Peintres Art informel
Carla Accardi était une peintre abstractionniste italienne associée aux mouvements Arte Informel et Arte Povera et membre fondateur des groupes artistiques Forma (1947) et Continuità (1961). Elle a étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Palerme et de Florence.
Carla Accardi était connue pour son utilisation innovante des matériaux et son exploration des formes géométriques et des couleurs vives. Elle a notamment introduit la technique de la "tela intrecciata" (toile entrelacée), dans laquelle elle utilise des bandes de toile colorée pour créer des compositions texturées et stratifiées.
L'œuvre d'Accardi présente souvent un sens du rythme et du mouvement, un arrangement dynamique de formes et de lignes. Ses compositions se caractérisent par un sens de l'équilibre et de l'harmonie et intègrent souvent des éléments de répétition et de symétrie.
Alo Altripp (de son vrai nom Friedrich Schlüssel) était un peintre et graphiste allemand de la Nouvelle Objectivité. Il est aujourd'hui considéré, avec Otto Ritschl, comme l'un des plus importants peintres de Wiesbaden du XXe siècle.
Rudi Baerwind est un peintre allemand. Profondément influencé par l'expressionnisme allemand, son travail évolue après une phase surréaliste vers l'informel, puis se rapproche du style international qui l'apparente de fait à Georg Baselitz ou Markus Lüpertz.
Afro Basaldella était un peintre abstractionniste italien, représentant de l'abstraction lyrique, plus connu sous le nom d'Afro.
Le père et l'oncle d'Afro étaient décorateurs, ses deux frères aînés étaient sculpteurs, et pour éviter toute confusion avec les noms de famille, l'artiste a commencé à signer ses œuvres de son seul prénom. Bazaldella se forme à Florence, Venise et Rome. Peu après l'obtention de son diplôme, sa première exposition monographique a lieu à Milan.
À partir de 1935, Afro expose régulièrement à la Quadrennale de Rome et à la Biennale de Venise. Il réalise des fresques, notamment pour l'opéra d'Udine, et des mosaïques, et s'essaie à la peinture dans diverses directions. En 1941, il devient professeur de mosaïque à l'Académie des beaux-arts de Venise. En 1950, il fait sensation aux États-Unis et, au milieu des années 1950, l'art d'Afro est mondialement connu.
Afro a interprété la tradition italienne sous une forme abstraite moderne, résultant de ses études picturales sur l'harmonie des couleurs.
Detlef Beer est un artiste allemand qui vit et travaille à Bonn.
Depuis le milieu des années 1990, Detlef Beer s'est tourné vers le jaune, le bleu, le rouge et le gris, explorant leur influence et la manière dont ils sont compris - indépendamment de leur emplacement objectif ou même de leurs aspects émotionnels. Il en résulte des œuvres qui fusionnent la peinture en champs de couleurs, le constructivisme et l'informel. Dans les dernières œuvres de Beer, le panneau est transféré sur le mur, qui devient également la base de la peinture. Ainsi, ce n'est pas seulement l'œuvre et le sol qui communiquent entre eux, mais aussi les formes de l'art et de l'architecture.
Francis Bott est un peintre allemand, représentant de la deuxième École de Paris, et donc de l'art informel.
Sa création artistique montre deux priorités selon toute apparence opposées: figuration surréelle et fantastique et abstraction géométrique tachiste. Son travail se compose de toiles, peintures sur verre, dessins, aquarelles, gouaches, sculptures et objets; il est également connu comme créateur d'éléments scéniques. Il a exercé principalement une activité de peintre.
Alberto Burri est un artiste plasticien italien, peintre et sculpteur. Il est associé au courant matiériste du mouvement de l'Art informel européen et qualifiait son style de polymatérialiste. Il entretient également des liens avec le spatialisme de Lucio Fontana et aura, avec Antoni Tàpies, une influence sur le renouveau de l'art de l'assemblage d'après-guerre en Amérique (Robert Rauschenberg) comme en Europe.
Giuseppe Capogrossi est un graphiste et peintre italien actif au XXe siècle.
Il est un membre de la Nouvelle école romaine de peinture avec Corrado Cagli et Emanuele Cavalli. Il acquiert une importance considérable dans le paysage italien de l'informel avec Lucio Fontana et Alberto Burri.
Jorge José Carmelo Castillo Casalderrey est un peintre et un graphiste (graveur) espagnol. Il est considéré comme un représentant important du surréalisme et de l'informel. Il vit et travaille à Barcelone, New York City et Berlin.
Alfredo Chighine est un peintre et sculpteur italien du mouvement Informel.
Son art a évolué des premières lignes griffonnées à des peintures de précision vives et animées. Ces dernières années, Chighine a atteint son objectif principal : la luminosité, la texture de la surface et les lignes fluides.
Karl Fred Dahmen est un artiste allemand, l'un des plus importants représentants de l'art allemand d'après-guerre et du mouvement Informel. En 1967, il est devenu professeur de beaux-arts à l'Académie de Munich.
Il a peint des tableaux abstraits expressifs avec une structure tectonique et, à partir du milieu des années 1950, des peintures en relief et des collages sur le thème des dommages causés au paysage local par l'exploitation minière à ciel ouvert. Plus tard dans l'œuvre de Dahmen, des boîtes-objets émaillées apparaissent, relatant des impressions de sa vie professionnelle quotidienne.
Jean Philippe Arthur Dubuffet était un peintre et sculpteur français, célèbre pour son approche idéaliste de l'esthétique qui privilégiait l'art dit "bas" et rejetait les standards traditionnels de beauté au profit d'une méthode de création d'images plus authentique et humaniste. Il est surtout connu pour avoir fondé l'art brut, un mouvement qui valorise la création artistique en dehors des cadres académiques et culturels établis.
Dubuffet, né le 31 juillet 1901 au Havre et décédé le 12 mai 1985 à Paris, a réagi aux destructions de la Seconde Guerre mondiale par des œuvres composées de matériaux superposés, lui valant rapidement une reconnaissance internationale. Ces créations matérielles, souvent réalisées avec des objets trouvés et des matériaux non conventionnels, ont bouleversé la scène artistique de l'après-guerre en France et au-delà.
Les œuvres de Dubuffet sont réputées pour leur capacité à capturer l'essence brute de l'expérience humaine, les rendant particulièrement précieuses pour les collectionneurs et les experts en art. Ses travaux sont exposés dans de nombreuses galeries et musées, continuant d'inspirer et de provoquer la réflexion chez les amateurs d'art contemporain et les historiens.
Pour rester informés sur les nouvelles œuvres et les événements associés à Jean Philippe Arthur Dubuffet, nous invitons les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et antiquités à s'inscrire à nos mises à jour. Cette inscription vous garantit des alertes sur les nouveautés exclusivement liées à l'œuvre de Dubuffet, enrichissant ainsi votre connaissance et votre collection.
Jean Fautrier était un peintre et sculpteur français associé aux mouvements Art Informel et Tachisme. Il a d'abord étudié l'architecture avant de se tourner vers la peinture au début des années 1920.
Les premières œuvres de Fautrier sont influencées par le cubisme et le surréalisme, mais il finit par développer un style plus abstrait caractérisé par des empâtements épais et des coups de pinceau expressifs. Il utilise souvent des matériaux non conventionnels, tels que l'asphalte, le sable et le goudron, pour créer des surfaces texturées qui donnent une impression de matérialité.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Fautrier a participé activement à la Résistance française et s'est caché pour éviter d'être arrêté par les nazis. Ses expériences pendant la guerre ont eu un impact profond sur son travail, qui est devenu plus sombre et plus introspectif. Il commence à créer ce qu'il appelle des tableaux "Otages", qui représentent des visages et des figures anonymes à la fois obsédants et vulnérables.
Après la guerre, Fautrier continue d'explorer les thèmes de la violence, du traumatisme et de la décomposition dans son art. Il crée une série de sculptures "Otages", réalisées à partir de moulages de membres et de torses humains. Ces œuvres sont très controversées et suscitent de vives réactions de la part des critiques et du public.
L'influence de Fautrier sur le développement de l'Art Informel et du Tachisme a été significative, et il est considéré comme l'une des figures clés du mouvement. Son œuvre est représentée dans de nombreux grands musées et collections à travers le monde, notamment au Centre Georges Pompidou à Paris et au Museum of Modern Art à New York.
Karl Otto Götz est un peintre allemand qui est principalement connu pour ses peintures abstraites spontanées dans le style informel («art sans forme»).
Des éléments importants de son travail, influencé par le surréalisme, sont une créativité abstraite spontanée et le rendu manuel d'images générées aléatoirement par des automates.
Gotthard Graubner était un peintre abstrait allemand associé aux mouvements Zero et Informel de l'après-guerre. L'œuvre de Graubner est connue pour l'importance qu'elle accorde à la couleur et à sa relation avec l'espace et la perception.
Graubner a étudié à la Kunstakademie de Düsseldorf avec le peintre Georg Meistermann. Dans les années 1950, il s'est associé au groupe Zero, un mouvement d'artistes qui cherchaient à créer une nouvelle forme d'art libérée des conventions artistiques traditionnelles et axée sur l'utilisation de matériaux non conventionnels.
Dans les années 1960, Graubner a commencé à créer ses "corps de l'espace-couleur", de grandes toiles montées à l'écart du mur et remplies d'épaisses couches de pigments. Ces œuvres étaient conçues pour être perçues comme des objets tridimensionnels, à la fois peintures et sculptures, et elles créaient souvent un sentiment de profondeur et d'ambiguïté spatiale.
Les œuvres de Graubner ont été largement exposées en Europe et aux États-Unis, et il a reçu de nombreux prix et distinctions tout au long de sa carrière. Il a également enseigné dans plusieurs écoles d'art, dont la Kunstakademie de Düsseldorf et la Städelschule de Francfort.
L'approche novatrice de la peinture de Graubner et son exploration de la relation entre la couleur, l'espace et la perception continuent d'exercer une influence importante sur l'art contemporain.
Hans Hartung est un peintre français, photographe et architecte d'origine allemande, l'un des plus grands représentants de l'art abstrait. Ses expérimentations techniques extrêmement libres des années 1920 en font aux yeux de nombreux historiens et critiques, et notamment Will Grohmann, le précurseur et le pionnier de nombreux mouvements d’avant-garde qui se développeront dans la seconde moitié du ХХe siècle : entre autres les courants dits informels, gestuels, tachistes, lyriques, ainsi que l'action painting.
Walter Helbig est un peintre, graphiste et sculpteur sur bois allemand et suisse. Il travaille à Dresde sur des peintures d'église. Helbig a participé à la fondation et à la première exposition de la « Neue Secession » de Berlin en 1910. Helbig participe à la première exposition Moderne Bund en 1911 à Lucerne et à la seconde, plus grande, au Kunsthaus de Zurich. En 1914, certains peintres du «Moderne Bund» disparu, dont Helbig, participent à la première exposition Dada à la Galerie Coray de Zurich. Helbig est aussi représenté dans la troisième exposition Dada et contribue au magazine Der Zeltweg 8 mais ne participe pas aux activités des dadaïstes. En 1919, il fait partie des signataires du « manifeste des artistes radicaux » 9 à Zurich, et rejoint le « groupe Novembre » à Berlin. Helbig a vécu à Zurich de 1916 à 1924 et en 1916 est devenu membre de la GSMBA (Société des peintres, sculpteurs et architectes suisses), à laquelle il a régulièrement participé. Depuis la Première Guerre mondiale, son travail artistique s'est tourné vers des sujets religieux et mythiques. En 1924, Helbig, comme de nombreux autres artistes, déménage à Ascona en raison du faible coût de la vie et fonde le mouvement Der Große Bär. Pendant ce temps, Helbig peint des paysages, des natures mortes et des portraits. Walter Helbig fait sa première grande exposition personnelle à Zurich en 1948 et devient membre de l'Association des artistes allemands en 1952. Après la Seconde Guerre mondiale, il suit également les courants artistiques de l'époque, l'expressionnisme abstrait et expérimente l'art informel dans les années 1960.
Oskar Holweck est un peintre et sculpteur sur papier allemand.
Après la Seconde Guerre mondiale, au cours de laquelle il est allé au front et en captivité, Holweck a étudié les arts appliqués à l'Académie des beaux-arts de Paris, a travaillé comme enseignant et a été membre de l'Association des artistes allemands.
Depuis les années 1960, Holweck crée des œuvres d'art presque exclusivement avec sa propre technique du papier. Grâce à diverses manipulations de ce matériau, l'artiste a créé des sculptures.
Rolf Iseli est un artiste suisse d'avant-garde qui vit et travaille à Berne.
Au début de sa carrière artistique, Iseli était un représentant radical du Taschisme et du mouvement Informel, et peignait également en technique gestuelle. Au cours de sa longue vie, il a travaillé dans différents domaines : peinture, collage, dessin, lithographie, dessin, plastique, sculpture et art dans l'architecture. Rolf Iseli est l'un des plus importants représentants de l'avant-garde artistique suisse de la seconde moitié du XXe siècle.
Edmund Kesting était un photographe, peintre et professeur d'art allemand.
Il a noué des relations avec d'autres avant-gardistes à Berlin et a pratiqué diverses techniques expérimentales telles que la solarisation, les images multiples et les photogrammes, raison pour laquelle douze de ses œuvres ont été considérées comme de l'art dégénéré par le régime nazi et ont été interdites. Parmi les artistes avec lesquels il a interagi figurent Kurt Schwitters, László Moholy-Nagy, El Lissitzky et Alexander Archipenko.
Tschang-Yeul Kim est un artiste abstrait sud-coréen et l'une des figures les plus célèbres de l'histoire de l'art contemporain coréen.
Il a vécu la majeure partie de sa vie à Paris, en France, où il a développé son propre style de peinture. Tschang-Yeul Kim peint avec une variété de gouttes d'eau qui semblent dépasser des toiles, comme si la toile "pleurait", mais qui sont en fait des illusions d'optique.
Günther C. Kirchberger était un peintre et professeur allemand. Il était un peintre du Hard Edge et un ami proche de Lawrence Alloway. Avec Georg Karl Pfahler, Kirchberger est le fondateur du groupe 11.
Josef Lehoucka était un peintre surréaliste et abstrait tchèque.
Les peintures de Josef Lehoucka se caractérisent par un lien étroit entre le réalisme et la fantaisie. Dans sa jeunesse, il était ouvrier d'usine, grutier, ce qui s'est reflété dans son art visuel. Lehoucka a souvent peint des tableaux d'un réalisme fantastique, qu'il a complétés par des motifs industriels. Ses expériences passées sont évoquées dans des répliques de machines, de pinces, de cylindres, géométrisées et incorporées dans des compositions abstraites. Face à cette réalité mécanisée, la tradition surréaliste est cependant bien présente, apportant des éléments de hasard et l'inattendu d'objets et de paysages oniriques dans les peintures.
Les œuvres de Josef Lehoucka sont représentées dans les collections de la Galerie nationale de Prague, de la Galerie centrale tchèque de Prague et d'autres.
Georges Mathieu est un peintre français considéré comme un des pères de l'abstraction lyrique.
Il est également célèbre pour sa pièce de dix francs de 1974, son logotype d'Antenne 2 de 1975, et ses timbres postaux.
Henri Michaux est un poète et artiste français associé au surréalisme et au mouvement d'avant-garde de l'après-guerre.
Les premières activités artistiques de Michaux tournent autour de l'écriture et de la poésie. Dans ses poèmes, il explore les thèmes de l'existentialisme, de la spiritualité et de la condition humaine, en expérimentant souvent le langage et la forme. Son style d'écriture se caractérise par l'introspection, l'exploration de la conscience et la recherche de sens.
En 1925, après avoir vu une exposition surréaliste à Paris, Henri Michaux commence à peindre et à dessiner. Ses arts visuels englobent un large éventail de styles et de techniques. Michaux a expérimenté l'encre, l'aquarelle et la peinture à l'huile, créant des compositions évocatrices et énergiques. Ses œuvres donnent souvent une impression de mouvement, de rythme et de spontanéité et sont influencées par l'esthétique de la calligraphie et de la gesticulation.
Georges Noël était un artiste français, représentant de l'informel français.
Au milieu des années 1950, il s'est installé aux États-Unis et a commencé à créer des œuvres en empâtement, ou palimpsestes, comme il les appelait.
Les palimpsestes sont de vieilles pages de manuscrits qui ont été partiellement grattées et réutilisées. Georges Noël utilise le concept de palimpseste et crée ses toiles en utilisant du sable, de la silice broyée et des pigments bruts, ce qui donne à chaque œuvre un aspect tridimensionnel et énergique.
Georges Noël a été professeur à la Minneapolis School of Art avant de retourner à Paris.
Hans Platschek était un artiste, critique d'art et écrivain allemand.
Hans Platschek s'est fait connaître en tant qu'artiste du tachisme ou de l'Informel. Mais lorsque l'art abstrait et automatique de l'Informel a acquis une reconnaissance internationale, il s'était déjà intéressé à la nouvelle figuration. Il critiquait violemment le pop art en tant qu'"art de consommation".
Les essais de Placzek, qui ne semblent être polémiques qu'en apparence, l'ont fait connaître du public intéressé par l'art en dehors de l'Allemagne à partir des années 1960. Aujourd'hui encore, de nombreux connaisseurs considèrent que ses textes sont d'une grande fraîcheur et d'une grande clarté.
Miodrag Mića Popović (en serbe : Миодраг Мића Поповић) est un artiste et réalisateur serbe.
Popović a étudié à l'Académie des beaux-arts de Belgrade, et a réalisé des expositions personnelles depuis 1952. Il a peint dans le style informaliste, des paysages abstraits associatifs dans une technique combinée, plaçant parfois des fragments d'autres matériaux dans la structure du tableau.
En 1947, Popović a formé le célèbre "Groupe de Zadar", dont le travail a d'abord été considéré comme destructeur par les autorités.
Dans les années 1960, Popović réalise plusieurs films, dont il écrit lui-même les scénarios. Il est devenu membre permanent de l'Académie serbe des sciences et des arts en 1985 et, depuis 1987, membre associé de l'Académie des arts de Berlin, et a reçu de nombreux prix.
Markus Prachensky est un artiste autrichien, l'une des figures de proue de l'avant-garde autrichienne, représentant des styles Informel et Tachisme.
D'abord influencé par Piet Mondrian, Prachensky a développé son langage visuel typique en 1956. La même année, il fonde avec Wolfgang Hollega, Josef Mikl et Arnulf Rainer le groupe d'artistes St. Prachensky vit et travaille alternativement à Paris, Vienne, Berlin et Los Angeles. Il est revenu en Europe en 1970 et a été directeur des cours de maître en peinture à l'Académie des beaux-arts de 1983 à 2000.
S'en tenant à l'expression formelle, l'artiste n'a utilisé pendant de nombreuses années qu'un rouge féroce et irrésistible. Plus tard, il a intégré le vert, le violet, le noir, le marron et le jaune dans sa palette de peinture. Les éléments principaux de nombre de ses peintures sont des bandes verticales sur lesquelles se superposent des couches de couleurs.
Paolo Scheggi est un artiste, designer et architecte constructiviste italien.
Scheggi a fait ses études à Florence, à l'Académie des beaux-arts. Il a d'abord étudié l'art informel et les techniques du nouveau dadaïsme, mais a rapidement développé son propre style. Il a travaillé avec Lucio Fontana et a rejoint le mouvement New Trends en 1965.
Scheggi s'est surtout fait connaître par ses œuvres monochromes et stratifiées. Il a travaillé dans le journalisme et la poésie, ainsi que sur des projets architecturaux urbains. Scheggi a également conçu une nouvelle maison de couture à Milan pour la célèbre créatrice Germana Marucelli.
Hans Schreiner était un peintre et vitrailliste allemand.
Diplômé de l'Académie de Stuttgart, Hans Schreiner devient, au milieu des années 1950, membre du Groupe des 11, qui comprend également Atila Biro, Günter K. Kirchberger, Friedrich Sieber et Georg Karl Pfahler. L'artiste se qualifie lui-même de peintre paysagiste abstrait et utilise, entre autres, le style Informel pour créer des images symboliques.
Outre la peinture, Schreiner conçoit des vitraux et des structures pour les églises. Il était membre de l'Association des artistes allemands et participait activement à des expositions.
Max Schulze est un artiste contemporain allemand. Max Schulze a étudié l'art/peinture libre à l'Académie des Arts de Düsseldorf de 1999 à 2005. En 2004, il est devenu l'élève du master de Jörg Immendorff. Schulze est co-rédacteur en chef du magazine d'art schwarzweiss-eins/-zwei/-drei/-vier à Düsseldorf. Dans son travail, il traite de l'extension artistique de la pratique picturale. Max Schulze est l'un des deux fils du peintre Memphis Schulze. Il vit et travaille à Düsseldorf.
Pierre Soulages est un artiste peintre et graveur français.
Associé depuis la fin des années 1940 à l'art abstrait, il est particulièrement connu pour son usage des reflets de la couleur noire, qu'il appelle « noir-lumière » ou « outrenoir ». Il est l'un des principaux représentants de la peinture informelle.
Herbert Spangenberg était un peintre allemand de la génération disparue.
D'un point de vue stylistique, les premières œuvres de Spangenberg s'inscrivent dans le cadre de la Nouvelle Objectivité, et plus particulièrement du Réalisme Magique, même si certaines d'entre elles présentent des caractéristiques surréalistes. Si ses tableaux de la fin des années 1920 sont peu colorés et sombres, ils se tournent vers la couleur et la luminosité à partir des années 1930. À partir de la fin des années 1940, il se consacre de plus en plus, d'un point de vue stylistique, à la peinture abstraite, s'éloignant progressivement de l'objet. En 1952, il expose à Cologne un tableau entièrement abstrait, mais ses tableaux contiennent généralement des formes géométriques, parfois aussi des structures formelles, comme dans le tableau Train des poissons. Les fenêtres de la synagogue de 1960 pourraient à nouveau être classées dans l'abstraction géométrique, si des symboles n'y étaient pas intégrés. Dans son œuvre tardive, à partir de 1968, il a principalement créé des images de femmes influencées par le Pop Art ou l'Art déco dans des tons sombres, dont les visages peints sont parfois exagérés de manière grotesque et satirique, comme dans certains tableaux du vérisme de la Nouvelle Objectivité dans les années 1920. De temps en temps, elles rappellent légèrement les figures de Richard Lindner.
Nicolas de Staël est un artiste français d'origine russe connu pour ses peintures abstraites et figuratives. Il est né en 1914 à Saint-Pétersbourg, en Russie, et a grandi dans une famille aisée. En 1919, sa famille fuit la Russie et s'installe en Pologne avant de déménager à Bruxelles, en Belgique.
De Staël commence à étudier la peinture à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles en 1932. Après plusieurs années d'études et de voyages, il s'installe à Paris en 1938, où il s'associe au groupe d'artistes connu sous le nom d'École de Paris.
Au cours des années 1940 et 1950, de Staël développe un style distinctif qui mêle des éléments d'abstraction et de figuration. Il utilise un couteau à palette et des coups de pinceau audacieux et épais pour créer des paysages abstraits et des marines, souvent inspirés par ses voyages dans le sud de la France et en Méditerranée.
Au début des années 1950, de Staël commence à incorporer des éléments figuratifs dans son travail, créant des portraits et des natures mortes qui se caractérisent par leurs formes simplifiées et leurs couleurs vives. Il expérimente également différents médiums, dont la lithographie et le vitrail.
L'œuvre de De Staël a été bien accueillie par les critiques et les collectionneurs de son vivant, et il a participé à de nombreuses expositions en France et à l'étranger. Cependant, il a lutté contre la dépression et s'est suicidé. Son héritage continue d'inspirer les artistes et les amateurs d'art du monde entier, et ses peintures font partie des collections de grands musées, dont le Centre Georges Pompidou à Paris et le Museum of Modern Art à New York.
Hans Staudacher est un artiste autrichien d'avant-garde.
Il a d'abord étudié la peinture en autodidacte, puis a fréquenté une école de peinture en Carinthie, où il a commencé à créer des œuvres abstraites de petit format dans des tons gris-noir. Par la suite, l'artiste s'est installé à Vienne, où il a peint des tableaux multicolores de plus grande taille. Il devient rapidement membre de la Sécession viennoise, et ses expositions à l'Informel font figure de pionnières en Autriche à l'époque.
Entre 1954 et 1962, il se rend à plusieurs reprises à Paris, où il commence à étudier l'art du tachisme (ou Art Informel) et du lettrisme. Ces deux éléments ont façonné l'héritage artistique ultérieur de Hans Staudacher. À partir des années 1960, son travail s'est orienté vers un style abstrait, et ces œuvres sont une combinaison unique d'art informel lyrique et d'expressionnisme abstrait.
Staudacher est le fondateur de l'organisation autrichienne Art Informel. Il a reçu le titre de professeur en 1976. Parmi ses nombreuses récompenses, citons le grand prix de la Biennale de Tokyo en 1965, le prix culturel de la province de Carinthie en 1989 et l'insigne d'honneur en or de la ville de Vienne en 2004.
Helmut Sturm était un peintre allemand.
Sturm a étudié à l'Académie des beaux-arts de Munich de 1952 à 1958. Il a été cofondateur du groupe SPUR, qui a existé de 1957 à 1965. En 1970, il a cofondé le Forum des enfants dans les locaux de la galerie Forum van de Loo à Munich. De 1980 à 1982, il a été professeur invité à la Hochschule der Künste de Berlin. En 1985, il a repris la chaire de Günter Fruhtrunk à l'Académie des Beaux-Arts de Munich et l'a conservée jusqu'en 1998. Plusieurs œuvres de Sturm provenant de la donation Otto van de Loo sont exposées à la Kunsthalle d'Emden.
Antoni Tàpies i Puig, 1er marquis de Tàpies, est un peintre, sculpteur, essayiste et théoricien de l'art espagnol d'expression catalane. L'un des principaux représentants de l'informalisme, il est considéré comme l'un des artistes espagnols les plus en vue du xxe siècle. L'œuvre de l'artiste catalan dispose d'un centre d'étude et de conservation à la Fondation Antoni Tàpies de Barcelone.
Fred Thieler était un artiste abstrait allemand connu pour ses peintures colorées et gestuelles. Il est né à Königsberg, en Allemagne, et a étudié à l'Académie des beaux-arts de Königsberg avant de s'installer à Berlin en 1945.
Les premières œuvres de Thieler ont été influencées par les mouvements expressionniste et surréaliste, mais il a rapidement développé son propre style, caractérisé par des couleurs vives et des coups de pinceau dynamiques. Il utilise souvent un couteau à palette pour appliquer la peinture sur la toile, créant ainsi d'épaisses couches d'empâtement qui ajoutent de la profondeur et de la texture à ses œuvres.
Tout au long de sa carrière, Thieler a participé à de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger, notamment à la Biennale de Venise et à la Documenta de Kassel. Il a également été membre de l'influent groupe artistique allemand "Quadriga", qui comprenait des artistes tels que Bernard Schultze, Karl Otto Götz et Otto Greis.
Outre la peinture, Thieler a également travaillé comme graphiste et enseignant. Il a été professeur à l'Académie des beaux-arts de Berlin de 1965 à 1981, où il a eu un impact significatif sur la nouvelle génération d'artistes allemands.
Marie-Louise von Rogister était une artiste allemande et une peintre importante du mouvement informel.
De 1920 à 1924, Marie-Louise von Rogister a étudié la peinture à l'école des arts et métiers de Kassel. Le voyage à Paris en 1925 fut suivi d'un séjour d'études à l'Académie de la Grande Chaumière en 1929/1930.
L'œuvre de Marie-Louise von Rogister évolue du figuratif vers l'abstrait. Son œuvre comprend des peintures à l'huile et à l'acrylique ainsi que des craies de cire et des crayons. Marie-Louise von Rogister a percé avec ses "tableaux à entrelacs" à la fin des années 1950. Des surfaces colorées sont recouvertes de structures noires semblables à des fils. Les tableaux dits "Horizontbilder" marquent un nouveau tournant artistique dans les années 1980 : les lignes claires et les couleurs vives dominent dans les tableaux. C'est également grâce à eux que l'art informel est arrivé en Allemagne.
Jaap Wagemaker était un artiste néerlandais, figure de proue du mouvement de l'art informel, particulièrement connu pour ses "peintures de matière" dans les années 1950 et 1960. Né en 1906 à Haarlem, aux Pays-Bas, Wagemaker se passionne très tôt pour l'art et entre à l'école d'architecture et d'arts décoratifs de Haarlem à l'âge de 14 ans. Son parcours artistique l'a conduit à Paris, où il a perfectionné ses talents de peintre et tracé sa propre voie.
L'art de Wagemaker se distingue par l'incorporation de techniques mixtes, utilisant des matériaux tels que le sable et le bois, ce qui fait de lui l'un des premiers peintres de matériaux de son époque. Cette approche avant-gardiste l'a distingué et l'a placé aux côtés de grands noms comme Jean Dubuffet et Alberto Burri. Ses œuvres texturées sont non seulement visuellement frappantes, mais elles invitent également à l'exploration tactile, faisant écho à l'essence organique des matériaux qu'il a utilisés.
Les œuvres de Wagemaker ne sont pas de simples peintures ; ce sont des synthèses d'éléments naturels et de vision artistique, qui ornent souvent les murs de galeries prestigieuses et de collections privées. Son héritage continue de trouver un écho auprès des collectionneurs, des commissaires-priseurs et des experts en art, qui considèrent ses œuvres non seulement comme des œuvres d'art, mais aussi comme des artefacts d'un chapitre novateur de l'histoire de l'art.
Pour ceux qui sont intrigués par l'impact profond de Jaap Wagemaker sur l'art moderne, et pour rester au courant des nouveaux produits et événements liés à son œuvre, inscrivez-vous à nos mises à jour exclusives. Faites vibrer votre collection en y ajoutant le génie des peintures matérielles de Wagemaker.
Alfred Otto Wolfgang Schulze, plus connu sous le pseudonyme de Wols, est un éminent artiste allemand dont l'œuvre a eu une influence significative sur l'art moderne. Il était connu pour ses peintures abstraites, ses graphiques et ses photographies.
L'œuvre de Wols se caractérise par une approche expérimentale et un style distinctif. L'artiste utilisait des techniques inhabituelles telles que la spatule, la goutte, l'éclaboussure et des éléments graphiques pour créer une atmosphère d'abstraction et d'irréalité. Ses œuvres sont empreintes de tension émotionnelle et d'intenses effets d'ombre et de lumière.
Wols a expérimenté des formes et des structures, créant des peintures qui semblaient parfois mystiques et mystérieuses. Il travaillait magistralement les contrastes et les compositions inhabituelles, ce qui conférait à ses œuvres une qualité unique et énergique. Son travail a contribué de manière importante au développement de l'art abstrait dans l'Allemagne d'après-guerre.
Wols a également fait preuve de talent pour la photographie, créant des images en noir et blanc remarquablement expressives et intrigantes. Il jouait habilement avec l'ombre et la lumière pour capturer l'instant et transmettre l'émotion.
