Photographes Portrait
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Slim Aarons, né George Allen Aarons, était un photographe américain connu pour ses photographies de la "belle vie" de la haute société, des célébrités, des stars de cinéma et d'autres célébrités.
Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Manuel Álvarez Bravo était un photographe visionnaire mexicain dont l'œuvre illustre de manière saisissante l'héritage culturel de l'Amérique latine. Son point de vue unique sur la vie et ses superbes compétences photographiques ont inspiré des générations de photographes dans le monde entier.
Alvarez Bravo était connu pour ses expérimentations sur la lumière et les ombres, la composition et la forme. Ses photographies surréalistes sont souvent empreintes de mystère et d'énigme, tout en reflétant les difficultés et les contradictions de la société mexicaine de la première moitié du XXe siècle.
L'œuvre d'Alvarez Bravo associe merveilleusement la beauté esthétique à un contexte social profond. Son œuvre n'est pas seulement une source d'inspiration par sa beauté, mais aussi un rappel de l'importance de la préservation du patrimoine culturel et de l'histoire des peuples.
Diane Arbus est une photographe de rue américaine.
Elle reste célèbre pour ses portraits de rue effectués au reflex 6x6 bi-objectifs équipé d’une torche à lampes flash au magnésium de forte puissance, sa photographie des Jumelles identiques et celle de l’Enfant à la grenade dans Central Park.
Elle a aussi réalisé un projet sur une communauté de personnes handicapées mentales.
Ellen Auerbach, née Ellen Rosenberg, est une photographe américaine d'origine juive allemande et un maître de la photographie d'avant-garde.
Ellen a étudié à l'école d'art de l'État de Baden et a poursuivi ses études à l'Académie des beaux-arts de Stuttgart avant de rencontrer la photographe Greta Stern (1904-1999) à Berlin. Ensemble, elles ont ouvert Ringl+pit, un studio de photographie et de design spécialisé dans la publicité, la mode et le portrait. La photographe est surtout connue pour son travail de pionnière dans ce studio. Ellen, qui a également expérimenté le cinéma, a réalisé deux courts métrages en noir et blanc.
En 1933, Ellen émigre en Palestine et y ouvre un studio de portraits d'enfants. Quelques années plus tard, elle s'installe avec son mari Walter Auerbach aux États-Unis, où elle travaille dans une collection d'art privée, enseigne la photographie, réalise des films et des photographies pour étudier le comportement des enfants et travaille comme thérapeute pédagogique.
Les œuvres Ringl+pit et l'œuvre photographique d'Ellen Auerbach et de Greta Stern ont été redécouvertes dans les années 1980 et ont donné lieu à une série d'expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Allemagne.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
Roger Ballen est un photographe américain et sud-africain qui vit et travaille à Johannesburg.
Roger Ballen a étudié la psychologie à l'université de Californie, à Berkeley, et cette spécialité l'aide à mieux comprendre et explorer le monde qui l'entoure. Ses voyages à travers le monde l'ont amené en Afrique du Sud, qui est devenue sa nouvelle patrie.
Roger Ballen est l'un des derniers photographes à travailler exclusivement en noir et blanc, s'approchant ainsi des formes de minimalisme.
Bernhard Johannes Blume est un photographe d'art allemand.
Bernhard Blume et sa femme Anna Blume ont réalisé de nombreuses photographies noir et blanc mises en scène, auxquelles ils ont eux-mêmes participé. Ils sont considérés comme les pionniers de la photographie mise en scène.
Jósef Borsos est un portraitiste et photographe hongrois.
Borsos a étudié l'art à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Il a peint des portraits de personnages historiques, mais s'est surtout fait connaître pour ses peintures de genre dans le style Biedermeier.
George Hendrik Breitner est un peintre impressionniste néerlandais.
Adepte du japonisme il réalise en 1893-1894 sa Série des filles en kimono, représentant Geesje Kwak, son modèle préféré, en ayant recours à ses propres photographies.
Il aurait eu une influence sur Piet Mondrian et Van Gogh.
Deux de ses toiles se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Johannes Brus est un artiste allemand. Il vit à Essen.
Brus travaille principalement comme sculpteur et comme photographe. Il expérimente différentes techniques qui lui permettent de briser les conventions de chaque genre. Nombre de ses œuvres se caractérisent par un humour singulier. Brus aborde les aspects de la mémoire culturelle et des fonctions des images.
Harry Callahan était un photographe et un artiste américain surtout connu pour son travail novateur et expérimental au milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière artistique en tant que peintre avant de se tourner vers la photographie.
L'œuvre photographique de Callahan se caractérise par son intérêt pour l'abstraction, les motifs et les formes. Il a souvent photographié des objets et des scènes de la vie quotidienne, tels que des panneaux de signalisation, des bâtiments et des paysages, et a utilisé son appareil photo pour explorer la beauté et la complexité du monde qui l'entoure.
Callahan était également connu pour son travail d'enseignant, et il a enseigné la photographie à la Rhode Island School of Design pendant de nombreuses années. Parmi ses élèves figuraient des photographes de renom tels qu'Aaron Siskind et Ray K. Metzker, et il était connu pour son approche rigoureuse et stimulante de l'enseignement.
L'héritage de Callahan en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer la photographie et l'art contemporains. Ses techniques innovantes et son style distinctif continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, et son œuvre est reconnue comme une contribution significative à l'histoire de la photographie.
Gitta Carell est le nom professionnel de Gitta Klein, une photographe italienne naturalisée, née en Hongrie, qui a connu la gloire entre 1930 et 1950. Connue pour ses portraits, elle était la photographe préférée de l'aristocratie et, malgré ses origines juives, elle a contribué à créer les images utilisées dans la propagande fasciste. Après la chute de Mussolini, elle est restée en Italie, bien que sa sphère d'influence ait considérablement diminué. À la fin des années 1960, elle a émigré en Israël, où elle est morte dans l'obscurité. Ses archives, conservées par la Fondation 3M, ont fait l'objet de nombreuses tournées en Europe et, au XXIe siècle, un regain d'intérêt s'est manifesté pour l'appréciation de ses compétences de technicienne.
Pegg Clarke était une photographe professionnelle australienne de mode, de portrait, d'architecture et de société dont le travail, fréquemment publié dans des magazines, était qualifié par l'historien Jack Cato de « la plus haute qualité ». Son travail a figuré dans d'éminents magazines australiens du début du XXe siècle. À la fin de la Première Guerre mondiale, Clarke était considéré comme l'un des principaux photographes de Melbourne. Elle était respectée pour ses photographies de mode, ses portraits de la haute société allemande, en particulier des débutantes et des mariées et leurs portraits de célébrités en visite. Clarke n'a pas été formée à la National Gallery School, bien qu'elle dessine et photographie, mais a été impliquée dans la Melbourne Society of Women Painters and Sculptors. Dans son travail personnel, principalement de paysage, Pegg était une pictorialiste.
Lucien Clergue est un photographe français de la photographie en noir et blanc, premier photographe à être élu membre de l'Académie française des beaux-arts.
Lucien Clergue est l'un des photographes les plus célèbres de France et le fondateur du festival annuel d'Arles, qui est devenu un événement majeur dans le monde de la photographie d'art avec jusqu'à 100 000 participants. Ses œuvres photographiques renommées - études modernistes en noir et blanc de nus féminins, d'arlequins, d'animaux morts, de gitans et de tauromachie - sont considérées comme exemplaires de l'artiste photographe. Clergue est également connu pour son amitié avec Pablo Picasso, qui a duré une trentaine d'années, jusqu'à la mort de l'artiste.
Fabrizio Clerici était un peintre, dessinateur, illustrateur, scénographe et architecte italien.
Clerici a obtenu un diplôme d'architecte et a été fortement influencé par les monuments antiques, la peinture et l'architecture de la Renaissance et du Baroque. En 1943, Clerici a organisé sa première exposition personnelle à la Galleria dell'Arte Cairola de Milan, présentant des dessins, des aquarelles, des lithographies et des gravures. Ses premières illustrations de livres datent de la même époque.
En 1947, Clerici entame une carrière prolifique au théâtre, au ballet et à l'opéra en faisant ses débuts en tant que décorateur dans une production de la pièce de George Bernard Shaw, Mrs Warren's Profession. L'année suivante, il participe pour la première fois à la Biennale de Venise. Il y rencontre Salvador Dalí et conçoit les décors et les costumes d'Orphée d'Igor Stravinsky au théâtre La Fenice. En 1949, il réalise de grandes peintures architecturales fantaisistes.
La suite de la vie de l'artiste aux multiples facettes Fabrizio Clerici a été riche en travaux dans les domaines artistiques les plus divers, en succès créatifs et en expositions. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées aux États-Unis, dont le MoMA et le musée Guggenheim, ainsi qu'en France, notamment au Centre Pompidou.
Imogen Cunningham était une photographe professionnelle portraitiste américaine. Elle a vécu et travaillé à San Francisco.
Féministe militante — pour elle, la photographie est un métier — c'est une figure de proue de la photographie américaine du ХХe siècle, à l’œuvre vaste et diversifiée.
Sa carrière s’étend sur plus de 70 ans. Pour chaque décennie, Imogen Cunningham adapte son art aux attentes et aux défis de celles-ci.
Frans Deutman est un artiste néerlandais. Diplômé de l'Académie des arts d'Anvers, il est l'élève de Charles Verlat. Il a appartenu à l'école de peinture de Laren, dans le prolongement direct de l'école de La Haye.
Frans Deutman est connu pour ses portraits et ses figures d'intérieur.
Philip-Lorca diCorcia est un photographe et artiste américain. Il est connu pour ses photographies mises en scène et cinématographiques qui brouillent souvent la frontière entre la réalité et la fiction.
Le travail de DiCorcia se caractérise par l'utilisation de décors et d'éclairages élaborés, qu'il utilise pour créer des images à la fois belles et troublantes. Bon nombre de ses photographies mettent en scène des personnes ordinaires, et il utilise souvent des étrangers comme sujets, ce qui renforce le sentiment de mystère et de voyeurisme dans son travail.
DiCorcia a reçu de nombreux prix et son travail a été exposé dans des galeries et des musées du monde entier. Il a également été chargé de créer des photographies pour un large éventail de clients, notamment des magazines de mode et des campagnes publicitaires.
L'héritage de DiCorcia en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer les nouvelles générations d'artistes. Ses techniques innovantes et son approche de la photographie ont contribué à redéfinir le médium et ont eu un impact significatif sur l'art et la culture contemporains.
Ivan Ossipovitch Doudine (en russe : Иван Осипович Дудин) était un peintre et enseignant russe, né le 19 janvier 1867 à Moscou et décédé le 4 avril 1924 dans la même ville. Il est reconnu pour ses contributions à l'école moscovite de peinture et son influence sur de nombreux artistes.
Doudine était célèbre pour ses paysages, ses portraits et ses scènes de genre. Ses œuvres sont caractérisées par une utilisation habile des couleurs et une attention particulière aux détails, ce qui les rendait très vivantes et expressives.
Ses peintures sont exposées dans des musées prestigieux tels que la Galerie Tretiakov et les musées de Irkoutsk, Kirov, et Krasnodar. Doudine a également enseigné à de futurs grands artistes, contribuant ainsi à la richesse de la culture artistique russe.
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Marcel Duchamp était un artiste français révolutionnaire, reconnu pour ses contributions significatives à l'art et à la culture. Spécialisé en peinture et en sculpture, il est surtout célèbre pour avoir remis en question les conventions de l'art avec ses œuvres d'art ready-made, qui ont profondément influencé le développement de l'art du 20e siècle.
Né en 1887, Duchamp s'est rapidement éloigné des styles traditionnels de peinture pour explorer des idées plus conceptuelles. Son œuvre la plus connue, "La Fontaine" (1917), un urinoir signé R. Mutt, a changé la perception de ce qui peut être considéré comme de l'art, introduisant l'idée que le choix de l'artiste confère à un objet sa signification artistique. Cette pièce reste un pilier de l'art moderne et est un exemple précoce de ce que nous appelons aujourd'hui l'art conceptuel.
Duchamp est également connu pour ses contributions au mouvement Dada, qui remettait en question les normes et les conventions de l'art et de la société à travers des œuvres provocatrices et avant-gardistes. Ses idées et son approche ont ouvert la voie à de nombreux mouvements artistiques qui ont suivi, y compris le surréalisme et le pop art.
Ses œuvres sont exposées dans les plus grands musées du monde, notamment au Musée d'Art Moderne de New York et au Centre Pompidou à Paris. Pour ceux qui sont passionnés par l'art et souhaitent découvrir les œuvres qui ont défié et redéfini l'art du 20e siècle, Marcel Duchamp demeure une figure incontournable.
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Jeanne Dunning est une photographe américaine dont le travail est centré sur la corporéité et la physicalité humaine sous des formes abstraites. Dunning a obtenu son baccalauréat ès arts de l'Oberlin College et sa maîtrise en beaux-arts de la School of the Art Institute of Chicago. De là, elle a ouvert sa première exposition à la Feature Gallery de Chicago en 1987. Au début des années 1990, Dunning a créé une série de photographies pour une exposition intitulée "Directions" qui visait à brouiller les lignes entre réalité et fiction. L'exposition était exposée au Hirshhorn Museum de Washington. Le travail de Dunning fait partie des collections permanentes de l'Art Institute of Chicago, du Whitney Museum of American Art, du Museum of Contemporary Art de Chicago, du Museum of Contemporary Photography et du Museum of Modern Art de New York.
Thomas Cowperthwaite Eakins était un peintre réaliste américain, né et décédé à Philadelphie (1844–1916). Reconnu pour sa contribution majeure au réalisme américain, Eakins a souvent peint des portraits de ses amis et des scènes de sports en plein air, comme l'aviron et la natation. Son œuvre la plus célèbre, The Gross Clinic (1875), illustre une opération chirurgicale et a été critiquée pour son réalisme franc lors de sa première exposition.
Eakins a étudié en Europe avant de revenir à Philadelphie où il a enseigné à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, transformant l'institution en une école d'art de premier plan aux États-Unis. Cependant, ses méthodes d'enseignement, en particulier son utilisation de nus pour l'enseignement anatomique, ont provoqué des controverses, conduisant à sa démission forcée en 1886.
Après sa carrière académique, Eakins s'est concentré presque exclusivement sur le portrait, peignant des amis et des connaissances dans un style qui mettait en avant une honnêteté investigatrice. En dépit de la rareté des commandes, ses portraits restent des témoignages puissants de sa quête d'une représentation précise de la forme humaine.
Eakins est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands artistes américains, avec des œuvres majeures présentes dans des institutions telles que le Metropolitan Museum of Art à New York et la Pennsylvania Academy of the Fine Arts.
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Natalia Edenmont (еn russe: Наталия Эденмонт), née Natalie Nicole Edenmont (Натали Николь Эденмонт), artiste photo-basée suédo-ukrainienne, est née le 7 février 1970 à Yalta, en Union soviétique. Après avoir étudié l'art, la musique et la danse à Yalta, et malgré le décès de ses parents durant son adolescence, elle poursuit ses études à l'École d'Art de Kiev et à l'École d'Art d'État de Simferopol en Crimée. En 1991, elle déménage à Stockholm, en Suède, où elle étudie le design graphique à Forsbergs Skola.
Nathalia Edenmont est particulièrement connue pour ses portraits peints rappelant les œuvres classiques, mais elle se distingue surtout par l'utilisation d'animaux morts et de parties d'animaux dans ses photographies. Ses travaux, qui reflètent ses expériences personnelles, sont caractérisés par une maîtrise de l'imagerie et de l'inspiration, où elle crée des images complètes et précises dans son esprit avant de les capturer avec son appareil photo. Ses images de femmes vêtues de robes composées de fruits, de fleurs, et plus récemment de coléoptères aux couleurs éclatantes et iridescentes, sont particulièrement notables.
Ses œuvres ont été exposées à travers l'Europe et les États-Unis et figurent dans des collections privées et publiques mondiales, y compris le Modern Museum Stockholm, le Miami Art Museum et le Moscow House of Photography Museum. La télévision publique suédoise a diffusé un documentaire d'une heure sur Edenmont et son travail en février 2014.
Les collectionneurs et les experts en art apprécieront la profondeur et l'unicité de son approche artistique, ainsi que la manière dont elle intègre des éléments naturels et organiques dans ses créations.
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Johannes Hinderikus Egenberger était un peintre, photographe et éducateur artistique néerlandais. De 1840 à 1848, il étudie à l'Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam avec Jan Willem Pieneman. Au cours de ces années, il s'est concentré sur la peinture de scènes de l'histoire néerlandaise. En 1854, il collabore avec Barend Wijnveld pour produire une toile massive représentant la défense héroïque de Haarlem menée par Kenau Hasselaer en 1573. Plus tard, il se tournera vers des paysages, des scènes domestiques et des portraits, dont une série pour la Rijksuniversiteit. En 1857, il est nommé directeur de l'Académie Minerve de Groningue. En plus de son travail là-bas, il devient photographe et, en 1864, ouvre le premier studio de photographie à Groningue. L'année suivante, il démissionne de son poste de directeur pour se consacrer entièrement à la photographie.
Walker Evans est un photographe documentaire américain.
Promoteur d'une photographie vernaculaire, figure majeure de la photographie américaine du ХХe siècle, Walker Evans conservera de sa vocation littéraire le souci d'un regard attentif sur les villes et sur ceux qui y vivent.
Par sa portée humaniste et documentaire, l'œuvre qui marque très tôt sa différence avec les courants contemporains saura influencer toute une génération.
Tom Fabritius est un peintre et graphiste allemand qui vit et travaille à Leipzig. Il est un représentant de ce que l'on appelle la nouvelle école de Leipzig.
Tom a étudié la peinture et le dessin à l'Académie des arts visuels de Leipzig. En 2002, il a cofondé la galerie de production LIGA à Berlin-Mitte. Tom Fabritius peint dans une grande variété de genres, car il trouve ses motifs dans le flux d'images de la télévision. Il passe d'un programme à l'autre et capture rapidement et intuitivement des moments d'images individuels avec son appareil photo. Dans cette collection, il sélectionne des images individuelles qu'il peint ensuite à l'aquarelle.
Audrey L. Flack est une peintre et sculptrice américaine. Elle est une figure majeure du photoréalisme. Dans les années 1950 et 1960, elle réalise des œuvres abstraites. Dans les années 1970, elle se tourne vers l'hyperréalisme et le photoréalisme. Seule artiste femme du photoréalisme, elle explore les sujets féminins. Son travail est empli d'humanisme et d'émotions. Pour ses œuvres sur la seconde guerre mondiale, elle fait référence aux vanités de la peinture baroque et place des objets de la sphère féminine : plateaux d'argent, fruits, fleurs, bijoux, pâtisseries. Ces œuvres sont critiquées pour leur contenu féministe. Elle utilise pour ses peintures de natures mortes, des photographies en couleurs qu'elle prend elle-même. Elle fait allusion à la peinture baroque et référence aux œuvres de Tintoretto, Rembrandt, Rubens. À partir de 1983, Audrey Flack se concentre sur la sculpture. Elle s'inspire de la sculpture gréco-romaine, Renaissance, et baroque pour explorer les représentations du pouvoir féminin, à travers des déesses comme Islandia et Athéna ou des reines comme Catherine de Bragance.
Tsugouharu Foujita était un artiste français du XXe siècle d'origine japonaise. Il est connu pour son style unique, combinant des éléments de la peinture et de la gravure japonaises avec le réalisme européen.
Foujita a créé un large éventail d'œuvres dans des genres variés, notamment des nus, des images de chats, des portraits de femmes et d'enfants et des autoportraits. Plus tard, il s'est converti au catholicisme et a commencé à peindre des tableaux sur des thèmes religieux. L'artiste était internationalement reconnu et ses œuvres ont été exposées dans de nombreux pays du monde. Son œuvre se caractérise par la perfection de la technique picturale, la virtuosité du dessin et une atmosphère de raffinement. Le maître a également fait preuve de talent dans les domaines du graphisme, de la photographie, de la céramique, du théâtre, du cinéma et du stylisme. Les prix de ses peintures étaient comparables à ceux des œuvres de Picasso.
LaToya Ruby Frazier est une artiste américaine, qui utilise divers médias comme la photographie, la vidéo, la performance et l'installation pour explorer les thèmes de la justice sociale, du changement culturel et de l'expérience américaine. Son travail s'inscrit dans la tradition du documentaire social et de la photographie conceptuelle, s'attaquant à des questions urgentes liées à la vie quotidienne.
La série emblématique de Frazier, « The Notion of Family », explore l'impact de la dégradation environnementale et économique des villes ouvrières sur sa famille à Braddock. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses institutions aux États-Unis et en Europe et font partie de collections publiques prestigieuses comme le Museum of Modern Art à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris. Frazier est lauréate de plusieurs distinctions, dont une bourse de la Fondation MacArthur en 2015.
Son engagement envers les communautés défavorisées est également manifeste dans son travail sur la crise de l'eau à Flint, Michigan, où elle a choisi de mettre en lumière l'humanité et la résilience des habitants face à l'adversité. Frazier s'identifie à des figures influentes comme Gordon Parks, utilisant sa caméra comme une arme pour lutter contre l'injustice et documenter les histoires souvent ignorées des Américains marginalisés.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art et en antiquités et que vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements de vente aux enchères liés à LaToya Ruby Frazier, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra de rester connecté avec l'univers de l'art contemporain et de ne pas manquer les opportunités liées à l'œuvre de Frazier.
Nan Goldin est une photographe américaine née en 1953, célèbre pour son approche documentaire intime et crue de la vie, capturant des scènes de la sous-culture LGBT, d'intimité, et des moments personnels marqués par l'amour, la drogue, et la violence. Après avoir quitté son domicile familial à 13 ans, Goldin a trouvé une nouvelle famille parmi des amis partageant des expériences marginales, documentées notamment dans son œuvre la plus connue, « The Ballad of Sexual Dependency » (1986).
Ses photographies, souvent présentées sous forme de diaporamas, ne se contentent pas de capturer des images; elles racontent des histoires, explorant des thèmes tels que l'amour, le genre, la domesticité et la sexualité. Goldin elle-même voit la photographie comme un moyen d'empathie et d'amour, se concentrant sur les personnes qui l'émeuvent. Ses séries ultérieures élargissent son champ d'intérêt vers des paysages, des ciels, et continuent de refléter des thèmes intimes et personnels.
Son travail a été exposé dans des institutions prestigieuses comme le MoMA, où ses œuvres continuent d'inspirer et de provoquer la réflexion. Goldin vit et travaille actuellement à New York, Paris et Londres, et continue d'être une voix influente dans le monde de l'art et de l'activisme, notamment à travers son groupe de plaidoyer P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now).
Pour ceux intéressés par l'art et l'antiquité, l'œuvre de Goldin offre un aperçu sans pareil de moments de vie capturés avec une sincérité brute. Pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Nan Goldin, n'hésitez pas à vous inscrire à notre newsletter. Cela vous permettra de rester informé sur l'accessibilité et la collecte de ses œuvres.
Doug Hall est un photographe et artiste médiatique américain, qui a reçu une reconnaissance nationale et internationale pour son travail dans une gamme de pratiques, notamment la performance, l'installation, la vidéo et la photographie numérique à grande échelle. Il a été membre du TR Uthco Collective (1970-1978). De 1981 à 2008, il a été membre du corps professoral du département des nouveaux genres du San Francisco Art Institute (SFAI). Après avoir pris sa retraite de la SFAI, il rejoint la faculté Graduate Fine Arts du California College of the Arts (CCA) de 2008 à 2015.
Eberhard Havekost est un peintre allemand.
Havekost a étudié à l'Académie des arts de Dresde. Travaillant à partir de sa propre collection de photographies et de vidéos, il a retravaillé les images originales sur ordinateur : il a légèrement modifié les teintes, subtilement étiré et déformé les formes. Ces transformations ont ensuite été incorporées dans le processus de dessin, et le résultat n'est pas une précision photographique, mais plutôt des moments fugaces de perception abstraite. Havekost a souvent représenté des bâtiments urbains modernistes pour faire référence à la politique d'après-guerre du XXe siècle et aux visions utopiques qui ont échoué. Hafecost a également peint des portraits et des tableaux domestiques.
En 2010, Havekost a été nommé professeur de peinture à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Son travail a été exposé dans les plus grandes institutions allemandes et internationales et est représenté dans de nombreuses collections institutionnelles et privées.
Josef Herman était un artiste graphique polono-britannique, impressionniste et membre de la Royal Academy of Arts. Le style d'Herman était audacieux et distinctif, avec des formes fortes et un minimum de détails. Il est devenu célèbre pour ses représentations de mineurs, de pêcheurs et de fermiers, peignant la beauté modeste et tranquille de la classe ouvrière britannique de l'après-guerre. Herman a également peint des natures mortes et des nus. Ses œuvres sont principalement réalisées à l'encre, à l'aquarelle et au pastel dans des tons sombres.
Lewis W. Hine n'était pas un artiste au sens traditionnel du terme, mais plutôt un photographe et un documentariste social qui utilisait son appareil photo comme outil de changement social. Il est surtout connu pour son travail au début du XXe siècle, qui consistait à documenter les conditions de vie et de travail des enfants aux États-Unis.
Les photographies de Hine ont contribué à faire évoluer les lois sur le travail des enfants aux États-Unis, et ses images ont été utilisées comme preuves dans des procès et lors d'auditions au Congrès. Convaincu que la photographie pouvait être un puissant outil de réforme sociale, il a utilisé son appareil photo pour mettre en lumière les injustices et les difficultés rencontrées par les Américains de la classe ouvrière.
Outre son travail de photographe, Hine était également un enseignant et un défenseur des arts. Il a enseigné à l'Ethical Culture School de New York, où il a encouragé ses élèves à utiliser la photographie comme moyen de commentaire social.
L'héritage de Hine en tant que photographe et activiste social continue d'inspirer des générations d'artistes et de défenseurs de la justice sociale. Ses photographies sont considérées comme un témoignage historique précieux de la vie au début du XXe siècle, et son engagement à utiliser l'art comme moyen de changement social reste un exemple puissant du rôle que les artistes peuvent jouer dans l'évolution de la société.
David Hockney, artiste britannique renommé, est célèbre pour son influence marquante dans le mouvement de l'art pop des années 1960. Spécialisé dans la peinture, le dessin, la gravure et la photographie, Hockney a su capturer l'essence de la culture et de l'art de son époque avec une vivacité et une perspective unique. Sa capacité à jouer avec les perspectives et à intégrer des éléments de la vie quotidienne dans son œuvre a fait de lui une figure emblématique dans le monde de l'art contemporain.
L'une des caractéristiques spéciales de l'œuvre de Hockney est son exploration audacieuse de la couleur et de la lumière, qui transparaît particulièrement dans ses paysages et ses piscines californiennes. Ces œuvres, avec leurs vives palettes de couleurs et leur traitement innovant de l'espace et de la perspective, ont non seulement défini une époque mais continuent d'influencer les artistes contemporains.
Parmi ses œuvres les plus connues, on trouve "A Bigger Splash" et "Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)", qui sont exposées dans des musées de renommée mondiale tels que la Tate Britain à Londres et le Centre Pompidou à Paris. Ces peintures illustrent parfaitement la manière dont Hockney combine technique traditionnelle et approche moderne pour créer des images mémorables et captivantes.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre de David Hockney représente non seulement un investissement de choix mais aussi l'acquisition d'une part de l'histoire de l'art moderne. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et les événements d'enchères liés à David Hockney. Cette inscription est une opportunité unique de rester informé des dernières opportunités de collectionner les œuvres de cet artiste exceptionnel.
Ruth Miriam Hollick était une photographe australienne de portrait et de mode qui était l'un des principaux photographes pictorialistes de Melbourne dans les années 1920. Il est prouvé que Hollick expérimentait la photographie dans une chambre noire à domicile en 1907. L'année suivante, elle s'est installée comme photographe indépendante qui a parcouru les zones rurales de l'État de Victoria, réalisant des portraits de familles, en particulier d'enfants. Elle a travaillé principalement à l'extérieur à la lumière naturelle avec une caméra de terrain. À la Première Guerre mondiale, elle s'était tournée vers la photographie de studio. C'est à cette époque que Hollick a développé une réputation d'utilisation habile de l'éclairage naturel et de studio et de compositions élégantes, plaçant souvent ses sujets sur des arrière-plans unis. Elle s'est spécialisée dans les portraits de personnalités de la société et de célébrités, ainsi que dans la photographie de mode à utiliser dans les publicités.
Elisabeth Hölzl est une artiste, sculptrice et photographe italienne qui vit et travaille à Merano.
Elle a étudié l'histoire de l'art à Innsbruck, puis la sculpture à l'Académie des beaux-arts de Bologne. Dans les années 1990, Elisabeth a présenté au public des sculptures et des installations minimalistes. Plus tard, son travail s'est éloigné de la matière et s'est tourné vers d'autres supports tels que le verre et la lumière. Dans ces œuvres, l'accent n'est plus mis sur les volumes, mais plutôt sur ce qui les rend visibles : la lumière. Ces dernières années, la photographie est devenue le moyen d'expression privilégié de l'artiste et accompagne son travail depuis le début.
Dennis Lee Hopper était bien plus qu'un acteur et réalisateur américain emblématique ; il était aussi un photographe passionné dont le travail a capturé l'essence de diverses cultures et époques.
Sa carrière photographique a débuté dans les années 60, marquant une période où Hopper a exploré les limites de la contre-culture américaine. Ses photos vont au-delà de simples images ; elles racontent des histoires, dévoilant des couches profondes de ses sujets. Le travail photographique de Hopper est une exploration de l'intimité, des célébrités, des mouvements sociaux, et des scènes quotidiennes, capturant l'essence de chaque instant avec authenticité et sensibilité.
Pour les collectionneurs et les connaisseurs d'art, les photographies de Hopper sont un témoignage précieux d'une époque révolue, offrant des perspectives uniques sur des moments et des personnalités qui ont façonné la culture américaine. Ses œuvres photographiques, comme celles présentées dans l'exposition « The Lost Album », révèlent un artiste qui a su immortaliser l'esprit de son temps avec un regard sincère et une approche brute.
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