Photographes Art contemporain
Herb Ritts est un photographe de mode américain. Il est particulièrement célèbre pour ses photos en noir et blanc et ses portraits inspirés de la sculpture grecque classique. Quelques-unes de ses photos les plus célèbres sont des nus d'hommes et de femmes.
Berenice Alice Abbott est une photographe portraitiste puis scientifique américaine.
Elle a contribué à faire connaitre les œuvres d'Eugène Atget et de Lewis Hine. Elle est connue également pour ses photographies de New York, ainsi que pour ses photographies sur des thèmes scientifiques.
Robert Adams est un photographe américain réputé pour ses œuvres capturant le paysage changeant de l'Ouest américain. Ses contributions majeures à la photographie sont reconnues à travers son livre "The New West" (1974) et sa participation à l'exposition "New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape" en 1975. Ses photographies en noir et blanc, qui documentent l'interaction entre les zones urbaines et l'environnement naturel, ont marqué une génération et ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le MoMA et le Metropolitan Museum of Art.
Robert Adams a reçu de multiples distinctions, dont deux bourses Guggenheim, une bourse MacArthur, le Prix de photographie de la Deutsche Börse et le Prix Hasselblad. Ses œuvres, caractérisées par une approche critique mais poétique, illustrent souvent la tension entre la beauté naturelle et les impacts de l'urbanisation.
Pour les collectionneurs et les experts en art, l'œuvre d'Adams offre un regard profond sur la transformation du paysage américain et souligne l'importance de la conservation environnementale à travers l'art. Ses photographies, telles que celles de la série « Colorado Springs », présentent un dialogue visuel entre l'homme et la nature, offrant des perspectives uniques sur l'architecture temporaire et la beauté naturelle de l'Ouest américain.
Si vous souhaitez rester informé des dernières ventes de produits et des événements d'enchères liés à Robert Adams, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour spécifiques à ses œuvres. Cette souscription vous permettra de suivre de près l'évolution du marché et les nouvelles découvertes associées à cet artiste emblématique.
Terry Roger Adkins était un artiste américain. Il était professeur de beaux-arts à l'école de design de l'université de Pennsylvanie.
Adkins était un artiste interdisciplinaire dont la pratique comprenait la sculpture, la performance, la vidéo et la photographie. Ses œuvres sont souvent inspirées par des musiciens ou des instruments de musique, leur sont dédiées ou font référence à eux ; des installations et des expositions spécifiques sont parfois qualifiées de "récitals". Parfois, ces arrangements de sculptures étaient "activés" lors de performances réalisées par le groupe de performance collaboratif d'Adkins, le Lone Wolf Recital Corps.
Urs Aeschbach est un artiste suisse qui travaille avec différentes techniques. La nature est toujours un thème pictural dans les peintures d'Urs Aeschbach. Ses principaux protagonistes sont les champignons, les plantes ligneuses, les animaux, les méduses ainsi que les chiens et les chevaux. L'artiste s'inspire de photographies et d'illustrations. Outre ses peintures, Urs Aeschbach réalise des projets d'art et de construction, des œuvres vidéo ainsi que des constructions et des installations.
Diane Arbus est une photographe de rue américaine.
Elle reste célèbre pour ses portraits de rue effectués au reflex 6x6 bi-objectifs équipé d’une torche à lampes flash au magnésium de forte puissance, sa photographie des Jumelles identiques et celle de l’Enfant à la grenade dans Central Park.
Elle a aussi réalisé un projet sur une communauté de personnes handicapées mentales.
Richard Avedon était un photographe et artiste américain connu pour ses portraits emblématiques et ses photographies de mode.
Avedon a commencé sa carrière de photographe à la fin des années 1940, en travaillant comme photographe indépendant pour des magazines tels que Harper's Bazaar et Vogue. Il s'est rapidement fait connaître pour son style particulier, caractérisé par l'utilisation d'arrière-plans simples et épurés et par sa capacité à capturer l'essence de ses sujets.
Tout au long de sa carrière, Avedon a photographié certaines des personnes les plus célèbres de son époque, notamment Marilyn Monroe, Andy Warhol et les Beatles. Il était également connu pour ses photographies de mode, et son travail a été publié dans de nombreux magazines de mode, dont Harper's Bazaar et Vogue.
Le travail d'Avedon était souvent controversé, car il remettait en question les notions traditionnelles de beauté et de mode. Il était connu pour sa volonté de repousser les limites et son travail était souvent considéré comme un reflet des questions sociales et politiques de son époque.
Aujourd'hui, Avedon est considéré comme l'un des photographes les plus importants du XXe siècle, et son travail continue d'inspirer les artistes et les photographes du monde entier.
John Baeder est un peintre américain étroitement associé au mouvement photoréaliste. Il est surtout connu pour ses peintures détaillées de restaurants et de restaurants américains en bordure de route. Son intérêt pour les petites villes à travers l'Amérique a commencé quand il était jeune en photographiant de vieilles voitures et d'autres reliques. Alors qu'il fréquentait l'Université d'Auburn à la fin des années 1950, il a fait de fréquents voyages entre Atlanta et l'Alabama, ce qui a attiré son attention sur les paysages ruraux et les restaurants en bord de route. Il a commencé à travailler comme directeur artistique à Atlanta pour une succursale d'une agence de publicité new-yorkaise en 1960, puis a déménagé à New York en 1964. Il a poursuivi une carrière réussie dans la publicité au début des années 1970, tout en continuant à peindre. , dessiner et photographier à son rythme. Baeder quitte le domaine de la publicité en 1972 pour poursuivre sa carrière artistique à plein temps. La même année, OK Harris Gallery à New York commence à exposer ses œuvres. Depuis lors, il a eu plus d'une trentaine d'expositions personnelles dans des galeries d'art. Son travail comprend des peintures à l'huile, des aquarelles et des photographies. Le travail de Baeder vise à faire la chronique des aspects en voie de disparition de la culture américaine. Baeder est le récipiendaire du Tennessee Governor's Distinguished Artist Award en 2009.
David Bailey est un photographe de mode et de portrait et un réalisateur de films publicitaires anglais. Il vit et travaille à Londres. Il est connu pour ses photos de mode dynamiques dans les rues londonniennes.
Il est également connu pour avoir inspiré au réalisateur Michelangelo Antonioni le personnage de Thomas le photographe pour son film Blow-Up ainsi que, entre autres, pour son rôle majeur de photographe du British Vogue dans les années 1960.
Lewis Baltz est un photographe américain. Collaborateur régulier de L'Architecture d'Aujourd'hui. La dépression de la société industrielle, ses résidus constituent le thème dominant de son œuvre. Il s'inscrit dans le mouvement de la New Topography à la fin des années 1970. Le travail de Baltz se concentre sur la recherche de la beauté dans la désolation et la destruction. Ses images décrivent l'architecture des paysages où l'homme intervient, des bureaux, usines et parkings. Ses images sont le reflet de l'influence, du contrôle et du pouvoir exercé par et sur l'homme. Ses photographies minimalistes dépeignent la solitude, l'absence de l'autre. En 1974, il capte les relations entre habitat et anonymat dans The New Industrial Parks near Irvine, California. Ses livres et ses expositions sur son «travail topographique» dénonce la crise de la relation entre l'homme et la technologie et ont influencé la génération de photographes essayant de définir à la fois l'objectivité et le rôle de l'artiste dans la photographie.
Frank Balve est un artiste conceptuel allemand.
Il réalise des peintures, des photographies, des sculptures, des performances et des films, et son travail s'inspire souvent d'œuvres littéraires, de Dante au Marquis de Sade. Balve peint ses images, les construit en pierre ou en papier, les met en scène devant la caméra et les traduit en langage. Dans des installations spéciales, il combine ses travaux pour créer des espaces d'expérience que le spectateur doit traverser.
Lillian Bassman est une photographe et artiste américaine.
Directrice artistique de magazines et photographe de mode, elle est devenue célèbre dans les années 1940 et 1950 pour ses portraits très contrastés et oniriques de mannequins aux allures de sylphides. Le style graphique unique de Bassman illustre la mystique et le glamour féminins, ainsi que l'audace d'une artiste qui brouille les frontières entre la photographie de mode et les beaux-arts. Alors qu'elle travaillait comme directrice artistique pour le magazine Bazaar en 1945, elle a contribué à lancer la carrière de nombreux photographes parmi les plus célèbres du siècle.
Alexandra Baumgartner est une artiste allemande qui travaille dans différents domaines créatifs : collage, installation, peinture et art de l'objet. Ses œuvres sont le plus souvent basées sur des photographies trouvées, mais aussi sur des meubles et des objets du quotidien. Des portraits et des images historiques sont découpés, partiellement peints et combinés, plaçant ainsi des sources souvent anonymes dans de nouveaux contextes.
Bernd et Hilla Becher sont un couple de photographes allemands connus pour leurs photographies frontales d'installations industrielles.
Pour donner à leurs photos ce caractère de documentaire « objectif », elles sont toutes prises selon le même protocole immuable : une lumière neutre (ciel couvert) et chaque photo d'une même série est composée de manière identique (angle de vue et cadrage). Il faut ajouter à cela l'utilisation du noir et blanc, d'un téléobjectif pour éviter les déformations et d'une chambre Linhof 8x10, ainsi qu'une présentation spécifique des œuvres, conservées au cours des années.
Une caractéristique esthétique prédomine : les constructions photographiées apparaissent comme des formes géométriques ou tortueuses qui se répètent au long des séries. Ce phénomène de sérialité est caractéristique de la syntaxe photo-conceptuelle qu'ils mettent en pratique dans leur œuvre. Les photographies parfaitement neutres isolent ainsi l'infrastructure. On peut alors comparer les variations formelles entre les bâtiments photographiés, désignés comme des « sculptures anonymes », selon le titre de leur premier ouvrage publié en 1970.
Le travail des Becher joue un rôle dans le renforcement de l'intérêt public pour le patrimoine industriel.
Valérie Belin est une artiste plasticienne française, photographe. Elle vit et travaille à Paris.
Inspirée par différents courants artistiques minimalistes et conceptuels, Valérie Belin s’oriente très tôt vers la photographie, qu’elle choisit comme moyen d’expression plastique.
Dans cet esprit, c’est d’abord le medium photographique lui-même qui est le sujet principal de son œuvre. La lumière, la matière, le corps des choses et des êtres, ainsi que leurs représentations et leurs transformations par le medium photographique, constituent le terrain de ses investigations et l’univers de son propos artistique. Son travail, composé principalement de natures mortes et de portraits a évolué avec la prise en compte des codes propres au monde de l’image et de la représentation.
Walead Beshty est un artiste conceptuel, photographe, sculpteur et écrivain américain qui vit et travaille à Los Angeles.
Né à Londres, au Royaume-Uni, il a étudié au Bard College et a obtenu une maîtrise en beaux-arts de l'université de Yale en 2002. Il a occupé des postes académiques dans des universités américaines.
Beshty est surtout connu pour son travail photographique, mais son intérêt créatif s'étend à un large éventail de domaines, dont la sculpture, la peinture, l'installation et la vidéo. Par exemple, dans l'une de ses œuvres les plus populaires, l'artiste envoie par la poste une série de fenêtres en verre de différentes tailles dans des boîtes en carton, puis expose les fenêtres fissurées et cassées, endommagées pendant le transport, au-dessus des boîtes dans lesquelles elles ont été emballées.
Dieter Blum est un photographe allemand contemporain qui a travaillé pour des publications connues et influentes (magazines allemands Spiegel et Stern, Time américain, Vanity Fair). Au début de sa carrière, il prenait des photos de cow-boys américains, aujourd'hui il préfère travailler avec des musiciens et des danseurs de ballet.
Bernhard Johannes Blume est un photographe d'art allemand.
Bernhard Blume et sa femme Anna Blume ont réalisé de nombreuses photographies noir et blanc mises en scène, auxquelles ils ont eux-mêmes participé. Ils sont considérés comme les pionniers de la photographie mise en scène.
Oliver Boberg est un artiste plasticien et professeur d'art. Il vit et travaille à Fürth et enseigne l'art au Ehrenbürg-Gymnasium de Forchheim.
Ses travaux portent sur les non-lieux dans notre environnement urbain direct. Ses œuvres se fondent sur de vastes archives photographiques dans lesquelles il sélectionne des détails, des couleurs et des structures qu'il assemble dans ses maquettes pour créer une architecture stéréotypée.
Christian Marie Dominique Liberté Boltanski est un artiste plasticien français reconnu comme l'un des principaux artistes français contemporains. Photographe, sculpteur et cinéaste, il est avant tout célèbre pour ses installations et son style conceptuel français contemporain. Il se définit lui-même comme peintre, alors qu'il a, depuis longtemps, abandonné ce support.
Édouard Boubat est un photographe français.
Il fait partie des trois photographes principaux de la revue Réalités où il a travaillé de 1951 à 1969. Il est, avec Brassaï, Willy Ronis, Robert Doisneau, Izis, l'un des principaux représentants de la photographie humaniste française. Son œuvre empreinte de poésie fera dire de lui à Jacques Prévert: «Boubat, un correspondant de paix».
Ses photographies sont diffusées par l'agence Gamma-Rapho.
Derek Paul Boyle est un artiste visuel américain contemporain dont le travail traite souvent de l'anthropomorphisme des objets quotidiens et des interventions absurdes.
Boyle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts au Emerson College de Boston et son master en études numériques et médiatiques à la Rhode Island School of Design.
Boyle a exposé son travail au niveau national et international, notamment au Museum of Modern Art de Cleveland, au Museum of Fine Arts de Boston et à la Saatchi Gallery de Londres. Ses œuvres font partie des collections du Whitney Museum of American Art, du Museum of Fine Arts Boston, du Cleveland Museum of Art et d'autres institutions.
En plus de sa pratique en studio, Boyle enseigne l'art et travaille en tant qu'artiste invité dans diverses institutions, dont la Rhode Island School of Design, la School of Visual Arts et l'université du Michigan.
Mark Boyle est un artiste écossais de l'underground britannique.
Depuis 1985, il forme avec sa femme Joan Hills et leurs enfants Sebastian et Georgia un groupe d'art co-créatif appelé The Boyle Family. La famille Boyle a expérimenté différentes techniques et différents styles. Ils ont notamment réalisé des performances et des événements, des films et des projections, des enregistrements sonores, des photographies, des microphotographies électroniques, des dessins, des assemblages, des peintures, des sculptures et des installations.
Cependant, leur projet à long terme le plus connu reste Journey to the Earth's Surface (Voyage à la surface de la terre), qu'ils ont commencé en 1964 et qui constitue un continuum d'œuvres étranges et intéressantes. Ces peintures - des moulages dessinés très précis, à mi-chemin entre la peinture et la sculpture - sont des recréations minutieuses de sections de la surface de la terre choisies au hasard, en utilisant de la résine et de la fibre de verre, ainsi que des matériaux réels collectés sur le site étudié.
Miguel Rio Branco, de son nom complet Miguel da Silva Paranhos do Rio Branco, est un photographe, artiste, réalisateur et créateur d'installations multimédias brésilien.
Son père était diplomate et, pendant son enfance, Miguel a vécu en Espagne, au Portugal, en Suisse et aux États-Unis. Il vit et travaille aujourd'hui à Rio de Janeiro, au Brésil. Après avoir obtenu un diplôme de photographie au New York Institute of Photography, Miguel a d'abord travaillé comme caméraman, puis a collaboré avec l'agence Magnum.
Miguel est connu pour avoir exploré et croisé deux formes d'art différentes : la peinture et la photographie. Il a également tourné 14 courts métrages et 8 longs métrages, et il est reconnu internationalement comme l'un des meilleurs photojournalistes en couleur. Les photographies de Miguel Rio Branco font partie des collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art de New York.
Peter Brandes est un peintre, sculpteur, céramiste et photographe danois.
L'art de Brandes est abstrait et souvent en couleurs brunes. Il a fait sa percée en tant qu'artiste au début des années 1980. Il a, entre autres, réalisé des œuvres d'art sur la Roskilde Domkirke et des vitraux en mosaïque (verre coloré) dans une église à Nordkap et dans l'église Village of Hope, au sud de Los Angeles. En 1998, il a créé les énormes Roskilde Jars qui se trouvent à l'extérieur de la gare centrale de Roskilde.
Brandes est autodidacte et son art tourne autour des thèmes du christianisme. La mythologie grecque ancienne a également inspiré son art. Brandes a illustré un certain nombre de livres, par exemple l'Iliade d'Homère. Une grande partie des œuvres en céramique de Brandes sont inspirées de l'art et de la mythologie de la Grèce antique.
Nick Brandt est un photographe britannique. Il est connu pour ses photographies en noir et blanc d'animaux sauvages et de paysages d'Afrique.
Brandt a commencé sa carrière de photographe en travaillant comme réalisateur de clips musicaux dans les années 1990, avant de se tourner vers la photographie d'art. Son travail dépeint souvent les animaux d'Afrique de manière puissante et émotive, soulignant la beauté et la fragilité de ces créatures et de leurs habitats naturels.
Les photographies de Brandt ont été largement exposées et font partie des collections de nombreux grands musées, dont la National Portrait Gallery de Londres, le Museum of Fine Arts de Houston et le Smithsonian National Museum of African Art de Washington, D.C. Il a également publié plusieurs livres de photographies, dont "On This Earth", "A Shadow Falls" et "Across The Ravaged Land".
Outre ses photographies, M. Brandt est également le fondateur de la Big Life Foundation, une organisation à but non lucratif qui se consacre à la conservation de la faune et des écosystèmes en Afrique de l'Est. Il a reçu de nombreux prix et distinctions pour ses photographies et son travail de conservation, notamment le prestigieux prix Wildlife Photographer of the Year.
Mona Breede est une photographe allemande.
Mona Breede a étudié la photographie à l'École bavaroise de photographie de Munich et à l'École supérieure d'art de Karlsruhe. De 2001 à 2002, elle a enseigné la photographie et le design à la Merkur Akademie de Karlsruhe. Après avoir travaillé quelque temps à Chicago, Mona Breede s'est rendue en 2007 en Asie et en Russie, d'où elle a ramené une série de photographies de Shanghai, Moscou et Saint-Pétersbourg.
Aujourd'hui, la photographe s'intéresse surtout aux lieux et aux personnes. En tant que photographe, Mona Breede a un œil sensible et empathique. Son travail interprète la réalité, la marque et possède un grand pouvoir d'expression.
Micha Brendel est un artiste allemand qui vit et travaille à Hohendorf en Basse-Lusace.
Brendel a commencé sa carrière en tant qu'assistant artiste, puis a étudié à la Kunsthochschule Berlin-Weißensee et à la HfBK de Dresde. Il a été l'un des fondateurs de l'association Auto-Perforations-Artisten et rédacteur en chef de magazines indépendants destinés aux artistes.
Les premières œuvres de Brendel sont centrées sur des autoportraits et des photographies de son propre corps, déformées par des techniques photographiques. Il a également fait un usage intensif de matières organiques, notamment d'os et de peau d'animaux, dans la création d'une grande variété d'œuvres. Le thème commun est l'autodestruction et l'aliénation, le choc et le dégoût. Brendel a écrit des comptes rendus détaillés de son processus de création, qui ont servi de base à des livres.
L'œuvre de Brendel, qui dépasse souvent les frontières, comprend des dessins, des photographies, des inscriptions, des livres d'artiste, des objets de taxidermie, des installations et des performances. Il intensifie actuellement son travail sur l'écriture et la nature et organise des projets d'exposition.
Johannes Brus est un artiste allemand. Il vit à Essen.
Brus travaille principalement comme sculpteur et comme photographe. Il expérimente différentes techniques qui lui permettent de briser les conventions de chaque genre. Nombre de ses œuvres se caractérisent par un humour singulier. Brus aborde les aspects de la mémoire culturelle et des fonctions des images.
Daniele Buetti est un artiste visuel suisse qui travaille selon plusieurs modes, dont l'installation et l'intervention. Les médias avec lesquels il travaille comprennent la photographie, la sculpture, le dessin, le son, la vidéo et les formes numériques. Il est professeur à l'Université des Beaux-Arts de Munster où il enseigne depuis 2004. Il vit et travaille à Zurich, en Suisse, et à Münster, en Allemagne.
Son travail a été décrit comme "une expression de la lassitude du monde et de l'orientation existentielle précaire de l'individu". Dans les années 1990, le travail de Buetti a servi de critique visuelle de la consommation de la beauté. Ce travail s'appropriait souvent des images de mannequins et de produits de consommation de haute couture provenant de magazines et percées au stylo à bille.
Harry Callahan était un photographe et un artiste américain surtout connu pour son travail novateur et expérimental au milieu du XXe siècle. Il a commencé sa carrière artistique en tant que peintre avant de se tourner vers la photographie.
L'œuvre photographique de Callahan se caractérise par son intérêt pour l'abstraction, les motifs et les formes. Il a souvent photographié des objets et des scènes de la vie quotidienne, tels que des panneaux de signalisation, des bâtiments et des paysages, et a utilisé son appareil photo pour explorer la beauté et la complexité du monde qui l'entoure.
Callahan était également connu pour son travail d'enseignant, et il a enseigné la photographie à la Rhode Island School of Design pendant de nombreuses années. Parmi ses élèves figuraient des photographes de renom tels qu'Aaron Siskind et Ray K. Metzker, et il était connu pour son approche rigoureuse et stimulante de l'enseignement.
L'héritage de Callahan en tant qu'artiste et photographe continue d'influencer la photographie et l'art contemporains. Ses techniques innovantes et son style distinctif continuent d'inspirer de nouvelles générations d'artistes, et son œuvre est reconnue comme une contribution significative à l'histoire de la photographie.
Yoan Capote est un sculpteur cubain. Durant la 7e édition de la Biennale de La Havane, il a reçu le prix UNESCO avec le collectif d’artistes DUPP (Desde una Pragmática Pedagógica).
Yoan Capote est considéré comme un artiste prometteur, que ce soit à Cuba mais aussi à travers le monde. Son travail — perçu comme «provocateur», «irrévérencieux» et «anti-conformiste» par bon nombre de critiques — traite essentiellement des interactions qui peuvent exister entre les individus et les objets.
Henri Cartier-Bresson était un photographe, photojournaliste et dessinateur français de renommée mondiale. Il est célèbre pour son concept de "l'instant décisif" en photographie, capturant des moments qui illustrent profondément la nature humaine et le monde autour de nous. Cartier-Bresson a cofondé l'agence Magnum Photos en 1947, révolutionnant la photographie de rue et le photojournalisme.
Sa formation artistique a commencé dans la peinture avant de se tourner vers la photographie, influencé par l'œuvre des surréalistes et des maîtres du cubisme comme André Lhote. Son travail reflète une fusion unique entre l'art, la photographie et le journalisme, influençant profondément les générations futures de photographes.
Les œuvres de Henri Cartier-Bresson sont préservées et exposées dans des institutions prestigieuses à travers le monde, telles que la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris, le Metropolitan Museum of Art, et la Victoria and Albert Museum, où ses photographies sont considérées comme des trésors nationaux.
Pour ceux qui sont passionnés par la photographie et l'art, suivre l'œuvre de Cartier-Bresson offre une perspective unique sur le XXe siècle et son héritage continue d'inspirer et de fasciner. Pour rester informé des expositions, des ventes et des événements liés à Henri Cartier-Bresson, envisagez de vous inscrire aux newsletters de la Fondation Henri Cartier-Bresson ou des musées qui conservent ses œuvres.
Lucien Clergue est un photographe français de la photographie en noir et blanc, premier photographe à être élu membre de l'Académie française des beaux-arts.
Lucien Clergue est l'un des photographes les plus célèbres de France et le fondateur du festival annuel d'Arles, qui est devenu un événement majeur dans le monde de la photographie d'art avec jusqu'à 100 000 participants. Ses œuvres photographiques renommées - études modernistes en noir et blanc de nus féminins, d'arlequins, d'animaux morts, de gitans et de tauromachie - sont considérées comme exemplaires de l'artiste photographe. Clergue est également connu pour son amitié avec Pablo Picasso, qui a duré une trentaine d'années, jusqu'à la mort de l'artiste.
Fabrizio Clerici était un peintre, dessinateur, illustrateur, scénographe et architecte italien.
Clerici a obtenu un diplôme d'architecte et a été fortement influencé par les monuments antiques, la peinture et l'architecture de la Renaissance et du Baroque. En 1943, Clerici a organisé sa première exposition personnelle à la Galleria dell'Arte Cairola de Milan, présentant des dessins, des aquarelles, des lithographies et des gravures. Ses premières illustrations de livres datent de la même époque.
En 1947, Clerici entame une carrière prolifique au théâtre, au ballet et à l'opéra en faisant ses débuts en tant que décorateur dans une production de la pièce de George Bernard Shaw, Mrs Warren's Profession. L'année suivante, il participe pour la première fois à la Biennale de Venise. Il y rencontre Salvador Dalí et conçoit les décors et les costumes d'Orphée d'Igor Stravinsky au théâtre La Fenice. En 1949, il réalise de grandes peintures architecturales fantaisistes.
La suite de la vie de l'artiste aux multiples facettes Fabrizio Clerici a été riche en travaux dans les domaines artistiques les plus divers, en succès créatifs et en expositions. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées aux États-Unis, dont le MoMA et le musée Guggenheim, ainsi qu'en France, notamment au Centre Pompidou.