie, le film, le son, le texte, l'installation et la gravure. Elle a continué à repousser les limites et à expérimenter différents matériaux et processus, s'efforçant toujours d'approfondir sa compréhension de l'impact de la couleur sur la perception et l'expérience.
Doug Hall est un photographe et artiste médiatique américain, qui a reçu une reconnaissance nationale et internationale pour son travail dans une gamme de pratiques, notamment la performance, l'installation, la vidéo et la photographie numérique à grande échelle. Il a été membre du TR Uthco Collective (1970-1978). De 1981 à 2008, il a été membre du corps professoral du département des nouveaux genres du San Francisco Art Institute (SFAI). Après avoir pris sa retraite de la SFAI, il rejoint la faculté Graduate Fine Arts du California College of the Arts (CCA) de 2008 à 2015.
David Hardy, qui travaille sous le nom de Le Suisse Marocain, est un artiste et galeriste qui se considère comme cosmopolite.
Né en Allemagne, David a étudié à l'Académie nationale des beaux-arts de Karlsruhe et vit principalement à Paris, mais aussi en Sicile, à Madagascar ou au Japon. En 1996, il a installé un atelier dans le centre de Paris, qui est devenu l'un des centres d'art parisiens les plus célèbres sous le nom de maison d'artistes "59Rivoli". C'est là que David Hardy vit et expose régulièrement. Cet immense atelier est un hybride d'espace de vie et d'exposition et abrite en même temps la collection de l'artiste, le musée Igor Balut.
David Hardy incarne, à travers son travail, l'idée de l'artiste comme cosmopolite. Par le biais de croquis, de copies et de collages, il s'approprie le monde. Il peint tout ce qui l'entoure, même les valises dans lesquelles ses œuvres arrivent et ses vêtements. Chacune de ses œuvres a sa propre biographie, chaque objet a son propre destin. Il se surnomme lui-même Roi de Rien - un artiste-poète humoristique et radical qui crée pour le plaisir de créer.
Axel Heil est un artiste et producteur allemand qui vit à Karlsruhe et à Bâle.
Il a fréquenté l'Académie nationale des beaux-arts de Karlsruhe, a étudié la peinture à Paris et à La Haye, ainsi que l'histoire de l'art et la philosophie à l'université de Heidelberg. Depuis 20021, il est professeur de processus expérimentaux de traduction et d'écriture à l'Académie nationale des beaux-arts de Karlsruhe.
Axel Heil est le fondateur de "liquid editions", une plateforme pour une grande variété de projets et de recherches. Depuis 2008, il est l'éditeur de la série "The Future of the Past", des monographies d'artistes des années 1960.
L'artiste travaille avec des techniques mixtes. Il utilise une variété de médias : objets, installations, peintures combinées, travaux vidéo et photographiques, qui sont également combinés dans ses œuvres.
Robert Heinecken était un artiste et un éducateur américain. Il est connu pour son travail de pionnier dans le domaine de la photographie, en particulier pour son utilisation d'images trouvées et son expérimentation des procédés photographiques.
Heinecken a étudié à l'université de Californie à Los Angeles, puis est devenu professeur d'art à l'UCLA, où il a enseigné pendant plus de 30 ans. Il a beaucoup exposé tout au long de sa carrière, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Whitney Museum of American Art et au San Francisco Museum of Modern Art.
Le travail de Heinecken consistait souvent à s'approprier des images provenant des médias de masse, tels que les magazines et la télévision, et à les recontextualiser dans son art. Il était également connu pour sa "paraphotographie", un terme qu'il a inventé pour décrire son utilisation de matériaux et de techniques photographiques pour créer des œuvres qui n'étaient pas nécessairement des photographies au sens traditionnel du terme. Par exemple, il utilisait du papier photographique pour créer des sculptures abstraites en trois dimensions, ou il manipulait des images avec des produits chimiques pour créer des compositions surréalistes et oniriques.
L'œuvre de Heinecken a été saluée pour son engagement critique à l'égard du rôle de la photographie dans la culture contemporaine, ainsi que pour son esprit, son caractère ludique et son côté subversif. Il a exercé une influence majeure sur le développement de l'art conceptuel et du postmodernisme aux États-Unis, et son héritage continue de se faire sentir dans l'art contemporain d'aujourd'hui.
Lothar Hempel est un artiste médiatique allemand qui vit et travaille à Berlin.
Formé à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, Lothar travaille dans un large éventail de médias, combinant l'abstrait et le figuratif dans des mises en scène dramatiques. S'inspirant d'une variété de styles - dadaïsme, constructivisme, école du Bauhaus - Hempel crée des œuvres dans les domaines de la sculpture, du dessin et de la peinture, de la vidéo, de la performance et de l'installation. Il utilise des métaphores visuelles, y compris des images ou des objets trouvés.
Lothar Hempel expose régulièrement depuis 1991.
Hipkiss est le pseudonyme du couple d'artistes Alpha et Christopher Mason, tous deux nés en 1964 au Royaume-Uni.
Les artistes ont commencé à travailler ensemble au Royaume-Uni, puis se sont installés en France, où ils continuent à vivre et à travailler. Ils sont connus pour leurs dessins figuratifs détaillés, réalisés avec une technique mixte combinant le crayon, l'encre argentée et la feuille métallique. Les artistes dessinent des paysages urbains à grande échelle, des paysages, des insectes étranges, des plantes et des oiseaux, dépeignant des images d'un futur utopique où la nature a conquis l'environnement industriel.
Yngve Holen est un artiste allemand contemporain.
Dans son travail, Holen explore souvent la relation entre la technologie, la culture de consommation et le corps humain. Il utilise souvent des matériaux et des objets industriels dans ses sculptures et ses installations, et son travail a souvent une esthétique minimaliste et futuriste.
Le travail d'Yngve Holen exprime une sensibilité à l'identification croissante de l'homme et de la machine, du corps et de la culture de consommation, où les objets nous définissent autant que nous les définissons. Son travail reflète la manière dont ces frontières se déplacent et s'étendent, sont manipulées et étirées, à la fois dans les sphères technologiques et sociales, où elles se heurtent à de nouvelles ontologies. Les objets de consommation sont soigneusement et cliniquement disséqués ; les phares des voitures prennent des qualités anthropomorphiques ; les composants des tomographes informatiques deviennent des portails futuristes vers une nouvelle réalité.
Holen a largement exposé son travail en Europe et en Amérique du Nord, notamment à la Biennale de Venise, au Stedelijk Museum d'Amsterdam et au Museum of Modern Art de Chicago. Il a également reçu de nombreux prix et bourses. Il vit et travaille actuellement à Berlin.
Pierre Huyghe est un artiste français né le 11 septembre 1962 à Paris. Il est connu pour ses œuvres interdisciplinaires qui combinent différents médias tels que le film, la sculpture, la performance et l'installation. Les œuvres de Huyghe explorent souvent des idées complexes autour du temps, de la mémoire, de la perception et de la conscience humaine.
Huyghe a étudié à l'École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris avant de commencer sa carrière d'artiste à la fin des années 1980. Depuis lors, il a exposé ses œuvres dans de nombreuses expositions individuelles et collectives à travers le monde, notamment dans des institutions majeures telles que le Guggenheim Museum de New York, la Tate Modern de Londres et le Centre Pompidou de Paris.
Parmi les œuvres les plus remarquables de Huyghe, citons "The Host and the Cloud", une installation multimédia qui s'est déroulée sur une période de trois ans à la Marian Goodman Gallery à New York, et "Untilled", une sculpture représentant un personnage allongé avec une ruche vivante en guise de tête, qui a été exposée lors de la Documenta 13 à Kassel, en Allemagne. En 2017, Huyghe a reçu le prix Nasher pour la sculpture, qui reconnaît sa contribution au domaine de l'art contemporain.
Fabrice Hybert, également connu sous le pseudonyme Fabrice Hyber, est un plasticien français né le 12 juillet 1961 à Luçon (Vendée). Il est élu à l'Académie des beaux-arts le 25 avril 2018, à l'âge de 56 ans. Attaché à la nature, à l’économie, au commerce et aux sciences, il a créé des systèmes autour de la production artistique avec les entreprises, des scientifiques et des laboratoires à travers le monde. Fabrice Hyber revendique un attachement aux mathématiques, aux sciences, mais également à la philosophie de Gilles Deleuze.
Dorothy Iannone est une artiste américaine qui a longtemps vécu et travaillé en Allemagne. La plupart des peintures, textes et films de Iannone traitent de l'amour érotique. La liberté, l'amour libre, la sexualité sans entrave sont les thèmes centraux des images de l'artiste.
Les représentations du corps humain de Yannone s'inspirent largement des motifs grecs et orientaux, des gravures japonaises et des beaux-arts des religions tibétaine et indienne.
Parker Ito est un artiste contemporain américain. Il a grandi à Long Beach, en Californie, et travaille actuellement à Los Angeles. La pratique artistique d'Ito englobe un large éventail de médias, dont la peinture, la sculpture, la vidéo, la performance et l'installation.
Ito est connu pour son exploration de l'intersection de la technologie et de l'art contemporain. Il intègre souvent des éléments numériques dans son travail, comme l'impression UV sur toile, la peinture numérique et l'impression 3D. Le travail d'Ito traite également souvent des questions d'identité, de représentation et de marchandisation de l'art.
Ito a présenté son travail dans de nombreuses expositions individuelles et collectives dans des galeries et des musées du monde entier.
Ilya Iossifovitch Kabakov, (en russe : Илья Иосифович Кабаков) né en 1933 à Dniepropetrovsk (aujourd'hui en Ukraine), fut un artiste conceptuel russo-américain, reconnu pour ses installations profondes et narratives qui critiquent souvent la société soviétique. Ayant commencé sa carrière comme illustrateur de livres pour enfants, Kabakov a élargi son œuvre pour inclure des installations complexes et des projets théoriques, devenant un acteur clé du mouvement du conceptualisme de Moscou.
Ses œuvres sont exposées dans de prestigieuses institutions telles que le Centre Pompidou, le Museum of Modern Art, le Guggenheim, le Hermitage, et la Tretjakov Gallery, parmi d'autres. Notamment, ses projets avec sa femme et collaboratrice Emilia ont marqué l'art contemporain, avec des expositions remarquables à la Documenta de 1992, à la Biennale de Venise de 1993, et au Tate Modern en 2017, où leur exposition "Not Everyone Will Be Taken Into the Future" a été présentée.
Kabakov est décédé en 2023, laissant derrière lui un héritage d'œuvres qui continuent d'influencer et d'inspirer. Ses créations, qui explorent la vie sous le régime soviétique tout en aspirant à des idéaux utopiques, restent un témoignage poignant de l'histoire et de la culture russes du XXe siècle.
Pour les collectionneurs et les experts en art, les œuvres de Kabakov offrent une perspective unique sur l'art conceptuel et son pouvoir de commentaire social. Ses installations invitent à la réflexion et à l'interrogation, faisant de lui une figure incontournable de l'art moderne.
Pour rester informé des ventes et des événements d'enchères liés à Ilya Iossifovitch Kabakov, inscrivez-vous à nos mises à jour. Cette souscription vous permettra de découvrir de nouvelles opportunités d'acquérir des pièces de cet artiste exceptionnel et de suivre l'évolution de son marché.
Matsumaro Khan (russe : Мацумаро Хан), également connu sous le nom de Victor Khan (Виктор Хан), est un sculpteur russe et un artiste médiatique d'origine coréenne. Son approche artistique attire l'attention, en particulier lorsqu'il travaille avec des matériaux cuits et traités thermiquement, ce qui donne à ses œuvres un effet visuel imprévisible. Pour Matsumaro, le feu n'est pas seulement un outil, mais aussi un allié dans la création d'œuvres d'art uniques.
Infatigable dans sa créativité, Matsumaro expérimente et s'inspire d'objets inhabituels tels que des tasses et des pots, créant des chefs-d'œuvre qui semblent ouvrir la porte d'un monde étranger. Son travail est un mélange parfait de tradition et de modernité, ce qui rend son art reconnaissable et demandé tant en Russie qu'à l'étranger.
Kimsooja, de son vrai nom Kim Soo-ja, est une artiste sud-coréenne et américaine qui vit et travaille à New York et à Séoul.
Après des études d'art à Séoul, Kimsooja étudie la lithographie à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, puis effectue un stage au Musée d'art moderne de New York.
Ses premières œuvres utilisent le tissu, qui devient rapidement son support de prédilection : l'artiste commence à créer de grands collages textiles. Dans son travail, Kimsooja combine la performance, le film, la photographie et l'installation en utilisant des textiles, de la lumière et du son. L'artiste explore des questions liées à la condition humaine et aborde également des questions d'esthétique, de culture, de politique et d'environnement.
Terence Koh est un artiste canadien. Il est connu pour ses œuvres provocantes et souvent controversées qui explorent les thèmes de la spiritualité, de la sexualité et de l'identité.
Koh travaille dans une variété de médias, y compris la sculpture, la performance et l'installation. Il incorpore souvent des objets et des matériaux trouvés dans ses œuvres, tels que des os, des cheveux et des paillettes.
L'une de ses œuvres les plus connues est "Gone, Yet Still", une performance dans laquelle l'artiste s'est couvert de peinture blanche et est resté immobile dans une galerie pendant des heures. L'œuvre explore les idées d'immobilité, de mortalité et de transcendance.
Les œuvres de Koh ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier, notamment au Whitney Museum of American Art de New York, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles et à la Tate Modern de Londres.
Il a reçu de nombreux prix et bourses, dont le prix de la Fondation Louis Comfort Tiffany en 2007. Son travail est réputé pour ses qualités de confrontation et souvent de déstabilisation, ainsi que pour sa capacité à remettre en question les hypothèses et les croyances des spectateurs sur l'art et le monde qui les entoure.
Kriki, de son vrai nom Christian Valée, est un artiste et musicien français qui représente la culture punk dans l'art contemporain français.
Dans sa jeunesse, il forme le groupe électro-punk Les Envahisseurs, et à partir de 1984, il participe à la naissance du street art.
En 1985, Kriki invente Fuzz, un fétiche mi-robot, mi-polymorphe qui apparaît comme un virus infectant l'histoire de l'art, et dont un échantillon sera publié au Musée d'art moderne de Paris.
