Медиахудожники
Hipkiss — это псевдоним супружеской пары художников Альфы и Кристофера Мэйсонов (Alpha and Christopher Mason), оба родились в 1964 году в Великобритании.
Художники начали совместное творчество в Великобритании, затем переселились во Францию, где продолжают жить и работать. Они известны подробными, детализированными фигуративными рисунками, созданными в смешанной технике, в которой сочетаются карандаш, серебряные чернила и металлическая фольга. Художники рисуют масштабные урбанистические пейзажи, ландшафты, странных насекомых, растения и птиц, изображая образы утопического будущего, где природа победила индустриальную среду.
Kriki, настоящее имя Кристиан Вале (Christian Valée) — французский художник и музыкант, олицетворяющий панк-культуру во французском современном искусстве.
В юности он создал электро-панк группу Les Envahisseurs, и с 1984 года участвовал в зарождении стрит-арта.
В 1985 году Крики изобретает Fuzz — полуробота, полуполиморфного фетиша, который появляется как вирус, заражающий историю искусства, и образец которого будет опубликован в Музее современного искусства в Париже.
Трей Абделла (англ. Trey Abdella) — американский художник, который живет и работает в Нью-Йорке. Проблемы жизни в сложном космополитическом городе послужили источником вдохновения для его работ, хотя сами картины не связаны конкретно с мегаполисом.
Искусство Трея Абделлы стремится перекликаться с человеческими переживаниями и чувствами. Абделла использует простую универсальную иконографию, взятую из интернет-мемов, фильмов и мультфильмов, встречающихся в современной культуре. Он смешивает эти иконки с различными аспектами тревоги, которую он или его друзья испытывают в различных сценариях, встречающихся в повседневной жизни, изображая изнанку общества. Картины Абделлы выражают неуверенность, смущение, страх, ужас, отвращение, невысказанные желания и эмоции, которые мы вынуждены скрывать каждый день, чтобы соответствовать социальным условностям и ожиданиям.
Джим Авиньон (нем. Jim Avignon), урожденный Кристиан Райз (нем. Christian Reisz) — немецкий современный художник, известный своими смелыми, красочными и вдохновленными поп-музыкой работами. Взял псевдоним, чтобы отделить свою творческую личность от повседневной жизни.
Искусство Джима Авиньона часто включает в себя элементы уличного искусства, граффити и карикатурной эстетики. Он известен своим игривым и сатирическим подходом к исследованию таких тем, как консюмеризм, популярная культура и сам мир искусства. Его работы отличаются яркими цветами, упрощенными формами и характерным графическим стилем, который одновременно доступен и визуально воздействует.
Помимо студийной практики, Авиньон активно участвует в художественной и музыкальной сценах, сотрудничая с музыкантами, диджеями и исполнителями. Он был связан с движением Lowbrow art и выставлял свои работы на международном уровне, получив признание за свой особый стиль и энергичное художественное присутствие.
Его способность преодолевать разрыв между изобразительным искусством и популярной культурой сделала его выдающейся фигурой в современном искусстве.
Янис Авотиньш (латыш. Janis Avotins) — это латвийский художник, родился в Риге в 1981 году. Он получил образование в Латвийской академии искусств и в Royal College of Art в Лондоне. Авотиньш работает в различных медиа, включая живопись, графику и скульптуру, и его работы характеризуются экспериментальным подходом к форме и технике. Он получил признание за свои выставки в мировых галереях, включая Serpentin Galleries в Лондоне и Венецианскую биеннале.
Марк Адриан (нем. Marc Adrian) — австрийский концептуальный художник и режиссер.
Адриан учился скульптуре в Венской академии изящных искусств, с 1953 года увлекся кино, кинетикой, ритмическими интерференциями, проблемами оптических структур и т.д. Адриан считается одним из пионеров медиа-арта, ориентированного на кинематограф. Он специализировался на кинетических объектах, антикино и компьютерном искусстве.
Марк Адриан преподавал в различных университетах Европы и читал лекции американским студентам.
Франц Аккерман (нем. Franz Ackermann) — немецкий медиахудожник.
Он учился в Академии изящных искусств Мюнхена и в Университете изящных искусств Гамбурга, живет и работает в Берлине и Карлсруэ.
Творчество Франца Аккермана включает в себя рисунки, акварели, фрески, картины и инсталляции, которые он дополняет фотоработами, проекциями и архитектурными моделями. Его работы посвящены темам туризма, глобализации и урбанизма и отражают социальные изменения и политические проблемы, вызванные растущей глобализацией.
Эль Анацуи (англ. El Anatsui), скульптор из Ганы, родившийся 4 февраля 1944 года, занял свою нишу благодаря культовым инсталляциям из бутылочных крышек. Его творчество объединяет его ганские корни и карьеру в Нигерии, завоевывая международное признание благодаря инновационному использованию повседневных материалов. Крупномасштабные металлические гобелены Анацуи, тщательно собранные из выброшенных бутылочных крышек и медной проволоки, отражают всю его жизнь, посвященную изучению местных материалов и ремесленного мастерства.
Род Эль Анацуи, принадлежащий к народности эве, связан с искусством: он сын мастера по ткачеству ткани кенте. Это наследие проявляется в его работах, как и его формальное художественное образование, полученное в Университете науки и технологии имени Кваме Нкрумы в Кумаси, Гана. Скульптуры Анацуи - это не просто произведения искусства, а повествования, сотканные из дерева, металла и глины, каждое из которых мерцает своей историей.
Инсталляции Анацуи свидетельствуют о его преобразующем видении, когда он перерабатывает простые материалы в изменчивые скульптуры, которые находят отклик у мировой аудитории. Его работы, часто выставляемые в престижных музеях и галереях, - это не просто скульптуры; это диалоги об устойчивости и культуре, приглашающие зрителей разгадать скрытые в них смысловые слои.
Для коллекционеров, аукционистов и ценителей искусства работы Эль Анацуи — это сочетание истории, инноваций и артистизма, что делает их значимым дополнением любой коллекции. Чтобы быть в курсе последних новостей от Эль Анацуи и его завораживающих творений, подпишитесь на нашу рассылку.
Тауба Ауэрбах (англ. Tauba Auerbach) — визуальный художник, работающий во многих дисциплинах, включая живопись, книги для художников, скульптуру и ткачество. Они живет и работает в Нью-Йорке.
Ауэрбах всю жизнь изучает математику и физику, ее работы посвящены структуре и связям от микроскопических до вселенских масштабов.
Триша Бага (англ. Trisha Baga) — американская художница, работающая в различных медиа, включая видео-инсталляции, скульптуру, живопись и аудио-инсталляции. Она известна своими экспериментами с технологиями и часто использует голос и тело в своих работах.
Ее работы часто имеют интерактивный характер и представляют собой комбинацию различных элементов, таких как проекции, звуки, объекты и движения. Она также известна своим использованием частных элементов, таких как мобильные телефоны, чтобы создать уникальные и персональные произведения искусства.
В своей практике Триша Бага опирается на наследие скульптуры, живописи, музыки, фотографии и литературы. Среди предметов и тем, которые она исследует, — современные события, поклонение героям и знаменитостям, а также коллективная история. Инсталляции Баги часто включают фильм, состоящий из монтажных и коллажных найденных кадров и фотографий, сложенных таким образом, что одни изображения заслоняют другие; фильмы проецируются прямо на стену, поверх личных вещей и мусора из ее студии так, что они отбрасывают тени на проекцию.
Ее работы были выставлены в многих музеях и галереях по всему миру, включая Музей современного искусства в Лос-Анджелесе, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Биеннале Венеции.
Томас Бауман (нем. Thomas Baumann) — австрийский художник и режиссер, живет и работает в Вене.
Бауман учился в Академии изящных искусств в Вене, но занимается широким спектром творчества. Он смешивает категории искусства и бросает вызов ценностям и формам. С помощью своих электронных скульптур, машинных картин, фильмов и инсталляций, предоставляющих посетителям собственную свободу действий, Бауман ищет структурные связи между материальным и ментальным пространствами.
Например, одна из его пространственных скульптур с заранее запрограммированной партитурой: серебряная фольга движется в определенном ритме, она распрямляется, сжимается или расширяется. Скульптура постоянно меняет свою форму — она разрушает форму, которую только что приняла, чтобы создать новую. Бауман также сооружает произведения искусства из веревок на полу, качелей, дверей, органных труб и прочих предметов. Многие его работы содержат акустические элементы. С 1990 года Бауман также снимает кинофильмы и видео.
Тило Баумгертель (нем. Tilo Baumgärtel) — немецкий художник, живет и работает в Лейпциге.
Картины его восходят к произведениям соцреализма и пропагандистским плакатам большого формата. Художник работает с различными средствами и техниками. Помимо живописи, он также использует литографию, рисунки на бумаге, а также видео. Живописное пространство и создание иногда сюрреалистических пейзажей - одна из его центральных тем.
Тило Баумгартель сотрудничает также с театрами, разрабатывая декорации и видеоролики по сценографии.
Фридрих Беккер (нем. Friedrich Becker) — немецкий художник, ювелир и изобретатель кинетических украшений.
Фридрих Беккер является одним из самых влиятельных ювелиров второй половины двадцатого века. Он стал известен прежде всего своими авангардными проектами кинетических украшений и больших кинетических объектов.
Беккер интересовался кинетикой, взаимодействием силы и движения уже в годы своего ученичества. Сначала он выучился на инженера-механика, затем поступил на авиационный факультет. Только после Второй мировой войны он «принял безрассудное решение стать ювелиром». После обучения на ювелира он учился в Werkkunstschule, а затем основал собственную мастерскую в Дюссельдорфе, стал профессором Дюссельдорфского университета прикладных наук.
Беккер экспериментировал и дополнял различные украшения взаимозаменяемыми камнями и в итоге разработал кинетические украшения. Он был не только изобретателем кинетических украшений, но и произвел революцию на ювелирном рынке, представив нержавеющую сталь и синтетические драгоценные камни. Каждое кинетическое изделие Фридриха Беккера является совершенным симбиозом формы, цвета и материала.
Нейл Белуфа (фр. Neïl Beloufa) — французско-алжирский художник, родившийся в 1985 году в Алжире и выросший во Франции. В настоящее время он живет и работает в Париже. Работы Белуфы охватывают широкий спектр медиа, включая скульптуру, видео и инсталляции, и часто затрагивают темы, связанные с социальными и политическими вопросами.
В инсталляциях Белуфы часто используется сочетание найденных предметов, промышленных материалов и цифровых технологий, таких как экраны и проекторы. Он часто создает иммерсивную среду, которая побуждает зрителя к физическому и эмоциональному взаимодействию с работой.
Одна из самых известных работ Белуфы - "Колонии", инсталляция, которая была выставлена в Музее Хаммера в Лос-Анджелесе в 2017 году. Инсталляция представляла собой серию взаимосвязанных комнат, заполненных скульптурами, видео и саундскейпами, которые исследовали темы, связанные с колонизацией и глобальными структурами власти. Работы Белуфы выставлялись на международном уровне, в том числе в Токийском дворце в Париже, Новом музее в Нью-Йорке и на Венецианской биеннале 2015 года. Он получил множество наград и премий, включая Audi Talent Award в 2011 году и премию Марселя Дюшана в 2015 году.
Алан Белчер (англ. Alan Belcher) — канадский художник-самоучка. Его концептуальная практика определенно многослойна и ориентирована на объекты. В прошлом он был признан создателем тактильного слияния фотографии и создания объектов. Прозрачность видения и простота изготовления с упором на материалы остаются отличительными чертами его серийных изделий. Белчер известен своей прямотой и острой простотой при подходе к сложным предметам. Чувство юмора и почтение к чувствительности поп-музыки, а также практический подход занимают большую часть его работы.
Валеад Бешти (англ. Walead Beshty) — американский концептуальный художник, фотограф, скульптор и писатель, живет и работает в Лос-Анджелесе.
Он родился в Лондоне, Великобритания, учился в Бард-колледже и получил степень магистра изобразительного искусства в Йельском университете в 2002 году, занимает академические должности в университетах США.
Бешти наиболее известен своими работами в области фотографии, однако его творческий интерес охватывает широкий спектр, включая скульптуру, живопись, инсталляцию и видео. Например, в одной из своих популярных работ художник отправляет почтой серию стеклянных витрин разных размеров в картонных коробках, а затем демонстрирует треснутые и разбитые витрины, поврежденные в процессе доставки, поверх коробок, в которые они были упакованы.
Кевин Бизли (англ. Kevin Beasley) — американский художник, работающий в области скульптуры, перформанса и звуковой инсталляции. Он живет и работает в Нью-Йорке. Работы Бисли были включены в биеннале Музея американского искусства Уитни в 2014 году и выставку MoMA PS «Большой Нью-Йорк» в 2015 году.
Александра Биркен (Alexandra Bircken) — немецкая художница, дизайнер и инсталлятор, окончила Центральный колледж искусства и дизайна имени Святого Мартина.
Главной темой в творчестве Александры Биркен является оболочка. Она исследует и комбинирует самые различные материалы — шерсть, бетон, дерево, кости, предметы быта и одежду, и создает из них скульптурные объекты. Художница также использует предметы, с которыми сталкивается в повседневной жизни: автомобили, мотоциклы, хирургические рубашки, лошадки-качалки, лыжи. Однако она лишает их привычных нам контекстов и удивляет необычными сочетаниями.
Бернхард Иоганнес Блуме (нем. Bernhard Johannes Blume) — немецкий художественный фотограф.
Бернхард Блуме и его жена Анна Блуме (Anna Blume) создали множество чёрно-белых постановочных фотокартин, в которых участвовали сами. Супруги считаются одним из первооткрывателей постановочной фотографии.
Дерек Пол Бойл (англ. Derek Paul Boyle) — современный американский визуальный художник, чьи работы часто связаны с антропоморфизмом повседневных предметов и абсурдистскими вмешательствами.
Бойл получил степень бакалавра в колледже Эмерсон в Бостоне и степень магистра в области цифровых технологий и медиа в Школе дизайна Род-Айленд.
Бойл выставлял свои работы на национальном и международном уровне, включая выставки в Музее современного искусства в Кливленде, Музее изящных искусств в Бостоне и галерее Саатчи в Лондоне. Его работы включены в коллекции Музея американского искусства Уитни, Музея изящных искусств Бостона, Музея искусств Кливленда и др.
Помимо студийной практики, Бойл также преподает искусство и работает в качестве приглашенного художника в различных учебных заведениях, включая Школу дизайна Род-Айленда, Школу визуальных искусств и Мичиганский университет.
Марк Бойл (англ. Mark Boyle) — шотландский медиахудожник, представитель британского андерграунда.
С 1985 года он вместе с женой Джоан Хиллз и их детьми Себастьяном и Джорджией создали арт-группу совместного творчества под названием «Семья Бойлов». Семья Бойлов экспериментировала с различными техниками и стилями. Сюда входили перформансы и мероприятия, фильмы и проекции, звукозаписи, фотография, электронная микрофотография, рисунок, ассамбляж, живопись, скульптура и инсталляция.
Однако их самым известным долгосрочным проектом по-прежнему остается «Путешествие на поверхность Земли», которое они начали в 1964 году и которое представляет собой непрерывный набор странных и интересных работ. Эти картины — очень точные нарисованные слепки, нечто среднее между живописью и скульптурой — представляют собой тщательное воссоздание случайно выбранных участков земной поверхности с использованием смолы и стекловолокна, а также реальных материалов, собранных с исследуемого участка.
Лиза Брайс (англ. Lisa Brice) — южноафриканская визуальная художница из Кейптауна. Она живет в Лондоне и называет своим влиянием опыт взросления в Южной Африке в период политических потрясений, а также время, проведенное в Тринидаде.
Ее работы находятся в коллекциях по всему миру, включая Смитсоновский национальный музей африканского искусства, Йоханнесбургскую художественную галерею, Уитворт, Верховную комиссию Южной Африки в Лондоне и частную коллекцию Синдики Доколо.
Ник Брандт (англ. Nick Brandt) — британский фотограф. Он известен своими черно-белыми фотографиями дикой природы и пейзажей Африки.
Брандт начал свою карьеру в фотографии, работая режиссером музыкальных клипов в 1990-х годах, а затем перешел к изобразительной фотографии. Его работы часто изображают животных Африки в сильной и эмоциональной манере, подчеркивая красоту и хрупкость этих существ и их естественной среды обитания.
Фотографии Брандта широко выставлялись и входят в коллекции многих крупных музеев, включая Национальную портретную галерею в Лондоне, Музей изящных искусств в Хьюстоне и Смитсоновский национальный музей африканского искусства в Вашингтоне. Он также опубликовал несколько книг своих фотографий, включая «На этой земле», «Падает тень» и «Через опустошенную землю».
Помимо своей фотографии, Брандт также является основателем фонда Big Life, некоммерческой организации, занимающейся сохранением дикой природы и экосистем в Восточной Африке. За свою фотографию и природоохранную деятельность он получил множество наград и премий, включая престижную награду Wildlife Photographer of the Year award.
Мигель Рио Бранко (португ. Miguel Rio Branco), полное имя Мигель да Силва Параньос-ду-Рио-Бранко (Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco) — бразильский фотограф, художник, режиссер и создатель мультимедийных инсталляций.
Его отец был дипломатом, и в детстве Мигель жил в Испании, Португалии, Швейцарии и США, теперь живет и работает в Рио-де-Жанейро, Бразилия. Получив степень в области фотографии в Институте фотографии Нью-Йорка, Мигель сначала работал оператором, а затем сотрудничал с агентством Magnum.
Мигель известен тем, что исследует и скрещивает два разных вида искусства: живопись и фотографию. Он также снял 14 короткометражных фильмов и восемь длинных, он признан в мире одним из лучших цветных фотожурналистов. Фотографии Мигеля Рио Бранко входят в коллекции Музея современного искусства и Метрополитен-музея в Нью-Йорке.
Керстин Бреч (нем. Kerstin Brätsch) — немецкая современная визуальная художница, которая часто создает масштабные, высоко абстрактные работы, сочетающие в себе множество средств. Она училась в Университете искусств в Берлине и в Колумбийском университете в Нью-Йорке и получила степень магистра изящных искусств в 2007 году. В настоящее время она живет и работает в Нью-Йорке.
Бреч создает большие произведения, которые демонстрирует в особой манере. Это максимально далеко от стандартной формы экспонирования произведений искусства. Свои работы она вешает на магниты, вставляет в двойные стеклянные рамы и прислоняет к стене, оставляя на полу. Используя этот своеобразный метод презентации, она сочетает в своих визуальных работах немного перформанса.
В 2014 году Бреч была удостоена премии Августа Макке. В 2017 году Братш была удостоена второй премии Эдварда Мунка в области искусства, которая представляет собой денежный приз и персональную выставку в Музее Мунка в 2019 году.
Гийом Брюэр (фр.Guillaume Bruère) — французский художник, рисовальщик, скульптор и перформер. Он живет и работает в Берлине.
Гийом Брюэр окончил Школу изящных искусств Нанта (DNSEP) в 1999 году, затем Высшую европейскую школу изображения в Пуатье в 2003 году.
Увлеченный крупнейшими художниками истории искусства (Гольбейн, Дюрер, Рембрандт, Гойя, Ван Гог, Джакометти, Пикассо, Бэкон), Гийом Брюэр с 2009 года работает во многих музеях и престижных учреждениях (например, Кунстхаус Цюриха, Музей Пикассо в Париже, Фонд Винсента Ван Гога в Арле), переосмысливая их работы, в частности, с помощью рисунка.
Из его конфронтации с искусством прошлого (египетским, греческим, мексиканским, геральдическим искусством и т.д.) возникает необычная, плотная вселенная необычайной жизненной силы благодаря использованию цвета, выразительности жеста, уверенности линии и коллажа, которые можно найти во многих его рисунках, а также в живописи, скульптуре и перформансах.
Лоуренс Вайнер (англ. Lawrence Weiner), американский художник, известный своим вкладом в области концептуального искусства, оставил неизгладимый след в мире современного искусства. Родившись в 1942 году, Вайнер превратил слова и их визуальное представление в основу своего творчества, предлагая новый взгляд на роль искусства в обществе.
Специализируясь на создании текстовых инсталляций, Вайнер использовал стены галерей, книги и различные публичные пространства в качестве своего холста. Его работы характеризуются лаконичностью и глубоким смыслом, заставляющим зрителя задуматься о вечных вопросах бытия и взаимодействия человека с окружающим миром.
Среди наиболее известных работ Вайнера можно выделить инсталляции, размещенные в таких престижных музеях и галереях, как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Тейт Модерн в Лондоне. Его творчество получило признание и высокую оценку критиков, подтверждая значимость Вайнера в развитии современного искусства.
Лоуренс Вайнер оставил после себя наследие, вдохновляющее новые поколения художников исследовать возможности слова как средства выражения. Его уникальный подход и философия продолжают оказывать влияние на развитие искусства по всему миру.
Для получения обновлений о новых продажах продукции и аукционных событиях, связанных с Лоуренсом Вайнером, подпишитесь на наши уведомления. Это позволит вам оставаться в курсе последних новостей и не пропустить важные события в мире современного искусства.
Андреас фон Вайцзеккер (нем. Andreas von Weizsäcker) — немецкий художник. Он происходит из известной в Германии семьи, его отец — бывший президент Германии Рихард фон Вайцзеккер.
Творчество Андреаса фон Вайцзеккера сосредоточено на пересечении искусства и технологий, и он особенно заинтересован в изучении использования света и звука в своих инсталляциях. Он часто использует в своих работах такие технологии, как компьютеры, датчики и видеопроекции, чтобы создать для зрителей эффект погружения.
Среди его известных инсталляций — «Звук и пространство» в Центре искусства и медиа ZKM в Карлсруэ, Германия, и «Платонова пещера» в Академии искусств в Берлине. Он также выставлял свои работы в различных галереях и музеях Европы и США.
Помимо своей работы в качестве художника, Андреас фон Вайцзеккер также является профессором медиаискусства в Университете искусств и дизайна Карлсруэ.
Генри ван Хервеген (нидерл. Henri Van Herwegen), более известный под псевдонимом Панамар (Panamarenko), — бельгийский художник, создававший инсталляции и объекты, которые сочетали в себе элементы науки, техники, искусства и фантастики.
Панамаренко был автодидактом и начал свою карьеру художника в 1960-х годах. Его работы были представлены на многих выставках в Европе, Америке и Азии. Он создавал различные объекты, такие как летающие аппараты, подводные лодки, крылья, велосипеды и многое другое. В его работах были использованы различные материалы, включая металл, пластик, текстиль, стекло и древесину. Его инсталляции и объекты были часто интерактивными и могли двигаться или светиться.
Панамаренко был одним из самых влиятельных художников в Бельгии и его работы находятся в коллекциях многих музеев, включая Музей современного искусства в Барселоне, Музей Гуггенхайма в Бильбао и Музей современного искусства в Амстердаме.
Ришард Васко (польск. Ryszard Wasko) — польский мультимедийный художник, куратор, арт-организатор, педагог, живет и работает в Берлине.
Он учился на факультете кинематографии и телепроизводства в Лодзинской киношколе. Творчество Васко включает в себя фильмы, фотографии, видеоработы, картины и рисунки.
Францискус Вендельс (нем. Franziskus Wendels) — современный немецкий художник, чьи работы выставлялись во многих ключевых галереях и музеях. Францискус Вендельс известен своими уникальными инсталляциями, созданными с использованием повседневных объектов и красок, светящихся в темноте, что позволяет ему «привносить свет в темноту».
За свою карьеру Францискус Вендельс получил множество наград и стипендий, в том числе Kaiser-Lothar-Preis от Европейской ассоциации художников из Эйфеля и Арденн в 2014 году, а также стипендии от Villa Romana во Флоренции и Schloss Wiepersdorf в 2001 году. Его работы хранятся в многих публичных коллекциях, включая Музей Людвига в Кобленце, Ландесмузей Майнца и Ульстерский музей в Белфасте.
Обучение Вендельса включало изучение изобразительного искусства и католической теологии в Университете Иоганнеса Гутенберга в Майнце, а также стипендию для изучения под руководством Вольфа Востелла в Зальцбурге в 1984 году.
Францискус Вендельс привлекает внимание своим подходом к искусству, особенно своей способностью использовать свет как средство для создания глубоких и медитативных пространств в своих работах. Его искусство оценено как коллекционерами, так и экспертами в области искусства и антиквариата.
Для получения обновлений о новых продажах произведений и аукционных событиях, связанных с Францискусом Вендельсом, предлагаем вам подписаться на наши уведомления. Это позволит вам быть в курсе последних новостей о редких и ценных предметах искусства, ассоциированных с этим замечательным художником.
Герард Вердейк (нидерл. Gerard Verdijk) — голландский художник-абстракционист, работавший в широком спектре материалов и техник изобразительного искусства.
Будучи любознательным и жаждущим учиться новому, он путешествовал по Европе, Турции, Ближнему Востоку, Северной Америке, Африке и Японии, чтобы познакомиться с другими культурами.
Творчество Вердейка нельзя отнести к какому-то одному историко-художественному направлению. Постоянно меняющийся мир вокруг него влиял на его стиль и использование материалов.
Афина Вида (нем. Athena Vida), имя при рождении Гитте Шефер (нем. Gitte Schäfer) — немецкая художница. Работает в основном в живописи и рисунке, ее работы часто исследуют темы идентичности, памяти и человеческого состояния.
Вида училась в Академии изящных искусств в Штутгарте, Германия. С тех пор она выставляла свои работы на многочисленных персональных и групповых выставках в Германии и за рубежом.
В ее картинах часто встречаются сложные, многослойные композиции, в которых переплетаются элементы абстракции и фигуративности. Она часто включает в свои работы текст и символы, добавляя дополнительный слой смысла.
Рисунки Виды более минималистичны, в них часто встречаются простые, повторяющиеся формы и узоры.
В целом, работы Афины Виды отличаются глубиной и сложностью, приглашая зрителей к взаимодействию как с поверхностными образами, так и с более глубокими слоями смысла, скрывающимися под ними.
Арти Виеркант (англ. Artie Vierkant) — современный американский художник, арт-критик, представитель и теоретик пост-интернет искусства, автор эссе The Image Object Post Internet (2010). Живёт и работает в Нью-Йорке, США.
Изучал изобразительное искусство в Университете Пенсильвании, а также получил степень магистра изобразительных искусств в Университете Калифорнии.
Виеркант создаёт объекты, которые относятся к пост-интернет искусству, то есть призваны существовать как в сети Интернет, так и в материальной среде. Его работы — примеры того, какое влияние оказывает новая медиа-среда на искусство и жизнь современного общества в целом. Творения Виерканта часто находятся на грани абстрактной концептуальной идеи самого объекта и его физического воплощения.
Также в своём творчестве Виеркант касается проблемы защиты интеллектуальной собственности, размышляя о границах распространения авторского права.
Харлес Пауль Вильп (нем. Charles Paul Wilp) — немецкий медиахудожник, дизайнер, фотограф и создатель фильмов.
Он получил широкое образование в TH Aachen в области синестезии, журналистики, искусства и психологии. Вильп рано привлек внимание своими новаторскими фотографиями и телевизионными фильмами. А широко стал известен в 1960-70-х годах благодаря провокационным рекламным кампаниям для таких продуктов, как водка «Пушкин», «Пирелли» и «Фольксваген». Он также был консультантом по имиджу крупных политиков.
Вильп с юности был очарован космосом, и эта тема ярко отразилась на его творчестве: «АРТонавт» даже разместил НЛО на крыше своего дома и его называли «космическим художником».
Массимо Витали (итал. Massimo Vitali) — итальянский фотограф. Он известен своими масштабными цветными фотографиями пляжных сцен и других мест отдыха, которые исследуют темы социального поведения, массового туризма и взаимоотношений между людьми и окружающей средой.
Фотографии Витали часто представляют собой вид с высоты птичьего полета на переполненные пляжи или другие общественные места, где люди расположены в виде узоров, раскрывающих социальную динамику сцены. Он использует широкоформатные камеры и печатает свои фотографии в монументальном масштабе, что подчеркивает детали и текстуры сцены.
Среди наиболее известных серий Витали — «Пляжи», «Бассейны» и «Пейзажи с фигурами». Его работы выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, и он получил множество наград и почетных званий за свой вклад в развитие фотографии.
Витали продолжает создавать новые работы и считается одним из самых значительных фотографов, работающих сегодня.
Дэн Во (англ. Danh Vo, Danh Võ), имя при рождении Во Чунг Кỳ Дан (Võ Trung Kỳ Danh) — художник и скульптор вьетнамского происхождения, живет и работает в Берлине и Мехико.
Еще ребенком, в 1979 году вместе со своей семьей он покинул Вьетнам в качестве беженца и переехал в Европу. Его семья поселилась в Дании, где им было предоставлено политическое убежище и гражданство. Позже Во учился в Датской королевской академии изящных искусств в Копенгагене и окончил Städelschule во Франкфурте.
Его работы находятся на пересечении искусства, мировой истории и личного дневника. Произведения Во опираются на фактах многих отдельных биографий, включая его собственную, а также на аспекты политической истории и социальной памяти, чтобы проанализировать различные силы, которые влияют на нашу жизнь как явным, так и неисследованным образом. Дэн Во создает скульптуры, инсталляции, фотографии и работы на бумаге.
Ори Гершт (англ. Ori Gersht) — израильский фотограф и видеохудожник. Он известен тем, что использует фотографию и видео для изучения тем памяти, истории и конфликтов.
В своих работах Гершт часто использует замедленную и высокоскоростную видеосъемку, что позволяет ему запечатлеть эфемерные и мимолетные моменты, которые часто остаются незамеченными в повседневной жизни. Он также использует различные фотографические техники, включая натюрморты и пейзажную фотографию, чтобы создать изображения, которые одновременно красивы и призрачны.
Среди наиболее известных серий Гершта — «Время за временем», в которой запечатлен момент распускающегося цветка, и «Ликвидация», в которой исследуется разрушение исторических объектов. Он также создал видеоинсталляции, исследующие историю и память о Холокосте.
Работы Гершта выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, он получил множество наград и премий за вклад в развитие фотографии и видеоарта. Он продолжает создавать новые работы и считается одним из самых значительных современных художников, работающих сегодня.
Давид (Дуду) Герштейн (англ. David (Dudu) Gerstein) — израильский художник, скульптор, рисовальщик и гравер.
Герштейн получил широкое образование: он учился в Академии Бецалель, затем в Школе изящных искусств Парижа, в Нью-Йорке продолжил обучение в Лиге студентов искусств, а в 1974 году он получил диплом Школы искусств Святого Мартина в Лондоне. Он свободно работает со всеми видами медиа: гравюра, живопись, скульптура, рисунок, фрески и монументальные творения.
В 1970-х Герштейн начал экспериментировать с трехмерными произведениями, оставляя вырезанные фрагменты висящими в пространстве. После многих инноваций Дэвид стал создавать настенные скульптуры, выполненные с помощью лазерной резки и автомобильной краски. Он создал свой собственный вид поп-арта и завоевал международную репутацию благодаря фирменному стилю с разноцветными изображениями многочисленных велосипедистов, бабочек, танцоров, бегунов и многого другого. С появлением компьютеров он смог преобразовать свои рисунки в идеально отформатированные шаблоны, которые можно точно воспроизвести в мастерской металлообработки.
А узнаваемые монументальные скульптуры Герштейна можно увидеть в городах всего мира. Его уличная скульптура «Моментум» — самая высокая общественная скульптура Сингапура.
Хорст Глескер (нем. Horst Gläsker) — немецкий художник-универсал.
Глескер учился сначала на дизайнера, затем в Дюссельдорфской академии у Герхарда Рихтера и К.Гётца. Глескер сыграл решающую роль в формировании художественного мира Германии и особенно Дюссельдорфа с 1980-х годов. Его творчество — это симбиоз музыки, танца, театра, рисунка, живописи, скульптуры, инсталляции и архитектуры. Этот художник стирает границы искусства и работает в разных медиа и дисциплинах.
Глескер сочетает свои инсталляции с архитектурой, например, как и его работы в общественных местах Франкфурта, Оберхаузена и Эрфурта. В другом направлении своего творчества художник объединяет различные картины с фотографией и создает фотокартины. В этом процессе он также сотрудничает с известными фотографами.
Хорст Глескер работал профессором в Кунстакадемии Мюнстера, Брауншвейгском университете искусств и Кассельском художественном колледже. С 2006 года Глескер живет в Дюссельдорфе, является членом Ассоциации немецких художников.
Иржи Давид (чешск. Jiří David) — современный чешский художник, работающий в различных техниках, включая живопись, скульптуру, инсталляцию и фотографию. Соучредитель арт-группы Tvrdohlaví . Его самая известная работа в средствах массовой информации — неоновое сердце над Пражским Градом в конце последнего срока полномочий президента Вацлава Гавела.
Иржи Давид учился в Пражской Академии изящных искусств. Его работы характеризуются концептуальным подходом и критическим отношением к истории искусства и социальным проблемам. Он часто создает масштабные инсталляции, которые вовлекают зрителя и исследуют отношения между искусством и его аудиторией.
Джинн Даннинг (англ. Jeanne Dunning) — американский фотограф, чьи работы сосредоточены на телесности в абстрактных формах. Получила степень бакалавра искусств в Оберлин-колледже и степень магистра изящных искусств в Школе художественного института Чикаго. Первую выставку открыла в Художественной галерее в Чикаго в 1987 году. В начале 1990-х создала серию фотографий для выставки под названием «Направления», которая должна была стереть границы между реальностью и вымыслом. Выставляется в музее Хиршхорна в Вашингтоне. Ее работы включены в постоянные коллекции Художественного института Чикаго, Музея американского искусства Уитни, Музея современного искусства в Чикаго, Музея современной фотографии и Музея современного искусства в Нью-Йорке.
Бетти Данон (англ. Betty Danon) — художница, родившаяся в Турции и работавшая в Италии.
Она создавала свои произведения в самых различных техниках: живопись и коллаж, графика и перфоманс, мейл-арт и скульптура, сотни работ на бумаге и полотнах. Бетти Данон стремилась передать гармонию звука и знака всеми доступными ей средствами.
Мэтью Дарбишир (англ. Matthew Darbyshire) — британский художник. Он известен своими мультимедийными работами, которые исследуют современную потребительскую культуру и окружающую среду.
Дарбишир часто работает в скульптуре, инсталляции и фотографии, используя такие материалы, как бетон, металл и пластик. Его работы часто ссылаются на эстетику модернистской архитектуры и дизайна, и он часто включает в свои произведения найденные объекты и образы из популярной культуры.
В 2014 году Дарбишир создал скульптуру Геркулеса из полистирола, которая является имитацией Геркулеса из Фарнезе. Намеренный выбор белого материала был интерпретирован как увековечивание колоризма в том, как мы видим и понимаем классическую скульптуру.
Работы Дарбишира выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Tate Britain в Лондоне, Музей современного искусства в Нью-Йорке и Венецианскую биеннале. В 2015 году он был включен в короткий список номинантов на премию Хепворта в области скульптуры.
Его работы отличаются критическим отношением к потребительской культуре и строительной среде, а также использованием юмора и игривости для изучения сложных социальных и культурных вопросов.
Симон Денни (англ. Simon Denny) — современный художник из Новой Зеландии, родился в 1982 году. Он работает с различными медиа, включая скульптуру, инсталляцию, видео и гравюру. В своих работах Денни часто исследует пересечение технологий, политики и экономики. Его особенно интересует, как технологические системы формируют нашу жизнь и общество. В своем творчестве он часто использует изображения и объекты, связанные с технологической индустрией, такие как печатные платы, компьютерные серверы и программные интерфейсы. Одна из самых известных работ Денни - "Тайная власть", которая была представлена на Венецианской биеннале 2015 года. Инсталляция была посвящена деятельности Бюро безопасности правительственной связи (GCSB), новозеландской разведывательной службы. Она включала воссоздание зала заседаний бюро, а также серию гравюр и скульптур, исследующих роль бюро в глобальном наблюдении. Денни выставлял свои работы на международном уровне, в том числе в Музее современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, галерее Serpentine в Лондоне и на Биеннале в Сиднее. В 2019 году он был удостоен престижной премии Ars Viva Prize for Visual Arts.
Йорг Дёринг (нем. Jörg Döring) — немецкий художник смешанной техники, один из ведущих мастеров направления нео-поп в Германии. Используя трафаретную печать, шелкографию, фотоколлаж, акрил, спрей и масло на холсте, Дёринг изображает различные комические, мультипликационные персонажи и поп-иконы. Исходные материалы его произведений — фотографии, книги, старые журналы, черновики, образцы печати, упаковка, эскизы и многое другое, из которых он создает масштабные и мультимедийные работы.
Антониу Мануэль Лима Диас (порт. Antonio Manuel Lima Dias) — бразильский художник и графический дизайнер. Был видной фигурой конкретного искусства. Обучался в Национальной школе изящных искусств Рио-де-Жанейро.
Антониу Диас с 1965 года совершал учебные поездки по миру, побывав в Париже, Милане, Берлине, Нью-Йорке и Непале. Художественный стиль Диаса характеризовался смелым и конфронтационным подходом. Он использовал сочетание фигуративных и абстрактных элементов, ярких цветов, сильных линий и динамичных композиций.
В 1992 году он стал профессором Sommerakademie für bildende Kunst в Зальцбурге, Австрия, а в следующем году — Государственной академии художеств в Карлсруэ, Германия. Одной из основных его характеристик является использование бумаги ручной работы, объединяющей текстуру и цвет в своих работах.
Манфред Диннес (нем. Manfred Dinnes) — немецкий художник, скульптор, писатель, директор художественной галереи. Он также был культурным редактором журнала Europeonline.
Манфред Диннес в юности много путешествовал по миру для изучения других культур. В 1973-74 гг. прошел обучение по специальности церковный художник-реставратор. Тогда же познакомился с ремеслом росписи по стеклу и выдуванием стекла. В 1979 году окончил Нюрнбергскую Академию изящных искусств, где изучал свободную живопись у Герхарда Вендланда, Людвига Шарля и Франца Винцингера.
С момента основания группы Visual-Art Concepts в 2007 году Диннес создавал большие скульптуры высотой от 7 до 8 метров.
Ноэль Долла (фр. Nöel Dolla) — французский художник-инсталлятор.
Долла был самым молодым и значимым членом группы Supports/Surfaces, возникшей в конце 1960-х во Франции. С 1969 года по сегодняшний день он работает с пейзажами под названием «Перестройка пространства».
Ноэль Долла работает во многих техниках и с самыми различными материалами — от тканей, включая кухонные полотенца и наволочки, и рыболовной снасти до кратеров на пляже и восковых фигур.
Бертран Дорни (фр. Bertrand Dorny) — французский художник-абстракционист, живописец, гравер и графический дизайнер.
Изначально Дорни занимался живописью, но позже его заинтересовали различные техники творчества и в частности гравюра, в чём он достиг больших успехов и признания. Он создал более 650 гравюр.
Дорни нравилось работать с деревом и бумагой, из которых он создавал сложные коллажи, рельефы, собирал большие деревянные панели. Он также работал в области книжного коллажа.
Софья Исааковна Дымшиц-Толстая была яркой представительницей русского авангарда, художницей и графиком, чье творчество заметно отразило искусственные устремления начала XX века. Родившись в Санкт-Петербурге, она получила образование у ведущих мастеров того времени, включая обучение в художественной школе Е. Н. Званцевой и у М. Бланша в Париже. Софья была женой известного писателя Алексея Толстого, что позволило ей погрузиться в мир литературы и искусства, став частью авангардного движения.
Она активно участвовала в выставках и была вовлечена в революционное искусственное движение, работая с Владимиром Татлиным над его знаменитым проектом Памятника Третьему Интернационалу. В этот период Дымшиц-Толстая экспериментировала с живописью на стекле, что стало значимым вкладом в авангардное искусство.
Помимо своей работы в области живописи и графики, Софья Исааковна внесла вклад в советскую культуру как художественный редактор журналов «Работница и Крестьянка», где она применяла свои авангардные идеи, объединяя искусство и фотографию для достижения новых выразительных форм.
Ее работы находятся в коллекциях Русского музея, включая известные произведения «Работница-агитатор» (1931) и «Председатель II съезда колхозников-ударников Е. С. Федотова» (1935-1938). Эти и другие ее работы отражают глубокий социальный и культурный контекст того времени, подчеркивая значимость Софьи Дымшиц-Толстой как одного из важнейших деятелей русского авангарда.
Если вы являетесь коллекционером или экспертом в области искусства и антиквариата, рекомендуем подписаться на обновления, связанные с Софьей Исааковной Дымшиц-Толстой. Это позволит вам быть в курсе новых продаж и аукционных событий, посвященных ее творчеству.
Ева и Адель (англ. Eva & Adele) — творческая пара, которая утверждает, что «посадила свои машины времени» в Берлине после падения стены в 1989 году, заявляя, что они «близнецы-гермафродиты из будущего». Оба отказываются называть свое настоящее имя и возраст. Они известны главным образом тем, что разделяют вымышленный пол, который не является ни мужским, ни женским.
Они также известны своим перформансом, с 1997 года представлены в художественной галерее, занимаются живописью, видеоартом, фотографией и дизайном костюмов. У них также есть своя парфюмерная линия и часы от Swatch.
Они признаны самым долгоиграющим в мире дуэтом перформанс-арта и часто фотографируются в качестве икон моды на художественных мероприятиях, таких как Art Basel Miami Beach и Венецианская биеннале.
Жэнь Жун (нем. Ren Rong) — китайский художник-модернист и скульптор, учился в Дюссельдорфской академии художеств, с 1980-х годов живет и работает в Германии.
Он известен своими инсталляциями, скульптурами из металла, вырезанными бумажными и деревянными произведениями.
Основное внимание в искусстве Жэнь Жун уделяет фигурам людей-растений, сочетанию гермафродитных, цветочных и человеческих форм, которые художник разрабатывал на протяжении многих лет.
Алекс Задковски (нем. Alex Sadkowsky) — швейцарский художник, живописец, иллюстратор, график, фотограф, перформер и писатель. Этот мультимедийный художник, кроме всего прочего, создал и множество портретов. По словам Задковски, его сюрреалистический экспрессионизм или экспрессивный сюрреализм ведет к "ундепрессионизму".
Фабрис Ибер, также известный под псевдонимом Фабрис Ибер, — французский художник-пластик. В 56 лет он был избран в Академию изящных искусств 25 апреля 2018 года. Привязанный к природе, экономике, торговле и науке, он создал системы вокруг художественного производства с компаниями, учеными и лабораториями по всему миру. Известный художник, он работает разными способами - накапливая, размножая, гибридизируя - скользя между живописью, скульптурой, инсталляцией и видео.
Чарльз Имз и Рэй Имз (англ. Charles Eames and Ray Eames) — американская супружеская пара промышленных дизайнеров, внесших значительный исторический вклад в развитие современной архитектуры и мебели благодаря работе бюро Eames Office.
Чарльз и Рэй Имз также работали в области промышленного и графического дизайна, изобразительного искусства и кино. Чарльз был публичным лицом Eames Office, но Рэй и Чарльз работали вместе как творческие партнеры и привлекали разнообразный творческий персонал. Среди их наиболее известных разработок — кресло Eames Lounge Chair и обеденный стул Eames Dining Chair.
Дизайнерское бюро Чарльза и Рэй Имз просуществовало более четырех десятилетий.
Паркер Ито (англ. Parker Ito) — американский современный художник. Он вырос в Лонг-Бич, штат Калифорния, и в настоящее время работает в Лос-Анджелесе. Художественная практика Ито охватывает широкий спектр медиа, включая живопись, скульптуру, видео, перформанс и инсталляцию.
Ито известен своими исследованиями пересечения технологий и современного искусства. Он часто использует цифровые элементы в своих работах, например, УФ-печать на холсте, цифровую живопись и 3D-печать. Работы Ито также часто затрагивают вопросы идентичности, репрезентации и коммерциализации искусства.
Ито выставлял свои работы на многочисленных персональных и групповых выставках в галереях и музеях по всему миру.
Илья Иосифович Кабаков (англ. Ilya Iosifovich Kabakov) — советский и американский художник, представитель московского концептуализма. Илья Кабаков родился в Днепропетровске, СССР, и вырос в послевоенной Советской России, что сформировало его как художника и человека. С начала карьеры Илья занимался иллюстрированием детских книг, однако его настоящая страсть и мастерство раскрылись в создании концептуального искусства. Кабаков стал одним из основоположников жанра "тотальной инсталляции", в которых он исследовал иронию и трагедию советской жизни, превращая повседневные предметы в произведения искусства. Его работы часто содержат элементы автобиографии и критики социально-политической системы, в которой он вырос.
Кабаков и его жена Эмилия сотрудничали над многочисленными проектами, совмещая элементы повседневной жизни с концептуальным искусством. Их творчество получило признание по всему миру, и их работы экспонировались в ведущих музеях и галереях, включая Музей современного искусства в Нью-Йорке и Эрмитаж в Санкт-Петербурге. Илья Кабаков ушел из жизни в 2023 году, оставив после себя значительное наследие в мировом искусстве.
Для тех, кто интересуется искусством и культурой, творчество Ильи и Эмилии Кабаковых остается важным источником вдохновения. Подписывайтесь на обновления, чтобы не пропустить уведомления о продаже их произведений и аукционных событиях, связанных с их творчеством.
Кармен Кальво (исп. Carmen Calvo), полное имя Кармен Кальво Саэнс де Техада (Carmen Calvo Sáenz de Tejada) — испанская художница-концептуалист и скульптор.
Кармен Кальво — одна из самых представительных испанских художниц-концептуалистов современности. Она училась в Школе искусств и ремесел, а затем в Школе изящных искусств Валенсии, работала на керамической фабрике и с тех пор всегда включает обожженную глину в свои пластические композиции. Художница также работает в сценографии с использованием фотографии и других, самых разнообразных формальных, технических и тематических ресурсов.
В 2013 году Кармен Кальво была удостоена Национальной премии в области пластических искусств Министерства образования, культуры и спорта, а в 2014 году назначена академиком Королевской академии изящных искусств Сан-Карлос-де-Валенсия.
Мерсье Филипп / Мерс Каннингем (англ. Mercier Philip / Merce Cunningham) — американский хореограф, создатель собственного стиля современного танца. Хореографию Мерса Каннингема часто противопоставляют раннему современному танцу — свободному, или танцу модерн — с его экспрессией и текучими ритмами. Он часто сотрудничал с художниками других специальностей, в том числе с музыкантами, графиками и модельерами. Работы, которые он с ними создал, оказали глубокое влияние на авангардное искусство за пределами мира танца. Творчеству Каннингема было посвящено множество выставок. Также его изобразительное искусство представлено в галерее Margarete Roeder.
Кимсуджа (англ. Kimsooja), настоящее имя Ким Су Джа (Kim Soo-ja) — южнокорейская и американская медиахудожница, живет и работает в Нью-Йорке и Сеуле.
После изучения искусства в Сеуле Кимсуджа училась литографии в Высшей национальной школе изящных искусств в Париже, затем прошла стажировку в Нью-Йоркском музее современного искусства.
В ее ранних работах использовалась ткань, которая быстро стала ее любимым средством: художница начала создавать большие текстильные коллажи. В своем творчестве Кимсуджа сочетает перформанс, кино, фото и инсталляции с использованием текстиля, света и звука. Художница исследует вопросы, касающиеся условий жизни человечества, а также затрагивает вопросы эстетики, культуры, политики и окружающей среды.
Теренс Ко (англ. Terence Koh) — канадский художник. Он известен своими провокационными и часто противоречивыми работами, в которых исследуются темы духовности, сексуальности и идентичности.
Ко работает в различных медиа, включая скульптуру, перформанс и инсталляцию. В своих работах он часто использует найденные предметы и материалы, такие как кости, волосы и блестки.
Одна из самых известных его работ — Gone, Yet Still, перформанс, в котором художник покрыл себя белой краской и неподвижно стоял в галерее несколько часов подряд. В работе исследуются идеи неподвижности, смертности и трансцендентности.
Работы Ко выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке, Музей современного искусства в Лос-Анджелесе и Тейт Модерн в Лондоне.
Он является обладателем многочисленных наград и грантов, в том числе премии Фонда Луиса Комфорта Тиффани в 2007 году. Его работы отмечают за их конфронтационные и часто тревожные качества, а также за их способность бросать вызов предположениям и убеждениям зрителей об искусстве и окружающем мире.
Анна Комба (итал. Anna Comba) — итальянская художница, работающая в кино с 1960-х годов.
Она известна тем, что создает произведения из бумаги, газет, губной помады, рисунка, живописи, в которых переплетаются биография и общественная жизнь, история, человечность и мечты.
Питер Коффин (англ. Peter Coffin) — американский художник. Он известен своими концептуальными и междисциплинарными работами, которые исследуют взаимоотношения между человеком и миром природы.
В своих произведениях Коффин часто использует различные медиа, включая скульптуру, живопись, фотографию, видео и перформанс. Он часто обращается к научным и философским концепциям, таким как природа восприятия и отношения между людьми и животными.
Работы Коффина выставлялись в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Музей Хиршхорна и Сад скульптур в Вашингтоне, Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке и Центр Помпиду в Париже.
За свою работу он получил множество наград и грантов, включая стипендию Гуггенхайма в 2013 году. Произведения Коффина помогают преодолевать разрыв между искусством и наукой и побуждают зрителей к критическому осмыслению своего места в мире.
Питер Коффин живет и работает в Лондоне.
Энни Лейбовиц (англ. Annie Leibovitz) — американский фотограф. Она является одним из самых известных и высоко ценимых портретных фотографов в мире, а ее карьера насчитывает более пяти десятилетий.
Лейбовиц начала свою карьеру в качестве штатного фотографа журнала Rolling Stone в 1970 году, где она быстро завоевала репутацию благодаря своим уникальным и интимным портретам знаменитостей и музыкантов. В дальнейшем она работала в журналах Vanity Fair и Vogue, где продолжала фотографировать самых известных и влиятельных людей нашего времени.
Своеобразный стиль Лейбовиц часто включает использование драматического освещения, смелых цветов и провокационных поз, чтобы передать сущность своих объектов. Ее работы выставлялись в музеях и галереях по всему миру, и она получила множество наград и почетных званий за свой вклад в развитие фотографии.
Среди самых известных фотографий Лейбовиц — портрет Джона Леннона и Йоко Оно, сделанный за несколько часов до смерти Леннона, и фотография беременной Деми Мур для обложки журнала Vanity Fair. Ее фотографии часто пользуются большим спросом и были представлены во многих книгах и выставках.
Ксимо Лисана (исп. Ximo Lizana) — испанский медиахудожник, многопрофильный создатель мира новых медиаискусства и технологического искусства, живет и работает в Мадриде.
Ксимо Лисана был первым художником в истории испанского искусства, который включил робототехнику в коллекции современного искусства (IVAM). Он является профессором UEM и лауреатом Национальной премии в области нового медиаискусства и технологического искусства.
Урс Люти (нем. Urs Lüthi) — швейцарский эклектичный художник-концептуалист.
Он окончил Школу прикладного искусства в Цюрихе, экспериментировал с различными стилями и техниками, включая фотографию, скульптуру, перформанс, шелкографию, видео и живопись.
Урс Люти известен тем, что помещает своё тело и альтер-эго в центр произведений искусства, пытаясь понять себя и подвергнуть сомнению реальность.
Ким Макконнел (англ. Kim MacConnel) — американский художник, работающий с живописью, скульптурой и смешанными медиа-коллажами/тканями. Макконнел является одной из основных фигур движения «Узор и декор» 1970-х годов, но в целом творчество Макконнела не поддается классификации.
Стивен Родни (Стив) Маккуин (англ. Steven Rodney «Steve» McQueen) — британский кинорежиссёр и сценарист, призёр мировых кинофестивалей, в том числе Каннского и Венецианского. На ранней стадии своей карьеры снискал известность в качестве художника. В 2014 году получил премию «Оскар» за лучший фильм – «12 лет рабства». Учился в колледже искусств и дизайна Челси, в колледже Голдсмитс в Лондоне и школе Тиш в Нью-Йорке. В 1999 году получил грант от берлинской программы художников Немецкой службы академических обменов (DAAD), в 1999 году – премию Тернера за фотографии и инсталляции. Его первые экспериментальные и минималистичные фильмы сняты в черно-белом цвете и относятся к немому кино. В 2003 году Британский имперский военный музей назвал Маккуина официальным военным художником войны в Ираке. После пребывания в Ираке в 2006 году был создан проект «Королева и страна», в котором на листе марок были изображены портреты павших британских солдат.
Буркхард Мангольд (нем. Burkhard Mangold) — швейцарский художник, дизайнер плакатов, иллюстратор, живописец, график и витражист. Он создавал фрески и был пионером швейцарского плакатного искусства, разработав уникальный стиль своих плакатов. Его называли «дедушкой Базельской школы».
