Peintres Art naïf
Jan Balet était un peintre, dessinateur et illustrateur germano-américain. Influencé par le style de l'art naïf, il a surtout travaillé comme graphiste et illustrateur de livres pour enfants, mais aussi comme peintre de tableaux naïfs et absurdes où la composition est dominée par des figures en aplat, généralement masculines, vêtues de vêtements fin de siècle, devant des arrière-plans qui, malgré une construction en perspective précise, semblent irréels.
Hans Baluschek, de son nom complet Alphons Anton Alexander Hans Ernst Karl Maria Baluschek, était un peintre, graphiste et écrivain allemand, représentant du style de la nouvelle matérialité.
Baluschek a étudié à l'Académie royale des arts et, en 1900, est devenu membre de la Sécession berlinoise, un groupe d'artistes qui comprenait également Ernst Barlach, Max Beckmann et Wassily Kandinsky. Baluschek a toujours été socialement critique, ce qui se reflète dans les sujets de ses peintures. Nombre de ses tableaux sont consacrés à la classe ouvrière berlinoise. Il s'intéresse à la grisaille de la vie quotidienne berlinoise : air gris, murs gris, personnes grises.
Baluschek est souvent classé parmi les expressionnistes allemands en raison de son style émotionnel, mais son style a quelque chose de la Nouvelle Objectivité, de l'impressionnisme et de la peinture naïve. Il a également dessiné des illustrations pour le livre populaire pour enfants Little Peter's Journey to the Moon, et a collaboré avec des périodiques en tant qu'illustrateur.
La Première Guerre mondiale a suscité chez Baluschek des sentiments patriotiques et il a peint un certain nombre de sujets sur ce thème. Après la guerre, il adhère au parti social-démocrate et s'engage dans les mouvements ouvriers. En 1926, il participe à la création d'un fonds d'aide aux artistes et devient ensuite directeur de l'exposition annuelle de Berlin. Lorsque les nazis allemands arrivent au pouvoir en 1933, ils déclarent Baluschek marxiste et "artiste dégénéré", le suspendent de toutes ses fonctions et lui interdisent d'exposer.
Issa Abasovitch Barkhanoev (еn russe: Исса Абасович Барханоев) était un artiste ingouche soviétique et russe du dernier quart du vingtième siècle et du début du vingt-et-unième siècle. Il est connu comme peintre, dessinateur, paysagiste, peintre de genre et poète, un artiste autodidacte.
Issa Barkhanoev a créé plus de 500 peintures au cours de sa carrière, dans lesquelles, selon les critiques, il a habilement transmis ses pensées et sentiments profonds par le biais d'images et de symboles, et ces œuvres d'art personnifient la spiritualité et la philosophie de la vie. Les œuvres de cet artiste folklorique se trouvent dans les musées de la République d'Ingouchie et dans des collections privées.
Charles Benefiel est un artiste outsider américain contemporain originaire de Californie. Comme il souffre de graves troubles obsessionnels compulsifs, la quasi-totalité de son travail est réalisée au moyen de pointillés. Il vit actuellement à Albuquerque, au Nouveau-Mexique.
Gary Bunt est un artiste autodidacte britannique connu pour ses peintures de la campagne anglaise. Il s'est lancé dans l'art pour surmonter une grave maladie. Gary Bunt dépeint la vie ordinaire et ses plaisirs simples dans un style primitif, avec une simplicité raffinée et de la bonne humeur.
Henry Joseph Darger est un écrivain et peintre américain.
Sa principale œuvre, composée tout au long de sa vie de solitude, est un récit épique illustré de 15 143 pages appelé The Story of the Vivian Girls, in What is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinnian War Storm, Caused by the Child Slave Rebellion. Il y raconte la violente guerre entre les Angéliques et les Hormonaux. Plus de 300 compositions (aquarelle, dessins, collages) l'accompagnent et le complètent, donnant naissance à une œuvre graphique unique et originale, proche de l'art brut ou de l'art outsider.
Thornton Dial est un artiste américain pionnier qui s'est fait connaître à la fin des années 1980. L'œuvre de Dial présente une variété formelle à travers des assemblages expressifs et denses de matériaux trouvés, souvent exécutés à une échelle monumentale. Ses sujets couvrent un large éventail de l'histoire, des droits de l'homme aux catastrophes naturelles et aux événements actuels. Les œuvres de Dial sont largement conservées dans les musées américains ; dix de ses œuvres ont été acquises par le Metropolitan Museum of Art en 2014.
Arthur Dial est un peintre et sculpteur américain qui vit et travaille à Bessemer, en Alabama. Il fait partie de la famille d'artistes Dial, qui comprend son frère aîné, Thornton Dial, et ses neveux, Thornton Dial Jr, Richard Dial et Ronald Lockett.
Dial crée des reliefs et des peintures qui se concentrent sur un moment précis de la narration qu'il souhaite transmettre. Il utilise ces moments, tels qu'Eve saisissant le fruit défendu ou "George Wallace bloquant l'entrée de l'université d'Alabama à Montgomery", pour mettre en lumière des moments historiques ou folkloriques d'extrême tension. L'accent mis par Dial sur les scènes de conflit dans l'histoire réelle ou imaginaire de l'humanité provient de son observation directe de la vie dans le Sud tout au long du XXe siècle. Il décrit ses récits comme "un enregistrement de ce qui s'est passé".
Henry Dieckmann était un peintre autodidacte allemand connu pour ses peintures naïves de genre.
Après la Seconde Guerre mondiale, Dieckmann travaille à l'usine des Chemins de fer fédéraux allemands à Verden et observe la vie autour de lui. Ses peintures sont empreintes de nostalgie pour le passé récent, elles illustrent la vie quotidienne de gens ordinaires pendant leur temps libre avec des paysages urbains européens typiques.
Thomas "Sam" Doyle était un artiste afro-américain de l'île de Sainte-Hélène, en Caroline du Sud. Ses peintures colorées sur tôle et sur bois témoignent de l'histoire et des habitants de la communauté gullah de Sainte-Hélène.
Les peintures et sculptures de Doyle font partie des collections permanentes de l'American Folk Art Museum, du High Museum of Art, du Smithsonian American Art Museum, du Gibbes Museum of Art et du Los Angeles County Museum of Art et du Penn Center (Penn School sur l'île de Sainte-Hélène).
Marcel Dzama est un artiste contemporain de Winnipeg, Manitoba, Canada qui vit et travaille actuellement à New York. Son travail a été exposé internationalement, en particulier ses dessins à l'encre et à l'aquarelle. Dzama travaille beaucoup dans la sculpture, la peinture, le collage et le cinéma. L'artiste est également connu pour ses dioramas complexes et ses polyptyques à grande échelle qui puisent dans ses talents à travers une gamme de médias. Dzama travaille dans plusieurs disciplines pour donner vie à sa distribution de figures humaines, d'animaux et d'hybrides imaginaires, et a développé une réputation internationale et suit pour son art qui dépeint des mondes fantaisistes et anachroniques.
Minnie Eva Evans est une artiste afro-américaine qui a travaillé aux États-Unis des années 1940 aux années 1980. Elle a utilisé différents types de supports dans son travail, comme l'huile et le graphite, mais a commencé par utiliser la cire et le crayon. Elle a été inspirée pour commencer à dessiner en raison des visions et des rêves qu'elle a eus tout au long de sa vie, en commençant quand elle était une jeune fille. Elle est connue comme une artiste folklorique du sud et une artiste marginale, ainsi que comme une artiste surréaliste et visionnaire.
Madge Gill était une artiste britannique.
Madge Gill est née dans une famille nombreuse et a été élevée dans la pauvreté. Elle a souffert de divers problèmes de santé tout au long de sa vie, dont la cécité d'un œil et, plus tard, la perte de son fils, ce qui l'a conduite à des épisodes de dépression.
Malgré ces circonstances difficiles, Gill a été une artiste prolifique, créant des milliers de dessins et de broderies au cours de sa vie. Son travail était souvent inspiré par le spiritisme et comportait des motifs et des symboles complexes et très détaillés.
L'œuvre de Gill a été découverte par hasard en 1963, deux ans après sa mort. Depuis, ses œuvres ont été exposées dans de grandes galeries et des musées du monde entier, notamment la Hayward Gallery à Londres et l'American Folk Art Museum à New York.
Aujourd'hui, Mme Gill est considérée comme une figure importante de l'histoire de l'art brut et est célébrée pour son style unique et distinctif. Son travail continue d'inspirer et de captiver les amateurs d'art et les collectionneurs du monde entier.
Lee Godie (née Jamot Emily Godee) est une artiste autodidacte américaine, active à Chicago de la fin des années 1960 jusqu'au début des années 1990 environ. Elle était une artiste prolifique connue pour ses peintures et ses photos modifiées qui sont exposées dans des galeries et des musées tels que la Hayward Gallery de Londres et le Smithsonian American Art Museum. Elle est souvent considérée comme l'artiste la plus collectionnée de Chicago.
Oska Gutheil est une artiste peintre allemande. Oska Gutheil est considérée comme une nouvelle star dans le monde de l'art : les galeries des métropoles telles que New York, Berlin et Vienne se disputent les images de l'artiste, qui combine la peinture naïve avec des éléments punk et comiques. Oska Gutheil crée des mondes colorés et fous remplis de créatures hybrides - et avec lui sa propre biographie.
Hector Hyppolite était un peintre haïtien. Considéré comme le "Grand Maître de l'art haïtien".
Hyppolite, peintre prolifique, représentait généralement des scènes vodou et a créé entre 250 et 600 tableaux au cours des trois dernières années de sa vie. Une grande partie de son œuvre a été influencée par sa dévotion à son travail de prêtre.
Iosif Artemievitch Karalyan était un artiste soviétique, membre de l'Union des artistes de l'URSS et artiste honoré de la RSS d'Arménie.
Le travail créatif de Karalyan est une sorte de nostalgie du pays de l'enfance, que l'on ne peut visiter que dans les rêves et l'imagination, car il n'existe plus, car l'enfance de chaque personne, comme son époque, est unique, les sensations éprouvées non répétables, elles ne sont préservées visuellement que dans les beaux-arts.
Ses œuvres sont conservées au Musée d'art moderne (Erevan), à la Galerie nationale d'Arménie (Erevan), à la Galerie d'État Tretyakov (Moscou), au Musée d'art oriental (Moscou), à la maison-musée de Hovhannes Tumanyan (Erevan), dans les fonds du ministère de la Culture d'Arménie et dans de nombreuses collections privées en Arménie et à l'étranger.
Franjo Klopotan est un peintre surréaliste croate.
Klopotan est considéré comme un maître de l'art naïf dans la Croatie d'après-guerre. Il a commencé à peindre en 1959 et a organisé sa première exposition personnelle à Zagreb en 1963. Plus tard, alors qu'il participe à des expositions en Allemagne, il acquiert une renommée internationale.
Franjo Klopotan est un peintre de rêves éveillés, qui intègre dans son œuvre des éléments du surréalisme et de la fantaisie populaire.
Klopotan était membre de la Société croate des artistes naïfs, de la Société croate des beaux-arts et de l'Association des artistes croates.
Boris Nikolaevitch Koshelokhov, connu dans le milieu artistique de Saint-Pétersbourg sous le surnom de Bob, était un artiste d'avant-garde soviétique et russe.
Boris Koshelokhov était l'organisateur d'un groupe d'artistes non conformistes appelé "Letopis", qui représentait un spectre extrêmement hétérogène de directions : de l'expressionnisme extrême au primitivisme.
Robert Kushner est un peintre contemporain américain connu surtout pour son engagement dans le domaine du motif et de la décoration. Il a été qualifié de "fondateur" de ce mouvement artistique. Outre la peinture, Kushner crée des installations sur divers supports, allant de mosaïques publiques à grande échelle à de délicates peintures sur des pages de livres anciens.
Jean-Marie Lamare est un peintre primitif Flamand d'aujourd'hui, rare Maître de la tempera. Cette technique héritée des grands Maîtres flamands surprend par sa luminosité particulière. Les compositions de J. M. Lamare nous transportent dans un monde fantastique.
Judith Linhares est une peintre américaine, connue pour ses peintures figuratives et narratives vibrantes et expressives. Elle synthétise des influences telles que l'expressionnisme, la figuration de Bay Area, l'art moderne mexicain et le féminisme de la deuxième vague, dans un travail qui flirte avec l'abstraction et équilibre l'imagerie personnelle visionnaire, l'intensité expressive et la rigueur picturale. Au début des années 1970, Linhares crée des dessins et des assemblages narratifs qui s'approprient des matériaux banals ou « artisanaux » et des images féminines (fleurs, œufs, plumes de cygne, scènes domestiques). Après 1980, elle a développé un monde allégorique symboliste de créatures énigmatiques à tête bulbeuse, de nus narcoleptiques, de fantasmes, de figures dans des bateaux et de métamorphoses humaines. Son imagerie fantastique était équilibrée par des couleurs luxuriantes, des surfaces sensuelles picturales et un design sûr. Au cours des années 1990, les critiques ont noté dans son travail une palette plus ensoleillée, une imagerie de plus en plus abstraite et ambiguë, et une facilité croissante avec un style de dessin naïf. Dans les années 2000, Linhares se tourne vers les nus féminins (souvent monumentaux), les paysages visionnaires, les natures mortes florales et les animaux. Linhares a été reconnu avec plus de quarante-cinq expositions individuelles et des prix majeurs de l'American Academy of Arts and Letters et de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation.
Frederick James Lloyd était un artiste anglais. Il est devenu célèbre pour ses peintures, principalement d'animaux et de paysages de campagne.
Il a été le premier artiste autodidacte vivant à avoir une toile accrochée à la Tate à Londres, intitulée Cat and Mouse.
Gilbert Lujan est un sculpteur et muraliste américain. Il est plus connu dans les milieux professionnels sous le pseudonyme de « Magu ».
L'œuvre de Magu est devenue populaire tout au long des années 1980 et 1990 pour son utilisation d'une imagerie colorée, d'animaux anthropomorphes, d'images de lowrider de tailles outrageusement proportionnées, décorées de motifs indigènes superposés (villes, graffitis), d'installations Dia De Los Muertos, d'autels et de toutes sortes d'emprunts à la culture pop.
Baya Mahieddine (arabe : باية محي الدين) ou Fatima Haddad (arabe : فاطمة حداد) était une artiste algérienne surtout connue pour ses peintures vibrantes et colorées qui présentaient souvent des formes et des figures audacieuses. À l'âge de seize ans, Baya a eu sa première exposition à Paris, où elle a été remarquée par des artistes renommés tels que Pablo Picasso et André Breton.
L'œuvre de Baya est souvent associée au surréalisme, car elle a été fortement influencée par Breton et d'autres artistes surréalistes. Cependant, elle s'est également inspirée de l'art et de la culture traditionnels algériens, incorporant des éléments tels que la calligraphie et les motifs géométriques dans son travail.
Tout au long de sa carrière, les œuvres de Baya ont été exposées en Algérie et en France, et elle a été largement saluée par la critique pour son style unique et son approche de la peinture. Outre ses peintures, elle a également créé des tapisseries, des céramiques et d'autres œuvres d'art.
Salomon "Sal" Meijer était un peintre hollandais, principalement connu pour ses peintures de chats et ses vues sur la ville d'Amsterdam. Des œuvres de Meijer sont exposées au Musée historique juif et au musée du chat Kattenkabinet à Amsterdam, entre autres. Dans sa jeunesse, il a travaillé dans l'industrie du diamant tout en étudiant l'art. Il se consacre à plein temps à la peinture en 1914. Sa première exposition personnelle remonte à 1926. L'œuvre de Meijer fait partie de l'exposition et de la vente de 1939 Onze Kunst van Heden (Notre art d'aujourd'hui) au Rijksmuseum d'Amsterdam. En raison de la simplicité des peintures de Meijer et de son attitude modeste - il ne considérait pas ses peintures comme des œuvres d'art mais comme de l'artisanat - son travail était souvent qualifié de "naïf" et de "primitif". Cependant, une réévaluation de son travail a commencé en 1957 avec l'article de Kasper Niehuis.
María del Carmen Mondragón Valseca, également connue sous le nom de plume de Nahui Olin (asst. Nahui Olin) était une artiste, un mannequin et une poétesse mexicaine.
Carmen Mondragon était associée au mouvement d'avant-garde, connue pour son style de vie non conventionnel et son franc-parler. Ses contributions au modernisme mexicain et son rôle de muse auprès d'artistes et d'écrivains célèbres ont renforcé son statut d'icône culturelle.
La vie personnelle et les relations de Nahua Olin étaient tout aussi peu conventionnelles. Elle a eu des liaisons avec des artistes célèbres, dont Diego Rivera et Gerardo Murillo (Dr Atl), qui ont influencé son expression artistique et sa vision du monde. Son exploration de l'amour, du désir et de l'identité à travers son art et ses expériences personnelles a fait d'elle un symbole de l'émancipation féminine et de la libération sexuelle.
Sœur Gertrude Morgan était une artiste, musicienne, poète et prédicatrice afro-américaine autodidacte. Sœur Morgan a été acclamée par la critique de son vivant pour ses peintures d'art populaire. Son travail a été inclus dans de nombreuses expositions révolutionnaires d'art visionnaire et folklorique à partir des années 1970.
Comme d'autres artistes autodidactes, Sœur Morgan utilise des formes simples pour représenter la figure humaine. Ses œuvres se caractérisent par l'absence d'utilisation de techniques formelles telles que la perspective et la définition de la lumière et de l'ombre, ce qui leur donne une qualité plate et bidimensionnelle. Elle peint et dessine à l'aide d'acrylique, de détrempe, de stylo à bille, d'aquarelle, de crayon, de crayons de couleur et de plomb et de marqueurs à pointe feutre. Utilisant des matériaux bon marché qu'elle avait sous la main, Sœur Morgan a peint sur du papier, des rouleaux de papier toilette, des pichets en plastique, des mégaphones en papier, des chutes de bois, des abat-jour, des ventilateurs en papier et des plateaux en polystyrène. Le fait qu'elle soit autodidacte, son choix de matériaux, son style et ses sujets l'ont fait qualifier d'artiste naïve, folklorique, visionnaire, vernaculaire et marginale.
Curt Mühlenhaupt était un artiste allemand. Figure importante de la scène artistique berlinoise de l'après-Seconde Guerre mondiale, il est connu pour son style particulier, qui combine des éléments d'art figuratif et d'art abstrait.
L'œuvre de Mühlenhaupt dépeint souvent la vie quotidienne des Berlinois, en particulier ceux qui vivent dans les quartiers populaires de la ville. Il s'intéressait au contraste entre les aspects délabrés et sordides de la ville et la résilience et l'humour de ses habitants. Ses peintures et ses dessins se caractérisent par des coups de pinceau audacieux et épais et une utilisation vibrante de la couleur.
Outre ses peintures et ses dessins, Mühlenhaupt était également connu pour son travail dans d'autres domaines, tels que la gravure et la photographie. Artiste prolifique, il a produit un grand nombre d'œuvres au cours de sa carrière.
Aujourd'hui, les œuvres de Mühlenhaupt sont conservées dans des collections du monde entier, notamment à la Berlinische Galerie et au Museum of Modern Art de New York.
István Pekáry est un peintre, graphiste, scénographe et designer textile hongrois.
István a été formé à l'Académie des beaux-arts de Budapest, puis a étudié à Rome pendant plusieurs années. Il peint à l'huile, conçoit des tapisseries, des décors et des fresques. En 1936, Pekary fonde un atelier de tissage à Buda, où il crée des tapisseries inspirées de l'art populaire. Entre 1933 et 1962, en Hongrie et à l'étranger, il conçoit des décors et des costumes pour plusieurs productions théâtrales et lyriques (Théâtre municipal, Théâtre national, Théâtre Schiller à Berlin, Teatro del Opera à Rome ; Staatsoper à Vienne).
L'œuvre d'Istvan Pekary se caractérise par la naïveté délibérée du monde des contes de fées. Cependant, cette primitivité délibérée n'est pas une influence superficielle du folklore, mais trouve ses racines dans l'exploration de l'art populaire par l'artiste. La technique d'utilisation des couleurs est caractéristique de la peinture à la coquille d'œuf.
Horace Pippin était un artiste afro-américain du deuxième quart du vingtième siècle. Il était connu comme un artiste autodidacte qui peignait dans le style de l'art naïf.
Pippin a peint une grande variété de genres, des paysages et des natures mortes aux sujets bibliques et aux déclarations politiques. Certaines de ses œuvres s'inspirent d'expériences militaires et familiales personnelles, avec des sujets inspirés par le service de Pippin dans l'armée pendant la Première Guerre mondiale et l'histoire de l'esclavage et de la ségrégation raciale aux États-Unis.
Niko Pirosmani était un peintre primitiviste géorgien, reconnu pour sa simplicité enfantine et la naïveté de ses sujets et de sa technique. Orphelin dès son jeune âge, il s'est auto-formé à la peinture, créant sa propre huile pour peindre et spécialisé dans la peinture directement sur la toile cirée noire. Il a vécu dans la pauvreté mais était toujours prêt à travailler.
Ses peintures étaient influencées par les conditions sociales de son époque et de son lieu, avec des œuvres représentant des marchands, des artisans, des travailleurs et des groupes de nobles. Pirosmani était passionné par la nature et la vie rurale, et il a rarement représenté des paysages urbains, préférant les animaux et la vie quotidienne des Géorgiens ordinaires.
Après sa mort lors de la pandémie de grippe de 1918, Pirosmani a acquis une réputation internationale et est devenu admiré en tant que peintre "naïf" à Paris et ailleurs. Ses œuvres ont été représentées lors de la première grande exposition de peintres géorgiens en 1918. Aujourd'hui, 146 de ses œuvres sont exposées au Musée d'art de Géorgie et seize tableaux au Musée historico-ethnographique de Sighnaghi.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art de Pirosmani, nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à cet artiste exceptionnel. Nous vous promettons des communications soigneusement sélectionnées et pertinentes.
Maria Primatchenko (еn russe: Мария Авксентьевна Примаче́нко) était une artiste soviétique et ukrainienne du XXe siècle. Elle est connue comme une brillante représentante du primitivisme. Autodidacte, Maria Primatchenko a peint plus de 800 tableaux au cours de sa longue vie.
Maria Primatchenko s'est inspirée du folklore et a imprégné ses œuvres d'un contenu symbolique. Elle a obtenu très tôt une reconnaissance internationale, mais a refusé de s'installer dans la capitale et a vécu toute sa vie dans son village natal. Outre la peinture, elle aimait la broderie et la céramique, ainsi que l'illustration de livres d'écrivains et de poètes ukrainiens.
L'artiste du peuple avait les faveurs du gouvernement. Elle a reçu de nombreux titres honorifiques, ordres et médailles. Elle a reçu la visite de nombreux acteurs culturels de premier plan et ses peintures ont été régulièrement exposées dans le cadre d'expositions internationales. La plupart des peintures de Primatchenko sont aujourd'hui conservées au musée national de l'art folklorique décoratif ukrainien.
Jaune Quick-to-See Smith est une artiste visuelle et une conservatrice de musée amérindienne.
Elle est aussi éducatrice en art, défenseure de l'art et activiste politique. Elle a été prolifique au cours de sa longue carrière, et son travail s'inspire d'une vision du monde autochtone et commente l'identité amérindienne, les histoires d'oppression et les questions environnementales.
Au milieu des années 1970, Smith s'est fait connaître en tant que peintre et graveuse, puis elle a fait évoluer son style et sa technique vers le collage, le dessin et les techniques mixtes. Ses œuvres ont été largement exposées et nombre d'entre elles figurent dans les collections permanentes d'importants musées d'art, ainsi qu'au Nouveau-Mexique, dans un paysage qui a continuellement été l'une de ses plus grandes sources d'inspiration.
Eun Nim Ro est une artiste sud-coréenne qui a travaillé en Allemagne.
Elle s'est installée en Allemagne en tant qu'infirmière en 1970, où elle a eu l'occasion d'exposer ses premières œuvres et de recevoir une formation artistique. Eun Nim Ro a développé un style de peinture intuitif qui combine les dessins coréens au pinceau et à l'encre avec l'expressivité de l'art occidental. Des signes naïfs de poissons, d'oiseaux, d'arbres et de figures humaines sont devenus les symboles de l'artiste. Le travail créatif d'Eun Nim Ro ne se limite pas à la peinture, elle a également travaillé dans d'autres disciplines telles que la performance, la calligraphie, la peinture, la céramique ou l'installation. Elle a notamment conçu les fenêtres de l'église St Johannes à Altona, ainsi que des murs lumineux pour des bâtiments gouvernementaux à Séoul. En 1990, Eun Nim Ro est devenue professeur à l'université des sciences appliquées de Hambourg.
En 1995, l'artiste est devenue citoyenne d'honneur de Séoul et, en 2015, elle a également reçu le titre de professeur en Corée.
Chris Roberts-Antieau est une artiste américaine de la fibre basée dans le Michigan. Elle caractérise son travail comme des "peintures sur tissu", composées d'appliqués et de broderies. Elle dessine également, peint et produit des œuvres multimédias.
Henri Rousseau, né le 21 mai 1844 à Laval en France, est un peintre français dont l'art est souvent associé au post-impressionnisme et au style naïf. Reconnu pour ses tableaux vivement colorés et détaillés dépeignant des jungles luxuriantes et des bêtes sauvages, Rousseau est devenu une figure emblématique de l'art moderne naïf.
Bien qu'il ait commencé sa carrière artistique plus tard dans la vie, Rousseau a exposé régulièrement au Salon des Indépendants dès 1886. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent "La Bohémienne endormie" (1897), "Le Lion affamé se jetant sur l'antilope" (1905), et "La Charmeuse de serpents" (1907), cette dernière ayant été commandée par la mère de l'artiste Robert Delaunay. Son style unique a captivé des contemporains comme Pablo Picasso, qui a organisé un banquet en son honneur en 1908, événement considéré comme significatif dans le mouvement artistique de l'époque.
Rousseau a également peint des paysages urbains et suburbains, offrant une vision tranquille et cultivée de Paris et ses environs, en contraste avec l'exotisme chargé d'émotion de ses jungles. Il a exprimé sa fierté nationale à travers des œuvres allégoriques, comme "La Guerre" (1894) et "Les Représentants des puissances étrangères venant saluer la République comme signe de paix" (1907), tout en cherchant la reconnaissance des autorités culturelles de son époque.
Après sa retraite de l'octroi de Paris en 1893, où il était surnommé "Le Douanier", Rousseau a complété son maigre revenu de retraite par des petits boulots, y compris en jouant du violon dans les rues. Il est décédé le 2 septembre 1910 à Paris, laissant derrière lui un héritage artistique influent et distinct.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de Rousseau offre une fenêtre fascinante sur l'innovation et l'originalité au sein de l'art moderne. Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes et événements d'enchères liés à Henri Rousseau, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ce sujet.
Nellie Mae Rowe était une artiste afro-américaine du comté de Fayette, en Géorgie. Bien qu'elle soit surtout connue aujourd'hui pour ses œuvres colorées sur papier, Rowe a travaillé sur plusieurs supports, créant des dessins, des collages, des photographies retouchées, des poupées cousues main, des installations domestiques et des environnements sculpturaux. On a dit d'elle qu'elle avait une "compréhension instinctive de la relation entre la couleur et la forme". Son travail porte sur la race, le genre, la domesticité, le folklore afro-américain et les traditions spirituelles.
Sava Sekulić était un peintre naïf serbo-croate.
Sava Sekulić a commencé à peindre dans un style très réaliste les paysages et les personnages de sa région natale. Il a évolué par la suite vers des compositions où l'imagination joue un rôle beaucoup plus grand.
Tommy Wayne Cannon, également connu sous le nom de T. C. Cannon, était un artiste amérindien du XXe siècle.
Dans son œuvre, T. C. Cannon a souvent abordé les thèmes de l'identité et de la culture amérindiennes, ainsi que l'impact de la colonisation. Dans ses peintures et ses gravures, il transmet de puissants messages d'importance sociale et politique.
Les œuvres de Cannon se caractérisent par des couleurs vives, des compositions audacieuses et des récits profonds, laissant une marque indélébile sur le monde de l'art.
Ernesto Tatafiore est un artiste italien, l'un des précurseurs de la Transavantgarde italienne qui a émergé au début des années 1980.
Naples, où se trouve l'atelier de Tatafiore et qui est un lieu de prédilection pour son travail, a une influence décisive sur son œuvre. Le Vésuve est une image obsessionnelle de l'artiste et une source d'inspiration. Le thème de la Révolution française est également récurrent dans son œuvre.
Francisco Benjamín López Toledo est un peintre et sculpteur mexicain.
Francisco Toledo s'inspire de la culture précolombienne, et la revisite avec modernité. Il a su croiser les traditions artistiques de l'Europe de l'Ouest avec celles de son pays natal.
William (Bill) Traylor était un artiste autodidacte afro-américain du comté de Lowndes en Alabama. Né esclave, Traylor fut métayer pendant la plus grande partie de sa vie après la proclamation d'émancipation. Ce n'est qu'après 1939, après son déménagement à Montgomery, en Alabama, que Traylor a commencé à dessiner. À 85 ans, il utilisa un crayon et un morceau de carton pour documenter ses souvenirs et ses observations. De 1939 à 1942, alors qu'il travaillait sur les trottoirs de Montgomery, Traylor a produit près de 1.500 œuvres d'art.
Alors que les œuvres de Traylor furent exposés publiquement pour la première fois en 1940, ce n'est qu'à la fin des années 1970, trente ans après sa mort, que son travail a commencé à recevoir une attention plus large. L'acceptation récente de Traylor en tant que figure importante du folklore américain et de l'art moderne est due aux efforts de Charles Shannon, ainsi qu'à une évolution des goûts du monde de l'art. Shannon, qui a découvert l'œuvre de Traylor pour la première fois en 1940, a attiré l'attention du monde de l'art sur Taylor. Depuis lors, la perception publique et universitaire de la vie et du travail de Bill Traylor est en constante évolution. D'abord présenté comme un exemple d'art «primitif» ou «brut», Traylor occupe désormais une position centrale dans les domaines de l'art «autodidacte» et de l'art moderne.
Miguel García Vivancos était un peintre naïf et anarchiste espagnol. Il était membre de la Confédération nationale du travail (en espagnol : Confederación Nacional del Trabajo, CNT), pendant la guerre civile espagnole, il a commandé plusieurs unités militaires. Avec la défaite de la République, il s'exile, où il développe une carrière de peintre. Il était artistiquement connu sous son deuxième nom de famille.
Raymond-Émile Waydelich est un artiste français.
Raymond Waydelich a représenté la France à la biennale de Venise en 1978. Son travail porte principalement sur le temps et la mémoire, en particulier la «mémoire du futur» et les traces de notre civilisation que découvriront et interpréteront les archéologues du futur. Ce travail se focalise sur l'objet, sa transformation anticipée sous l'action du temps ou encore sa préservation pour traverser les âges (des pneus recréés en céramique, une cabane de jardin coulée en bronze, des objets scellés dans un caveau près de la cathédrale de Strasbourg, à n'ouvrir qu'en 3790, le «Caveau du futur».
George Widener est un artiste autodidacte qui utilise ses capacités mathématiques/calculatrices pour créer des œuvres allant de calendriers complexes et de palindromes numériques à des paysages anciens dignes de Rembrandt, en passant par des rouleaux asiatiques.
Les œuvres de Widener figurent dans de nombreuses collections privées et publiques d'art brut, notamment la collection ABCD de Bruno Decharme à Paris, l'American Folk Art Museum, la collection d'art de l'UC Davis M.I.N.D. Institute et la collection de l'art brut.
