Portraitistes Autoportrait
William Matthew Prior était un artiste populaire américain connu pour ses portraits, notamment de familles et d'enfants.
Environ 1 500 portraits sont attribués à Prior. Ses œuvres se trouvent dans de nombreux musées et institutions aux États-Unis, notamment les Harvard Art Museums, le Museum of Fine Arts, Boston, et la National Gallery of Art.
Cristofano Allori ou Christophe Allori est un peintre italien. Ses œuvres se distinguent par leur stricte adhérence à la nature et par la délicatesse et la perfection technique de leur exécution. Son adresse technique est démontrée par le fait que ses copies de tableaux du Corrège semblent avoir été réalisées par le Corrège lui-même. L'extrême maniaquerie de Allori a limité le nombre de ses œuvres. Son chef-d'œuvre est probablement Judith et la tête d'Holopherne, dont existent deux exemplaires, au palais Pitti à Florence et à la Queen's Gallery de Londres.
Alexeï Petrovitch Antropov (en russe : Алексей Петрович Антропов) était un artiste russe de renom, spécialisé dans la peinture. Né dans une Russie où l'art commençait à s'épanouir, Antropov est surtout connu pour ses contributions significatives à l'art et à la culture russes, notamment dans le domaine du portrait.
Antropov était un peintre exceptionnel, dont le talent a grandement influencé le développement de l'art russe. Ses œuvres sont appréciées pour leur technique précise et leur capacité à capturer l'essence de ses sujets avec une profondeur et une sensibilité remarquables. Artiste de la cour, ses portraits de membres de la famille impériale et de hauts dignitaires reflètent un style unique qui combine réalisme et éléments stylistiques de l'époque.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on compte les portraits de l'impératrice Catherine la Grande, exposés dans de prestigieux musées tels que la Galerie Tretiakov et le Musée Russe. Ces tableaux ne sont pas seulement des chefs-d'œuvre artistiques, mais aussi d'importantes pièces historiques qui offrent un aperçu de la cour impériale russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Antropov représente un investissement précieux et un trésor culturel. Ses peintures sont un témoignage éloquent de l'art du XVIIIe siècle en Russie, marquant une période significative dans l'histoire de l'art du pays.
Nous invitons tous les passionnés d'art et collectionneurs à s'inscrire pour recevoir des mises à jour sur les nouvelles ventes de produits et événements d'enchères liés à Alexeï Petrovitch Antropov. Cette inscription est une opportunité unique de rester informé des dernières découvertes et offres concernant l'œuvre de ce maître de l'art russe.
Ivan Petrovitch Argounov (en russe: Иван Петрович Аргунов) était un artiste russe de grande renommée, spécialisé dans le portrait. Né dans une famille de serfs, Argounov a su s'élever au-delà de sa condition pour devenir l'un des peintres les plus respectés de sa génération. Sa capacité à capturer l'essence et la noblesse de ses sujets, malgré sa propre origine modeste, témoigne de son talent exceptionnel et de son importance dans l'art russe.
Argounov est particulièrement connu pour ses portraits détaillés de la noblesse et des figures importantes de son époque, qui sont aujourd'hui exposés dans des musées et des galeries à travers la Russie. Ces œuvres se distinguent par leur réalisme saisissant et leur attention méticuleuse aux détails, qualités qui font d'Argounov un maître incontesté de l'art du portrait.
L'un des aspects remarquables de son travail est sa capacité à transmettre l'individualité et l'humanité de ses sujets, faisant de chaque portrait une fenêtre sur l'âme. Cette approche humaniste, combinée à une technique impeccable, place Argounov parmi les figures les plus influentes de la culture artistique russe.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités, l'œuvre d'Ivan Petrovitch Argounov offre un aperçu fascinant de l'art et de la société russes du XVIIIe siècle. Nous vous invitons à vous inscrire pour recevoir des mises à jour sur les ventes de produits et les événements d'enchères liés à Ivan Petrovitch Argounov. Cette souscription est une opportunité unique de rester informé des dernières découvertes et offres concernant ce peintre emblématique.
George Barret le Jeune était un peintre britannique, maître aquarelliste et paysagiste.
Il était le fils du peintre irlandais George Barret l'Ancien (1730-1784) et a appris la peinture avec son père. Il a exposé à la Royal Academy à partir de 1800 et a été un membre actif de la Society of Watercolour Painters, qui a été créée avec ses propres encouragements en 1804. Ses premières œuvres étaient principalement des paysages topographiques dans un style similaire aux aquarelles de son père. Plus tard, il s'est tourné vers des compositions plus romantiques avec des paysages imaginaires.
En 1840, George Barret publie The Theory and Practice of Watercolour Painting.
Thomas Baumgartner, peintre allemand, s’est distingué par son talent exceptionnel dans l’art pictural, notamment dans la peinture de scènes rurales. Son œuvre, souvent ancrée dans la tradition bavaroise, célèbre la vie quotidienne des paysans et des chasseurs, capturant avec précision les nuances de la culture rurale de son époque.
Au début de sa carrière, Baumgartner a reçu une formation solide en tant que peintre décoratif avant de perfectionner ses compétences à l'Académie de Munich. Ses voyages en Hollande et en Italie ont enrichi sa palette et influencé son style, qui combine robustesse et finesse dans la représentation des détails. Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses expositions internationales, et il a été particulièrement reconnu pour ses portraits puissants et ses scènes de la vie paysanne (Artnet) (Gailer Fine Art Chiemsee) (Deutsche Biographie).
Parmi ses œuvres les plus remarquables, on trouve des peintures telles que « Kreuther Bauer » (vers 1925), « Sommerblumenstrauß » (vers 1930), et « Ständchen » (1922), qui illustrent son habileté à capturer l'essence de ses sujets avec une grande expressivité et une attention méticuleuse aux détails. Ces tableaux sont très recherchés par les collectionneurs et les experts en art, témoignant de la pérennité de son impact sur le monde de l'art.
Thomas Baumgartner reste un artiste influent, dont les œuvres continuent d’être étudiées et appréciées pour leur contribution unique à l'histoire de l'art allemand. Son engagement envers l'authenticité et la précision dans la représentation de la vie rurale en fait une figure de proue dans le domaine de la peinture paysanne.
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Abraham Bloemaert est un peintre et graveur néerlandais (Provinces-unies) du siècle d'or.
Il forme de nombreux élèves et exerce une très forte influence sur le développement de l'art pictural à Utrecht à la charnière entre les xvie et xviie siècles, et plus tard ; de ce fait, il est considéré comme le père de l’école picturale de cette ville. Il compte parmi les représentants les plus importants du maniérisme dans les Pays-Bas septentrionaux. Après une brève période caravagesque, son style évolue progressivement vers le classicisme.
Erwin Bowien était un peintre, auteur et poète allemand. Erwin Bowien a d´abord grandi à Berlin, puis à Neuchâtel en Suisse où il reçoit sa première formation artistique chez le Professeur William Racine. Des œuvres de l’artiste ont été acquises par le ministère de la culture de Rhénanie-du-Nord-Westphalie, du Musée de Husum, du Musée de Lörrach, du Kreisheimatmuseum à Springe et des Collections municipales d’art de Hann. Münden, Solingen et de Weil am Rhein. Sa première exposition individuelle a eu lieu quand il n`avait que 18 ans en Suisse dans la Galerie " A la Rose d´Or" de Neuchâtel. Dans les années 1920 il effectua de grandes expositions à Solingen en Rhénanie où il s´était fixé dès 1925. Lors de son exil volontaire aux Pays-Bas, entre 1933 - 1942, il exposa ses œuvres dans de nombreuses cités néerlandaises, notamment à Hoorn, à Gorinchem, à Schoorl et à La Haye. De retour en Allemagne, il reprendra à exposer ses oeuvres au bout des années de famine d´après-guerre.
Theodore Penley Boyd est un artiste australien d'origine britannique. Il était membre de la dynastie artistique Boyd : ses parents Arthur Merrick Boyd et Emma Minnie Boyd (née Beckett) étaient des artistes célèbres de l'époque, et ses frères comprenaient le céramiste Merrick Boyd et l'écrivain Martin Boyd. Penley Boyd est surtout connu comme peintre paysagiste, manipulant magistralement les effets d'éclairage éphémères. Il a notamment été influencé par l'artiste E. Phillips Fox, qui l'a initié à la technique du plein air alors qu'ils étaient voisins à Paris.
Paul Bril, un peintre et graveur flamand, s'est illustré dans l'art du paysage. S'établissant à Rome en 1575, Paul Bril a révolutionné la peinture de paysage en y intégrant une observation minutieuse de la nature et une maîtrise de la perspective aérienne. Son passage du maniérisme flamand à un style plus doux et ouvert reflète une influence mutuelle avec les artistes italiens, notamment Annibale Carracci.
Ses œuvres, souvent peintes sur cuivre ou sur panneau, dépeignent des scènes animées par des chasseurs ou des motifs mythologiques, témoignant d'une remarquable attention au détail et à la lumière. Paul Bril a également contribué à l'évolution du paysage en tant que genre indépendant, marquant ainsi des artistes tels que Claude Lorrain et Agostino Tassi. Devenu directeur de l'Accademia di San Luca en 1621, Bril a joué un rôle clé dans le milieu artistique romain jusqu'à sa mort.
Inscrivez-vous pour découvrir plus sur Paul Bril et restez informés des dernières ventes et événements d'enchères liés à cet artiste pionnier du paysage. Rejoignez-nous pour explorer l'impact durable de Bril sur l'art du paysage et sa contribution à la culture et l'histoire de l'art.
James Brown est un peintre, sculpteur, dessinateur et graphiste américain. Il travaille entre Paris et Oaxaca de Juárez (Mexique). Il a atteint le sommet de sa reconnaissance dans les années 1980 avec une peinture semi-figurative et proche de l'art rupestre. Son travail a évolué au fil des ans, mais il maintient toujours l'équilibre entre tradition et modernisme, attachant une grande importance au fait-main. Il mêle dans ses œuvres des motifs de l'art tribal et des intérêts spirituels. Une grande partie de son travail est non-réaliste, mais contient des scènes ou des objets ou des signes de visages reconnaissables. La ligne entre la représentation et l’abstraction est souvent difficile à cerner dans son travail. Outre les peintures et sculptures, Brown a également produit des séries de gravures à divers moments de sa carrière, et dans les années 1990, il a commencé à utiliser massivement la technique du collage. Le dessin et d'autres œuvres uniques sur papier ont joué un rôle important dans son développement artistique et dans sa production.
Lilla Cabot Perry, de son nom de naissance Lydia Cabot Perry, est une peintre impressionniste américaine.
Lydia Cabot Perry commence à peindre après son mariage et la naissance de ses enfants. Elle passe quelque temps au Japon et en France, où elle peint beaucoup. Après sa rencontre avec Claude Monet, qui a lieu en 1894, l'artiste change radicalement de style et de technique d'image. Parmi d'autres genres, elle privilégie la peinture de paysage.
Daniel Caffe était un peintre de portraits spécialisé dans le pastel. Caffe a commencé sa carrière comme peintre de décoration architecturale avant de s'orienter vers le portrait, un domaine dans lequel il a excellé après son installation à Dresde. Influencé par l'œuvre néoclassique d'Anton Raphael Mengs, Caffe a été apprécié pour sa capacité à capturer les nuances subtiles des expressions humaines dans ses portraits.
Au cours de sa carrière, Caffe a eu l'opportunité de travailler pour des mécènes russes distingués, tels que le prince Beloselski et l'amiral Fyodor Grigoryevich Orloff, et il est également connu pour avoir réalisé des copies d'œuvres de la Galerie de Dresde. Après dix ans à Dresde, il a déménagé à Leipzig, où il a continué à peindre jusqu'à sa mort.
Daniel Caffe est un exemple remarquable de l'art du portrait au pastel du XVIIIe siècle, reflétant les influences néoclassiques et la transition vers des styles plus personnels et expressifs dans l'art européen de l'époque. Son œuvre reste une source précieuse d'inspiration et d'étude pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités.
Pour les amateurs d'art et les collectionneurs intéressés par l'œuvre de Daniel Caffe, inscrivez-vous à nos mises à jour pour recevoir des informations exclusives sur les nouvelles ventes et événements d'enchères liés à ses œuvres. Ce service vous garantira de ne manquer aucune opportunité liée à cet artiste emblématique.
Simone Cantarini, aussi connu sous le nom de Simone da Pesaro ou Il Pesarese, était un peintre et graveur baroque italien. Formé initialement chez Giovanni Giacomo Pandolfi puis Claudio Ridolfi, Cantarini a été profondément influencé par le style de Guido Reni lors de son séjour dans son atelier à Bologne. Cette influence est palpable dans ses œuvres qui allient classicisme et naturalisme, avec une prédilection pour les sujets religieux et une maîtrise remarquable du portrait.
Après le décès de Guido Reni, Simone Cantarini retourna à Bologne, où son style devint plus naturaliste et personnel, caractérisé par un pictorialisme riche et des couleurs délicatement nuancées. Ses œuvres comme « La Vierge de la Ceinture » et « Le Couronnement de la Vierge avec saints » témoignent de sa capacité à injecter une nouvelle sensibilité et intimité dans la peinture de l'époque. Cantarini a également laissé un héritage significatif en tant que graveur et a formé plusieurs élèves, influençant ainsi les générations futures d'artistes.
Pour les collectionneurs et experts en art, l'œuvre de Simone Cantarini représente un chapitre fascinant de l'art baroque italien, offrant un aperçu d'une période de transition stylistique. Son talent en tant que peintre et graveur, combiné à son style unique, en fait un sujet d'étude et de collection précieux.
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Giulio Carpioni était un peintre et graveur italien. Il est connu pour son style qui recherche le réalisme et l'objectivité, influencé par des artistes tels que Saraceni et Jean Leclerc, ainsi que par la peinture lombarde suite à son voyage à Bergamo avec son maître, Alessandro Varotari, dit Il Padovanino.
Giulio Carpioni a laissé une empreinte significative dans la ville de Vicence, où il s'est installé définitivement à partir de 1638. Il a travaillé avec Francesco Maffei sur la décoration des oratoires des Zitelle et de San Nicola à Vicence. Après le départ de Maffei, Carpioni est devenu un artiste très demandé, réalisant de nombreuses compositions religieuses et des peintures mythologiques, notamment des bacchanales.
Parmi ses œuvres les plus célèbres, on trouve des fresques à la villa Pagello à Caldogno et des peintures dans divers musées et collections à travers le monde, comme le Musée des Beaux-Arts de Chambéry, le Musée des Beaux-Arts de Reims, et le Musée des Offices à Florence. Dans ses dernières années, il s'est également consacré à la gravure.
Pour ceux qui s'intéressent à l'art et à l'histoire de la peinture, et en particulier aux collectionneurs et experts en art et antiquités, l'œuvre de Giulio Carpioni représente un témoignage précieux de la culture et de l'histoire artistique italienne.
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Stepan Semyonovitch Chtchoukine (еn russe : Степан Семёнович Щукин) était un artiste et peintre de portraits russe, réputé pour ses œuvres à l'aquarelle et ses portraits minutieux. Né à Moscou en 1754 et décédé à Saint-Pétersbourg en 1828, Chtchoukine a commencé ses études d'art sous la tutelle de Dmitry Levitzky à l'Académie impériale des arts. Après une période de formation à l'Académie de Peinture et de Sculpture à Paris, il retourne en Russie où il devient professeur de portrait à l'Académie.
Ses contributions à l'art russe sont indéniables, ayant peint des figures emblématiques telles que le tsar Paul I et d'autres membres de la haute société. Chtchoukine a été promu académicien et a finalement obtenu le titre de Conseiller à l'Académie, influençant de nombreux étudiants, dont Vasily Tropinin.
Ses œuvres sont présentes dans de prestigieuses collections et musées, reflétant son importance dans l'histoire de l'art russe. Les connaisseurs d'art et les collectionneurs apprécient particulièrement la finesse de ses portraits et son style unique.
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André Alfred Edmond Cluysenaar est un peintre belge, surtout connu pour ses portraits et ses sujets féminins. André Alfred Edmond Cluysenaar est le fils d'Alfred Cluysenaar, peintre historique. Suivant son influence, il débute par des oeuvres historiques. En 1902, André Cluysenaar expose, au Salon de la Société des Beaux-Arts, un portrait de son épouse en compagnie de sa fille. Le succès de cette toile lui ouvre les portes de nombreuses commandes de la haute société bruxelloise. Jusqu'au début le la guerre, il reste un portraitiste fort demandé à Bruxelles. Au cours de la guerre, André Cluysenaar réalisera le portrait de nombreuses personnalités anglaises. Après la guerre réalise à nouveau des portraits de personnalités politiques ou artistiques, comme ceux d'Eugène Ysaÿe et d'Albert Baertsoen et se consacre également à peindre pour lui. Ce seront des natures mortes, des paysages et des nus « où ses dons de coloriste lui ont fait accomplir des pages charmantes de blondeur et de limpide clarté, de fraîcheur, de morbidesse et de vénusté». Il obtient une mention honorable au Salon des artistes français en 1907.
Vittorio Matteo Corcos est un peintre portraitiste italien.
En 1904, peintre renommé, il exécute en Allemagne le portrait de Guillaume II, de son épouse et de nombreuses personnalités allemandes. Marguerite de Savoie, épouse d'Humbert Ier d’Italie, Amélie d'Orléans, dernière reine du Portugal sont les autres têtes couronnées que Vittorio Matteo Corcos immortalise.
Son autoportrait est admis, en 1913, dans la collection des autoportraits du corridor de Vasari de la Galerie des Offices à Florence.
Imogen Cunningham était une photographe professionnelle portraitiste américaine. Elle a vécu et travaillé à San Francisco.
Féministe militante — pour elle, la photographie est un métier — c'est une figure de proue de la photographie américaine du ХХe siècle, à l’œuvre vaste et diversifiée.
Sa carrière s’étend sur plus de 70 ans. Pour chaque décennie, Imogen Cunningham adapte son art aux attentes et aux défis de celles-ci.
Jean Augustin Daiwaille est un peintre néerlandais d'origine allemande spécialisé dans la peinture de portraits. Jean Augustin Daiwaille naît à Cologne en 1786. Il étudie la peinture à Amsterdam auprès d'Adriaan de Lelie. Il devient directeur de l'Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam de 1820 à 1826. Par la suite, il s'installe à Rotterdam, où il rencontre beaucoup de succès avec ses peintures de portraits.
Cesare Dandini est un peintre italien baroque de l'école florentine, membre de la famille d'artistes italiens des Dandini. Cesare Dandini, est l'un des peintres les plus importants et les plus originaux du Seicento toscan. En 1621, il s'inscrit à l'Académie de dessin et en 1625, il exécute la Pietà pour l'église de la Santissima Annunziata. À ce retable succédent des peintures essentiellement religieuses. Sa première manière, orientée de préférence vers le courant naturaliste est sensible aussi à la leçon du Caravage, et se distingue par des compositions aux forts contrastes de clair-obscur cherchant de préférence à explorer avec langueur et finesse des figures viriles.
Léon Marie Constant Dansaert était un peintre et illustrateur belge exceptionnel. Son œuvre a laissé une trace significative dans l'histoire de l'art mondiale et dans l'histoire de l'art grâce au style unique et à l'habileté du peintre.
Léon Marie Constant Dansart était célèbre pour ses portraits et ses scènes de genre, qui se caractérisaient par une profonde compréhension psychologique des modèles. Dans ses œuvres, le désir de transmettre non seulement la ressemblance physique, mais aussi le monde intérieur des personnalités représentées est clairement visible.
Jules De Bruycker, un artiste belge prolifique, était connu pour ses gravures et dessins précis. Il a représenté la ville de Gand, les tranchées de la Première Guerre mondiale et a illustré des livres. Son travail a été influencé par des artistes tels que James Ensor et Frank Brangwyn. De Bruycker a également produit des gravures de cathédrales et des portraits sensuels. Son impact s'est étendu à une nouvelle génération d'artistes, dont Gustave van de Woestijne.
Meyer Isaac de Haan est un peintre néerlandais. En 1874, il est admis à l'Académie nationale des arts d'Amsterdam. En 1880, une de ses œuvres est exposée au Salon de Paris. La même année, une reproduction de son tableau Een moeilijke plaats in de Talmoed paraît dans le journal Eigen Haard, provoquant une vive discussion (moins esthétique que théologique). En tant qu'artiste spécialisé dans les pièces de genre juives, il a connu un succès raisonnable aux Pays-Bas. À Amsterdam, de Haan peint des portraits et enseigne. Il reste à Amsterdam jusqu'en 1888, où il peint principalement des portraits de Juifs de la classe ouvrière. Ses premiers travaux ont été inspirés par des maîtres d'école néerlandais tels que David Teniers et Rembrandt. Le modèle de la peinture du XVIIe siècle se reflète dans sa peinture d'histoire de 1877–1888.
Cornelis Cornelisz. van Haarlem était un peintre, dessinateur et architecte néerlandais. Avec Karel van Mander et Hendrik Goltzius, il est l'un des principaux artistes du maniérisme néerlandais de l'école de Haarlem, plus communément appelé Cornelis van Haarlem.
Giuseppe de Nittis était un peintre italien associé au mouvement Macchiaioli, qui est apparu à la fin du XIXe siècle en réaction au style académique traditionnel de la peinture.
Giuseppe de Nittis a d'abord étudié à l'Académie napolitaine des beaux-arts avant de s'installer à Paris en 1868, où il a été influencé par le mouvement impressionniste et les œuvres d'Édouard Manet et d'Edgar Degas. Il est rapidement reconnu pour sa capacité à transmettre habilement la lumière et l'atmosphère dans ses peintures.
Le style de De Nittes peut être décrit comme un mélange de réalisme et d'impressionnisme. Il a souvent représenté des scènes urbaines, des paysages et des portraits. Son travail se caractérise par un pinceau lâche, des couleurs vives et un sens aigu de l'observation.
Jean-François de Troy est un peintre et dessinateur de cartons de tapisseries français.
De son vivant, Jean-François de Troy fut considéré comme l'un des plus importants peintres d'histoire de France. Il était également sollicité pour ses peintures décoratives, portraits et peintures de genre. Dans ce dernier registre, il est considéré comme l'inventeur des « tableaux de modes » qui tentent de donner un portrait authentique des mœurs, modes et passes-temps de son époque.
Francesco Cairo, également connu sous le nom de Francesco del Cairo, était un peintre baroque italien qui a travaillé en Lombardie et au Piémont. Ses premières œuvres documentées datent d'environ 1635. Ses premières peintures sont influencées par Morazzone et suivent la tendance moderne du ténébrisme. Cairo est particulièrement connu pour ses peintures aux thèmes pathétiques, notamment celles exécutées dans des couleurs délicates représentant des femmes souffrantes. Le Caire était également apprécié en tant que portraitiste. Il a peint de nombreux retables pour des églises de Milan, Turin, Varèse et même Santa Maria degli Scalzi à Venise.
Jean Delvin est un peintre animalier belge. Jean Delvin a étudié la peinture durant l'époque romantique à Bruxelles. En 1883, il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant-garde Les XX mais en démissionne en 1886. Il a ensuite exposé aux salons de La Libre Esthétique. Il a souvent représenté des chevaux et chevaux de trait dans ses tableaux et a également peint des marines, des scènes de baignades et des panneaux décoratifs pour l'architecture. En 1881, Delvin est nommé professeur à l'école des beaux-arts de Gand et en deviendra président de 1902 à 1913.
Gustave Den Duyts était un peintre, aquarelliste, pastelliste, graveur et graphiste belge, connu pour ses paysages. Son travail graphique a rapidement attiré l'attention. Ses eaux-fortes lui valurent un prix en 1875 au concours organisé par la revue "Journal des Beaux-Arts". En revanche, lors de la cinquième exposition de la Vereniging der Gentsche Kunstoefenaren, sa peinture est critiquée car trop moderne. Ses formes indéfinies forçaient le spectateur à plisser les yeux pour le distinguer et ce flou de définition est aujourd'hui considéré comme un précurseur de l'impressionnisme flamand. Une grande partie de son travail était des paysages urbains ou des paysages avec un sentiment mélancolique, souvent avec un soleil couchant ou une lune montante et généralement réalisés en automne ou en hiver. Les paysages sont généralement nus, squelettiques et stylisés, trahissant le fait qu'il était un graveur habile, mais jamais détaillé. Les figures humaines ou animales ne sont pas clairement définies mais semblent se dissoudre dans l'arrière-plan.
Selma des Coudres était une peintre moderniste lettone-allemande et membre fondatrice de l'Association des artistes de Fürstenfeldbruck. Son travail comprend des dessins, des paysages, des natures mortes, des portraits et des illustrations allant de l'Art nouveau à l'expressionnisme. Elle a étudié à l'école de dessin d'Elise von Jung-Stilling à Riga et a obtenu un diplôme de l'Académie de Saint-Pétersbourg en tant que professeur de dessin. Ses illustrations de poésie et de contes de fées baltes contemporains sont influencées par l'Art Nouveau. Après la mort de son mari, elle se concentre sur le marché de l'art régional et fonde l'association des artistes de Fürstenfeldbruck. Ses premières œuvres montrent des formes stylisées, des lignes fortes et une ambiance mélancolique.
Franz Doll était un peintre, dessinateur et graphiste allemand. Poupée spécialisée dans le portrait et les paysages. Il réalise de nombreux portraits de personnalités connues. Les œuvres de l'artiste se trouvent à la Staatliche Graphische Sammlung Munich. De 1938 à 1947, il est professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. En 1928, il reçoit le prix d'art de la ville de Munich, en 1930 le prix Albrecht Dürer de la ville de Nuremberg et en 1940 la médaille Goethe. Franz Doll était membre de la Neue Secession de Munich depuis 1930 et, à partir de 1946, de son successeur, le Neue Gruppe, ainsi que membre fondateur de l'Association des gravures originales. Franz Doll était membre de l'association d'artistes 7 peintres munichois. En 1938 et 1943, il participe aux Grandes expositions d'art allemand à Munich.
Otto Eerelman est un peintre, graveur et lithographe néerlandais. Il est célèbre pour avoir réalisé de nombreuses peintures équestres ainsi que certaines de chiens. Il a aussi été engagé à plusieurs reprises pour réaliser les portraits de la reine Wilhelmine et de la famille royale néerlandaise lors d'événements officiels.
Walker Evans est un photographe documentaire américain.
Promoteur d'une photographie vernaculaire, figure majeure de la photographie américaine du ХХe siècle, Walker Evans conservera de sa vocation littéraire le souci d'un regard attentif sur les villes et sur ceux qui y vivent.
Par sa portée humaniste et documentaire, l'œuvre qui marque très tôt sa différence avec les courants contemporains saura influencer toute une génération.
Henri Jacques Édouard Evenepoel est un peintre, dessinateur et graveur belge dont les œuvres ont été principalement exécutées dans le style fauviste. Evenepool fait ses débuts artistiques au Salon de Paris en 1894 avec un portrait de sa cousine Louise. L'année suivante, lorsqu'il participe à une exposition sur le Champ de Mars, il présente déjà quatre portraits. Par la suite, Evenepool expose régulièrement au Champ de Mars. Durant l'hiver 1897-1898, il est à Alger. Dans la même période - de décembre 1897 à janvier 1898 - sa première exposition personnelle a lieu à Bruxelles. Les plus courantes parmi les œuvres du peintre étaient les portraits des membres de sa famille et de ses amis - le portrait était son genre de prédilection. Les peintures d'Evenepoul ont été influencées par Édouard Manet et James Whistler, ainsi que par Henri de Toulouse-Lautrec et Jean-Louis Forain pendant la période parisienne. Et si ses premières toiles étaient réalisées dans des couleurs sombres, au fil du temps, Evenepul est passé à une palette plus claire et plus audacieuse. En plus des portraits picturaux, Evenepul a peint des affiches, des dessins graphiques et des lithographies.
Jakob Fischer-Rhein, artiste allemand, était un dessinateur, portraitiste et paysagiste talentueux.
Après une formation de dessinateur technique, il étudie à l'Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf et poursuit ses études à Munich. Pendant la Première Guerre mondiale, il fut prisonnier de guerre en France, où il put continuer à peindre.
Fischer-Rhein s'est également établi en Amérique et a créé des œuvres impressionnantes, notamment celles représentant la ligne d'horizon de New York.
Il était membre des SA à l'époque nazie et était représenté aux expositions nationales-socialistes. Après la guerre, il s'installe à Miltenberg et peint des motifs de différentes villes. Fischer-Rhein se considérait comme un peintre académique et restait à l'écart des tendances modernes.
Volterrano (ou il Volterrano) né Baldassarre Franceschini, était un peintre italien du XVIIe siècle, qui se rattache au maniérisme tardif de l'école florentine. Actif à Florence, à Volterra et à Rome, il a été très influencé par Pietro da Cortona. Il était principalement connu pour ses fresques, retables et peintures de chevalet pour les églises et les palais de Florence, Volterra et Rome. Son sujet était varié et comprenait des portraits, des scènes bibliques et mythologiques, des peintures d'histoire et des compositions allégoriques.
LaToya Ruby Frazier est une artiste américaine, qui utilise divers médias comme la photographie, la vidéo, la performance et l'installation pour explorer les thèmes de la justice sociale, du changement culturel et de l'expérience américaine. Son travail s'inscrit dans la tradition du documentaire social et de la photographie conceptuelle, s'attaquant à des questions urgentes liées à la vie quotidienne.
La série emblématique de Frazier, « The Notion of Family », explore l'impact de la dégradation environnementale et économique des villes ouvrières sur sa famille à Braddock. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses institutions aux États-Unis et en Europe et font partie de collections publiques prestigieuses comme le Museum of Modern Art à New York et le Centre Georges Pompidou à Paris. Frazier est lauréate de plusieurs distinctions, dont une bourse de la Fondation MacArthur en 2015.
Son engagement envers les communautés défavorisées est également manifeste dans son travail sur la crise de l'eau à Flint, Michigan, où elle a choisi de mettre en lumière l'humanité et la résilience des habitants face à l'adversité. Frazier s'identifie à des figures influentes comme Gordon Parks, utilisant sa caméra comme une arme pour lutter contre l'injustice et documenter les histoires souvent ignorées des Américains marginalisés.
Si vous êtes un collectionneur ou un expert en art et en antiquités et que vous souhaitez rester informé des ventes de produits et des événements de vente aux enchères liés à LaToya Ruby Frazier, inscrivez-vous pour recevoir des mises à jour. Cette souscription vous permettra de rester connecté avec l'univers de l'art contemporain et de ne pas manquer les opportunités liées à l'œuvre de Frazier.
Carl Geist est un peintre impressionniste allemand. Carl étudie au lycée de Laubach, et entre en 1888 à l'Académie des beaux arts de Stuttgart. Par la suite il complète sa formation à Munich, à Vienne et en Italie. Il expose en 1900 au Palais des glaces (Munich). Il réside brièvement à Darmstadt puis retourne à Grünberg en 1905. La première Guerre mondiale le touche profondément, avec la perte d'amis tels que August Macke et Franz Marc. Il abandonne alors l'impressionnisme pour un style plus académique, et sa production décline fortement.
Günter Wilhelm Grass est un écrivain et artiste allemand.
Lauréat du prix Nobel de littérature en 1999, Grass est principalement connu pour son roman Le Tambour.
Marquée par l'expérience traumatique du nazisme, son œuvre, baroque et ironique, puise son inspiration dans son origine germano-polonaise et condense réalisme et mythe afin d'explorer les méandres de l'Histoire, la mémoire et la culpabilité. Considéré comme l'un des plus grands écrivains allemands contemporains et le plus célèbre auteur germanophone de la seconde moitié du ХХe siècle, il est aussi remarqué pour ses prises de positions politiques à l'origine de nombreuses controverses en Allemagne et à l'international.
Albert Pieter Hahn est un artiste peintre, dessinateur, caricaturiste et affichiste néerlandais, proche du mouvement socialiste et antimilitariste. Ses dessins rencontrent un grand succès auprès des lecteurs. Il illustre les mouvements de grèves, la misère ouvrière, les problèmes de logement dans certains quartiers d'Amsterdam. Son trait mordant, son acuité, le rendent célèbre dans les milieux de gauche. Il est l'un des piliers du journal satirique De Notenkraker, qui devient le supplément hebdomadaire illustré de Het Volk en 1907. Il y dessinera jusqu'à sa mort et prend régulièrement pour cible l'antirévolutionnaire Abraham Kuyper1. D'autres périodiques, tout aussi engagés, font appel à ses talents. Il réalise aussi quelques affiches lithographiées, parmi les plus belles de cette période, dans la lignée du Nieuwe Kunst, d'une grande puissance graphique. Lorsque la Première Guerre mondiale éclate, Hahn se consacre pendant des mois uniquement à la représentation de scènes de combats ou de privations, des dessins souvent jugés pessimistes, sarcastiques et noirs.
Bahram Hajou est un peintre kurde dont les œuvres peuvent être classées dans le néo-expressionnisme. Il vit et travaille à Münster en tant qu'artiste indépendant. En 1974, Bahram a émigré en Allemagne, où il a étudié à la Münster Art Academy de 1978 à 1984. Depuis 1981, il a participé à des expositions dans son pays et à l'étranger.
Han Hsiang-ning est un artiste taiwano-américain. Han a participé à de nombreuses expositions muséales de premier plan. Il utilise souvent la peinture au pistolet et peint des scènes de rue photoréalistes. En 1961, il rejoint le "Fifth Moon Group". Il a commencé la peinture à l'huile de forme abstraite et ses œuvres sont apparues pour la première fois dans le magazine Pen Review. En 1963, il commence à travailler au rouleau et au pochoir sur du papier de riz, toujours abstrait, mettant l'accent sur la forme et la structure de l'espace. En 1969, il commence des travaux de peinture au pistolet à l'aide de peinture acrylique sur toile, crée la série "Invisible Image". En 1971, dans le processus de peinture au pistolet, a trouvé comment créer différentes combinaisons de points de couleur pulvérisés, une forme de pointillisme. En 1971, il a continué la technique du pistolet pulvérisateur, mais a commencé à utiliser des scènes de la ville de New York comme sujet et son appareil photo comme outil de dessin. En 1972, il lance des études sur des scènes industrielles avec des images vives. Il réalise son premier autoportrait en 1981. En 1983, il commence à utiliser des pinceaux pour peindre l'aquarelle et l'encre sur papier. Ses sujets sont les foules de rue et les vues à vol d'oiseau des intersections des rues de New York.
Karl-Heinz Hansen-Bahia (1915-1976), né à Hambourg en Allemagne, était un artiste remarquable connu principalement pour ses gravures sur bois. Après la Seconde Guerre mondiale, en 1946, Hansen-Bahia a commencé à créer des gravures sur bois, se concentrant sur des scènes religieuses fortement influencées par Durer. En 1949, il émigre au Brésil, s'installant d'abord à São Paulo où il enseigne l'art et expose ses œuvres, avant de déménager à Salvador de Bahia en 1955.
Son style distinctif s'inspirait davantage du pays qui est devenu sa nouvelle maison, le Brésil, que de celui qu'il avait quitté. Il est devenu l'un des artistes allemands d'après-guerre les plus importants, grâce à son expression unique mêlant l'artisanat artistique traditionnel allemand et la riche culture imaginative brésilienne. Durant sa carrière, il a exposé à l'international, notamment en Europe, au Japon et dans les Amériques.
Hansen-Bahia a eu un impact significatif sur la scène artistique brésilienne, non seulement en tant que graveur, mais aussi en tant qu'illustrateur de nombreux livres publiés au Brésil. Son œuvre témoigne de l'échange culturel diversifié entre l'Allemagne et le Brésil. Après avoir brièvement retourné en Allemagne, il a accepté un poste de professeur à l'Académie des Arts d'Addis-Abeba en Éthiopie, avant de retourner dans son pays d'adoption, le Brésil, où il a obtenu la citoyenneté brésilienne. Des rétrospectives étendues de son travail ont été organisées en Allemagne entre 1971 et 1972, avant son décès en 1976.
Pour les collectionneurs, les commissaires-priseurs et les experts en art et antiquités, il est important de noter que le Musée Hansen Bahia à Cachoeira et la Fondation Hansen Bahia à São Félix conservent et gèrent son héritage artistique. Ces institutions témoignent de son apport considérable à l'art et à la culture brésiliens.
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Waldemar Hau (en russe : Владимир Иванович Гау) était un peintre portraitiste germano-balte, actif principalement dans le style Biedermeier. Né en 1816 à Tallinn, dans une communauté germanophone, il était le fils de Johannes Hau, lui-même peintre. Dès son plus jeune âge, Waldemar Hau a étudié avec Karl von Kügelgen et a rapidement gagné en notoriété, ayant même eu l'opportunité de peindre les grandes-duchesses russes dès l'âge de seize ans.
Au cours de sa carrière, Hau a beaucoup voyagé, notamment en Italie et en Allemagne, avant de devenir peintre de cour. Cette position lui a permis de passer trois décennies à peindre la famille royale et leurs proches, consolidant ainsi sa réputation dans les cercles aristocratiques et artistiques de l'époque. Il est décédé le 23 mars 1895 à Saint-Pétersbourg.
Ses œuvres sont reconnues pour la finesse de ses miniatures sur ivoire ainsi que pour ses portraits détaillés, qui ont souvent capturé l'élégance et le raffinement de l'aristocratie de son temps. Certaines de ses œuvres sont exposées dans des galeries et musées renommés, comme la Tretyakov Gallery à Moscou.
Pour les collectionneurs et les experts en art et antiquités intéressés par l'œuvre de Waldemar Hau, nous vous invitons à vous inscrire à nos mises à jour. Vous recevrez des alertes exclusives sur les nouvelles ventes et événements d'enchères concernant ses œuvres.
Wilhelm Heise était un peintre allemand associé à la Nouvelle Objectivité. Il gagnait sa vie en peignant des horloges, pour lesquelles il développa une technique minutieuse. En 1925, il participe à l'exposition Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité) à Mannheim qui réunit de nombreux artistes "post-expressionnistes" de premier plan, dont George Grosz, Otto Dix, Max Beckmann et Georg Scholz. Son autoportrait peint intitulé Fading Spring est représentatif de son style. Heise a remporté le prix Nuremberg Dürer en 1937.
Guillaume-Jacques Herreyns, le Jeune, nom francisé de Willem-Jacob Herreyns est un peintre flamand. Issu d'une dynastie picturale où s'était illustré avant lui son bisaïeul Jacques Herreyns l'Ancien, Guillaume Herreyns fait l'apprentissage de son art à l’Académie de peinture d'Anvers. Le talent d'exécution de ses tableaux d'art sacré lui vaut de recevoir le titre honorifique de peintre de cour du roi Gustave III de Suède en 1780. Il est également pourvu du titre de premier peintre des États de Brabant. En septembre 1800, il est promu directeur de l’École spéciale de peinture, sculpture et architecture d'Anvers. Il est également nommé membre de l'Institut royal des Pays-Bas après 1814. Son œuvre est celle d'un bon technicien des couleurs (tirant sur le sombre et sur le rouge) et d'un dessinateur au trait précis, mais témoigne d'un ressenti un peu froid, plus appliqué qu'inspiré.
Louis Christian Hess était un peintre et sculpteur autrichien de la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) allemande des années 1920. En 1915, Hess expose ses premières œuvres - dessins, tempera et gravures - à la "Turn und Taxishof Galerie" à Innsbruck. Après la guerre, de 1919 à 1924, il fréquente la Bayerische Akademie der Bildenden Künste à Munich, dans la classe du professeur C. Becker-Gundhal. En 1920, Hess assiste à la première exposition collective "Ausstellung Junger Münchner - Graphische Kunstwerkstätten" à Munich présentée par George Jacob Wolf. En 1928, il devient proche de Max Beckmann jusqu'à son exil. Hess a participé au "Sommer Ausstellung des Deutschen Künstler Verbandes AUFBAU - E. V." à Munich et certaines de ses peintures ont été exposées à Berlin. En 1929, il rejoint le mouvement "Juryfreie", dont il devient le chef jusqu'à son interdiction en 1933 par le régime national-socialiste. L'ostracisme artistique pratiqué par le nazisme a poussé Hess à un exil volontaire.
Gussy Erika Edith Hippold-Ahnert, née Ahnert, était une peintre allemande et élève en master d'Otto Dix. Les premiers travaux de l'étudiante de Dix, comme le tableau Lying Nude de 1931, montrent sa proximité avec la nouvelle objectivité ou le vérisme de Dix. Elle a atteint son apogée artistique en 1932/1933, lorsqu'elle a développé un style de peinture qui lui est propre, un caractère indubitable dans la technique du vitrage enseignée par Dix. L'œuvre tardive d'Hippold-Ahnert est étroitement liée aux œuvres de son mari Erhard Hippold et d'autres artistes de cette région et de cette époque.
Peter Hirsch est un peintre, graphiste et dessinateur allemand. Enfant, il a suivi des cours particuliers de peinture, s'est formé auprès d'un lithographe et a étudié à l'Académie de Munich. Il expose au Palais de verre de Munich et au Kunstverein, est ostracisé en Allemagne en 1933-1945 comme l'un des artistes "dégénérés". Il a travaillé aux États-Unis, au Canada, aux Pays-Bas, en Italie, en Angleterre, en France, en Hongrie et en Suisse. Depuis 1944, il s'est temporairement installé à Schliersee. De 1930 à 1969, il a été chargé de cours au Centre d'éducation des adultes de Munich.
Henrik Hondius I est un éditeur et un graveur de l'âge d'or hollandais. Hondius étudie auprès d'orfèvres de Bruxelles avant de prendre des leçons de peinture auprès de Johannes Wierix. En 1604, il va à Leyde, où il apprend les mathématiques et l'architecture sous la direction d'Hans Vredeman de Vries. En 1610, Hondius publie Pictorum aliquot celebrium praecipue Germaniae inferioris Effigies, qui comprend 69 portraits d'artistes, dont une gravure d'Hans Holbein.
Feodosiï Ivanovitch Ianenko (еn russe : Феодосий Иванович Яненко), artiste peintre russe du XVIIIe siècle, a marqué son époque par ses œuvres religieuses et ses portraits. Né en 1762, Ianenko a été formé à l'Académie impériale des beaux-arts sous la tutelle de Gabriel Ignatievich Kozlov. Il s'est distingué rapidement par son talent, notamment en 1795, lorsqu'il fut reconnu pour ses études de la figure humaine nue, une réalisation qui lui a valu le titre d'académicien deux ans plus tard.
L'une de ses œuvres les plus célèbres, "Voyageurs dans la tempête", conservée au musée de l'Académie, illustre son habileté à capturer l'intensité des expressions humaines et la fureur de la nature. Outre ses tableaux de scènes dramatiques, Ianenko a largement contribué à la décoration de la cathédrale Kazan à Saint-Pétersbourg, où ses œuvres religieuses reflètent son profond sens de la spiritualité et son attention aux détails iconographiques.
Son talent pour le portrait est également reconnu dans le portrait de l'empereur Paul I, exposé à la galerie Tretiakov. Cette œuvre démontre sa capacité à transmettre l'autorité et la complexité du personnage représenté. Les contributions de Ianenko à l'art russe restent influentes; ses tableaux sont exposés dans des institutions de renom telles que la galerie Tretiakov à Moscou, témoignant de son héritage durable dans le monde de l'art.
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